W tej strefie proponujemy bardzo szeroką ofertę z dziedziny psychologii oraz dziedzin powiązanych: astronomii i astrofizyki, ekologii, filozofii, kultury, podróżnictwa, religii, socjologii, sztuki. Szczególnie polecamy z tej kategorii bestseller pt. Księga Urantii. Księga Urantii podaje jasną i zwięzłą integracją nauki, filozofii i religii. Ci, którzy ją czytali i zgłębiali, wierzą, że Księga Urantii może wnieść bardzo wiele wartości do religijnej i filozoficznej myśli ludzi tego świata.
Świat jeszcze stoi, ale nic już go nie trzyma. Parlamenty obradują, sądy orzekają, banki centralne emitują pieniądz. Za pozorami ciągłości nie ma już jednak ani idei, ani elit zdolnych nadać przyszłości kierunek. Rewolucja cyfrowa, polityka klimatyczna, migracja i utrata gwarancji bezpieczeństwa gwałtownie przyspieszyły rozpad powojennej architektury Zachodu. Porządek świata rozpada się średnio co dziesięć pokoleń. Naszemu wystarczyły cztery. „Rozpad”, pierwszy tom dyptyku, to anatomia końca liberalnego ładu. Fragment książki: Tom pierwszy, „Rozpad”, rekonstruuje zewnętrzną ramę: okoliczności, w jakich powstał porządek po 1945 i 1989 roku, oraz powody, dla których traci zdolność działania. Główna teza tej części jest niewygodna dla obu stron sporu o liberalizm. O trwałości tamtego porządku decydowały dwa czynniki: jednobiegunowy układ sił oraz moc idei stanowiących jego fundament. Kiedy znika układ sił, na którym opierał się dany porządek, samo przywiązanie do niego nie wystarcza, aby zapewnić mu dalsze trwanie, bez względu na to, jak jest głębokie. Następnie tom opisuje cztery procesy, które rozpad przyspieszyły i nadały mu konkretną treść: politykę klimatyczną i dezindustrializację, rewolucję medialną i rozpad wspólnej przestrzeni informacyjnej, dezintegrację społeczeństw spowodowaną migracją oraz erozję gwarancji bezpieczeństwa. Kolejność nie jest przypadkowa. Trzy pierwsze procesy osłabiały Zachód od środka, a czwarty zaczął zdejmować z niego zewnętrzną osłonę, która przez dekady pozwalała ignorować ich skutki. Tom drugi, „Sukcesja” [którego premiera planowana jest na I kwartał 2027 roku], zbudowany jest symetrycznie. Najpierw opisuje wymianę elit, pochodzenie i słabości warstwy pretendującej do władzy oraz ryzyko, że nowa elita okaże się jedynie lustrzanym odbiciem starej. Następnie odpowiadam na pytanie, co ma być budulcem przyszłego ładu. Przedmiotem tej części jest naród, wciąż istniejąca struktura zdolna wytworzyć w społeczeństwie świeckim zobowiązanie ponadpokoleniowe. Tom, a wraz z nim całość, zamyka wyznanie osobiste, ponieważ nie uważam, aby autor piszący o rozpadzie porządku, w który sam przez większość życia wierzył, miał prawo ukrywać się za pozorem całkowitej bezstronności. Te dwa tomy należy czytać jak dyptyk. „Rozpad” ukazuje siły rozrywające dotychczasową formę, „Sukcesja” zaś – walkę o formę, która zajmie jej miejsce. Nie piszę w przekonaniu, że ten cykl jest wyrokiem. W sporze między Spenglerem a Konecznym opowiadam się po stronie tego drugiego. Cywilizacje nie umierają ze starości. Umierają wtedy, gdy przestają odróżniać środki, dzięki którym funkcjonują, od celów, dla których istnieją, i gdy ich elity uznają, że utrzymanie własnej pozycji jest ważniejsze niż zachowanie wspólnoty, której tę pozycję zawdzięczają. Jednak z każdego wyboru i z każdej decyzji można się wycofać, a błędy można naprawić. „Rozpad” jest zatem opisem stanu rzeczy. „Sukcesja” jest pytaniem, na które nikt jeszcze nie odpowiedział. Ta książka jest próbą postawienia go w sposób, który uczyni odpowiedź w ogóle możliwą.
