W tej strefie zapraszamy czytelników tak zwane artystyczne dusze po książki z kategorii Sztuka. Polecamy szereg publikacji o sztuce i jej historii,ciekawostki i portfolia artystów, eseje, albumy, książki o malarstwie, rzeźbiarstwie, architekturze oraz histoii fotografii. Biografie ciekawych artystów, książki i powieści przedstawiające fascynujące losy malarzy i osób uwiecznianych na obrazach. W tym dziale tylko ksiązki ze sztuka w tle.
Over the last three decades, the Polish artist Xawery Wolski has deployed a diversity of non-representational vocabularies - ranging from geometric shapes inspired by early twentieth-century abstraction to Surrealist-inspired biomorphic forms - to investigate the idea of unification between the individual self and nature.
Ta ambitna, napisana żywym językiem publikacja przybliża czytelnikowi najważniejsze fotografie świata - zdjęcia uznane za przełomowe, obrazy stanowiące punkt odniesienia dla sposobu, w jaki postrzegamy siebie samych i otaczający nas świat. Książka ukazuje ewolucję twórczości fotograficznej epoka za epoką, a szczegółowe kalendaria zarysowują szersze tło kulturalne i historyczne.o Dzięki kalendariom ukazującym czas powstania najważniejszych prac, wpływy artystyczne i wydarzenia historyczne, arcydzieła fotografii umieszczone są w szerszym kontekście przemian społecznych i kulturowych.o Autorzy pracy przybliżają sylwetki czołowych przedstawicieli każdego gatunku fotograficznego i dokonują dogłębnej analizy ich prac.o Książka stanowi owoc współpracy międzynarodowego zespołu krytyków sztuki, dziennikarzy i naukowców. Od zarania dziejów ludzie próbowali utrwalić widziane obrazy, by następnie móc się nimi dzielić z innymi. Przez setki lat artyści stawiali sobie za cel uwiecznianie wybranych obiektów za pomocą węgla, farby i innych środków. Początkowo skomplikowane i czasochłonne techniki fotograficzne szybko udoskonalono, a fotografia stała się medium, za pomocą którego można zatrzymać otaczającą rzeczywistość dosłownie w mgnieniu oka. Obecnie co roku powstają miliony zdjęć. Co więc decyduje o wyjątkowości niektórych fotografów i ich prac? Historia fotografii to hołd dla najpiękniejszych, najważniejszych i najbardziej inspirujących fotografii. W dosłownym tłumaczeniu fotografia to ,,zapisywanie światłem"", co wskazuje na właściwą jej moc uwieczniania istotnych momentów ludzkiego życia. Książka rozpoczyna się spojrzeniem na fotografię w kontekście przemian społecznych i kulturowych zachodzących na świecie od czasów jej powstania. Następnie, w układzie chronologicznym, pokazana jest ewolucja stylu: epoka za epoką i nurt za nurtem. Ilustrowane, wnikliwe eseje obejmują każdy gatunek fotograficzny. Od wczesnych portretów i tableaux po zmodyfikowane cyfrowo zdjęcia, powstałe w ułamku sekundy fotografie sportowe i współczesną fotografię konceptualną. Idee najważniejszych fotografów i ich dzieła zostają przeanalizowane pod kątem motywacji i celów twórców oraz przenikania się wpływów artystycznych. Kontekst historyczny zostaje zarysowany dzięki szczegółowym kalendariom wydarzeń kulturalnych oraz przybliżającym biografie poszczególnych artystów. Uzupełnieniem każdego eseju są szczegółowe analizy najważniejszych prac reprezentujących cechy charakterystyczne opisywanych epok i nurtów. Wybrane fragmenty zdjęć brane są pod lupę, co pozwala przyjrzeć się zastosowaniu koloru, metaforom wizualnym, niezwykłym zabiegom kompozycyjnym i innowacjom technicznym. Dzięki temu możliwe staje się lepsze zrozumienie znaczenia prezentowanych prac. Czytelnik doceni znaczące szczegóły portretów społecznych, walory graficzne miejskich pejzaży, zmysłowy czy spokojny nastrój aktów, humor, wściekłość lub patos obecny w pracach konceptualnych. Jeżeli kochasz fotografię i chciałbyś wiedzieć o niej więcej, Historia fotografii to książka dla Ciebie.
