Filmy, które ukształtowały bezkompromisowego artystę Quentin Tarantino jest nie tylko jednym z najsłynniejszych współczesnych twórców filmowych, lecz także prawdopodobnie największym pasjonatem kina na świecie. Przez lata w wywiadach przekonywał, że w końcu zajmie się pisaniem książek o filmach. Wreszcie nadszedł ten moment: długo oczekiwane Spekulacje o kinie są tak dobre, jak tylko fani reżysera i miłośnicy kinematografii mogli sobie wymarzyć. Tarantino skupia się na najważniejszych amerykańskich filmach lat siedemdziesiątych, które po raz pierwszy obejrzał w młodości i które przyczyniły się do jego rozwoju artystycznego. Proponuje własne spojrzenie na kino: łączy elementy krytyki filmowej, teorii filmu i reportażu ze wspaniałą historią osobistą, a całość napisana jest charakterystycznym, niepodrabialnym głosem, który mógł wybrzmieć dzięki brawurowemu przekładowi Jana Dzierzgowskiego. W którym filmie pojawił się pierwszy filmowy seryjny morderca? Jak Tarantino zakończyłby Ucieczkę gangstera, gdyby miał ją reżyserować? Ile Steve McQueen liczył sobie za przeczytanie scenariusza i dlaczego? Dlaczego Brian de Palma nie wyreżyserował Taksówkarza? Debiutancka książka non fiction autora Pewnego razu w Hollywood jest intymnym, zabawnym i błyskotliwym wyrazem obsesji na punkcie kina, wyjątkowym jak wszystko, co tworzy Tarantino.

Album zawierające rysunki satyryczne znanego Artysty Andrzeja Mleczki, rysunki opowiadają głównie o Polsce i Polakach. Każdy obrazek ma tłumaczenie w języku angielskim.

Najnowszy album z kolekcji Artysty Andrzeja Mleczki. Zbiór najlepszych prac Artysty. Każdy rysunek tłumaczony na język angielski.

Kolekcjonerskie etui zawierające trzy wyjątkowe minialbumy poświęcone ikonom polskiego malarstwa: Rafałowi Olbińskiemu, Jackowi Yerce i Zdzisławowi Beksińskiemu. Każdy z albumów – „Olbiński. Malarstwo”, „Yerka. Malarstwo” oraz „Beksiński. Malarstwo” – to starannie opracowany wybór najważniejszych dzieł artysty, wzbogacony krótkim, wprowadzającym tekstem. Na 64 stronach każdy z nich przenosi odbiorcę do unikalnego świata pełnego symboli, fantazji i niepokojącego piękna. Całość zamknięta została w eleganckim, kartonowym etui, które czyni zestaw doskonałym pomysłem na prezent – zarówno dla koneserów sztuki, jak i tych, którzy dopiero zaczynają swoją przygodę z surrealizmem.

Na czym polega więź sztuki z moralnością? Jakie miejsce zajmuje – i skąd się bierze – Piękno w życiu osoby i wspólnoty? Jak zachować właściwą, potrzebną twórcom, autonomię sztuki, a zarazem nie rezygnować z moralnej odpowiedzialność artysty, także przed społeczeństwem? Dlaczego tak ważną rolę odgrywa wobec twórczości artystycznej dyskusja i krytyka – i czym powinny się one kierować?Te fundamentalne pytania, o nieprzemijającej aktualności, postawił przed sobą Jacques Maritain, wybitny francuski filozof katolicki, który odegrał kluczową rolę w odrodzeniu tomizmu w XX wieku. Myśliciel całe życie interesował się sztuką i jej duchowym wymiarem, czego odzwierciedleniem jest znana praca Sztuka i mądrość. Dotąd pozostawała jednak nieprzetłumaczona na język polski ważna rozprawa Odpowiedzialność artysty. Jej tłumaczenie uzupełnia więc lukę w poznawaniu myśli jednego z najważniejszych myślicieli chrześcijańskich XX wieku.Przede wszystkim przypomina jednak wagę postawionych przez niego pytań o relację między Pięknem i jego metafizycznym zakorzenieniem, między sztuką, moralnością i społeczeństwem.