Amedeo Modigliani (1884–1920) – anioł o smutnym obliczu, malarz smukłych portretów i najbardziej zmysłowych aktów w dziejach sztuki. Romantyczny i przeklęty, żył w Paryżu wśród cyganerii Montmartre’u i Montparnasse’u, uzależniony od alkoholu i haszyszu. Zmarł w wieku trzydziestu pięciu lat, a dwa dni później jego partnerka – Jeanne Hébuterne – odebrała sobie życie.Malował szybko i z pasją, łącząc klasykę z awangardą – inspiracje sztuką afrykańską i egipską splatał z renesansową wizją człowieka. W epoce kubizmu, futuryzmu i deformacji pozostał wierny statycznej formie i ludzkiemu wizerunkowi, nierozpraszany tym, co działo się wokół. Ta niezależność, dzięki której jego prace nigdy nie wydają się przestarzałe, stanowi o jego wielkości.Niedoceniany za życia, dziś należy do najbardziej znanych i inspirujących malarzy wszech czasów.Sławomir Cendrowski jest doktorem nauk humanistycznych, specjalistą w zakresie historii sztuki i kultury, wykładowcą uniwersyteckim, redaktorem monografii i katalogów wystaw muzealnych. Zajmuje się także sztuką regionalną. Autor opublikował wiele artykułów z malarstwa nowożytnego oraz mecenatu artystycznego. Jest też autorem albumów popularnonaukowych z dziedziny malarstwa.
Niedoceniany za życia, dziś wciąż nie zajmuje należnego mu miejsca w panteonie mistrzów Odrodzenia. A przecież ten syn węgierskiego emigranta dorównał największym mistrzom Odrodzenia, a w niejednej dziedzinie ich przewyższył. Sam Rafael wieszał jego rysunki na ścianie swojej pracowni.Albrecht Dürer parał się wszystkim naraz – rysunkiem i malarstwem, grafiką i teorią sztuki – i w każdej z tych dziedzin sięgnął wyżyn. Jako pierwszy wprowadził do niemieckiego malarstwa nagość i sceny mitologiczne, zgłębiał tajniki anatomii i proporcji, a w niewielkich akwarelach – pejzażach, roślinach, zwierzętach – okazał się badaczem równie dociekliwym i niestrudzonym jak sam Leonardo.A wszystko to zdobył sam, pokonując przeszkody, o jakich jego włoscy koledzy nawet nie słyszeli. Zerwał z rodzinną tradycją rzemiosła i uparł się dowieść, że prawdziwy artysta jest podobny Stwórcy.Luba Ristujczina – historyczka sztuki, autorka licznych publikacji prezentujących malarstwo polskie i światowe. Miłośniczka wiedeńskiej secesji, twórczości Egona Schielego, literatury i kultury Bałkanów, pięknych książek, muzyki, zwłaszcza dawnej, oraz filmu. Mieszka w Bielsku-Białej.
Renoir malował świat piękniejszym, niż był naprawdę. Na jego płótnach służące zamieniają się w Afrodyty, a zmęczone życiem dziewczyny z Montmartre'u śmieją się, tańczą i wygrzewają w letnim słońcu. Różnice klasowe znikają, bieda przestaje być widoczna – pozostaje młodość, ciepło skóry i blask światła na liściach.A przecież sam malarz przez długie lata walczył o przetrwanie. Najbiedniejszy spośród impresjonistów, często nie miał na farby ani czynsz. Buntował się przeciwko skostniałej akademii, współtworzył pierwszą wystawę impresjonistów, by ostatecznie odnaleźć własną drogę i sławę portrecisty elit.Historia człowieka, który mimo biedy, odrzucenia i wyniszczającej choroby do końca szukał w świecie wyłącznie piękna. Gdy reumatyzm odebrał mu władzę w dłoniach, przywiązywano mu pędzel bandażami. Malował dalej – codziennie, z uporem maniaka.Agnieszka Kijas – krytyczka sztuki, pisarka i dziennikarka. W podcaście Dawno temu w sztuce opowiada o malarstwie tak, jak lubi najbardziej: prosto, z sercem i bez nadęcia. Jest autorką książek o wielkich malarzach i popularyzatorką sztuki, którą przybliża zarówno podczas spotkań na żywo, jak i w przestrzeni online.
