W tej strefie zapraszamy czytelników tak zwane artystyczne dusze po książki z kategorii Sztuka. Polecamy szereg publikacji o sztuce i jej historii,ciekawostki i portfolia artystów, eseje, albumy, książki o malarstwie, rzeźbiarstwie, architekturze oraz histoii fotografii. Biografie ciekawych artystów, książki i powieści przedstawiające fascynujące losy malarzy i osób uwiecznianych na obrazach. W tym dziale tylko ksiązki ze sztuka w tle.
Książka o japońskich erotycznych obrazach shunga epoki Meiji, zawierająca kolorowe ilustracje najciekawszych prac, a jednocześnie prezentacja kilku najwybitniejszych japońskich artystów XIX wieku, specjalizujących się w miłosnych ilustracjach. W książce prezentowane są kolorowe erotyczne ilustracje, jakie powstały w okresie Meiji, czyli w latach 1868-1912 i chociaż epoka ta obejmuje schyłek sztuki erotycznej w tradycji japońskiej, to jednak nadal stanowi istotną część historii związanej z japońską erotyką. Koniec tej epoki zwiastuje zarówno zanik sztuki drzeworytniczej, jak i - co jest z tym związane - kres produkcji oraz rozpowszechniania erotycznych ilustracji drzeworytniczych. W późniejszym okresie przedstawienia seksu w sztuce japońskiej zanikają zarówno w sferze artystycznej, jak i popularnej.Spis treściWstępCzęść pierwsza: Okres Meiji, czyli powstanie Nowej JaponiiPrzemiany okresu MeijiCenzura seksualnościDrzeworyt w tradycji japońskiejHistoria obrazów shungaCzęść druga: Shunga okresu MeijiKontynuacja i nowe wzorceObcokrajowcy, kurtyzany i sanitariuszkiShunga i wojnyHomoseksualnośćRynek wydawniczyCzęść trzecia: Twórcy shunga okresu MeijiKawanabe KysaiTakeuchi KeishTomioka EisenTerasaki KgyIkeda TerukataAnonimowe dziełaZakończeniePrzypisyBibliografia
Bogato ilustrowany, wnikliwy esej, pokazujący, że grzech stanowi siłę napędową wszystkich głównych postaci szekspirowskich, zarówno w komediach, jak i tragediach. Wyselekcjonowane fragmenty dramatów, w których obecność grzechów głównych jest bardzo wyraźna, autor zestawia z ikonografią epoki, głównie niderlandzką. Obrazy nie zostały jednak dobrane na zasadzie wyszukiwania "ilustracji" do poszczególnych scen, lecz wspólnoty wrażliwości i widzenia świata. Dzięki temu Limon tworzy obraz epoki (renesansu i baroku), która wyrosła na fundamencie nowo powstałej kultury miejskiej. Współwydawcą drugiego wydania książki jest Fundacja Theatrum Gedanense.
Kto był inspiracją dla Michała Anioła podczas pracy nad Dawidem? Co sprawia, że pisuar jest dziś wart miliony? Czy falsyfikat można uznać za dzieło sztuki? Od figurek z epoki kamienia po sztukę wideo XXI wieku – Laurie Schneider Adams w przystępnym, żywym ujęciu snuje niezwykłą opowieść o dziejach sztuki Zachodu. Autorka wysuwa na pierwszy plan same dzieła, oferując ich szeroki wybór obejmujący tak ikoniczne prace, jak Narodziny Wenus Botticellego, Convergence Pollocka i wiele innych. Sięgając po kontrowersje, spory i debaty, które są równie istotną częścią historii sztuki jak i same dzieła, Adams łączy wciągającą opowieść z podstawami teorii sztuki. Uzupełniona kolorowymi ilustracjami i słowniczkiem pojęć Sztuka dla dociekliwych stanowi nieodzowne kompendium dla każdego, kto dopiero zaczyna krytycznym okiem świadomie patrzeć na sztukę. Laurie Schneider Adams była profesorką historii sztuki w John Jay College wchodzącego w skład City University of New York, autorką wielu książek, między innymi A History of Western Art oraz redaktorką czasopisma „Source: Notes in the History of Art.” Projekt okładki Eliza Luty
