W tej strefie zapraszamy czytelników tak zwane artystyczne dusze po książki z kategorii Sztuka. Polecamy szereg publikacji o sztuce i jej historii,ciekawostki i portfolia artystów, eseje, albumy, książki o malarstwie, rzeźbiarstwie, architekturze oraz histoii fotografii. Biografie ciekawych artystów, książki i powieści przedstawiające fascynujące losy malarzy i osób uwiecznianych na obrazach. W tym dziale tylko ksiązki ze sztuka w tle.
Książka Polski hip-hop bez Internetu 1983–2003 wydana w formie książki drukowanej oraz e-booka zawiera informacje, które są zbyt prawdziwe do zaakceptowania przez polskie hip-hop media. Dlatego treść książki jest skierowana do indywidualności otwartych na wiedzę bez cenzury oparta na faktach, której wielu dziennikarzy nie posiada i której nie znajdziemy na plotkarskich popkulturowych stronach internetowych o hip-hopowym zabarwieniu.
Autorzy książki – Sadi (pionier kultury hip-hop w Polsce, b-boy, aktywista hip-hopowy, pionier Universal Zulu Nation w Polsce, uczestnik międzynarodowego projektu „GOIN’ OFF: The Evolution of Breaking” (reż. Douglas Colon, USA 2022), laureat nagrody Breaking Hall of Fame – The First B-Boys Generation), oraz Graff (pionier kultury hip-hop w Polsce, b-boy, pionier graffiti w Polsce, którego jedna z wielu prac graffiti ma swoje miejsce w Muzeum Etnograficznym im. Seweryna Udzieli w Krakowie, aktywista hip-hopowy, pionier Universal Zulu Nation w Polsce) – konstruktywnie podważają i bezdyskusyjnie sprowadzają do poziomu mniej niż zero wiarygodność nagród Złoty Popkiller przyznanych Bognie Świątkowskiej za jej wkład w zapoczątkowanie kultury hip-hop w Polsce oraz za wpływ Bogny na pojawienie się pionierów kultury hip-hop w Polsce (źródło: Popkiller), oraz Kazikowi i grupie Kult za ich wkład w tworzenie kultury hip-hop w Polsce (źródło: CGM).
Treść książki udowadnia i kładzie nacisk na zrozumienie faktu, że kultura hip-hop w Polsce nie zaczęła powstawać za sprawą Bogny, Kazika i innych osób w połowie lat 90., co przez wiele lat było promowane przez media. W książce zostały chronologicznie opisane narodziny wszystkich czterech podstawowych form artystycznych kultury hip-hop na polskim podwórku, takich jak: breaking, graffiti, DJ-ing i rap, które narodziły się w 1983 roku za sprawą wielu indywidualnych ludzi w różnych rejonach Polski i przez kolejnych kilkanaście rozwijały się bez pomocy i ingerencji mediów, które do połowy lat 90., nie miały pojęcia, że polski hip-hop istnieje. Książka wyjaśnia również znaczenie hip-hopu jako subkultury, jego idee, wartości z tym związane oraz znaczenie takich terminów jak old school, new school i true school, pozwalając wyjść z obszaru stereotypów dotyczących tej kultury sugerujących, że rap to hip-hop, a hip-hop to rap.
Album został wydany w związku z odbywającą się w dniach 2-24 sierpnia 2022 wystawą monograficzną z okazji 80-lecia urodzin Jana Dobkowskiego. Wystawę można oglądać w siedzibie DESA Unicum przy ul. Pięknej 1a w Warszawie.
Ekspozycja obejmuje zarówno prace wczesne, pochodzące z lat 60. - jak obraz "Modelka podwójna", jak i dzieła z najnowszego cyklu "Algorytm koloru i przestrzeni". Zobaczyć można również płótna z równie ważnych cykli malarskich artysty: "Poza nieskończoność", "Pamukale", "Himalaje", "Australijski sen" czy "Ocean".
Jan Dobkowski, to jedna z najbardziej oryginalnych osobowości w polskiej sztuce współczesnej. Jego odważne zestawienia barwne, powielanie form i wątki erotyczne zapoczątkowały polską odmianę pop-artu. Na wystawie nie zabraknie charakterystycznych dla Dobkowskiego czerwono-zielonych płócien, prezentujących splecione sylwetki kobiecych i męskich ciał – stanowiące symbol rozpoznawczy twórczości artysty.