Twórczość zmarłego pięć wieków temu brabanckiego mistrza od stuleci fascynuje krytyków i wielbicieli sztuki, inspiruje kolejne generacje twórców: malarzy, poetów, filmowców, a także filozofów i psychologów. W pełnej pasji opowieści autorka prezentuje artystę oraz jego dzieło na naszkicowanym z rozmachem tle przełomu średniowiecza i renesansu. Analizując słynne obrazy, prowadzi czytelnika przez gąszcz znaczeń, symboli, wizji i sennych koszmarów budujących potęgę wyobraźni Hieronima Boscha.Luba Ristujczina – historyczka sztuki, autorka licznych publikacji prezentujących malarstwo polskie i światowe. Miłośniczka wiedeńskiej secesji, twórczości Egona Schielego, literatury i kultury Bałkanów, pięknych książek, muzyki, zwłaszcza dawnej, oraz filmu. Mieszka w Bielsku-Białej.
Polskie standardy jazzowe w opracowaniu Marcina Maseckiego to zbiór stu piosenek z czasów dwudziestolecia międzywojennego. Tom zawiera kompozycje najważniejszych polskich kompozytorów tego okresu – Zygmunta Karasińskiego, Fanny Gordon, Jerzego Petersburskiego czy Artura Golda. Znajdziemy próbkę wszystkich najmodniejszych kierunków stylistycznych epoki: tanga, fokstroty, slowfoxy i walce, które znamy z wykonań m.in. Eugeniusza Bodo, Mieczysława Fogga, czy Marty Mirskiej, a współcześnie – Jazz Bandu Młynarski-Masecki.Choć minął już niemal wiek od pierwszych gramofonowych rejestracji, piosenki nadal przyciągają świeżością, humorem, a czasem nutką nostalgii, jak w utworach Ach, jak przyjemnie, Umówiłem się z nią na dziewiątą, Miłość ci wszystko wybaczy.Zbiór został przygotowany jako tzw. „real book” – zawiera melodię, tekst i symbole akordów, co pozostawia wykonawcom przestrzeń do kreowania własnej, autorskiej aranżacji.
Czwarty tom, wydawanej od 2024 roku przez Polskie Wydawnictwo Muzyczne, serii „Klasycy polskiej piosenki” poświęcony został Violetcie Villas – jednej z najbardziej charakterystycznych postaci polskiej sceny muzycznej, która debiutowała w latach 60. ubiegłego wieku.Obdarzona ogromnym talentem wokalnym i osobowością sceniczną artystka, pozostawiła po sobie bogaty i różnorodny repertuar od lirycznych ballad, po pełne rozmachu piosenki estradowe.Publikacja zawiera 22 utwory, wśród których znalazły się ponadczasowe przeboje takie jak Do ciebie, mamo, Nie ma miłości bez zazdrości czy Dla ciebie, miły, którym w 1961 roku zwyciężyła w plebiscycie „Expressu wieczornego” na najlepszy polski szlagier.Piosenki zostały opracowane na fortepian, głos i gitarę (tzw. układ PVG) przez Stefana Feliksa Gąsieńca – kompozytora, pianistę i aranżera, autora muzyki rozrywkowej i współczesnej na różne obsady, a także kompozytora muzyki teatralnej, filmowej i dziecięcej, współpracującego z takimi osobowościami polskiej sceny muzycznej jak Stanisław Soyka, Justyna Steczkowska czy Ewa Bem.Publikacja stanowi wartościową pozycję zarówno dla profesjonalnych muzyków, jak i dla wszystkich miłośników piosenki pragnących wykonywać utwory jednej z największych gwiazd polskiej sceny muzycznej.
A compelling and authoritative overview of the drawings of Vincent van Gogh, one of the most celebrated and intriguing figures in the history of art.The Drawings of Vincent van Gogh is a comprehensive account celebrating the genius and singularity of the artist's achievements in this field. Arranged by theme - from drawings of humble harvesters to beautifully rendered depictions of landscape, pensive life studies to memorable sketches of the famous Yellow House in Arles and other places - Van Gogh's works on paper are explored from a fresh perspective by art historian Christopher Lloyd, who records the artist's successes, failures, experiments, trials and disappointments. Primarily self-taught, Van Gogh approached drawing instinctually, but soon recognized the importance of mastering the grammar of art - anatomy, modelling, foreshortening, perspective - as well as materials and techniques, in order to convey his emotional responses to a subject as vividly as possible.Using examples from the artist's voluminous and highly charged family correspondence, sketchbooks, as well as comparative artworks by Rembrandt, Dürer and others, the resulting overview gives us a greater understanding of why drawing is so important within Van Gogh's unique oeuvre and equals the intensity and reputation of his paintings.