Mówił o sobie: "Jestem nudny, nieciekawy, normalny człowiek, który nie ma długów i nie pije alkoholu". Ale jego życie to fascynująca historia pełna zakrętów, wielkich sukcesów i dramatycznych zdarzeń.Urodził się w Łodzi, w czasie wojny ukrywał się we Lwowie, stracił wszystkich bliskich. Przeżył, założył rodzinę i niemal natychmiast wyemigrował. Nie wytrzymał za granicą - wrócił, by stać się jednym z najważniejszych reżyserów teatralnych i operowych swojego pokolenia.Chciał zostać muzykiem, lecz to teatr stał się jego żywiołem. Reżyserował, grał w filmach, uczył zawodu - surowo, a mimo to dla wielu pozostał najważniejszym nauczycielem. Jego programy przyciągały przed telewizory miliony widzów.Intelektualista, erudyta, człowiek zapamiętany w anegdotach oraz w pamięci współpracowników i wychowanków. Dla wielu autorytet, wzorzec, punkt odniesienia.Kim był Aleksander Bardini?Pierwsza pełna biografia Aleksandra Bardiniego (1913-1995), jednej z najbardziej rozpoznawalnych postaci polskiej kultury, przedstawia jego wielowymiarowy portret: reżysera teatralnego i operowego, pedagoga, aktora oraz osobowości telewizyjnej.
Zeszyt do kolorowania z dziełami Paula Gauguina. To propozycja skierowana do wszystkich miłośników kolorowanek oraz sztuki polskiej, którzy nie tylko podziwiają dzieła największych malarskich mistrzów, ale także sami chętnie sięgają po plastyczne przybory. Zeszyt zawiera ilustracje 14 reprodukcji oraz 14 szkiców obrazów malarza. Obok zdjęcia danego dzieła umieszczono szablon do samodzielnego pokolorowania. Dzięki temu każdy kolorujący będzie mógł w swojej wersji zbliżyć się do oryginału lub przeciwnie - nadać obrazkowi własne barwy, zmieniając jego dotychczasowy charakter.
Wyjęte z grobów szczątki szat i ułomki ciał, dzieła rzemiosła i rzeczy osobiste, fragmenty budowli i elementy uzbrojenia, grudki ziemi i kępki trawy - w większości z takich obiektów, a nie wybitnych dzieł sztuki, składała się kolekcja utworzona przez księżną Izabelę Czartoryską w jej rezydencji w Puławach na przełomie XVIII i XIX wieku. W swej fizycznej postaci były to przedmioty skromne, niepozorne, wręcz banalne. A przecież zostały zamknięte w ozdobnych oprawach, naczyniach i sarkofagach oraz zaaranżowane w efektowne kompozycje w specjalnie dla nich wzniesionych budynkach. Wśród oglądających je gości wywoływały jednak zachwyt i wzruszenie - miały bowiem status historycznych pamiątek. W jaki sposób go zyskały? Michał Mencfel na przykładzie trzech obiektów ze zbiorów Czartoryskiej - czaszki Jana Kochanowskiego, krzesła Williama Szekspira oraz relikwiarzyka z drzazgą z szafki Francesca Petrarki i kostką z ręki jego ukochanej Laury - pokazuje, jak dokonywała się przemiana pozornie pospolitych rzeczy w przedmioty poddawane szczególnej ochronie, wystawione do oglądania i obdarzone wielkim potencjałem poznawczym i emocjonalnym. Historia każdego z tych obiektów naświetla zarazem jakiś aspekt kultury antykwarycznej. Bo właśnie antykwaryzm wskazuje Mencfel jako źródło kolekcjonerskiej postawy Czartoryskiej i ważny kontekst dla puławskich zbiorów. Jednocześnie autor sytuuje Puławy na mapie wybitnych europejskich realizacji kolekcjonerskich epoki sentymentalizmu, gdzie od dawna powinny zajmować eksponowane miejsce.