Max Heindel uznawany jest za jednego z największych zachodnich mistyków dwudziestego wieku. Jego mistycyzm osadzony jest głęboko w zachodniej tradycji Gnozy, dzięki czemu jego przekaz odbierany jest z taką łatwością przez współczesnego zachodniego człowieka. Heindel pozostawił po sobie ponad czternaście książek dotyczących fi lozofi i i misteriów Różokrzyża, które napisał w ciągu ostatnich dziesięciu lat swojego życia.
Jedną z pierwszych napisanych przez niego książek są "Tajemnice wielkich oper", w której odsłania on przed czytelnikami ezoteryczne znaczenie pięciu znanych oper: Fausta Charlesa Gunouda oraz Parsifala, Pierścienia Nibelunga, Tannhäusera i Lohengrina Richarda Wagnera.
„Sztuka i natura zawsze będą się ze sobą zmagać, aż się nawzajem pokonają i zatriumfują, kreśląc te same linie, które zwyciężone, zwyciężają zarazem” — pisała siedemnastowieczna ilustratorka i niezłomna przyrodniczka Maria Sibylla Merian. Czy stworzone przez nią ilustracje przedstawiające świat natury mogą być dziś traktowane jako autonomiczne dzieła sztuki? Jak oddać wizualnie cechy gatunkowe rusałki osetnicy, barczatki malinówki, miodunki plamistej czy żałobnicy palmowej? Dlaczego historia sztuki nie pamięta o „Rafaelu kwiatów”?
Na ponad 240 stronach albumu zaprezentowano barwne ilustracje z atlasów historii naturalnej stworzone wprawną ręką dawanych rysowników i kolorystów w okresie, gdy rodziła się dopiero nowoczesna systematyka roślin i zwierząt. Znajdziemy tu reprodukcje w skali jeden do jeden oraz wielkoformatowe powiększenia mikroskopijnych szczegółów fauny i flory, które w czasach przed wynalezieniem fotografii karmiły ludzki głód piękna. Grafiki pochodzą ze zbiorów Gabinetu Rycin Biblioteki Naukowej PAU i PAN w Krakowie oraz Biblioteki Instytutu Systematyki i Ewolucji Zwierząt PAN.
Nieznana szerzej kolekcja jest unikatowa zarówno ze względu na poziom artystyczny, jak i obecność wielu publikacji powszechnie uznawanych za kamienie milowe europejskiej historii naturalnej, w tym najsłynniejszych i najwybitniejszych graficznie albumów ornitologicznych i botanicznych. Ilustracje roślin, owoców, warzyw, ptaków, motyli, ryb, węży i owadów zestawiono w czterech lapidarnych odsłonach, podążając za umownymi lokalizacjami: od dzikiej przyrody rodzimej w Ostępie, przez egzotyczne Zamorze, aż po dyskusyjny Stół i kulturowy koncept Ogrodu. Do najciekawszych gatunków dodano glosy przybliżające zagadnienia z botaniki i zoologii lub informacje o kontekście kulturowym. Opowieść biegnie więc na przełaj granic, wskroś stuleci, w poprzek bibliotecznych katalogów, by ucieszyć oko nie tylko wytrawnych miłośników dawnej grafiki, ale również tych, którym choć trochę bliska jest uważność na świat natury.Prezentowane w albumie reprodukcje zostały precyzyjnie opracowane i poddane retuszowi skaz i przebarwień, by oddać maestrię i wyjątkowość pierwowzorów. Dzięki drukowi farbami UV na najwyższej jakości papierze niepowlekanym o idealnie gładkiej, ale niebłyszczącej powierzchni, udało się odwzorować wyjątkową kolorystykę. Niespotykana oprawa łączy surowość grubej, ekologicznej tektury, tłoczonego tytułu z wielobarwnym kolażem, a elegancki, stonowany layout wnętrza, nie przeszkadza w odbiorze i kontemplacji oryginałów.