Od początków kultury ludzie wyróżniali miejsca, w których objawiało się sacrum. Pierwotnie wyznaczano je na podstawie mitów opowiadających o legendarnych kolebkach rodów, plemion, narodów, bądź znaków - niezliczonych legend o objawieniu się woli Bożej w danym miejscu, szczególnie związanych z widzeniami i świętymi przedmiotami czy życiem proroków. Z biegiem czasu niektóre z nich stały się miejscami szczególnego kultu. Książka prezentuje około siedemdziesiąt miejsc świętych. Na 160 stronach bogato ilustrowanego wydawnictwa przedstawiono najważniejsze punkty pielgrzymek czy sanktuariów dwunastu religii, w tym chrześcijaństwa (katolicyzmu i prawosławia), buddyzmu, islamu, a także religii plemiennych.

Szkoła projektowania graficznego to podstawowy kurs z tej dziedziny, przeznaczony dla projektantów graficznych pracujących w wydawnictwach, w filmie i zajmujących się mediami cyfrowymi. Praktyczne porady obejmują wszystkie aspekty projektowania graficznego – od zagadnień fundamentalnych do opracowywania oryginalnych pomysłów i tworzenia gotowych projektów graficznych. Kurs dotyczy różnorodnych mediów – mediów cyfrowych, witryn internetowych, czasopism, książek i identyfikacji wizualnej firm. Zawiera liczne ćwiczenia, instrukcje dla studentów i pokazuje pracę nad rzeczywistymi projektami. Uaktualnione, ósme wydanie zawiera nowe zadania oraz w pełni uzupełnione listy lektur. W książce zamieszczono wiele nowych ilustracji, zarówno prace profesjonalistów, jak i świetne przykłady projektów wykonanych przez studentów. Ważnym nowym dodatkiem jest przedstawienie nowego oprogramowania oraz dawnych technik druku, takich jak risografia czy sitodruk, które ponownie zyskują coraz większą popularność.

Tytuł tomu nie tylko odsyła do wiersza Stanisława Barańczaka Aria: awaria z Chirurgicznej precyzji (1998) oraz ostatniego z rozdziałów, które składają się na tę książkę, lecz także podkreśla nieoczywisty status arii. To operowy szlagier, centralny punkt scen i aktów, fragment najbardziej rozpoznawalny, ale i specyficznie awaryjny, skoro potrafi przyćmić pozostałe elementy operowej struktury. Potraktowanie arii jako autonomicznej jednostki, dla potrzeb rozmaitych porównań możliwej do wyabstrahowania z całości , prowadzi do odczytań podążających niejako wbrew głównemu nurtowi praktyki interpretacji opery – jako dzieła integralnego. Poszczególne rozdziały zestawiają ze sobą arie i śpiewających je bohaterów z dzieł odległych stylistycznie, choć o podobnej tematyce, arie różnotematyczne, a jednak pełniące zbliżone funkcje w różnych operach, przepojone analogicznymi afektami lub też wykorzystywane jako podstawa innych dzieł muzycznych i literackich. W kalejdoskopie zbliżeń aria okazuje się szczególnie wdzięcznym obiektem zachwytów słuchaczy i analiz literackich. Rozdziały składające się na publikację są obszernymi studiami interpretacyjnymi, podbudowanymi szerszymi kontekstami teoretycznymi i historycznymi, stanowiąc równocześnie formę ujęć komparatystycznych. (…) Wartością książki jest nie tylko możliwość zapoznania się z interpretowanymi cechami arii, ale także prezentacja nowych ujęć badawczych, co w przypadku wciąż rozwijających się subdyscyplin w polskiej nauce – operologii i librettologii – jest bardzo ważne. Książka „Aria: awaria ”. Studia o arii operowej to bardzo cenna publikacja, sprawiająca satysfakcję czytelniczą nie tylko odbiorcom zainteresowanym operą. Z recenzji prof. dr hab. Anny Wypych-Gawrońskiej