Symbole stanowią jeden z najważniejszych elementów języka sztuki. Pozwalają artystom przekazywać idee, emocje i treści, które często pozostają niewidoczne dla współczesnego odbiorcy. Umiejętność ich odczytywania otwiera drogę do pełniejszego zrozumienia dzieł powstałych w różnych epokach i kręgach kulturowych. W książce Symbole w sztuce Susie Hodge przedstawia znaczenie najważniejszych motywów i symboli obecnych w malarstwie, rzeźbie i innych dziedzinach sztuki. Omawia m.in.: zwierzęta, rośliny, przedmioty, części ciała i kolory, wyjaśniając ich pochodzenie, symbolikę i zmieniające się na przestrzeni wieków interpretacje. Liczne ilustracje i reprodukcje dzieł sztuki ułatwiają odnalezienie omawianych motywów oraz ich właściwe odczytanie. Symbole w sztuce to przystępne kompendium wiedzy dla wszystkich zainteresowanych historią sztuki – zarówno osób rozpoczynających swoją przygodę z jej interpretacją, jak i bardziej doświadczonych miłośników sztuki, którzy chcą lepiej rozumieć ukryte znaczenia dzieł i świadomie odczytywać ich wizualny język.
The main focus of Ewa Kocój’s research has become a tale of an immured woman and Master Manole – popular in Romania but also found in many regions of Central-Eastern and Southern Europe. The present analysis was inspired by the author’s field research conducted in the Curtea de Argeș monastery, where she has observed the existence of two realities of ideas connected to that space, in which two women’s devotion constitutes the canvas for the archaic beliefs about the immured wife of Master Manole, which the members of the local community still recount to this day. The author was able to prove that this tale confirms the universal character of the consciousness construct, which sustains the timeless phenomenon of the inner spiritual transformation with the help of symbols. The present monograph showcases a great deal of knowledge supported by very important empirical experience, which is the result of a few decades of field research in many parts of Romania. The research activity of the anthropologist allowed her to familiarise herself with the observed individuals; understand their mentality; explain the meanings which they assign to the reality surrounding them. The author shares this experience with readers in a communicative manner, filling a knowledge gap about this country. dr hab. Eugeniusz Kłosek, prof. UWr. Prof. dr hab. Ewa Kocój – ethnographer, cultural anthropologist, professor at the Institute of Culture of the Jagiellonian University, psychologist and psychotherapist. Her main research interests are difficult heritage, cultural memory and memory of national, ethnic as well as religious minorities in Central and South-Eastern Europe. She researches religiosity in multicultural border regions; human relations with artefacts – including religious and folk art, as well as Carpathian heritage. Currently, she focuses on the traces of traumatic cultural heritage and underground museum practices in the Carpathian region in her research. Studies on Heritage and Cultural Memory- The series presents new Polish and foreign research on heritage and cultural memory as well as modern discussions devoted to methods and theories connected to this field. It offers the readers publications on cultural memory, artefacts, material and immaterial cultural heritage as well as their interrelationships. Its focus centres around heritage and cultural memory in different contexts, including heritage of national, ethnic as well as religious minorities; heritage of border regions; and the difficult, uncomfortable heritage without heirs or of the marginalised and the excluded. The authors research the processes connected to the constructs of heritage and cultural memory as well as the methods of their use and misuse; while tracing the tensions between the ideologised and lived heritage. They are also interested in the notions of heritage and memory negotiations, image construction of the past and use thereof within different cultural strategies and political agendas. Series Editorial Board: Prof. dr hab. Ewa Kocój – series editor, dr hab. Bożena Gierat-Biedroń, dr hab. Monika Golonka-Czajkowska, prof. UJ, dr hab. Agnieszka Gronek, prof. UJ, dr hab. Alicja Kędziora, prof. UJ, dr hab. Krzysztof Kowalski, prof. dr hab. Grażyna Kubica-Heller, dr hab. Anna Niedźwiedź, prof. UJ, dr Joanna Szulborska-Łukaszewicz, dr hab. Stanisława Trebunia-Staszel, dr hab. Patrycja Trzeszczyńska, dr hab. Cezary Woźniak, prof. UJ, dr hab. Małgorzata Zawiła
Platon (427 p.n.e.-347 p.n.e.) uczeń Sokratesa, którego śmierć uważał za niewyobrażalną zbrodnię ateńskiej republiki, napisał 35 dialogów. I są to dialogi fundamentalne w historii filozofii, można wręcz powiedzieć, że bez nich filozofii by nie było. W niniejszym tomie zebraliśmy trzy dialogi: Hippiasz Mniejszy czyli o kłamstwie. Hippiasz Większy czyli o Pięknie oraz Ion czyli o Iliadzie (albo o szale poetyckim, dowodzi w nim bowiem Platon - ustami Sokratesa - że genialność Iliady na natchnieniu się opiera, a nie na wiedzy, jak twierdzi tytułowy Ion). Dwa pierwsze należą do grupy tzw. dialogów obalających, a trzeci do badawczych. Wszystkie trzy zaś pochodzą z wczesnego okresu twórczości Platona, okresu zwnaego też sokratejskim. W Hippiaszu Mniejszym Sokrates prowadząc rozmowę z wybitnym sofistą, tytułowym Hippiaszem docieka istoty kłamstwa i prawdy. W Hippiaszu Większym dyskutuje zaś z tym samym interlokutorem próbują dociec istoty piękna. Sokrates odrzucając pomysły sofisty doprowadza dialog do konkluzji, iż "to co piękne jest trudne" i ostatecznej definicji nie da się ustalić.
