W tej strefie zapraszamy czytelników tak zwane artystyczne dusze po książki z kategorii Sztuka. Polecamy szereg publikacji o sztuce i jej historii,ciekawostki i portfolia artystów, eseje, albumy, książki o malarstwie, rzeźbiarstwie, architekturze oraz histoii fotografii. Biografie ciekawych artystów, książki i powieści przedstawiające fascynujące losy malarzy i osób uwiecznianych na obrazach. W tym dziale tylko ksiązki ze sztuka w tle.
Wystawa jubileuszowa, powstała w 130. rocznicę urodzin artysty i w roku pod jego patronatem, staje się okazją do przyjrzenia się wielorakim obliczom sztuki Czapskiego stąd jej tytuł. Pozwala ona spotkać Czapskiego jako malarza i rysownika, przybliża też proces twórczy, w którego wyniku powstawały jego prace. Na wystawie znajduje się ponad pięćdziesiąt dzieł malarstwa i rysunku, głównie z kolekcji prywatnych (krajowych i zagranicznych), pochodzących zwłaszcza od bezpośrednich spadkobierców sióstr Czapskiego. Ten rodzinny i intymny charakter rzadko eksponowanych dzieł znajduje odbicie w strukturze wystawy. Ekspozycję otwierają autoportrety w pracowni, które w przestrzeni otulone są malarskimi i rysunkowymi przedstawieniami bliskich mu ludzi (m.in. czułymi portretami członków rodziny), przedmiotów (z uporem powtarzane przez całe życie martwe natury) i widoków (w tym majątków rodzinnych). Układ wystawy oddaje towarzyszący jej katalog, w którym zamieszczono całostronicowe ilustracje wszystkich eksponowanych dzieł oraz wprowadzenie będące cennym i nowatorskim spojrzeniem na twórczość Józefa Czapskiego.
Ilustrowany katalog do wystawy malarstwa Pawła Kałużyńskiego. Zawiera wstęp Krzysztofa Musiała, zapowiedź Katarzyny Włodarskiej i esej Karoliny Rychter.Katalog jest wydany w wersji polsko-angielskiej.
Ilustrowany katalog do wystawy Artura Nachta-Samborskiego. Zawiera reprodukcje obrazów, wstęp Krzysztofa Musiała oraz teksty: Jacka Cybisa, Zbigniewa Taranienki i Jerzego Wojciechowskiego, a także notę biograficzną. Katalog jest wydany w wersji polsko-angielskiej.
Nie kryję wielkiej mej radości, że oto po wielu miesiącach oczekiwania otrzymałam do rąk książkę Sto lat Teatru Polskiego Radia 19252025. Z jej autorem, dr. Tomaszem Lerskim, rozmawialiśmy od wielu długich miesięcy. Popierałam jego wielki zamiar, aby z okazji Jubileuszu stulecia Teatru Polskiego Radia oddać głos jego rzeczywistym i najbardziej cenionym twórcom, to jest wykonawcom (niekiedy nawet tysiąca ról), kreującym słuchowiska, które zapisały się w pamięci pokoleń słuchaczy. Wielu z nich przeszło wszak do historii teatru radiowego, ale też legendy polskiego teatru. Przez blisko dwa lata miałam także wiele interesujących sposobności, aby poznać opowieści dr. Lerskiego o tych niezwykłych artystach, z których wielu zapraszało go do swych domów na rozmowę, ale również aby pochwalić się pamiątkami z osobistej działalności radiowej. Nie mam wątpliwości, że te pamiątki powinny kiedyś znaleźć się uzupełniając cenne zbiory w Muzeum Teatru Wyobraźni, utworzonym w Baranowie Sandomierskim przez Janusza Kukułę, wieloletniego dyrektora Teatru Polskiego Radia. Właśnie obu Panom, Januszowi Kukule i Tomaszowi Lerskiemu, zawdzięczam bliższą i niezmiernie pożyteczną znajomość tej niezwykłej i bardzo ważnej sztuki. Przed laty miałam okazję poznać blisko Państwa Irenę i Tadeusza Byrskich, którzy odwiedzali na Uniwersytecie Łódzkim moją protektorkę prof. Stefanię Skwarczyńską, wybitną polską teatrolog. Ta para zapisała się złotymi zgłoskami w dziejach radiowej sceny. Odwiedzała nas również prof. Elżbieta Olejniczakowa, wybitna historyk teatru radiowego, która m.in. przysyłała do mnie przez wiele lat z prośbą o konsultację z zakresu teatrologii swoich magistrantów i doktorantów. Tym przypomnieniem uzasadniam moje kompetencje do wystawienia wysokiej oceny książce Tomasza Lerskiego. Cieszę się, że wybitne osiągnięcia Teatru Polskiego Radia udało się w dniu jego stulecia uczcić tak cenną publikacją. prof. dr hab. Anna Kuligowska-Korzeniewska Akademia Teatralna im. Aleksandra Zelwerowicza w Warszawie