Gierymski nie jest ani malarzem „rodzajowym” ani „historycznym”, ani „fotografem”, ale raczej kapłanem światła, którego tajemnice śledzi i wykłada nam jego piękności. Bolesław Prus Książka Aleksander Gierymski to pasjonujący esej o jednym z najwybitniejszych malarzy polskiego realizmu i prekursora impresjonizmu. Książka, napisana przez przyjaciela artysty i zarazem znakomitego krytyka, ukazuje malarza nie tylko jako samotnika, ale i twórcę głęboko oddanego prawdzie artystycznej. Witkiewicz z niezwykłą wrażliwością i przenikliwością analizuje drogę twórczą malarza, jego zmagania z niezrozumieniem oraz wielką miłość do światła, barwy i codziennego życia. Nowe wydanie wzbogacono o wstęp i zakończenie przybliżające biografię artysty oraz podsumowujące jego znaczenie w historii sztuki. Dodane komentarze historyczno-artystyczne osadzają Gierymskiego w kontekście epoki, środowiska artystycznego oraz przemian, jakie zachodziły w sztuce przełomu XIX i XX wieku. To lektura obowiązkowa dla miłośników malarstwa, historii i literatury artystycznej.

Najpiękniejsza kobieta, jaka kiedykolwiek żyła, nie miała swojego portretu malowanego, rysowanego czy rytowanego częściej niż Vollard – przez Cézanne'a, Renoira, Rouaulta, Bonnarda... Ale mój kubistyczny portret jest z nich wszystkich najlepszy. Pablo Picasso Ambroise Vollard – ekscentryczny paryski marszand, kolekcjoner i wydawca – był kimś więcej niż tylko pośrednikiem między artystami a światem. Był wyczulonym słuchaczem, niepozornym uczestnikiem wielkiej rewolucji w malarstwie przełomu XIX i XX wieku. To dzięki niemu nazwiska takie jak Cézanne, Degas czy Renoir trafiły pod dachy kolekcjonerów i do świadomości szerokiej publiczności. Słuchając Cézanne’a, Degasa i Renoira to wyjątkowa relacja z pierwszej ręki – zbiór rozmów i anegdot, które układają się w barwny portret epoki, pełen ironii, szczerości i nieoczekiwanych zwrotów. W nowym przekładzie Artura Foryta książka zyskuje świeżość języka, nie tracąc nic z ducha oryginału. Całość została opatrzona wnikliwym wstępem i bogatymi przypisami Agnieszki Kijas – krytyczki sztuki – które osadzają wypowiedzi artystów w szerokim kontekście kulturowym, towarzysząc czytelnikowi jak cierpliwy przewodnik po świecie impresjonizmu. To opowieść o sztuce, ale też o pasji, ryzyku i nieoczywistych przyjaźniach. Dla miłośników malarstwa, historii i literatury wspomnieniowej.

„Co głowa ubzdurała, lewa ręka nabazgrała” to literacko-plastyczny performance, w którym słowo pisane nierozerwalnie łączy się z ilustracją, wzajemnie się uzupełniając. Jego sedno stanowią –rękopisy autora, zaś tekst drukowany staje się tylko dodatkiem. Wiersze Zięciny to zarówno utwory o miłości, poezja religijna, jak i celne komentarze do wydarzeń dnia codziennego. Kontakt z Autorem: FB: Zięcina IG: ziecina_official Tik Tok: ziecina_official