Niepublikowana dotąd korespondencja między jedną z największych dwudziestowiecznych artystek a znakomitym krytykiem, wieloletnim dyrektorem Muzeum Sztuki w Łodzi. Listy, pisane od schyłku lat czterdziestych do końca życia rzeźbiarki, przedstawiają ich narzeczeństwo, małżeństwo, a po rozwodzie nadal bliską, przyjacielską więź. Napisane z prawdziwym literackim talentem są świadectwem drogi artystycznej Szapocznikow i rzadkim u niej autokomentarzem. Są też pełnym pasji dokumentem porywającej miłości, której tło stanowiła powojenna Europa: od lewicującej Francji po komunistyczną Polskę. Listy opatrzono objaśnieniami Agaty Jakubowskiej, autorki jedynej monografii twórczości Szapocznikow. Tłumaczą one polityczny i artystyczny kontekst, w jakim powstawała ta korespondencja, oraz przybliżają biografie jej autorów. Życie jest krótkie, jest piękne, o ile potrafi być szczere, prawdziwe i silne, nie cukierkowato sentymentalne. Kwiaty to cuda przyrody i radość dla ludu. Zresztą wszystko jest cudem przyrody. Najsilniejsze słowo w Twym liście to cholernie. Dopiero po nim czuję, jak mnie cholernie kochasz i nie musisz za to przepraszać. fragment
The Complete Saga from Mad Max to FuriosaThe Legend of Mad Max is the ultimate guide to the high octane post-apocalyptic film series, directed by visionary filmmaker George Miller. This comprehensive history delves into the making of each film, exploring the unique vision and groundbreaking live action and special effects that have made Mad Max a cultural touchstone for over five decades. From the unforgettable characters and thrilling action sequences to the complex themes and deep mythology, this stunningly illustrated book provides an in-depth look at the world of the iconic road warrior from Mad Max to Furiosa.Buckle up and get ready for a wild ride through The Wasteland as you discover the full story behind this classic saga. With detailed production information, behind-the-scenes stories, and stunning photography, The Legend of Mad Max is a must-read for fans of this celebrated series.
Regionalny Ośrodek Studencki Pyrlik oraz Teatr Wiatyk – te nazwy wciąż są znane Bytomianom, chociaż Wiatyk zakończył działalność w roku 1986, a Pyrlik niewiele później. Pyrlik był kultowym klubem studenckim, a Wiatyk to jeden z najciekawszych polskich teatrów alternatywnych lat 80.
Marcin Hałaś – dziennikarz zajmujący się sprawami Bytomia od ponad 30 lat i autor kilku książek o tym mieście – postanowił odnaleźć informacje i uporządkować wiedzę o obu tych instytucjach-zjawiskach. Ta książka jest owocem kwerendy źródłowej, ale głównie reporterskiej pracy: rozmów z ludźmi, którzy (współ)tworzyli Pyrlik oraz z niemal wszystkimi żyjącymi aktorami Wiatyku. Dlatego powstało nie historyczne opracowanie, ale żywa opowieść o tamtych czasach, ludziach i przedsięwzięciach. Zagłębiając się w dzieje Wiatyku, autor książki dotarł do informacji dotąd zupełnie nieznanych, pokazujących artystów teatru od bardzo ludzkiej, ale też dramatycznej strony.
W swoim bestsellerze "Bach, Beethoven i inne chłopaki" David W. Barber z humorem rozprawił się z biografiami wielkich kompozytorów. Tym razem wraca, by oddać należne miejsce kompozytorkom i innym kobietom, które przez wieki współtworzyły świat muzyki - często wbrew ograniczeniom epoki, społecznym uprzedzeniom i zwykłemu zapomnieniu. To opowieść o talentach spychanych na margines, historiach pomijanych w podręcznikach i muzyce, która istniała, choć rzadko mówiono, kto ją naprawdę tworzył.Barber prowadzi czytelnika przez dzieje muzyki z typowym dla siebie humorem, celnością obserwacji i swadą, łącząc rzetelną wiedzę z błyskotliwym komentarzem. Z bezceremonialną ironią punktuje absurdy muzycznego patriarchatu, a jednocześnie z sympatią i szacunkiem portretuje bohaterki swojej książki. Efekt jest podwójny: książka bawi, a jednocześnie skutecznie rozprawia się z mitem, że muzyka klasyczna była wyłącznie domeną "chłopaków".