Książka ukazuje się w setną rocznicę urodzin najwybitniejszego polskiego choreografa, który był nie tylko reformatorem krajowego baletu, ale także aktywnym i liczącym się twórcą w Europie. Był Artystą, który budził zachwyt i niechęć, otwartym i kontrowersyjnym, człowiekiem niepokornym i wiernym swoim ideałom. Autor - wybitny znawca tematu, doktor habilitowany sztuki, adiunkt w Akademii Muzycznej w Poznaniu - swą nową książką rozwija wątki zasygnalizowane w biografii Conrada Drzewieckiego, którą napisał w 2014 roku. Tym razem, jak sugeruje tytuł, przedstawia autorską monografię dotyczącą twórczych dokonań Drzewieckiego poza granicami kraju. Dzięki publikacji można bliżej się przyjrzeć recepcji twórczości choreografa w Niemczech, Holandii, Czechach, Bułgarii, Szwecji, a nawet na Kubie. Lektura prasy zagranicznej i analiza dokumentów teatralnych pozwalają obalić mity i nieporozumienia, jakie narosły wokół twórczości Drzewieckiego. Zagraniczna perspektywa daje szansę zobaczyć jego działania choreograficzne w nowym świetle.
Ponad 120 lat polskiej grafiki warsztatowej w jednym tomie! W książce zaprezentowane 290 dzieł 61 artystów z kolekcji Wiesława Fabera. Od klasyków urodzonych w drugiej połowie XIX wieku po twórców współczesnych, które odsłaniają bogactwo technik, tematów i artystycznych wizji. Wiele z tych prac, powstałych w latach 19052025, nigdy wcześniej nie ujrzało światła dziennego.Kolekcję tę Wiesław Faber gromadził przez dziesięciolecia. To zbiór unikatowy, w którym jak w zwierciadle odbija się czas powstania grafik oraz osobowość ich twórców ich wrażliwość, energia i talent. Publikacja ukazuje różnorodność, siłę ekspresji i nieprzemijający urok polskiej grafiki warsztatowej.
Ta wyczekiwana publikacja to zbiór czterech nowatorskich i poruszających dramatów, które odnosiły już spektakularne sukcesy na najważniejszych europejskich scenach teatralnych, uzupełnionych posłowiem Gabrieli Abrasowicz. Główną oś książki stanowi trylogia zatytułowana Miasto Dobrej Nadziei (Grad dobre nade), na którą składają się sztuki: Pieśń miasta (nie jest dla ciebie), Songplay: jedna sekunda dla łasic oraz To nie jest spektakl o twojej urodzie przewodnik po mieście i lesie. Zbiór zamyka wielokrotnie nagradzany utwór #jeanne, skłaniający do głębokiej refleksji nad miejscem jednostki w epoce późnego kapitalizmu, nakreślający baśniową, a zarazem apokaliptyczną wizję rzeczywistości. Utwory zebrane w Pieśniach miasta stanowią niepokorną reakcję na brutalność oraz przemoc ostatniej dekady. Autorka z niezrównaną precyzją obnaża dynamikę europejskiej polityki, rosnące podziały społeczne, religijne uprzedzenia oraz powszechną politykę strachu. Dramaty Ivany Sajko nie skupiają się na tradycyjnie pojmowanych postaciach, lecz konstruują intensywne sytuacje, dając głos marginalizowanym losom. Wykorzystując odniesienia do popkultury, filmu, poezji i surowych realiów wielkiego miasta, autorka zmusza do konfrontacji z niewygodnymi prawdami o naszym społeczeństwie. Pieśni miasta to lektura obowiązkowa dla miłośników współczesnego dramatu i teatru, poszukujących w sztuce przestrzeni do krytycznego myślenia i nadziei na to, że ludzkość zdoła nauczyć się żyć razem. Książka została wydana przy wsparciu finansowym Ministerstwa Kultury i Mediów Republiki Chorwacji.
