Kiedy rano otwieram oczy, widzę film, książka zainspirowana pierwszą wystawą zorganizowaną przez Muzeum Sztuki Nowoczesnej w Warszawie (2008), to podróż do kraju, którego już nie ma, a który wytworzył najważniejszy w naszej części Europy mit sztuki radykalnej. Pokazuje związki kina amatorskiego - rozkwitającego w Socjalistycznej Federacyjnej Republice Jugosławii dzięki publicznemu mecenatowi ze sztukami wizualnymi i wzajemne oddziaływanie filmowców i artystów innych dziedzin.Usytuowanie na styku sztuki modernistycznej i strategii postkonceptualnych oraz postminimalistycznych, na styku dwóch światów: zachodniego kapitalizmu i wschodniego komunizmu generowało oryginalne, niepowtarzalne fenomeny artystyczne, niemogące się pojawić nigdzie poza Jugosławią i tamtym czasem. Książka opowiada o zjawiskach i osobowościach artystycznych przełomu lat 60. i 70., jej bohaterami są m.in. Goran Trbuljak, Tomislav Gotovac, Sanja Iveković, Dalibor Martinis czy Marina Abramović.
Zbiór tekstów teoretyków i praktyków performansu na temat genealogii tej dziedziny twórczości, kwestii dokumentacji, czasowości czy cielesności. To także zbliżenia na mało znane a fascynujące historie performansu w Japonii, Brazylii, Portugalii, dawnej Wschodniej Europie, w Polsce i w Rosji - tytułowe punkty styku.
Grupa Team 10 East nigdy nie istniała. Książka powołuje to pojęcie jako konceptualne narzędzie pozwalające przeanalizować dokonania członków architektonicznej grupy Team 10 i ich towarzyszy podróży współpracowników z krajów socjalistycznych. Proponuje rewizjonizm w podejściu do kultury i polityki dawnych krajów socjalistycznych, stąd tytułowa formuła rewizjonistycznej architektury w realnym modernizmie.Autorzy i autorki tekstów patrzą na nowoczesną architekturę i na procesy modernizacyjne w Europie Środkowo-Wschodniej w perspektywie porównawczej, pokazując, jak reguły rządzące architekturą i urbanistyką były zawłaszczane, krytykowane i modyfikowane po obu stronach żelaznej kurtyny. Bohaterami tej bogato ilustrowanej publikacji są m.in. polscy architekci Jerzy Sołtan i Oskar Hansena, Węgier Charles Polónyi, a także architekci z dawnej Czechosłowacji i Jugosławii.
Wybitni polscy i zagraniczni krytycy i historycy sztuki mierzą się z twórczością jednego z najważniejszych polskich malarzy. Widzą ją na tle sztuki światowej lat 40. i 50., wychodząc poza polski kontekst kulturowy i historyczny. Pozwala to na próbę reinterpretacji tej bogatej i niebywale zróżnicowanej twórczości, która powstała w bardzo krótkim czasie, w bardzo niespokojnych czasach.
Historia sztuki zna wiele przykładów artystek z różnych powodów pominiętych, zapomnianych czy wypartych z jej głównego nurtu ta książka jest próbą przypomnienia jednej z nich. Maria Bartuszov (193696) była słowacką rzeźbiarką poszukującą nowego języka ekspresji w delikatnych, gipsowych formach. Jej sztuka jest zapisem potrzeby eksperymentu formalnego, który prowadzi rzeźbiarkę ku kształtom i procesom zachodzącym w naturze. Długo nieznana, Bartuszov została odkryta dla szerszej publiczności na wystawie Documenta 12 w 2007 roku, dziś jej prace są w prestiżowych kolekcjach sztuki współczesnej.
Zbiór tekstów polskich i zagranicznych badaczy, którzy na wiele sposobów analizują niezwykłe dzieło Zofii Rydet, wprowadzając polską fotografkę do międzynarodowego kanonu dwudziestowiecznej fotografii i sztuki. Zapis socjologiczny, zbiór zdjęć ludzi i zamieszkiwanych przez nich wnętrz, jest tu pokazany w kontekście fotografii niemieckiej i amerykańskiej, na szerszym tle polskiej fotografii socjologicznej lat 70. i 80. Jest interpretowany w swej materialności i zarazem poddawany refleksji teoretycznej. Pokazuje niezwykłą siłę fotografii jako sposobu patrzenia na świat oraz jako nieoczywistej metody jego archiwizowania.Tekstom towarzyszą obszerne wybory zdjęć Zofii Rydet ułożone przez Sebastiana Cichockiego, Sharon Lockhart i Krzysztofa Pijarskiego i za każdym razem będące innym, subiektywnym czytaniem ""Zapisu"". Osobną wkładkę stanowi niepublikowana dotąd makieta niewydanej nigdy książki Zofii Rydet pt. ""Wieś"" (1957-1961).