Gruppa nabierała energii w czasie karnawału Solidarności, by wybuchnąć w stanie wojennym - szóstka studentów i absolwentów warszawskiej ASP postanowiła tworzyć razem i odpowiedzieć na brutalność politycznej rzeczywistości dziką, bezczelną sztuką: figuratywną, ironiczną, czasem obsceniczną, operującą groteską i śmiechem, który bywa jedyną możliwą reakcją na absurd. Ryszard Grzyb, Paweł Kowalewski, Jarosław Modzelewski, Włodzimierz Pawlak, Marek Sobczyk i Ryszard Woźniak nie mieli oficjalnego programu. Chcieli malować żywiołowo, ekspresyjnie, opowiadając, a raczej wykrzykując swoje historie. Razem stworzyli coś, czego polska sztuka wcześniej nie widziała.Byli jak granat eksplodujący w różnych kierunkach: buntowali się przeciwko władzy i Kościołowi, abstrakcji swoich profesorów, konceptualizmowi rówieśników - i świetnie się przy tym bawili. Wzięli udział w Documenta 8 w Kassel, wystawiali we Włoszech. Potem każdy poszedł swoją drogą. Dziś są częścią kanonu, ale takiego, który wciąż zadaje niewygodne pytania.Borysław Czyżak przygląda się tej formacji z bliska: jej narodzinom w mroku stanu wojennego, rozkwitowi, rozpadowi i swoistemu renesansowi. Przypomina także o jej mniej znanych członkach - Małgorzacie Rittersschild czy Macieju Wilskim - którzy w pierwszych latach wystawiali z kanoniczną szóstką. Jego bogato ilustrowana monografia to pierwsze tak całościowe spojrzenie na fenomen Gruppy.
Odkryj Łódź z dawnych lat - w kadrach pełnych detali, śladów codzienności i historii. Zebrane w albumie archiwalne fotografie prowadzą przez ulice, fabryki, podwórza, stadiony i salony. Zobaczysz miasto tętniące życiem: z tramwajami, robotnikami wychodzącymi z fabryk, sportowcami na boiskach i ludźmi podczas ważnych wydarzeń. Miasto znane z przemysłu, ale też z kultury i różnorodności. Album przypomina, jak bardzo Łódź się zmieniła, ale też jak wiele zostało - w architekturze, atmosferze i pamięci ludzi.
Niniejsza publikacja łączy naukowe podstawy psychologii z praktycznym doświadczeniem twórców filmowych. Autorzy przystępnie wyjaśniają, czym jest psychologia wykonania, jak działa motywacja osiągnięć w świecie twórczym oraz w jaki sposób styl przywództwa reżysera i producenta wpływa na efektywność i satysfakcję z pracy. Przedstawiają także wyniki badań nad psychologicznym funkcjonowaniem filmowców oraz rozmowy z uznanymi przedstawicielami branży: Grzegorzem Łoszewskim, Wojciechem Marczewskim, Jowitą Budnik, Karoliną Bruchnicką, Alkiem Pietrzakiem, Łukaszem Simlatem, Marcinem Kasińskim, Pawłem Dyllusem, Adrianem Apanelem i Anną Serdiukow. Ich refleksje tworzą wielowymiarowy obraz środowiska filmowego – pełnego pasji, napięcia, ryzyka, ale też współpracy i wzajemnego wsparcia. Książka może zainteresować psychologów, filmowców, studentów szkół artystycznych, liderów zespołów, pasjonatów kina i wszystkich, którzy chcą lepiej rozumieć ludzi stojących przed kamerą i za nią. Stanowi ona zaproszenie do dyskusji i budowania bardziej świadomego i zrównoważonego świata filmu.
Psychologia w branży filmowej to wyjątkowo wartościowa i nowatorska propozycja na styku psychologii, nauk o kulturze oraz badań nad twórczością w kontekście przemysłów kreatywnych. Autorzy nie tylko rzetelnie opisują uwarunkowania psychologiczne pracy twórczej, lecz także prezentują szeroki kontekst społeczny i zawodowy tej grupy. Znakomitym uzupełnieniem merytorycznych treści są rozmowy z przedstawicielami branży filmowej – reżyserami, aktorami i producentami.