Bohaterem kolejnej książki z serii "Lato z" jest Charles Baudelaire. "Poeta wyklęty" kojarzony głownie z wierszami z tomu "Kwiaty zła" został przez Antoine'a Compagnona przedstawiony jako człowiek pełen sprzeczności: niezwykle wrażliwy a jednocześnie bezpardonowo krytykujący swoich przeciwników, owładnięty manią pracowitości a równocześnie ciągle zmagający się z niemocą twórczą i brakiem środków na utrzymanie, nieustannie dążący do doskonałości choć lubiący oddawać się rozrywkom. Ten oryginał, o którym krążyły legendy, był jednym z pierwszych twórców opisujących niepokój, samotność i złożoność miejskiego życia, jeszcze zanim stały się one ważnymi tematami literatury XX wieku. To właśnie on zwrócił uwagę na postępujący proces komercjalizacji sztuki w kapitalistycznym świecie, a walka o odwrócenie tej tendencji stała się jedną z jego obsesji. Z kart książki wyłania się obraz człowieka pełnego silnych emocji, lęków i niepewności, jakże bliskich współczesnemu czytelnikowi. Poeta nieustannie prowokujący swoim zachowaniem, stylem życia, strojami i wyglądem nie da się zaszufladkować, wszystkie przypinane mu łatki - dekadenta, dandysa, realisty - redukują jego złożoną osobowość oraz prowadzą do powierzchownego, płytkiego interpretowania wierszy, w których wyrażał siebie najpełniej.

Kompendium dla każdego miłośnika sztuki, które w nowatorski sposób przedstawia najlepsze obrazy świata. Obok znakomitych prac znanych mistrzów, wystawianych w słynnych galeriach świata, znajdziemy pomijane dotąd arcydzieła i nowo odkryte prace współczesnych malarzy, które warto zobaczyć. Galeria sztuki w każdym domu. Od malowideł ściennych starożytnego Egiptu po współczesne płótna Zachodu. 1001 kolorowych reprodukcji opatrzonych opisem obrazu i jego twórcy. Chronologiczny układ dzieł. 1001 obrazów, które warto w życiu zobaczyć to książka naprawdę wszechstronna i piękna. Prezentuje najlepsze obrazy świata: od malowideł ściennych starożytnego Egiptu po współczesne płótna Zachodu. Na jej stronach znajdziesz 1001 spośród najbardziej niezapomnianych, przejmujących, ważnych, kontrowersyjnych i frapujących obrazów, jakie kiedykolwiek stworzono. Co ważne, pokazano tu ponad 400 obrazów z XX i XXI wieku, także nowo odkryte prace z galerii współczesnych. Zajmujące i pouczające teksty napisane przez międzynarodowy zespół artystów, kustoszy, krytyków i kolekcjonerów sztuki rzucają światło i na obrazy, i na ich twórców. Pięknej reprodukcji każdego dzieła towarzyszy wnikliwe omówienie – godna pozazdroszczenia kolekcja dzieł sztuki, w której zagłębić się można w każdej chwili. Obrazy uszeregowano chronologicznie. Przewracając karty książki, nieraz odkryjesz fascynujące i zaskakujące zestawienia. Indeksy tytułów obrazów i nazwisk artystów ułatwią odnalezienie konkretnego dzieła czy prześledzenie rozwoju twórczości danego malarza. Pozwól prof. Stephenowi Farthingowi zabrać się w jego osobistą podróż po obrazach, które każdy powinien postarać się w życiu zobaczyć. Wiele z nich znajduje się w znanych galeriach, jak paryski Luwr czy nowojorskie MoMA – inne zaś pozostają w trudno dostępnych zakątkach świata. Każdy z nich jednak wart jest tego, by spróbować obejrzeć go osobiście.

Zapraszamy do odkrycia niezwykłej publikacji autorstwa Tadeusza Chrzanowskiego, która stanowi doskonałe źródło wiedzy na temat historii sztuki w Polsce. Książka ta w przystępny sposób przybliża czytelnikom kluczowe etapy rozwoju sztuki w Polsce, od czasów Piastów aż po III Rzeczypospolitą.O książce W Sztuce w Polsce od Piastów do Jagiellonów autor omawia: początki sztuki chrześcijańskiej w Polsce, refleksy karolińskie i ottońskie, sztukę gotycką. Natomiast w części poświęconej Sztuce w Polsce od I do III Rzeczypospolitej znajdziemy informacje o: okresie pierwszych królów elekcyjnych, w tym Batorym i monarchach z dynastii Wazów, stylach takich jak barok, klasycyzm, romantyzm oraz początki historyzmu, akadeizmu i elektyzmu, rozwoju sztuki polskiej od odrodzenia państwa do ustanowienia III Rzeczypospolitej.