Which tunes could save a life, and which should come with a health warning? How do talking drums tell the history of Africa? What happens in your brain when you listen to music? Find the answers to these questions and more in 100 Things to Know about Music - an exciting book exploring all corners of the diverse world of music. Ideal for fact loving readers aged 8+.
Each book in this best-selling, award-winning series presents 100 bite-sized topics, with bold, graphic illustrations and clear text. Perfect for dipping in and out of, and for sharing with family and friends.
Arkadiusz Półtorak – doktor nauk humanistycznych, kulturoznawca, kurator i krytyk sztuki. Związany z Instytutem Sztuki Mediów na Uniwersytecie Pedagogicznym im. KEN w Krakowie oraz Wydziałem Polonistyki na UJ. Stypendysta MNiSW (2015) oraz laureat ministerialnego programu „Diamentowy Grant” (2015-2020). Sekretarz w Sekcji Polskiej Międzynarodowego Stowarzyszenia Krytyków Sztuki AICA (od 2020), współzałożyciel galerii „Elementarz dla mieszkańców miast” w Krakowie; publikuje na łamach „Magazynu SZUM”, „Dwutygodnika”, „Didaskaliów” i „Przeglądu Kulturoznawczego”.
Efekty recesji z lat 2007-2009 i polityki austerity w sektorze kultury skłoniły wielu zaangażowanych artystów i kuratorów do powtórnego przemyślenia problemu autonomii sztuki i potencjału negatywnych strategii oporu. Niektóre z prowadzonych pomiędzy nimi dyskusji mogą wydawać się hermetyczne z perspektywy nowej humanistyki, która zwraca się dziś coraz chętniej w stronę sztuk wizualnych i performatywnych oraz kuratorstwa, doceniając ich zdolność do mobilizacji przedjęzykowych sposobów poznania, a także inwestując coraz więcej energii w budowanie przestrzeni aktywnej wymiany pomiędzy sztuką i światem akademickim. Współcześni akademicy dostrzegają w tym zwrocie szansę na przekroczenie negatywnych pasji, jakie przenikają dyskurs krytyczny, a co za tym idzie – na wejście w performatywne stadium pracy kulturowej, które Irit Rogoff określiła jako zwrot od krytyki w stronę „krytyczności”.
fragment Wprowadzenia autora
Według legendy spotkali się na peronie kolejowym w Dartford. Obaj czekali na pociąg o 8.28 do Londynu. Jagger miał ze sobą płyty, a Richards gitarę. Tak powstał jeden z najważniejszych zespołów w historii rock and rolla. Mit jest piękny, ale prawdziwa opowieść okazuje się jeszcze ciekawsza Rich Cohen opowiada o kolejnych dekadach działalności grupy, skupia się jednak na pierwszych wspólnych koncertach i złotym okresie Jaggera i spółki, kiedy nagrali swoje najważniejsze płyty, począwszy od Beggars Banquet (1968) do Exile on Main Street (1972).W latach 90. magazyn Rolling Stone wysłał Cohena w trasę razem z zespołem. To dało mu dostęp do muzyków, z którymi przez lata nawiązał bliskie relacje. Efektem ich rozmów jest panoramiczna biografia, napisana żywym stylem i z ogromną pasją. Cohen nie stroni też od ujawniania swoich opinii na temat opisywanych zdarzeń. Tak, to książka o seksie, dragach i rock and rollu, ale też o miłości, ambicji, przyjaźni i satysfakcji. To świeże spojrzenie na wyjątkowy zespół, które odpowiada na pytanie: skąd bierze się długowieczność Stonesów? Nikt nie umiałby opowiedzieć tej historii lepiej niż Cohen Ta książka dotyka samej istoty rock and rolla.New York Observer Fantastyczna! Teksty Cohena rzucają na Stonesów nowe światło.The Wall Street Journal Cohen umie pisać o tym, jak muzyka może zmienić świat.Pitchfork Mistrzowska! O tym zespole napisano setki książek, ale ta zalicza się do najlepszych.Chicago Tribune
Dobrze je znasz – czytasz sobie ulubioną mangę albo oglądasz anime, aż tu nagle pojawia się chibi. Słowo chibi (wymawiane czibi) po japońsku znaczy „mały”. Chibi są słodkimi, uroczymi figurkami ludzi i zwierząt, które skurczyły się i zostały wciśnięte w zabawne, jakby dziecięce postacie o dużych głowach, skróconych proporcjach i niezbyt mądrym wyrazie twarzy. Z tej książki nauczysz się rysować wszelkiego rodzaju chibi. Odkryjesz też, na czym polega bycie chibi, to znaczy jakie są ich proporcje, rysy twarzy, miny i pozy. Na co jeszcze czekasz? Przed tobą cały świat uroczych chibi! Zacznij go poznawać! Krok po kroku nauczysz się rysować 30 przeuroczych postaci chibi, korzystając z projektów zawartych w tej książce z serii W sam raz dla dzieciaków! Znajdziesz w niej również rady i techniki, które możesz wykorzystać, projektując własne postacie. Zobacz, co sprawia, że postać staje się chibi, naucz się „chibizować” dowolną postać z mangi, obejrzyj przykłady chibi w rozmaitych pozach.