Z recenzji prof. dr hab. Agnieszki Ogonowskiej
Dr Aleksandra Zienowicz-Wielebska – psycholożka specjalizująca się w psychologii wykonania w sporcie i filmie. Od 2011 roku łączy praktykę z pracą dydaktyczną na wybranych uczelniach (m.in. Uniwersytet SWPS, PWSFTviT w Łodzi, Akademia Muzyczna w Bydgoszczy). W sporcie wspiera rozwój zawodników od etapu młodzieżowego po etap seniorski. Specjalizuje się w psychologii sportów walki. Współpracuje z licznymi organizacjami sportowymi oraz instytucjami filmowymi, zajmując się wzrostem wydajności i dobrostanu jednostek oraz zespołów. Współzałożycielka Centrum Psychologii Wykonania i współautorka publikacji z psychologii wykonania. Współtworzy podkast „Na styku”.
Prof. dr hab. Józef Maciuszek – dyrektor Instytutu Psychologii Stosowanej Uniwersytetu Jagiellońskiego (obecnie czwartą kadencję). Zajmuje się psychologią społeczną i psycholingwistyką oraz zagadnieniami z pogranicza psychologii i antropologii filozoficznej. Autor badań empirycznych z psychologii wpływu społecznego i przetwarzania różnych zjawisk językowych. Napisał ponad 100 artykułów naukowych i kilka książek, takich jak Negacja w języku i komunikacji. O przetwarzaniu negacji w kontekście opisu cech ludzi (WUJ, 2006), Automatyzmy i bezrefleksyjność w kontekście wpływu społecznego. O przetwarzaniu negacji, metafor, wieloznaczności i presupozycji (PWN, 2012), Obraz człowieka w dziele Kępińskiego (Wydawnictwo Naukowe UMK, 2015).
Emigrant to ktoś, kto stracił wszystko oprócz akcentu.Każda epoka ma taką tragedię, na jaką zasługuje.Antygona w Nowym Jorku została przetłumaczona na przeszło dwadzieścia języków, uzyskała status dzieła wybitnego.Prapremiera odbyła się w Arena Stagew Waszyngtonie w 1993 roku. ostała wystawiona na całym świecie m.in. w teatrach Pragi, St. Petersburga, Bonn, Budapesztu, Moskwy, Mexico City, Ostrawy, Belgradu, Kowna, Kazachstanu i na Syberii, w Yale Repertory Theatre oraz w Vineyard Theatre w Nowym Jorku(w reżyserii Michaela Meyera). Polska premiera odbyła się w Teatrze Ateneum.W1993 "Time Magazine" uznał ją za jeden z dziesięciu najlepszych tekstów dramatycznych roku, a w1998otrzymałaNagrodęStowarzyszenia Francuskich Krytyków Teatralnych dla najlepszej sztuki sezonu zrealizowanej w małym teatrze (Teatr Proscenium, Paryż).Głowacki przeniósł do zamieszkanego przez bezdomnych parku antyczną tragedię Sofoklesa i dopełnił ją absurdem rodem z Becketta, sprawiając, że nabrała wymiaru okrutnej, ale i śmiesznej tragifarsy.
Kosmos, superbohaterowie, dorastanie, rodzina, pamięć, popkultura, koniec świata i wieloryb. Oto dramatopisarstwo Mateusza Pakuły bezkompromisowe, błyskotliwe i dotkliwie czułe. Jego świat jest intensywny i nieprzewidywalny, jednocześnie ironiczny i poruszający, dziki i hiperprecyzyjny. Antologia Mateusza Pakuły jednego z najważniejszych dramatopisarzy współczesnych. Osiem utworów dramatycznych, w tym teksty dotąd niepublikowane, tworzą wyjątkowy zbiór będący wielowymiarowym portretem twórczości autora: od groteski i popkulturowego nadmiaru po intymne opowieści o chorobie, stracie i kryzysie wspólnoty. W tomie przygotowanym przez Wydawnictwo ADiT znajdują się między innymi przełomowy Wieloryb The Globe, dedykowany Krzysztofowi Globiszowi, oraz najnowszy dramat Whatt inc., w którym science fiction splata się z przetwarzaniem osobistych historii. W skład antologii wchodzą: Marcin wieczny Artur Twardy gnat, martwy świat Wieloryb The Globe Pluton p-brane Houdini vs Conan Doyle Złote płyty Latający potwór spaghetti Whatt inc.