A bold, dynamic, and definitive survey of contemporary street photography from across Africa, featuring leading image makers shaping a vibrant and exciting genre.Energetic, colorful, experimental―street photography across Africa has a well-established and complex history, and its own unique dynamic. From classic compositions of architecture, people, and movement, to street-style portraits and photographs of youth culture, music, and dance―the street becomes a stage. It’s about identity, personality, and storytelling: friends skateboarding, a chance encounter, the hustle and bustle of megacities.The streets have long been a home to innovation, fashion, and desire, where boundaries between private portrayal, public encounter, and fashion shoots are often blurred: artist and filmmaker Salaheddine El Bouaaichi photographs young people on the streets and creates covers for the rap scene. Delali Ayivi is commissioned to make work for fashion magazines including Vogue and Dazed. Siaka Soppo Traoré organizes hip-hop performers to showcase breakdancing in markets.Coauthored by curators Nadine Barth and Azu Nwagbogu, Street Photography Africa presents the work of over thirty photographers in thematic chapters. It offers an overview of contemporary street photography―how it mixes with street style and youth culture in urban cities today―as well as the photo fairs, festivals, and communities underpinning this dynamic scene.
One hundred years of jewelry design, revealed through a remarkable selection of rarely seen drawings from the Petit Palais’s collection.This richly illustrated volume explores more than a century of creativity, innovation and craftsmanship through a rare and remarkable selection of jewelry design drawings from the Petit Palais’s exceptional collection. Beautiful in their own right – luminous gouaches, finely worked studies and delicately annotated sketches – these sheets offer privileged insight into the imagination and technical mastery of their makers.Drawings by designers including Pierre-Georges Deraisme and Charles Jacqueau are presented alongside designs for leading houses such as Boucheron, Cartier, Lalique, Rouvenat and Vever. Organized into themed sections, the book traces the path from inspiration to execution: from natural motifs and ornamental sources to the transformation of an idea into a finished jewel. Botanical forms, sinuous feathers and intricate insect wings are distilled into precise lines and vibrant colour, revealing how designers balanced observation with invention. Works such as Georges Fouquet’s sycamore pendant and insect ring demonstrate the extraordinary skill required to translate a line on the paper into a jewel in the hand.By placing these rare drawings beside the pieces they inspired, the book opens a window onto process, collaboration and artistry, and affirms these works on paper as both historical treasures and enduring works of art.
A comprehensive yet accessible survey of Korean photography since 1957. Shine Brightly: Korean Photography Since 1957 is the first detailed survey of Korean photography in the English language. Built upon original, on-the-ground research and firsthand interviews, it offers a focused yet accessible exploration of the key artists, movements and exhibitions against their political, social and economic backdrops. Korean photography, whose practitioners have forged a unique visual language across seven decades, has been a vital part of the rise of South Korea's importance and influence at the heart of contemporary culture. Featuring over sixty photographers and 200 photographs, this striking book traces the development of Korean photography from its documentary roots in post-war realism and the avant-garde explorations of the 1970s and 1980s, to the key themes and artists present in the contemporary scene. Kim and Roussell not only present important thematic developments, but also propose new approaches to understanding the role of photography in performance and video art, the evolving aesthetics and symbolism of landscape photography, and the politicization of cityscapes around the turn of the millennium. Bold, beautiful and richly detailed, Shine Brightly's unprecedented, curated journey through Korea’s photographic history will engage specialist readers and the general public alike.