Szablony na końcu książki można kopiować i używać wielokrotnie, aby jeszcze bardziej ułatwić sobie rysowanie. Nie potrzeba żadnych skomplikowanych narzędzi – do tworzenia własnych chibi wystarczy ci ołówek, długopis, flamastry i papier! „Chibizuj” postacie z mangi. Korzystaj z szablonów, żeby uprościć proces rysowania. Rysuj postacie w różnych ustawieniach.
Najnowsza publikacja Pawła Dettloffa z Instytutu Sztuki PAN to wielowątkowa, przekrojowa opowieść o dziejach tytułowego pałacu usytuowanego przy ul. św. Jana 20, począwszy od średniowiecza aż po współczesność. Autor skupia się tym razem nie tylko na przemianach architektonicznych budynku – pierwotnie dwie kamienice w toku dziejów scaliły się, zmieniały właścicieli, podupadały i podnosiły się z ruiny. Jako historyk sztuki i konserwator zabytków Paweł Dettloff kompetentnie opowiada o detalach architektonicznych, szczególną uwagę skupiając na portalu wejściowym, który zdobi pałac. Z tej książki wyłania się jednak dużo pełniejszy obraz – można w niej przeczytać o losach ludzi, którzy byli z pałacem związani. Autor dzięki imponującej kwerendzie dotarł nie tylko do informacji na temat najznamienitszych lokatorów, uświadamiając Czytelnikom, że historię budynku tworzyli też ci, o których z czasem się zapomina. Pomieszczono tu kilkaset kolorowych ilustracji, ukazujących m.in. przemiany pałacu, plany, odkrywki w trakcie remontów oraz portrety mieszkańców.
Znalazło się w prezentowanej publikacji także miejsce na wątek bardziej osobisty – książkę dopełniają teksty obecnego właściciela budynku, Bogusława Rostworowskiego, który barwnie opowiada historię swoją i swojej walki o przywrócenie rezydencji dawnej świetności w niełatwej rzeczywistości PRL, a także później – opieka nad zabytkiem to nieustanna praca, która trwa także i dziś.
Pałac Popielów to interesująca lektura, ale jednocześnie rzetelna publikacja naukowa, stanowiąca ważny głos w badaniach nad krakowskimi kamienicami, postulująca kolejne badania, pozwalające rekonstruować historię budynków, które tworzą niepowtarzalny klimat Starego Miasta.
Wydanie IIIWszyscy jesteśmy artystami, choć często brakuje nam odwagi, byrealizować swoje marzenia.Julia Cameron, była żona reżysera Martina Scorsese, scenarzystka, pisarka, kompozytorka, reżyserka i dziennikarka, od dwudziestu lat uczy ludzi na całym świecie, jak pozbyć się twórczych blokad i robić to, co się naprawdę kocha. Jej autorska metoda, 12-tygodniowy kurs odkrywania własnej kreatywności, pomogła przebudzić twórcze ja nie tylko wielu wątpiącym w siebie artystom, ale również tysiącom niezwiązanych ze sztuką osób, które po prostu chcą żyć z pasją.W sierpniu 2013 roku Droga artysty znalazła się na liście 32 Książek, Które Mogą Zmienić Twoje Życie opublikowanej przez opiniotwórczy portal BuzzFeed, obok m.in. Stu lat samotności, Z zimną krwią i Zbrodni i kary. Znajduje się również na liście 100 Najważniejszych Poradników Wszech Czasów. Została przetłumaczona na trzydzieści sześć języków i sprzedała się w ponad czterech milionach egzemplarzy.