W zbiorach Kijowskiej Narodowej Galerii Sztuki można znaleźć dzieła polskich artystów z XIX i pierwszej połowy XX wieku. Zespół Muzeum Narodowego w Krakowie, zaproszony przez kijowskie muzeum do współpracy, dokonał wraz z nim wyboru prac dziewięciu polskich malarzy reprezentujących różne epoki od wczesnego romantyzmu do okresu międzywojennego.Na wystawie w sali Malarni w Galerii Sztuki XIX wieku w Sukiennicach znajdą się zatem nieznane dotąd polskiej publiczności dzieła takich artystów jak: Aleksander Orłowski (17771832), Henryk Siemiradzki (18431902), Wilhelm Kotarbiński (18481921), Stefan Bakałowicz (18571947), Jan Ciągliński (18581913), Leon Wyczółkowski (18521936), Leon Kowalski (18701937), Stanisław Żukowski (18731944) i Marian Stroński (18921977).Towarzyszący wystawie katalog przedstawia wszystkie eksponowane prace, zaś zawarte w nim eseje przybliżają zagadnienie współistnienia kultur polskiej i ukraińskiej na terytorium Ukrainy oraz szczególnie jeden obraz Modlitwę w Ogrójcu Wilhelma Kotarbińskiego.
Książka Katarzyny Matul poświęcona I Międzynarodowemu Biennale Plakatu, które miało miejsce w Warszawie w 1966, roku jest interesującą monografią wydarzenia. Biennale, mając wielkie znaczenie dla środowiska polskich plakacistów, wpisywało się w szerszą politykę kulturalną Polski okresu późnego Gomułki. Odwilż już odeszła, a zbliżał się rok 1968. Polska szkoła plakatu, o której wiele mówiono, stała się wówczas materiałem eksportowym polskiej kultury. Ona też otwierała drogi i umożliwiała kontakty polskich artystów z czołówką twórców na świecie. Tak powstało Biennale Plakatu, takie były jego początki. O tym wszystkim z precyzją badacza i pasją historyka sztuki opowiada autorka.prof. dr hab. Andrzej TurowskiKatarzyna Matul - historyczka sztuki, absolwentka historii sztuki Uniwersytetu Warszawskiego, była kuratorka Międzynarodowego Biennale Plakatu w Warszawie, stypendystka Swiss National Science Foundation (SNSF). W 2018 roku na Uniwersytecie w Lozannie obroniła doktorat Legitymizacja artystyczna plakatu w PRL: praktyki, dyskursy i instytucje 1944-1968. Zajmuje się badaniem sztuki i projektowania graficznego w perspektywie historii sztuki, historii społecznej i kulturowej oraz socjologii sztuki. Autorka książek: Jak to było możliwe? O powstawaniu Międzynarodowego Biennale Plakatu w Warszawie (Universitas, 2015, wyd. 1), De la rsistance l'autonomie. L'affiche polonaise face au ralisme socialiste, 1944-1954 (Alphil, 2023) o polskim plakacie socrealizmu oraz Legitymizacja artystyczna plakatu w PRL 1944-1968 (Universitas, 2025), która ukazała się również po francusku nakładem Presses universitaires de Rennes (2025).