Wszystkie składające się na tom teksty stanowią przejaw wiedzy (także w zakresie realiów epoki), kompetencji, solidności, rzetelności, dociekliwości w docieraniu do prawdy, osobistegozaangażowania, pasji, wręcz fascynacji. Relacje Heleny Modrzejewskiej z kręgiem jej przyjaciółbądź osób do tego miana pretendujących stały się dla badaczy fascynującą materiąpoznawczą, inspirującą do nowych przemyśleń, otwierającą nowe pola badawcze.Dotarcie do wielości źródeł umożliwiło reinterpretację ustaleń zastanych, weryfikacjęrzeczy już opracowanych. Zaproponowana przez redaktorów tomutematyka skłoniła Autorów do poszukiwania nowych metod opisu, analizyi interpretacji więzi osobowych.Walor poznawczy w zakresie zakreślonej tytułem problematyki tomujest nie do przecenienia. Zgodnie z nadzieją redaktorów jego opublikowanieniewątpliwie „wzbogaci stan badań nad życiem i twórczościąHeleny Modrzejewskiej” oraz „przekona do uznaniapotrzeby ustawicznego konstruowania rzetelnych biografiiwybitnych osobistości świata kultury i sztuki wspartych nietyle na powszechnie dostępnych, bardzo licznych […]opracowaniach, co na starannych badaniach źródłowych”[Wstęp]. Błędem byłoby jednak zamykanieznaczenia tomu li tylko do dziedziny teatru.Patrząc szerzej – przedstawiony do recenzjizbiór to piękna, wieloaspektowa, budującarzecz o istocie przyjaźni. Z pewnością wzbudzi zainteresowanie szerszegokręgu odbiorców.
Z recenzji dr hab. Mirosławy Pindór, prof. UŚ
Jakub Deml, Ladislav Klíma i Richard Weiner to pisarze prawie całkiem u nas nieznani i nie pasujący do stereotypu literatury czeskiej jako lekkiej i zabawnej. W pewnym stopniu dotyczy to też Jaroslava Haška, który kojarzony jest wyłącznie z jednym (co prawda wybitnym) dziełem, lecz o niezwykłych i zagadkowych kolejach losu pisarza wiedzą raczej tylko nieliczni czytelnicy. Wszyscy ci twórcy wywarli ogromny wpływ na kulturę czeską XX wieku i choćby Bohumil Hrabal uważał ich za swych mistrzów. To między innymi dzięki nim literatura czeska nawiązała kontakt z kulturą europejską.
Eseje znakomitego erudyty Jindřicha Chalupeckiego stanowią najlepszą zachętę ku temu, aby ich poznać. Zachwycają bowiem precyzją analiz i błyskotliwością interpretacji. W dodatku czyta się je niczym przysłowiowy kryminał, bo jak w klasycznej powieści detektywistycznej stopniowo odkrywają tajemnice i do końca trzymają w napięciu.
Andrzej S. Jagodziński
Najnowsza książka autora bestsellerów Steve Jobs i Innowatorzy – pobudzający wyobraźnię literacki portret Leonarda da Vinci. Odwołując się do liczących tysiące stron notatników geniusza, a także do najnowszych odkryć związanych z jego życiem i dorobkiem, Walter Isaacson snuje porywającą opowieść i po mistrzowsku splata wątki twórczości artystycznej Leonarda z jego dokonaniami naukowymi.
Spod pędzla Leonarda wyszły dwa najsłynniejsze obrazy w historii malarstwa: Ostatnia Wieczerza i Mona Lisa. On sam uważał się jednak nie tylko za malarza, ale też za naukowca i inżyniera. Z pasją graniczącą niekiedy z obsesją prowadził nowatorskie badania nad anatomią człowieka, skamieniałościami, ptakami, maszynami latającymi, botaniką, geologią i sztuką projektowania broni. Niezwykła umiejętność łączenia nauk humanistycznych i przyrodniczych – której symbolem stał się Człowiek witruwiański – uczyniła Leonarda jednym z najbardziej kreatywnych geniuszy w dziejach ludzkości.