Książka 1000 filmów, które tworzą historię kina przybliża filmy, jakie odcisnęły wpływ na dziesiątą muzę, oraz rzuca na nie świeże spojrzenie. Zaprezentowane zostały tu nie tylko arcydzieła, ale również filmy kontrowersyjne, skandaliczne, nowatorskie czy przeboje box office’u. książkę mogą sięgnąć nie tylko miłośnicy kina, ale także rozpoczynający z nim przygodę czy szukający filmowych inspiracji.
Wyjątkowy zestaw sześciu albumów Beksiński w eleganckim etui. Komplet ten to niepowtarzalna edycja bestsellerowych wydań albumowych zawierających dzieła Zdzisława Beksińskiego, z których dwa ukazały się jeszcze za życia i przy współpracy samego Mistrza. Kolekcja zawiera znakomitą większość prac Zdzisława Beksińskiego z zakresu malarstwa, rysunku oraz grafiki komputerowej, pochodzących z archiwum Muzeum Historycznego w Sanoku oraz zbiorów prywatnych.
Egipcjanie czcili akację i lotos, w czasach wiktoriańskich „mowa kwiatów” pozwalała w subtelny sposób wyznawać uczucia. To, że rośliny i pejzaże pojawiały się na słynnych płótnach Vincenta van Gogha i Georgii O’Keeffe było nie bez znaczenia. Ludzkość bowiem od wieków stara się nadać wyjątkowe znaczenie otaczającej nas przyrodzie. Ten bogato ilustrowany przewodnik w wyrafinowany sposób łączący botanikę, sztukę, etnologię i mitologię pokazuje, jak rośliny były prezentowane w sztuce i kulturze na przestrzeni dziejów oraz jakie znaczenie im nadawano. To nie tylko przewodnik botaniczny, ale raczej artystyczno-kulturowa encyklopedia, która łączy wiedzę z estetyką i interpretacją symboliki roślin.
Wyjątkowa, elegancka edycja KOMEDII Williama Shakespeare’a w przekładzie Stanisława Barańczaka
„Barańczak ma absolutny słuch językowy i magiczny dar rymowania”.
Jan Kott
„Mówi mi się Barańczaka tak, jak się oddycha powietrzem – tłumacz prowadzi mnie przez najbardziej powikłane i zaplątane wątki myślowe z krystaliczną prostotą”.
Jan Peszek
„W Polsce tylko Stanisław Barańczak potrafi tak tłumaczyć Szekspira”.
Andrzej Seweryn
Komedie to obok Tragedii i Kronik druga odsłona unikatowej kolekcji dzieł Shakespeare’a w przekładzie Barańczaka. Limitowana edycja poświęcona została dwóm tuzom literatury, najsłynniejszemu bardowi świata i jednemu z najważniejszych tłumaczy.
Wyjątkowa, elegancka edycja TRAGEDII I KRONIK Williama Shakespeare’a w przekładzie Stanisława Barańczaka
„Wszystko, czego mi zabrakło w poprzednich tłumaczeniach, znalazłem u Barańczaka: jasność, potoczystość, cudowny rytm i lapidarność przekładu wprost do grania”.
Tadeusz Łomnicki
„W pierwszym olśnieniu tekstem jestem zaszokowany jego jasnością, prostotą, szaloną komunikatywnością”.
Gustaw Holoubek
Tragedie i Kroniki to obok Komedii druga odsłona unikatowej kolekcji dzieł Shakespeare’a w przekładzie Barańczaka. Limitowana edycja poświęcona została dwóm tuzom literatury, najsłynniejszemu bardowi świata i jednemu z najważniejszych tłumaczy.