Bogato ilustrowana książka przedstawia najważniejsze dzieła sztuki, prezentowane w największych galeriach i muzeach świata, reprodukowane w licznych publikacjach i periodykach, często wykorzystywane też na okładkach powieści.Czytelnik prowadzony jest przez epoki, style i nurty, zilustrowane najważniejszymi dziełami malarstwa, rzeźby, sztuki konceptualnej i performance'u.Obszerne kompendium wiedzy o historii sztuki światowej.Ponad 1 100 kolorowych ilustracji najwybitniejszych dzieł sztuki.Omówienie wszystkich najważniejszych dziedzin w sztukach plastycznych, od malarstwa i rzeźby po sztukę konceptualną.Przejrzyste opracowanie osi czasu, które ułatwiają orientację w chronologii zjawisk artystycznych.Atrakcyjna szata graficzna.WYDANIE ZAKTUALIZOWANE
Autor książki zwraca uwagę na obecność oraz istotność ojczyzn magicznych (nowy termin w humanistyce zaproponowany przez niego) we współczesnym zachodnim kinie i literaturze. Dzieła wpisujące się w tę tendencję są przykładem dowartościowania autorskiego własnego miejsca, postrzeganego subiektywnie, przy jednoczesnym nacisku na tworzenie osobistego mitu, korzystającego z genius loci, w oparciu o pozaracjonalny (w rozumieniu zachodnim) pierwiastek magiczny. Ojczyzny magiczne są w książce omawiane przez pryzmat trzech wyróżników: magii, etniczności i mitu. W publikacji analizowane są dzieła z dorobku ośmiu autorów: Susanny Clarke, Jana Jakuba Kolskiego, Orhana Pamuka, Ceydy Torun, Ailo Gaupa, Emira Kusturicy, Pavola Baraba i Tomma Moore'a. Wybór szerokiej palety nazwisk i dzieł pozwala na obszerną i różnorodną prezentację tego, czym jest we współczesnej kulturze ojczyzna magiczna.Książka Mateusza Żebrowskiego przypomina czytelnikom zapomniane lub ujawnia zgoła nieznane im obszary znaczeń, które stanowią podstawy istnienia różnych kultur. Pozwala, dzięki erudycyjnej i wnikliwej eksplikacji Autora, lepiej zrozumieć zawarty w nich kod antropologiczny, mitologiczny i magiczny. Jestem przekonana, że rozprawa Mateusza Żebrowskiego stanie się dla kulturoznawców cennym przewodnikiem po wyobrażonych ojczyznach magicznych oraz pasjonującą lekturą dla czytelników i widzów zainteresowanych literackimi i filmowymi miejscami, w których pojawienie się magii sugeruje istnienie porządku innego niż tylko realistyczny i zdroworozsądkowy.z recenzji prof. dr hab. Grażyny StachównyMateusz Żebrowski kulturoznawca, filmoznawca, krytyk filmowy. Wraz z Martą Chylińską prowadzi popularnego wideobloga o tematyce filmowej - Drugi Seans. W ramach Drugiego Seansu współprowadzi "Nadzieje polskiego kina" - cykl spotkań z młodymi polskimi reżyserami, często przed pełnometrażowym debiutem. Dwukrotny stypendysta ministra kultury w dziedzinie film z projektami: "Młoda szkoła" (o polskich reżyserach debiutujących po 2015 roku) oraz "Takie piękne kino się urodziło" (o dokumencie autobiograficznym w polskim kinie XXI wieku). Regularnie publikuje w "Czasie Kultury", miesięczniku "Kino" i na portalu Filmweb.
Gustav Mahler(1860-1911) - kompozytor i dyrygent przełomu XIX i XX wieku, jedna z najbardziej fascynujących postaci późnego romantyzmu. Jego twórczość, początkowo przyjmowana z rezerwą, z czasem zdobyła uznanie i dziś należy do najważniejszych punktów odniesienia w repertuarze symfonicznym. Mahler rozwijał język muzyczny na styku tradycji i nowoczesności, łącząc rozbudowaną orkiestrację z intensywną, często skrajną ekspresją. W jego utworach spotykają się elementy natury, codzienności i refleksji egzystencjalnej, tworząc wielowymiarowe i pełne napięć struktury dźwiękowe. Choć za życia ceniono go przede wszystkim jako dyrygenta, komponowanie pozostawało dla niego sprawą najważniejszą. Nazywał siebie "wakacyjnym kompozytorem", tworzył głównie w krótkich przerwach od obowiązków zawodowych. Pozostawił po sobie stosunkowo niewielki, lecz niezwykle znaczący dorobek. Dziś jego muzyka postrzegana jest jako jedno z kluczowych ogniw prowadzących ku nowoczesnej wrażliwości.
Ten produkt jest zapowiedzią. Realizacja Twojego zamówienia ulegnie przez to wydłużeniu do czasu premiery tej pozycji. Czy chcesz dodać ten produkt do koszyka?