Książka w nowy sposób pokazuje sztukę powstającą od lat 50. do 70. XX wieku w Europie Wschodniej i Ameryce Łacińskiej, które połączył wówczas entuzjazm dla sztuki kinetycznej i op-artu.Była to pewnego rodzaju alternatywa dla północnoatlantyckiego mainstreamu: osi łączącej Paryż, Londyn oraz Nowy Jork i królujących tam kolejnych trendów, od abstrakcyjnego ekspresjonizmu, przez pop-art, minimalizm, aż po konceptualizm. W cieniu tych mód, w Warszawie, Budapeszcie, Zagrzebiu, Moskwie, Buenos Aires, Rio de Janeiro czy So Paulo, pojawiły się sieci praktyk artystycznych zogniskowanych wokół kwestii postępu, nauki i technologii, podboju przestrzeni kosmicznej, konstrukcji i zmysłowego odbioru dzieła sztuki, współtworzonego przez percepcję widza.
Lata 70. XX wieku: do muzeów i galerii sztuki współczesnej, ale także w przestrzeń publiczną (sale uniwersytetów czy domów kultury, miejskie place i skwery) wkracza sztuka artystów angażujących się w bieżące politycznie konflikty - opowiadających się zdecydowanie po stronie niepodległościowych dążeń Palestyńczyków, przeciw dyktaturze Pinocheta w Chile, przeciw apartheidowi w RPA.Zaangażowanym artystom towarzyszą kuratorzy, aktywiści i polityczni bojownicy. Kontekstem są też działania związków zawodowych artystów, partii politycznych od opozycyjnych, jak Francuska Partia Komunistyczna, po sprawujących władzę w systemach monopartyjnych, jak partie komunistyczne w krajach bloku wschodniego, w tym PZPR. Tłem jest też oczywiście zimna wojna.
Nareszcie jest - książka podsumowująca zeszłoroczną edycję ""Warszawy w budowie"". Zawiera opisy wszystkich elementów wchodzących w skład pilotażowej edycji festiwalu z 2009 roku - wystaw, paneli dyskusyjnych, projektów w przestrzeni miejskiej, łącznie z zapisem popularnych sesji Departamentu Propozycji. Ta bogato ilustrowana, zaprojektowana przez Ludovica Ballanda i Ivana Weissa publikacja, stanowi trzeci tom w serii wydawniczej sygnowanej przez Muzeum Sztuki Nowoczesnej w Warszawie.
Kiedy rano otwieram oczy, widzę film"", książka zainspirowana pierwszą wystawą zorganizowaną przez Muzeum Sztuki Nowoczesnej w Warszawie (2008), to podróż do kraju, którego już nie ma, a który wytworzył najważniejszy w naszej części Europy mit sztuki radykalnej. Pokazuje związki kina amatorskiego - rozkwitającego w Socjalistycznej Federacyjnej Republice Jugosławii dzięki publicznemu mecenatowi - ze sztukami wizualnymi i wzajemne oddziaływanie filmowców i artystów innych dziedzin.Usytuowanie na styku sztuki modernistycznej i strategii postkonceptualnych oraz postminimalistycznych, na styku dwóch światów: zachodniego kapitalizmu i wschodniego komunizmu generowało oryginalne, niepowtarzalne fenomeny artystyczne, niemogące się pojawić nigdzie poza Jugosławią i tamtym czasem. Książka opowiada o zjawiskach i osobowościach artystycznych przełomu lat 60. i 70., jej bohaterami są m.in. Goran Trbuljak, Tomislav Gotovac, Sanja Iveković, Dalibor Martinis czy Marina Abramović.
Katalog prac plastycznych Cypriana Norwida obejmuje wszystko, co zostało przez twórcę Solo narysowane, namalowane lub wykonane jakąkolwiek techniką plastyczną, a zatem rysunki, akwarele, obrazy i studia olejne, ponadto prace graficzne, projekty rzeźbiarskie oraz prace medalierskie. Oprócz obiektów zachowanych zostały w nim uwzględnione i te, które uznano za zaginione, ale były reprodukowane za życia artysty lub po jego śmierci w wydawnictwach naukowych i albumowych, czasopismach i katalogach wystaw, oraz te, które znamy jedynie z tytułu lub choćby z drobnej wzmianki. Katalog obejmuje zarówno dzieła o niepodważalnych wartościach artystycznych, jak i pobieżnie wykonane szkice, w rodzaju rysunkowej notatki, a nawet zupełnie niepozorne „karteczki i złamki", jak swe szkicowe drobiazgi określał Norwid.