In Visionary: Gardens and Landscapes for our Future photographer Claire Takacs and landscape architect Giacomo Guzzon introduce stunning private and public gardens from around the world that have addressed both sustainability and climate change with outstanding results.Be inspired by the new ways garden and landscape designers are thinking about planting and garden design in the face of climate change.Featuring more than 80 gardens from across the globe including the USA, UK, Europe, Asia, Australia and New Zealand, this beautiful book is guaranteed to inspire you with exciting gardens and innovative design solutions that look to the future.

Through the turbulent events of the last century-and-a-half, graphic design—with its vivid, neat synthesis of image and idea—has distilled the spirit of each age. It surrounds us every minute of the day, from minimalist packaging to colorful adverts, environmental graphics to sleek interfaces: graphic design is as much about reflecting society’s aspirations and values as it is about transmitting information. Now published as part of our popular Basic Art series, this vibrant compendium lays out the evolution of graphic design from its inception in the 1890s up until the present day.Using his sweeping knowledge of the field, author Jens Müller has curated hundreds of examples from across the globe, arranged by decade. Each chapter also includes thumbnails of significant movements and influential publications, plus concise biographies of design masterminds like Massimo Vignelli (New York subway wayfinding), Otl Aicher (Lufthansa identity), Paula Scher (Citibank identity), Milton Glaser (I Love New York), Louise Fili (packaging), and Stefan Sagmeister (handwritten posters). This succinct but authoritative collection reflects on the development of a creative field that is constantly changing and challenging itself.The design classics Müller has curated act as coordinates, helping to trace the incontrovertible influence of graphic design on our daily lives. It’s both a handy primer and an informed exploration of how graphic design shapes our choices, from the products we buy and the media we consume, to how we behave and think of ourselves.

Zapraszamy do świata barw z zeszytem do kolorowania poświęconym twórczości Rafała Olbińskiego! Ta publikacja to prawdziwa gratka dla miłośników artystycznych wyzwań i polskiego malarstwa. W środku znajduje się 14 starannie wybranych reprodukcji obrazów Rafała Olbińskiego, każda w towarzystwie szablonu do samodzielnego wypełnienia kolorem. Dzięki temu można zarówno spróbować naśladować paletę mistrza, jak i nadać dziełom zupełnie nowy, unikalny charakter.