Łączenie różnorodnych pasji, tak jak z upodobaniem robił to Leonardo, wciąż pozostaje najlepszym sposobem na rozbudzenie w sobie twórczej inwencji. Życiorys Leonarda – nieślubnego dziecka, homoseksualisty, mańkuta i wegetarianina, mającego problemy z koncentracją i ocierającego się czasem o herezję – to także najlepszy dowód na to, że outsider nie musi stać na straconej pozycji. Jego historia uświadamia nam, jak ważne jest, by nieustannie podsycać głód wiedzy, być gotowym do podawania jej w wątpliwość i mieć odwagę myśleć inaczej.
Za tak ludzki portret geniusza Isaacson zasługuje na wyrazy najwyższego uznania. „The Times”
Wiecznie głodny wiedzy, łatwo się rozpraszający, próżny, a przy tym wegetarianin. W znakomitej biografii Isaacsona Leonardo jest człowiekiem z krwi i kości. „The Sunday Times”
Niezwykle pouczający przewodnik po twórczym dorobku jednego z największych umysłów minionego tysiąclecia. „The Observer”
Zdzisław Beksiński (1929–2005) – urodzony w Sanoku, malarz, grafik, rzeźbiarz i rysownik, jeden z najwybitniejszych artystów sztuki współczesnej. Rysunki Beksińskiego – jak cała jego twórczość – pełne tajemniczości i grozy, oscylują wokół erotyki, sadyzmu i masochizmu, przez co kontrowersyjny charakter tych niepowtarzalnych prac nie pozwala przejść obok nich obojętnie. Album słowem wstępnym opatrzył historyk sztuki, dyrektor Muzeum Historycznego w Sanoku, Wiesław Banach.
This bespoke, collector's edition is presented in a slip case, and features an envelope of exclusive posters and documents from the EON Bond archives.
Bond Cars: The Definitive History is a lavish celebration of the cars that also became the stars alongside the world's most famous fictional spy. Featuring exclusive and priceless assets such as the original call sheets, technical drawings and story-boards, accompanied by previously unpublished photography and exclusive interviews, we put you behind the wheel of every car driven by 007 on film.
With insights from the producers and keepers of the Bond flame, Michael G. Wilson and Barbara Broccoli as well as Daniel Craig and special effects and action vehicles supervisor and veteran of 15 Bond films, Chris Corbould, this is the story of cinema's greatest icon, told through the prism of the legendary cars he has driven.
Nowa odsłona znanej już publikacji.Jerzy Dobrowolski (19301987) aktor, reżyser, radiowiec, satyryk, kabareciarz. Pozostały drobne fragmenty z jego kabaretów KOŃ i OWCA, trochę filmowych kadrów, dwa cudem ocalałe odcinki trójkowej RADIOKRONIKI DECYBEL, sporo nagrań z audycji DYMEK Z PAPIEROSA błądzących w okolicach Wysp Hula-Gula.Poza tym, dla siebie, z nadzieją, że kiedyś może pisał.Książka Wspomnienia moich pamiętników złożona jest z zachowanych fragmentów, które Jerzy Dobrowolski opracował sam, z odkrytych jego notatek prowadzonych przez lata oraz różnych, nie tylko kabaretowych, tekstów.Nie znam podobnego opisu lat PRL-u.Przenikliwość ironisty, który nie miał żadnych wątpliwości co do formowanej przez narzuconą władzę rzeczywistości, do sączonych przez lata nowomową pustych frazesów, słów wytrychów, intonacji spod budki KC. Prześwietlił wszystko kabaretowymi tekstami, aby naświetlić widzom problemy stojące na gruncie. W swoich wspomnieniach, pamiętając jak było, opisał skutki i nie miał wątpliwości co do trynduSzkoda, że Jerzemu Dobrowolskiemu nie dane było nadać ostatecznego kształtu tym notatkomRoman Dziewoński
Czy opanowanie trudnej sztuki rysowania było od dawna twoim skrytym marzeniem? Oto książka, dzięki której w zaledwie kilka dni znacząco rozwiniesz swoje umiejętności. Autorka bestsellerowego poradnika Rysunek. Odkryj talent dzięki prawej półkuli mózgu powraca z kolejnym przewodnikiem po sztuce rysowania w formie praktycznych ćwiczeń. Niezależnie od tego, czy dopiero zaczynasz swoją artystyczną przygodę, czy jesteś już wprawionym rysownikiem, dzięki tej kompaktowej książce szybko nabierzesz konkretnych umiejętności i uwierzysz w swój talent. Zapoznasz się z zagadnieniami z dziedziny rysunku i praktycznymi wskazówkami, a następnie, przy uwzględnieniu czasu pracy i poziomu trudności poszczególnych zadań, będziesz mógł wykonać swoje prace w specjalnie do tego wyznaczonych ramkach. Nauczysz się także radzić sobie z problemem wielu artystów – niekończeniem pracy lub jej opóźnianiem, i pogłębisz korzyści płynące z zaangażowania prawej półkuli mózgu w swoją pracę. Potrzebujesz jedynie przyborów plastycznych, chęci i odrobiny wolnego czasu. Korzystając z niezwykle pomocnych wskazówek i uwag autorki, spełnisz swoje marzenia i staniesz się prawdziwym artystą!