Pakiet surrealistyczny składa się z dwóch fantastycznych książek: "Artystki i surrealizm" oraz "Surrealistyczne przestrzenie. Życie i sztuka Leonory Carrington". Artystki i surrealizm Pionierska książka "Artystki i surrealizm" Whitney Chadwick to najbardziej wszechstronne omówienie życia, myśli i dzieł niezwykłych kobiet, które stały się ważną częścią ruchu surrealistycznego. Leonora Carrington, Leonor Fini, Frida Kahlo, Dorothea Tanning i wiele innych artystek to ikony tamtej epoki – a zarazem odważne dziewczyny, które nie pozwoliły się zamknąć w roli modelek i muz, lecz podążyły własną ścieżką, by poprzez surrealizm osiągnąć dojrzałość twórczą oraz to, co wówczas nazywano „wyzwoleniem ducha”. Historie ich życia oraz ich dokonania zostały tutaj przedstawione na tle burzliwych lat dwudziestych, trzydziestych i czterdziestych XX wieku, w cieniu wojny, która skazała surrealizm na wygnanie za ocean – do Nowego Jorku i do Meksyku. Whitney Chadwick, autorka Kobiet, sztuki i społeczeństwa, publikacji przyjętej z uznaniem zarówno przez krytyków sztuki, jak i przez czytelników, w trakcie prowadzenia swoich badań rozmawiała i korespondowała z większością bohaterek tej książki. Poza bogactwem ilustracji włączyła do niej również liczne dokumenty, nigdy wcześniej niepublikowane, do tej pory nieznane szerszej publiczności, a nawet ekspertom w dziedzinie surrealizmu. Te przełomowe badania odmieniły krytycznoartystyczne losy surrealistek i stały się podstawą do całkowitej rewizji ich historii. Książka Whitney Chadwick zaś zyskała status klasycznego opracowania poświęconego artystkom surrealizmu. Na tym źródle opierają się dzisiaj osoby, które same sztukę uprawiają, jak i te, które zajmują się jej krytyką i historią. W historii kultury surrealizm bez wątpienia był rewolucją. Dziś, gdy mija sto lat od chwili ogłoszenia słynnego manifestu André Bretona, przyszedł wreszcie czas na to, by również surrealistkom przywrócić należne im miejsce. Te kobiety łączyły w sobie miłość do życia z miłością do sztuki, a ich pasja jest nadal żywa, czego najlepszym dowodem stała się ta książka. Surrealistyczne przestrzenie. Życie i sztuka Leonory Carrington Leonora Carrington należała do awangardy – zarówno w historii kobiet artystek, jak i w rozwoju surrealizmu. Była wizjonerką, a jej zainteresowania – takie jak feminizm, ekologia, tajemniczy świat mistyki czy wzajemne powiązania wszelkich zjawisk – podziela dziś wielu ludzi. Sprzeciwiając się normom i konwenansom swoich czasów, Leonora porzuciła rodzinę, społeczeństwo i Anglię, by otworzyć się na nowe doświadczenia w Europie, a także w obu Amerykach, i stworzyć własny, niepowtarzalny styl artystyczny. W tej poruszającej ilustrowanej biografii dziennikarka i pisarka Joanna Moorhead podąża śladem swej kuzynki, aby ze swadą opisać życie i twórczość Leonory, jej miłości i przyjaźnie. Zabiera czytelnika w osobistą podróż przez Wielką Brytanię, Europę, Stany Zjednoczone i Meksyk. Opisuje miejsca i spotkania, które odcisnęły trwałe piętno w pamięci Leonory Carrington: kuchnię jej babki, z ogromnym piecem; kryjówkę w odległym zakątku Kornwalii, gdzie spędziła wakacje z Maxem Ernstem, Lee Miller i Man Rayem; szpital psychiatryczny w Santanderze; Nowy Jork, w którym zamieszkała wśród innych emigrantów z Europy; oraz jej ostatnie schronienie w mieście Meksyk – miejsca i wydarzenia, które powracały (nierzadko po dziesiątkach lat) w sztuce Leonory i w jej twórczości literackiej. „Domy są jak ciało” – napisała Leonora Carrington w powieści Trąbka do słuchania (1974). „Jesteśmy związani ze ścianami i meblami tak samo, jak jesteśmy uzależnieni od naszych wątrób, kręgosłupów, skóry i krwiobiegu”. „Zajmująca i ważna. Joanna Moorhead przedstawia historię życia artystki w postaci zbioru opowiadań, które składają się na zapadający w pamięć obraz wspaniałej, ekscentrycznej Leonory Carrington. – Katy Hessel (Historia sztuki bez mężczyzn). „Leonora ożywa na stronach tej fascynującej biografii brytyjskiej surrealistki i niestrudzonej wędrowniczki. Niebanalna, osobista opowieść Joanny Moorhead jest równie fascynująca, jak hipnotyczne obrazy Leonory Carrington”. – Charlotte Mullins (Krótka historia sztuki). Joanna Moorhead jest dziennikarką, która pisze między innymi dla „Guardiana”, „Observera”, i „Timesa”. W 2010 roku była kuratorką wystawy objazdowej „Surreal Friends” (Surrealistyczne przyjaciółki), poświęconej twórczości Leonory Carrington, Remedios Varo i Kati Horny. Jej wspomnieniowa książka The Surreal Life of Leonora Carrington (Surrealistyczne życie Leonory Carrington), wydana w 2017 roku w języku angielskim i hiszpańskim, spotkała się z uznaniem krytyków: „Równie dziwna i niepokojąca, jak surrealistyczne obrazy Leonory Carrington” – Lynn Barber, „The Sunday Times”; „Doskonałe połączenie krytyki sztuki i pasjonującej opowieści” – Rachel Spence, „Financial Times”. Joanna Moorhead jest także autorką ośmiu innych książek.