Eleonora Plutyńska życie oddała dziedzinie sztuki wymagającej pokory i cierpliwości: tkaninie. Córka „króla polskiej nafty”, uczennica Olgi Boznańskiej, artystka, nauczycielka, społeczniczka. O sobie mówiła, że „żyła za murem chińskim zaczarowanego ogrodu”, a w oczach bliskich i uczniów emanowała aurą spokoju i tajemnicy. Dorastała w cieniu legendy ojca, pioniera galicyjskiego przemysłu naftowego, wybrała jednak własną drogę. Studiowała w Paryżu i w warszawskiej Szkole Sztuk Pięknych, w słynnych pracowniach Czajkowskiego i Jastrzębowskiego, ale prawdziwe spełnienie odnalazła na wsiach Polesia i Podlasia. Tam współpracowała z lokalnymi tkaczkami, ocalając od zapomnienia dawne techniki i tajniki roślinnego barwienia. Jako współtwórczyni spółdzielni „Ład” i wykładowczyni Pracowni Tkactwa Ręcznego na warszawskiej ASP, wychowała całe pokolenia artystów – studiowały u niej między innymi Magdalena Abakanowicz, Jolanta Owidzka i Krystyna Wojtyna-Drouet. Jej własne tkaniny – takie jak Zwierza , Rycerze czy Trójkąty – zdobywały uznanie w kraju i za granicą. Została zapamiętana jako bezinteresowna, szlachetna i oddana sztuce, ujmowała prostotą i cichą mądrością. Choć życie Eleonory nie było pozbawione cierpienia – dotknęły ją wczesna śmierć ojca, dwie wojny światowe, wieloletnia rozłąka z mężem i zniszczenie międzywojennego dorobku – nie zatraciła wiary w sens pracy. Dzięki sile charakteru i poczuciu misji umiała zaczynać od nowa, za każdym razem. Znakomicie napisana biografia Eleonory Plutyńskiej – postaci legendarnej, choć niepozbawionej kontrowersji w świecie polskiej tkaniny artystycznej i ludowej. Autorka z odmalowuje jej losy, ukazując zarówno życie prywatne, jak i pracę na styku przenikających się kultur miasta i wsi. To wciągająca opowieść, która nie unika trudnych tematów i przełamuje utarte schematy. Monika Kowalczyk, kierowniczka Działu Tkaniny Artystycznej w Centralnym Muzeum Włókiennictwa w Łodzi Poświęciła się walce o zachowanie rodzimych tradycji tkackich, ale też o odrodzenie sztuki ludowej w nowoczesnym duchu. O sobie mówiła, że jest poszukiwaczką „tajemnicy zaginionego piękna”. Była społeczniczką, chociaż są tacy, którzy w jej podejściu do wsi i ludowego rękodzieła widzą kulturowe zawłaszczenie czy paternalizm. Magdalena Stopa nie pomija tych wątków, na dokonania Plutyńskiej patrzy wielowymiarowo. Dobrze, że teraz – kiedy tyle się mówi o renesansie rzemiosła, o nowym pokoleniu twórców zafascynowanych dziedzictwem polskiej tkaniny artystycznej – Eleonora Plutyńska została przypomniana. Hanna Rydlewska, „Vogue Polska Living” Gdy Wanda Telakowska jest królową polskiego wzornictwa, Janina Orynżyna i Zofia Szydłowska – królowymi rzemiosła i sztuki ludowej, Eleonora Plutyńska to władczyni tej krainy, w której rodziła się tkanina ludowa i unikatowa. I w końcu mamy opowieść o sprawczej kobiecie, artystce i nauczycielce. Czy jest niczym baśń? Sprawdźcie! Katarzyna Jasiołek, autorka książki Tkanina. Sztuka i rzemiosło Eleonora Plutyńska była postacią o wielkiej klasie, urodzie i elegancji, niezapomnianą dla wszystkich, którzy ją znali. I ja jako nastolatka spotkałam panią profesor w mieszkaniu na poddaszu przy zbiegu Wilczej i Marszałkowskiej, gdy składałam jej wizytę wraz z moją matką w połowie lat sześćdziesiątych, już po śmierci męża profesor Plutyńskiej. Była niezwykle dostojna, łaskawie mnie przywitała i od razu poczułam się z nią zaprzyjaźniona. Dzięki tej biografii dowiadujemy się, jak kształtowała się jej młoda osobowość pod wpływem rodziny, tradycji, wielokulturowości ziem ojczystych, szkół i studiów. Poznajemy też późniejszą pracę artystyczną Plutyńskiej i potencjał, z którego mogły czerpać następne pokolenia. Pierwszy sukces, którego była świadkiem, to światowy rozgłos grupy jej studentów, którzy otrzymali szereg wyróżnień na Międzynarodowym Biennale Tkaniny w Lozannie, a później zostali określeni jako Polska Szkoła Tkaniny. To pasjonująca opowieść o niezwykłej postaci, która budzi podziw i szacunek. Joanna Owidzka