W TEJ KSIĄŻCE WSZYSTKO KRĘCI SIĘ WOKÓŁ SEKSU
Robert Ziębiński nie ma oporów, by pytać.
Rozmówcy nie mają oporów, by odpowiadać.
„Porno” odsłania ukryte pod płaszczykiem wstydu kulisy branży rozkoszy.
Filmowe porno istnieje od ponad stu lat. Od około siedemdziesięciu w takiej formie, jaką znamy dziś. Mamy więc co najmniej cztery pokolenia ludzi, którzy wciąż wierzą w to, że porno to prawda.
W Hollywood rocznie powstaje ponad trzynaście tysięcy filmów porno, z których dochód to około piętnastu miliardów dolarów. Pornografia przynosi więcej pieniędzy niż NBA, Liga Bejsbolowa i NHL razem wzięte.
Mimo to wiedza na jej temat zatrzymała na poziomie domniemywań, przekłamań i konfabulacji. W mediach głównego nurtu nie ma wywiadów z gwiazdami czy aktorkami porno, mało kto dopuszcza je do głosu. Tym razem jest inaczej. Na rozmowę na temat swojej pracy dali się namówić Robertowi Ziębińskiemu m.in.: Holly Randall, najbardziej wpływowa reżyserka i producentka porno według magazynu „Adult Video News”, Buck Angel, człowiek legenda i pierwszy transseksualny mężczyzna z waginą, który występował w filmach porno, czy aktorka Anna Kinski, Polka, która wyjechała do Francji szukać miłości, a przy okazji rozkochała się też w porno.
W tych i kilkunastu innych rozmowach z gwiazdami i reżyserami, a także seksuologami, Andrzejem Gryżewskim i Justinem Lehmillerem, autor szuka odpowiedzi na pytanie: „Czym jest porno?”. Czy na pewno tym, za co się je uważa, czyli współczesnym boogeymanem, który jest odpowiedzialny za całe zło tego świata?
Publikacja „Kobieta, afekt i pragnienie we współczesnym malarstwie” towarzyszyła wystawie „Farba znaczy krew. Kobieta, afekt i pragnienie we współczesnym malarstwie” w Muzeum Sztuki Nowoczesnej w Warszawie w dniach 7.06–11.08.2019.
Katalog jest zarówno uzupełnieniem koncepcji kuratorskiej, jak również rodzajem albumu i przewodnika po współczesnym malarstwie kobiet. Teksty literackie w niej zawarte otwierają nowe pola interpretacji prac prezentowanych na wystawie i stanowią punkt wyjścia do refleksji nad tytułowymi: kobietą, afektem i pragnieniem w malarstwie. Bogactwo reprodukcji i towarzyszące im biogramy, w których autorki zawarły zwięzłe wprowadzenia do twórczości artystek, są natomiast merytorycznym dopełnieniem wystawy „Farba znaczy krew. Kobieta, afekt i pragnienie we współczesnym malarstwie”.