Książka ta ma nietypową jak na pracę teatrologiczną kompozycję. Jej pierwsza część zawiera obszerny biogram Ludwika Solskiego. W drugiej znajdują się syntetyczne charakterystyki jego osiągnięć jako aktora, reżysera i dyrektora teatrów. Następne dwa rozdziały powstały z przekonania, że powinnością teatrologa jest pokazanie, jaką rolę odegrał ten artysta w biografii Wyspiańskiego i współczesnych dramaturgów, którzy dopiero wkraczali w ówczesne życie literacko-teatralne. Z tego powodu pojawia się tam tekst poświęcony współpracy Solskiego z Karolem Hubertem Rostworowskim, dramaturgiem uważanym w ostatnich latach Młodej Polski i w dwudziestoleciu międzywojennym za jedynego następcę Wyspiańskiego. Najbardziej zaskakująca dla czytelnika jest jednak ostatnia propozycja przybliżenia osoby legendarnego artysty, czyli sztuka dramatyczna przedstawiająca Solskiego na teatralnej scenie w kluczowym momencie życia – obchodów setnych urodzin i jubileuszu osiemdziesięciolecia pracy scenicznej. Solski i Witkacy. Dramat w trzech aktach jest daleko wykraczającą poza standardy teatrologiczne formą zwieńczenia naukowych poszukiwań. Inspiracją do napisania tej sztuki były niewątpliwie realne wydarzenia z biografii artysty, niemniej pozostaje ona tekstem literackim, subiektywnie dopełniającym obraz fascynującej postaci Solskiego. „Charakteryzując poszczególne role, Popiel nakreślił sposoby ich budowania przez aktora i zarazem tak plastycznie zaprezentował najważniejsze z nich, że czytelnik może bez trudu wyobrazić sobie na scenie Solskiego jako Judasza albo Fryderyka Wielkiego. […] Ostatnia część książki to niemałe zaskoczenie – Autor przedstawia sylwetkę Solskiego poprzez medium stricte literackie. […] Uważam tę publikację za niezwykle wartościową. Wypełnia ona istotną lukę w badaniach teatralnych, a oryginalna, zaskakująca forma przysporzy jej bez wątpienia wielu czytelników”. Z recenzji dr hab. Beaty Guczalskiej, prof. AST Jacek Popiel – profesor nauk humanistycznych, teatrolog, historyk literatury, nauczyciel akademicki w Katedrze Dramatu i Teatru Uniwersytetu Jagiellońskiego. W latach 1978–2020 związany także z Akademią Sztuk Teatralnych w Krakowie. Autor prac z historii teatru i dramatu polskiego, między innymi: Sztuka dramatyczna Karola Huberta Rostworowskiego (1990), Los artysty w czasach zniewolenia. Teatr Rapsodyczny 1941 ‒1967 (2006), Teatr Danuty Michałowskiej. Od „Króla-Ducha” do „Tryptyku rzymskiego” (2011), Czy teatr może zbawić człowieka? Karol Wojtyła w labiryncie sztuki (2024), Uniwersytet przestrzenią wolności (2024). Jest również autorem dramatów, adaptacji scenicznych i scenariuszy teatralnych. Jego sztuka Doktor Korczak była wystawiana między innymi w Tokio (2001) i Osace (2005). W 2025 roku ukazała się książka Wyspiański. Tryptyk dramatyczny. Zamieszczona w niej sztuka Wyspiański. Sceny z życia artysty została zrealizowana jako pięcioodcinkowy serial teatru radiowego w reżyserii Doroty Segdy.