Henryk Wieniawski (1835-1880) - polski kompozytor i światowej sławy skrzypek, nazywany "księciem skrzypków", "królem struny G", "czarodziejem skrzypiec", "ostatnim wirtuozem romantyzmu" - artysta, o którym można by dziś powiedzieć, że był celebrytą w najlepszym tego słowa znaczeniu. Jego spuścizna twórcza nie należy do obfitych, ale jej ranga w światowej literaturze skrzypcowej jest fundamentalna. Barwną biografię i niezwykłe koleje losów tej fascynującej postaci opowiada Mateusz Borkowski, który prowadzi Czytelnika śladami licznych tourne wirtuoza, koncertującego z intensywnością porównywalną do dzisiejszych gwiazd muzyki pop i rocka. Wirtuoza zarówno obdarzonego ogromnym temperamentem, jak i głęboko lirycznego. Jego imieniem opatrzono słynny poznański Międzynarodowy Konkurs Skrzypcowy i choć niemal każdy o konkursie słyszał, to nie każdy zna sylwetkę jego patrona. Aż dziw, bo biografia ta jest niczym atrakcyjny scenariusz filmowy - wciąga bez reszty.
Rysowanie Krok po Kroku to seria idealna dla najmłodszych i nieco starszych miłośników rysowania. Autorka w kilku prostych krokach pokazuje, jak narysować swoje ulubione postaci. Autorką książki jest znana wśród miłośników bazgrołów ilustratorka, autorka profilu „Rysopisy”.
Broń biała, a zwłaszcza szabla, zajmuje wyjątkowe miejsce w historii Polski. Broń ta miała znaczenie bojowe i świadczyła o przynależności do stanu szlacheckiego, a za sprawą umieszczanych na głowniach napisów i wizerunków manifestowała poglądy czy przekonania religijne właścicieli. Ta ostatnia funkcja, charakterystyczna dla przedrozbiorowej Polski, odrodziła się w XIX wieku dzięki zgodzie rządu austriackiego na noszenie broni do stroju narodowego przez Polaków mieszkających w Galicji. Wzrosło wówczas zapotrzebowanie na szable w typie karabeli i na nowo upowszechnił się zwyczaj ozdabiania ich głowni motywami patriotycznymi, podsycony wydarzeniami z lat 18611863. W książce Broń z warsztatu Ignacego Hfelmajera Leszek Zachuta omawia sylwetkę krakowskiego szabelnika i rusznikarza, którego twórczość przypadająca na czas odzyskiwania przez miasto kulturalnego znaczenia i rodzącego się popytu na produkty patriotyczne charakteryzuje się wysoką jakością i staranną ornamentyką, dzięki czemu jego wyroby były dobrze rozpoznawalne i cenione. Autor przybliża losy rodziny Hfelmajerów, przybyłej do Krakowa z Austrii, przedstawia życie i działalność Ignacego na tle ważnych dla miasta wydarzeń historycznych (takich jak np. rewolucja krakowska czy powstanie styczniowe), a także opisuje konkretne szable, pistolety i strzelby powstałe w jego warsztacie. Tę opowieść ilustrują liczne fotografie nie tylko przedstawiające miejsca i postaci związane z życiem tego wybitnego rzemieślnika, ale przede wszystkim bardzo szczegółowo prezentujące wykonaną przez niego broń.
W latach 19181939, po okresie zaborów, Polska znów cieszyła się niepodległością. Odrodzenie się po I wojnie światowej w dużej mierze otworzyło nowy rozdział jej dziejów, integralnie związany z hasłami nowoczesności. Młode państwo, aspirujące do znalezienia się wśród najbardziej rozwiniętych krajów Europy, dążyło do ukształtowania się na nowo, łącząc uniwersalne tendencje modernistyczne z lokalną specyfiką i odrębnością. Katalog Nowy początek. Modernizm w II RP prezentuje pierwszą falę modernizmu w Polsce w okresie międzywojennym. W ośmiu esejach omówiono podstawy i przejawy nowych trendów m.in. w architekturze, sztuce religijnej, fotografii czy stylu życia. Ilustrujący omawiane zagadnienia obszerny album jest podzielony tematycznie na cztery części przedstawia artystyczne wizje krytyki ówczesnej rzeczywistości; poszukiwania dróg odnowienia sztuki, m.in. przez odwołania do sztuki ludowej, twórczości dzieci czy wierzeń i praktyk ezoterycznych; sposoby realizacji haseł modernizacyjnych w różnych dziedzinach sztuki i życia oraz istotne cele polskiego modernizmu, wynikające z odzyskanej niepodległości i zastanej sytuacji społecznej i gospodarczej. Publikacja towarzyszy wystawie Nowy początek. Modernizm w II RP drugiej w serii 4 x nowoczesność, przedstawiającej różnorodne interpretacje nowoczesności w czterech okresach historii Polski w XX i XXI wieku.