„Wszyscy wiedzą, jak brzmi skarga kobiet: «kobiety żyją dla miłości i z powodu tej miłości muszą dawać z siebie wszystko»”. Od tych, dość pesymistycznych, słów badaczka i teoretyczka afektu Lauren Berlant rozpoczyna swoją książkę „The Female Complaint: The Unfinished Business of Sentimentality in American Culture” (Kobieca skarga. Niedokończona sprawa sentymentalności w kulturze amerykańskiej). Autorka zwraca w niej uwagę na przestrzeń, jaką we współczesnej popkulturze i życiu społecznym wypełniają gorycz i cichy odwet kobiet, które przeżyły zawód miłosny. Berlant analizuje m.in. programy telewizyjne i popularne poradniki, takie jak „The Bitch in the House” (Suka w domu), „The Bride Stripped Bare” (Panna młoda rozebrana), „Are Men Necessary?” (Czy mężczyźni są potrzebni?). W odpowiedzi na lęki i zranione serca kobiet, kapitalizm zagospodarował rynek, proponując wspólne zarządzanie rozczarowaniem i uczestnictwo w masowej „publicznej intymności”. Autorka rozumie w ten sposób poczucie przynależności oparte na wspólnej walce o przetrwanie i ciągłym doskonaleniu życia uczuciowego, za którym stoi terror romantycznej miłości (koniecznie odwzajemnionej!) jako jedynej drogi do szczęścia. Badaczka dowodzi jednak, że podszyte sentymentalnością i kobiecą vendettą tytuły nie tylko powstrzymują alternatywne scenariusze lepszego życia, a przede wszystkim produkują normy kobiet snujących owe marzenia, tj. w znacznej mierze uprzywilejowanych, białych i heteroseksualnych podmiotek. Jeśli faktycznie wszyscy i wszystkie, „żyjemy dla miłości”, to czy ta w rezultacie nie ogranicza naszej politycznej wyobraźni i nieuchronnie nie prowadzi do doświadczania dominacji: nie tylko w planie osobistym, ale też w kontekście rasy, płci, religii czy przynależności do grup zmarginalizowanych?”
(Fragment eseju Natalii Sielewicz „Rozpruwaczki. Kobieta, afekt i pragnienie, mie?dzy figuracja? a abstrakcja?”)
Publikacja towarzyszy wystawie „Niepodległe. Kobiety a dyskurs narodowy” 26 października 2018 - 3 lutego 2019 w Muzeum Sztuki Nowoczesnej w Warszawie.
Teksty zamieszczone w tomie „Niepodległe. Kobiety a dyskurs narodowy” naświetlają patriarchalne struktury zachodniej kultury, które dla wielu, również wielu kobiet, wydają się naturalne i przezroczyste.
Autorki i autorzy tekstów pokazują jednak, że patriarchalny system daleki jest naturalności, a jego celem jest podtrzymanie bardzo konkretnej wizji świata – świata, którego jedynymi beneficjentami są mężczyźni. W swoim eseju „Feministyczne archiwum – słaby opór, deheroizacja i codzienność w działaniu” Ewa Majewska skupia się na kwestii queerowych i feministycznych archiwów jako repozytorium wywrotowej wiedzy i zmiany, którego największą wartością jest nieustanne kwestionowanie samego siebie. Claudia Snochowska-Gonzalez, przyglądając się metaforyce prawicowych myślicieli niepodległości, zwraca uwagę na inherentny biologizm zawarty w myśli twórców Narodowej Demokracji. Weronika Grzebalska w swoim przełamującym stereotypy tekście przygląda się współczesnemu militaryzmowi i miejscu, jakie kobiety zajmują w prawicowych ruchach militarnych przechwytujących ideę lewicowej emancypacji. Cały problem ze współczesnym militaryzmem dziś, twierdzi badaczka, polega na zrównaniu go z projektem tożsamościowym, a nie obywatelskim, jakim był u swoich początków pod koniec XIX wieku. Dorota Sajewska przygląda się funkcjonowaniu pojęcia Czarności, dowodząc, że ta pomijana dotąd kategoria może okazać się bardzo twórczym aspektem badania także powojennej historii Polski, szczególne ze współczesnej perspektywy konfliktu migracyjnego i masowej ucieczki ludzi z Bliskiego Wschodu i Afryki. Lena Magnone w brawurowy sposób naświetla psychoanalityczną myśl Zygmunta Freuda, jako jeszcze jeden z obszarów, który wymaga postkolonialnej refleksji. Badaczka pokazuje, jak kobiety i „dzicy” w spójny sposób łączyli się w głowie genialnego psychoanalityka, wskazując, że był on nieodrodnym dzieckiem epoki kolonialnej, a system przez niego tworzony pomijał doświadczenie kobiet i osób z innych niż europejska etniczności. Moses Serubiri i Maryam Kazeem przywołują pamięć nagich protestów – jedynej publicznej i ekskluzywnie kobiecej formy protestu w wielu krajach Afryki, wskazując na kolonialne odczytania tej formy oporu. „Aborcyjny ruch oporu” Agaty Araszkiewicz to przypomnienie opublikowanego na początku lat 2000 tekstu dotyczącego związków pomiędzy ciągle obecnym w Polsce narodowym mitem romantycznym a kwestiami biopolityki i reprodukcyjnych praw kobiet. Teksty te zostały pomyślane nie tyle jako tezy ilustrujące wystawę, co raczej uzupełnienie, poszerzające kontekst pokazywanych prac artystów o kwestie, które mogą okazać się inspirujące do dalszych własnych poszukiwań i dyskusji.