Motywem podjęcia badań nad tematem, jakim jest niepublikowana wcześniej twórczość George’a Enescu, była chęć przybliżenia biografii oraz sylwetki twórczej tego niezwykłego i niedocenionego artysty. Działalność artystyczna Enescu dalece wykraczała poza ramy poszczególnych specjalizacji muzycznych. W sposób niezwykle harmonijny łączył on w sobie cechy wirtuoza skrzypiec i fortepianu, dyrygenta, kompozytora oraz nieocenionego pedagoga, będącego wzorem dla rzesz wybitnych wychowanków. Pomimo tak wielu dziedzin, w których przodował, oraz orędowników jego talentu, z uczniem Yehudim Menuhinem na czele, Enescu, a wraz z nim znaczna część jego twórczości kompozytorskiej i dorobku wykonawczego popadły w zapomnienie po śmierci artysty. Pomimo działań promocyjnych prowadzonych przez rumuńskie instytucje kultury, w wielu krajach, m.in. w Polsce, jego twórczość wciąż jest mało znana. Mam nadzieję, że książka George Enescu. Sylwetka artysty i analiza wybranych utworów skrzypcowych zapełni istniejącą lukę wydawniczą i zainspiruje czytelników do dalszych muzycznych poszukiwań.
Aleksander Kotsis to jeden z najciekawszych malarzy polskich czynnych w latach 60. i 70. XIX stulecia. Środowisko artystyczne, w którym działał Kraków i Wiedeń, doświadczenie pokoleniowe oraz więzi przyjaźni łączyły go z Janem Matejką oraz Arturem Grottgerem. W przeciwieństwie do nich Kotsis uznawany był za twórcę o statusie minorum gentium. W jego dziełach nie odnajdziemy zainteresowania przeszłością ani losami narodowych bohaterów, skomplikowanej historiozofii lub wzniosłych alegorii. Postawa twórcza malarza opierała się na uważnej i pełnej empatii obserwacji najbliższego otoczenia tego, co współczesne i lokalne. Oeuvre Kotsisa reprezentuje kierunek realizmu w ówczesnej sztuce, a jej analogii można doszukiwać się w dziełach dziewiętnastowiecznych tzw. malarzy ludu.Monograficzna wystawa w Muzeum Narodowym w Krakowie jest pierwszym od 1959 roku tak kompleksowym pokazem twórczości Aleksandra Kotsisa. Stwarza możliwość przewartościowania i reinterpretacji jego sztuki z uwzględnieniem zarówno związanych z nią treści, jak i rozwiązań formalnych. Na ekspozycję, zorganizowaną w 185. rocznicę narodzin artysty, składa się 119 obrazów olejnych oraz ponad 50 akwarel, rysunków i szkiców.Publikacja towarzysząca wystawie obejmuje kalendarium życia i twórczości Kotsisa oraz interdyscyplinarne eseje analizujące jego twórczość pod względem tematycznym i formalnym, wprowadzając Czytelnika również w tajniki stosowanej przez niego techniki i technologii. Katalog zawiera ponadto obszernie ilustrowany wykaz dzieł olejnych i rysunkowych Kotsisa prezentowanych na wystawie.
An enigmatic world of masks and the macabre
An Expressionist before the term was coined, James Ensor (1860–1949) was the classic insider-outsider enigma. He knew all the right art-world figures but loathed most of them. His style lurched from the Gothic fantastical to the Christian visionary. He was a cosmopolitan trailblazer of modernism, but lived reclusively in an attic room in the resort town of Ostend.
For all his elusiveness, Ensor influenced generations of artists through his vivid often gruesome paintings, prints, and drawings. He is cited in particular for his use of dark satire and allegory, his innovative lighting, and for his interest in carnival and performance, showcased in The Entry of Christ into Brussels in 1889 as well as in his repertoire of self-portraits in which he employs masking, travesty, and role-playing to adopt such varied guises as Christ on the Cross and a gender-bending dandy.
This introduction to Ensor explores the richness and variety of his imagery through key examples of his macabre, maverick oeuvre.