Żyjemy w świecie nawiedzanym przez widma przyszłości, które się nie ziściły. Muzyka, film i literatura nieustannie recyklingują estetyki minionych dekad, nie oferując nowych form twórczych. Rzeczywistość późnego kapitalizmu oznacza stagnację.W swych esejach Mark Fisher próbuje zrozumieć, dlaczego współczesność wydaje się zamknięta w pętli nieustających powrotów, a nowe wizje przyszłości stały się niewyobrażalne. Łączy osobiste doświadczenia z refleksją filozoficzną i dowodzi, że wszechobecna depresja jest syndromem społecznym i politycznym. Szuka śladów utraconych przyszłości w dziełach Davida Peace’a, Johna Le Carré, Christophera Nolana, Joy Division, Buriala czy Stanleya Kubricka.
Kompendium dla każdego miłośnika sztuki, które w nowatorski sposób przedstawia najlepsze obrazy świata. Obok znakomitych prac znanych mistrzów, wystawianych w słynnych galeriach świata, znajdziemy pomijane dotąd arcydzieła i nowo odkryte prace współczesnych malarzy, które warto zobaczyć.Galeria sztuki w każdym domu.Od malowideł ściennych starożytnego Egiptu po współczesne płótna Zachodu.1001 kolorowych reprodukcji opatrzonych opisem obrazu i jego twórcy.Chronologiczny układ dzieł.1001 obrazów, które warto w życiu zobaczyć to książka naprawdę wszechstronna i piękna. Prezentuje najlepsze obrazy świata: od malowideł ściennych starożytnego Egiptu po współczesne płótna Zachodu. Na jej stronach znajdziesz 1001 spośród najbardziej niezapomnianych, przejmujących, ważnych, kontrowersyjnych i frapujących obrazów, jakie kiedykolwiek stworzono. Co ważne, pokazano tu ponad 400 obrazów z XX i XXI wieku, także nowo odkryte prace z galerii współczesnych.Zajmujące i pouczające teksty napisane przez międzynarodowy zespół artystów, kustoszy, krytyków i kolekcjonerów sztuki rzucają światło i na obrazy, i na ich twórców. Pięknej reprodukcji każdego dzieła towarzyszy wnikliwe omówienie - godna pozazdroszczenia kolekcja dzieł sztuki, w której zagłębić się można w każdej chwili.Obrazy uszeregowano chronologicznie. Przewracając karty książki, nieraz odkryjesz fascynujące i zaskakujące zestawienia. Indeksy tytułów obrazów i nazwisk artystów ułatwią odnalezienie konkretnego dzieła czy prześledzenie rozwoju twórczości danego malarza.Pozwól prof. Stephenowi Farthingowi zabrać się w jego osobistą podróż po obrazach, które każdy powinien postarać się w życiu zobaczyć. Wiele z nich znajduje się w znanych galeriach, jak paryski Luwr czy nowojorskie MoMA - inne zaś pozostają w trudno dostępnych zakątkach świata. Każdy z nich jednak wart jest tego, by spróbować obejrzeć go osobiście.
Monografia niniejsza stanowi pogłębione studium estetyczne rzeźby. Autor nie podejmuje próby stworzenia wyczerpującego wykładu z historii sztuki ani nie rozstrzyga sporów z zakresu fizjologii widzenia czy psychologii percepcji. Zamiast tego proponuje problemowe ujęcie fenomenu rzeźby, koncentrując się na pytaniach o jej naturę, specyfikę, funkcje oraz znaczenie w ludzkim doświadczeniu. Punktem wyjścia rozważań są fundamentalne pytania: jaka jest geneza rzeźby i dlaczego człowiek nadaje materii określoną formę? W jaki sposób rzeźba oddziałuje na odbiorcę? Dlaczego budzi upodobanie estetyczne i jak zyskuje wartość? Poszukując odpowiedzi, autor podejmuje refleksję nad istotą twórczości rzeźbiarskiej oraz miejscem rzeźby w kulturze. W ujęciu autora rzeźba jawi się jako szczególny amalgamat wyobraźni, pamięci i wrażliwości twórcy. Powstając dzięki świadomemu aktowi kreacji, kompetencjom warsztatowym i właściwie dobranemu tworzywu, otwiera przed odbiorcą przestrzeń imaginacji, zmysłowości i specyficznie uformowanej refleksji.Roman Konik