(fragment tekstu Magdy Lipskiej „Niepodległe, czyli o archeologii nierówności”)
Magdalena Abakanowicz (1930) today is revered for her uncompromising, individualistic vision developed in her native Poland under the hostile eyes of the repressive Communist regime that was in power for most of her adult life. She has personally witnessed the worst of humanity’s instinct for destructive behavior and has made art that unflinchingly presents the human condition. She had, by the 1960s, gained the beginning of an international reputation as a sculptor in soft materials with the creation of monumental environments called Abakans. Always alert to build on her personal independent vision, she has created large groups of human figures out of old burlap sacks and resin. Her 80 backward-seated figures and 50 standing figures have attracted widespread attention and evoked provocative cultural and political associations wherever they have been shown. At the Venice Biennial of 1980, her ambitious exhibition in the Polish Pavilion caused a sensation among critics and the general public. Her retrospective moved to America from the Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris to be shown in seven important museums. Since then the level and variety of her work has been nothing short of astonishing.
She changed sculpture from “object to look at” into “space to experience”. Monumental, powerful compositions in bronze or stone, iron or concrete have been created for specific locations—the Gori Collection in Italy, the Olympic Park in Seoul (Korea), the Israel Museum in Jerusalem, Vilnius (Lithuania), and Chicago’s Grant Park—and are permanently installed as environments accessible to people.She has transformed the casting process into a way of building individual bodies with personal expression. Her largest group of figures (the environment in Chicago) consists of 106 headless shells in walking movement, made of material that resembles tree bark or rags from a mummy. She has also worked with tree trunks that she has armed with metal (War Games) and built multi-figurative compositions out of welded stainless steel (King Artur’s Court).
At more than 120 bpm, electronic music sets the tempo on dancefloors around the globe. Accompanying the exhibition Electronic: From Kraftwerk to The Chemical Brothers, this book offers an insight into the visual culture of electronic music, and how technology, design, art and fashion have contributed to its power. With its roots in Detroit and Chicago in the early 1980s, electronic dance music was popularised across Europe through underground rave parties. Its impact on contemporary culture is still unfolding today. Containing interviews with early pioneers such as techno legend Jeff Mills, The Designers Republic’s Ian Anderson, and those pushing the political dimension of electronic music, such as ballroom dancer and DJ Kiddy Smile, Electronic bears witness to the shifting nature of the genre.
Illustrated with over 300 images, some published here for the first time, Electronic features Jean-Michel Jarre’s virtual studio; work by pioneer Daphne Oram of the BBC Radiophonic Workshop; audiovisual performances by musicians like Bicep and the Chemical Brothers; fashion collections by Raf Simons and Charles Jeffrey of Loverboy; iconic photography by Jacob Khrist and Tina Paul; artwork by Christian Marclay; club graphics from Peter Saville and Mark Farrow; and iconic venues such as the Hacienda, Gatecrasher, Fabric, Berghain and the Warehouse Project. Reflecting the shifts in society over the past thirty years, electronic music has generated distinct visual languages as well as its own political and cultural ideals.