PRIDE is a photography book capturing the parades and protests in the gay community, with publication set to coincide with the 50th anniversary of the Stonewall riots, which took place on June 28, 1969. On June 28, 1970, the first gay pride marches took place in New York, Los Angeles, San Francisco, and Chicago commemorating the anniversary of the riots. Similar marches were organized in other cities-acting as both a celebration of gay culture and an activist movement for equal rights under the law.
The book will be an inspiring visual history documenting the resilience of a marginalized group and their fight for civil rights. As gay rights in both America and the world have evolved, the scenes capturing the parade have as well-through signs, dress, and expressions of freedom and love, this book also tells the story of the ever-changing culture of a people. It is a book about celebration, oppression, hope, recognition, and, above all, pride in being who you are.
In the first book of its kind, Aaron Rosen tells the story of how art developed across the world. He takes young readers on a journey through art history, from the Palaeolithic period to the present day, stopping off at thirty different locations around the world. As readers travel from one incredible destination to the next, they will discover the remarkable network of caves carved into the rock in ad 500 at Ajanta, India; Cambodia's remarkable Angkor Wat as it stood in ad 1200; the glories of Renaissance Florence in ad 1500; and the remarkable energy in New York in the 1950s.
At every stop-off point readers will encounter stories of astonishing artworks and the cultures that gave birth to them. There are three sections: prehistoric and ancient; medieval and early modern; and modern and contemporary. At each location, two beautifully illustrated spreads allow children to engage with the art, artifacts and culture of a unique place in time.
Along the way, key movements and ideas are picked out and explained for a young audience. A Journey Through Art is the perfect companion for young explorers of the world's cultural history.
A visual feast of 400 dazzling images, this is a comprehensive survey of the genre over the last century. The book also offers an overview of the development of fashion, as seen through the eyes of the greatest illustrators of the day. Early in the century, fashion illustration reflected new, liberating currents in art and culture, such as the exoticism of the Ballets Russes, while the postwar period saw inspiration from the great Parisian couturiers.
After the dominance of the celebrity fashion photographer in the 60s, a new generation of illustrators emerged, embracing the medium of the computer, while many returned to more traditional techniques.
This comprehensive survey of optical illusions includes an astonishing range of images from ancient times to the present. Covering illusions of depth, inversions, vibration effects, ambiguous figures, camouflage, anamorphic art, tessellations and other brain-teasing illusions, it presents examples from psychology, the popular press, the decorative arts, contemporary street art and the fine arts. M.C. Escher, Picasso, Vasarely, Magritte, Liu Bolin, Jos de Mey and other artists are generously represented. Reflecting author Paul Baars's deep engagement with the art and science of optical illusions, this book supersedes all others on the subject.
The face is not only central to identity, but is also the primary vehicle for human expression, emotion and character. It also signifies intellect and power, and has often been regarded as a window into the soul. Above all, it is the focus of our attention whenever we encounter another individual.
But how have different cultures depicted faces, whether a likeness or idealized, whether masked or revealed, whether newborn, in the prime of life, dying or even deceased? Why has the depiction of the human face been so central to artistic expression in all world cultures, and why has it sometimes even been defaced or destroyed by iconoclasts and others? Debra N. Mancoff explores the depiction of the human face through the full range of objects and works of art in the collection of the British Museum, and discovers how the face subtly conveys the full spectrum of human emotion. Arranged thematically, the book's chapters each begin with a brief introduction before depicting faces in various visually led pairings and groupings that encourage the reader to look for associations regardless of the objects' cultural origins.
Some of the juxtapositions are allowed to speak for themselves; others are explored through brief narrative captions. Some of the juxtapositions raise a smile; others are surprisingly affecting. This book will both fascinate and delight the reader, offering insights into experiences that we all share as human beings and that our faces inevitably reveal.
The result of a five-year airborne odyssey across five continents and sixty countries, The Earth from the Air is the bestselling and most popular book of aerial photography ever published. This updated edition of the internationally acclaimed original features an updated text and over 100 breathtaking new photographs. New editorials by such renowned authors as Jane Goodall, Matthieu Ricard and Olivier Blond consider such perpetual issues as agriculture, climate and biodiversity, as well as the latest concerns - refugees, new technologies and environmental movements.
A classic of its kind, this book will heighten everyone's awareness of today's urgent ecological issues. Now more than ever, The Earth from the Air stands as a call to action.
Ten produkt jest zapowiedzią. Realizacja Twojego zamówienia ulegnie przez to wydłużeniu do czasu premiery tej pozycji. Czy chcesz dodać ten produkt do koszyka?