    Publikacja poświęcona twórczości wybitnych ukraińskich artystów pierwszej połowy XX wieku. Sztuka ta stała się świadectwem wyjątkowej siły ukraińskiej kultury kształtującej się w bardzo trudnym okresie, epoce wstrząsów, rewolucji i wojen, na styku kultur i tożsamości. Książka przybliża postaci modernistycznych artystów ich twórcze postawy i wizualne eksperymenty poprzez które przyczyniali się do odnowy kultury i autonomii Ukrainy.   Zarówno katalog jak i wystawa "W oku cyklonu. Modernizm w Ukrainie" przybliżają polifonię artystycznych postaw i tożsamości, które rozwinęły się w pierwszych dekadach XX wieku. Opowiada historię modernistycznych artystów i artystek oraz ich wizualnych eksperymentów, poprzez które starali się oni odnowić kulturę i autonomię Ukrainy. Terytorium tego kraju było przez stulecia podzielone pomiędzy różne imperia, jednak okresy suwerenności przyczyniły się do wykształcenia odrębnej tożsamości. A w XIX wieku ta narodowa świadomość znalazła swoją emanację w sztuce i literaturze. Skomplikowana historia wytworzyła szczególny profil kulturalny zrodzony z fuzji środowisk ukraińskich, polskich, rosyjskich i żydowskich.   Modernizm w Ukrainie rozwijał się w wieloaspektowym kontekście społeczno-politycznym, znaczonym I wojną światową, rozpadem Imperium Rosyjskiego i Imperium Austro-Węgierskiego, powstaniem niezależnej Ukraińskiej Republiki Ludowej (19181921) i wreszcie wchłonięciem ziem ukraińskich przez Związek Radziecki i II Rzeczpospolitą. Pomimo tego politycznego zamieszania był to okres prawdziwego rozkwitu kultury ukraińskiej.

Europejskie kino gatunków 5 to kolejny tom poświęcony twórczości europejskich filmowców zajmujących się kinem gatunkowym. Ponownie nacisk położono na zjawiska wcześniej nieopisywane bądź opisywane zdawkowo, zwłaszcza w polskim piśmiennictwie filmoznawczym. Obok analiz filmów występujących w głównym nurcie kina (produkcje o przygodach agenta 007, kino heritage cinema czy dzieła Kena Russella) znalazły się tu opracowania utworów składających się na eksploatacyjną odnogę europejskiej kinematografii (filmy grozy z brytyjskiej listy video nasties) czy też klasyki europejskiego kina gatunkowego (mondo cinema). Wszystko to tworzy bogaty i intrygujący portret filmów często znanych jedynie specjalistom, a dziś z chęcią odkrywanych i analizowanych przez rzesze miłośników kina niebanalnego, stającego się nierzadko źródłem inspiracji twórców światowej kinematografii (Quentin Tarantino). Książka, zawierająca prace specjalistów zajmujących się szeroko pojętym kinem gatunkowym, adresowana jest przede wszystkim do akademików badających ten temat w jego szerokim kulturoznawczym aspekcie, ale również do wszystkich żywo zainteresowanych kinem gatunków, dzięki innowacyjności jego autorów reprezentujących europejską kinematografię wypracowującym swój własny, oryginalny – rozwijający lub polemizujący z amerykańskim – idiom kina gatunkowego. Tom piąty Europejskiego kina gatunków uważam za znakomite zwieńczenie dla polskiego filmoznawstwa przedsięwzięcia. Dwa duże bloki tematyczne (brytyjski i włoski), cztery ujęcia monograficzne reżyserów (Ken Russell, Ruggero Deodato, Fernando Di Leo, Dušan Makavejev), wreszcie teksty konceptualizowane w ramach drogi „od tematu do gatunku” (biografie kompozytorów oraz kino wojenne) – wszystkie te propozycje trzeba uznać za spełniające wysokie standardy dyskursu akademickiego, nacechowane indywidualnym podejściem autorek i autorów, a także niezwykle wartościowe wypowiedzi o charakterze propedeutycznym – w jak najbardziej pozytywnym znaczeniu tego słowa. Nie ulega bowiem wątpliwości, że zarówno ten, jak i poprzednie tomy cyklu będą stanowić odtąd (już stanowią!) ważny podręcznik z zakresu wiedzy o europejskim kinie gatunków. Z recenzji dr. hab. Rafała Koschanego, prof. UAM