The photographer and visual artist Erik Johansson creates surreal worlds through his own unique method. It often takes him months just to make one image, in a process where his photographs are combined so that an original place emerges. The result is often humorous, sometimes even scary, but always mind-blowing. Erik Johansson has become world-famous through his captivating and detailed images. Places Beyond is his second and biggest book so far, presenting his best images in large format. He also reveals the secrets of his method in an inspirational 'Behind the Scenes' chapter where he explains the creative process from nine of his photographs. Places Beyond contains more than a hundred stunning pictures.
For me, creating an image is like creating a place. A place that feels familiar, but with a twist that causes the viewer to stop short. - Erik Johansson
This photography-led book reveals the story of Chernobyl today, with unprecedented access to the Zone, it takes the reader into previously undocumented areas.
Since the first atomic bomb was dropped, humankind has been haunted by the idea of nuclear apocalypse. That nightmare almost became reality in 1986, when an accident at the USSR’s Chernobyl Nuclear Power Plant triggered the world’s worst radiological crisis. The events of that night are well documented – but history didn’t stop there. Chernobyl, as a place, remains very much alive today.
In Chernobyl: A Stalkers’ Guide, researcher Darmon Richter journeys into the contemporary Exclusion Zone, venturing deeper than any previously published account. While thousands of foreign visitors congregate around a handful of curated sites, beyond the tourist hotspots lies a wild and mysterious land the size of a small country. In the forests of Chernobyl, historic village settlements and Soviet-era utopianism have lain abandoned since the time of the disaster – overshadowed by vast, unearthly mega-structures designed to win the Cold War.
Richter combines photographs of discoveries made during his numerous visits to the Zone with the voices of those who witnessed history – engineers, scientists, police and evacuees. He explores evacuated regions in both Ukraine and Belarus, finding forgotten ghost towns and Soviet monuments lost deep in irradiated forests. He gains exclusive access inside the most secure areas of the power plant itself, and joins the ‘stalkers’ of Chernobyl as he sets out on a high-stakes illegal hike to the heart of the Exclusion Zone.
In recent years Russian cities have visibly changed. The architectural heritage of the Soviet period has not been fully acknowledged. As a result many unique modernist buildings have been destroyed or changed beyond recognition.
Russian photographer Arseniy Kotov intends to document these buildings and their surroundings before they are lost forever. He likes to take pictures in winter, during the ‘blue hour’, which occurs immediately after sunset or just before sunrise. At this time, the warm yellow colours inside apartment block windows contrast with the twilight gloom outside. To Kotov, this atmosphere reflects the Soviet period of his imagination. His impression of this time is unashamedly idealistic: he envisages a great civilization, built on a fair society, which hopes to explore nature and conquer space.
From the Baikonur Cosmodrome in the desert steppes of Kazakhstan to the grim monolithic high-rise dormitory blocks of inner city Volgograd, Kotov captures the essence of the post-Soviet world. ‘The USSR no longer exists and in these photographs we can see what remains – the most outstanding buildings and constructions, where Soviet people lived and how Soviet cities once looked: no decoration, no bright colours and no luxury, only bare concrete and powerful forms.’
In September 1939, thousands of German soldiers were turned loose on Poland. In 1940, they descended on Holland, Belgium and France. In 1941 they went to the Balkans, and then to the USSR. Armed with Leica and Rolleiflex cameras, some of these soldiers were officially commissioned as photographers, while others were asked by their commanders to snap records of events. Among them were trainees who knew about the Bauhaus, and other, older, men who could remember Weimar. Some excelled at formal portraiture, others were storytellers, stylists or humanists who wept at what they saw. The style and content of their work changed along with the collective mood after 1942, a change that is discernible in the photographs themselves.
Celebrated author and art historian Ian Jeffrey – author of How to Read a Photograph and The Photography Book – has trawled through these albums, picking out the most compelling of these works to create an intimate record of anonymous lives experiencing the unprecedented.
Ten produkt jest zapowiedzią. Realizacja Twojego zamówienia ulegnie przez to wydłużeniu do czasu premiery tej pozycji. Czy chcesz dodać ten produkt do koszyka?