Jakie przedmioty inspirują współczesnych projektantów? Co mówią o nich rzeczy, którymi otaczają się na co dzień? Jak osobiste doświadczenia, miejsca, emocje i wspomnienia wpływają na powstawanie obiektów, które później trafiają do naszych domów i przestrzeni publicznych?"Polski dizajn. Biografia przedmiotu / Biografia projektanta" to pierwsza w Polsce wystawa poświęcona współczesnemu wzornictwu, która prezentuje projektantów i projektantki poprzez pryzmat ich osobistych przedmiotów, prywatnych historii i materialnych biografii. Punktem wyjścia nie są wyłącznie gotowe realizacje, ale relacje między twórczyniami i twórcami a rzeczami, które towarzyszą im w codziennym życiu i procesie twórczym. Wystawa zaprezentuje najnowsze zjawiska w polskim dizajnie, łącząc ikoniczne i premierowe realizacje z obiektami o szczególnym znaczeniu dla ich autorów. W centrum uwagi znajdzie się nie tylko efekt pracy projektowej, lecz także człowiek stojący za projektem - jego inspiracje, metody pracy, codzienne rytuały i osobista historia. Takie ujęcie stanowi nowatorską perspektywę w prezentacji polskiego wzornictwa, które dotychczas opisywane było przede wszystkim poprzez same obiekty i ich funkcje.Integralną częścią projektu będzie bogato ilustrowany, polsko-angielski katalog, który połączy funkcję dokumentacyjną z autorskim wydawnictwem o wysokiej wartości merytorycznej i kolekcjonerskiej. Publikacja zawierać będzie eseje czołowych badaczek i krytyczek dizajnu, rozmowy z projektantami, a także fotografie ich pracowni oraz osobistych przedmiotów, które odgrywają istotną rolę w ich życiu i twórczości.
Każdy zamek ma duszę i swoje tajemnice.Polska pełna jest miejsc skrywających niezwykłe historie - zamków, pałaców i dworów, o których rzadko się mówi w przewodnikach. Michał Wójcik wyrusza ich tropem i zagląda zarówno do zabytków odrestaurowanych, jak i do ruin, które dopiero zyskują drugie życie. To opowieści o miejscach i ludziach: dawnych właścicielach, dramatycznych wydarzeniach z przeszłości, ale też o tych, którzy dziś ratują zapomniane budowle. Przekonaj się, że za każdym zabytkiem kryje się fascynująca historia - czasem sensacyjna, czasem wzruszająca, a czasem zupełnie nieprawdopodobna. Jeszcze do niedawna zapomniane, zrujnowane i bezpańskie. Dziś coraz częściej zaopiekowane i remontowane z pietyzmem. A czasami, i to przez tych najbardziej zakochanych, stawiane wręcz na nowo. Pierwszy raz po wojnie - nastały dobre czasy dla zamków, pałaców i dworów. Od kilku lat śledzę ich losy w programie Mam zamek na kanale Planete+. Teraz pora zgłębić temat w książce. Zapraszam tam, gdzie nie udało się wejść z kamerą. - Michał Wójcik.
Michelangelo Merisi da Caravaggio odmienił malarstwo, wprowadzając do świętych historii ludzi z rzymskich ulic – biednych, zmęczonych, naznaczonych wiekiem i ciężką pracą. Jego Madonny miały twarze zwyczajnych kobiet, apostołowie brudne stopy, a cud rozgrywał się nie w wyidealizowanej przestrzeni, lecz w mroku gospody lub skromnej izby. Radykalny realizm i mistrzowskie operowanie światłem nadawały tym scenom niezwykłą siłę, budząc zachwyt, ale i oskarżenia o łamanie zasad sztuki religijnej. Równie gwałtowne jak jego malarstwo było życie artysty – pełne konfliktów, procesów, bójek – zakończone ucieczką z Rzymu po zabójstwie Ranuccia Tomassoniego. Album przybliża twórczość i burzliwe losy malarza, który odrzucił idealizm i stworzył własny, przejmujący język opowiadania o sacrum.Agnieszka Kijas – krytyczka sztuki, pisarka i dziennikarka. W podcaście Dawno temu w sztuce opowiada o malarstwie tak, jak lubi najbardziej: prosto, z sercem i bez nadęcia. Jest autorką książek o wielkich malarzach i popularyzatorką sztuki, którą przybliża zarówno podczas spotkań na żywo, jak i w przestrzeni online.
Ten produkt jest zapowiedzią. Realizacja Twojego zamówienia ulegnie przez to wydłużeniu do czasu premiery tej pozycji. Czy chcesz dodać ten produkt do koszyka?