Josef Koudelka’s landmark photographs of the Prague Spring and the resulting Soviet invasion. Josef Koudelka never planned to become a conflict reporter. That all changed on the night of 21 August, when Soviet tanks entered Prague, ending the short-lived political liberalization in Czechoslovakia.'I wasn’t a reporter,' Koudelka recalls. 'I had never photographed anything that you would call ""news"". Suddenly, for the first time in my life, I was confronted with that kind of situation.I responded to it. I knew it was important to photograph, so I photographed.' For fear of repercussions, Koudelka originally published the images under the pseudonym 'PP' (Prague photographer). The intensity and significance of the images earned the still-anonymous photographer the Robert Capa Gold Medal Award.Sixteen years would pass before Koudelka could safely acknowledge authorship. Now reissued in a hardback format, this bold new edition will bring these vital photographs back to the public eye, standing as a stark reminder of the importance of bearing witness to violence and brutality.
The first comprehensive English-language retrospective of one of the greatest living Japanese visual artists, this ambitious publication will be the definitive guide to Tadanori Yokoo’s extensive body of work.Mixing psychedelia, pop art, sexual iconography, and references to Japanese historical tradition such as ukiyo-e prints, Tadanori Yokoo’s work has become synonymous with postwar Japan. Rising in popularity in Tokyo during the 1960s, his subversive designs were favored among the city’s radical youth groups. Covering the full breadth of his work, this expansive tome shines a necessary light on Yokoo’s paintings, offering fresh insight into the pioneering artist’s creative process and practice.Born in 1936 in Nishiwaki, Japan, Yokoo began his career designing posters and wrapping paper for the Chamber of Commerce in Nishiwaki. Moving to Tokyo at age twenty-four, he worked as a graphic designer for theaters throughout the ’60s.His commercial posters marked a stark contrast from the often flat style employed at the time. Drawing on influences from Western consumer culture, mysticism, psychedelia, and traditional Japanese techniques, Yokoo created a new visual language that opposed the popular modernist style.While typically labeled as a graphic artist, this expansive publication offers a fresh focus on Yokoo’s paintings, positioning his work against pivotal social and political events to offer both a history of a nation and an artist. Featuring an essay by Mark Holborn and a translation of the seminal text “Popcorn Minimalism” by iconoclastic Japanese writer Yukio Mishima, quotes from Yokoo punctuate the book throughout.600 color illustrations
Autorzy, od wielu lat zajmujący się historią tej hiszpańskiej katedry i pielgrzymek, przedstawiają najnowsze ustalenia naukowe dotyczące autentyczności grobu Apostoła oraz ukazują jego znaczenie w dziejach Europy. Kult Apostoła nie ogranicza się bowiem do Hiszpanii, a jego relikwie znajdują się w wielu krajach świata. Znakiem tego są Camino de Santiago rozsiane po całej Europie od Polski przez Niemcy, Francję, Włochy czy kraje bałkańskie.Czytelnik zostaje poprowadzony przez fascynującą opowieść, w której przeplatają się archeologia, historia i duchowość Camino de Santiago. Od misji ewangelizacyjnej św. Jakuba w Hiszpanii, jego śmierci w Palestynie i przeniesienia jego ciała do Hiszpanii przez dwóch uczniów Teodora i Atanazego gdzie zostało złożone w osadzie Assegonia, przez średniowieczne odkrycie grobu za czasów Karola Wielkiego i rozwój pielgrzymek, które swój szczyt przeżywały w XIIIXIV wieku, po odrodzenie szlaku w XIX i XX wieku oraz jego współczesne znaczenie w kulturze europejskiej. Książka ukazuje, jak Compostela stała się duchowym sercem kontynentu, odkrywając sekrety samej katedry, wznoszonej przez kilka stuleci wielkiego skarbu sztuki, pobożności oraz świadectwa przemian kulturowych. Na uwagę zasługują projekt romańskiej świątyni, Portyk Chwały oraz Kodeks Kalikstyński bezcenne dzieło z XII wieku, zawierające teksty liturgii w Santiago, cuda św. Jakuba oraz trasy prowadzące z Francji do Composteli. Jednym z najbardziej rozpoznawalnych symboli Composteli jest ogromna kadzielnica zwana botafumeiro, z pasjonującą historią sięgającą średniowiecza.
Ten produkt jest zapowiedzią. Realizacja Twojego zamówienia ulegnie przez to wydłużeniu do czasu premiery tej pozycji. Czy chcesz dodać ten produkt do koszyka?