Dieser Bildband schlägt einen Bogen von den frühen figurativen Arbeiten des großen amerikanischen Malers bis zu seinem bekannten Spätwerk der Farbfeldmalerei.
Der Werküberblick berücksichtigt die tiefgreifenden Auswirkungen von Rothkos vier Europareisen zwischen 1950 und 1966. Der Künstler besuchte damals Paris und Venedig, Arezzo, Siena, Rom und Florenz, wo er Michelangelos Biblioteca Medicea Laurenziana und die Fresken Fra Angelicos besichtigte. Der Bildband zeigt nicht nur auf, wie Rothko von den Techniken der alten Meister lernte, sondern auch Rothko selbst kommt zu Wort: Auszüge aus seinem posthum veröffentlichten Manuskript The Artist's Reality, ergänzt um Briefe, Reden und Stellungnahmen, geben Einblick in seine intensive Auseinandersetzung mit Philosophie, Kunst und der conditio humana. In der Gegenüberstellung von Rothkos Thesen und seiner künstlerischen Entwicklung vermittelt die Publikation neue Lesarten einiger seiner größten Gemälde.
Mark Rothko, eigentlich Marcus Rotkovich (1903, Dwinsk, Lettland–1970, New York), war einer der wichtigsten Maler des 20. Jahrhunderts. Berühmt wurde er als Protagonist des Abstrakten Expressionismus und Pionier der Farbfeldmalerei.
Classic Tracks - Led Zeppelin gives an in-depth examination of the stories, events, characters and places that inspired what is easily one of the greatest rock bands of all time. What were 'The Houses of the Holy'? Where was the 'Stairway to Heaven'? Which strange encounters led to such classics as 'Kashmir' and 'Whole Lotta Love'? This book reveals the roots and origins of the songs on all nine of the band's celebrated studio albums, together with all the stories behind material released after Zeppelin's break-up in 1980, including Unledded: No Quarter and the BBC Sessions album.
The definitive biography of Soviet Jewish dissident writer Vasily Grossman, called "gripping" and "fascinating" by William Taubman in the New York Times "[Popoff] tells Grossman's story with sensitivity and a keen understanding of his world, drawing on little-known archival collections to produce what must be considered the definitive biography."-Douglas Smith, Wall Street JournalLonglisted for the 2019 Cundill History Prize sponsored by McGill University; finalist in the 2019 National Jewish Book Awards, Biography category; winner of the Canadian Jewish Literary Award, Biography category If Vasily Grossman's 1961 masterpiece, Life and Fate, had been published during his lifetime, it would have reached the world together with Pasternak's Doctor Zhivago and before Solzhenitsyn's Gulag. But Life and Fate was seized by the KGB. When it emerged posthumously, decades later, it was recognized as the War and Peace of the twentieth century.
Always at the epicenter of events, Grossman (1905-1964) was among the first to describe the Holocaust and the Ukrainian famine. His 1944 article "The Hell of Treblinka" became evidence at Nuremberg. Grossman's powerful anti-totalitarian works liken the Nazis' crimes against humanity with those of Stalin.
His compassionate prose has the everlasting quality of great art. Because Grossman's major works appeared after much delay we are only now able to examine them properly. Alexandra Popoff's authoritative biography illuminates Grossman's life and legacy.
This practical book looks at the fundamental principles that underpin the process of architectural illustration: to represent architectural design and the built environment in a way that the general public can understand. Focusing particularly on watercolour, it explains the full process from site sketching to finished rendering. Case studies follow the process of an illustration, using demonstrations specially selected from the author's own work and profiles of leading practitioners.
Illustrated with over 200 colour images, it is a unique guide to the work of the architectural illustrator and will be invaluable for artists, illustrators, architects, builders and planners.
In The Photographer's Vision, international bestseller Michael Freeman examines the work of photography's greats, explaining how to view a photo and how to learn from looking at it. Photographers featured include some of the most distinguished names in photography's history: Nick Knight, Frederick Henry Evans, Frans Lanting, Tim Page, Wolfgang Tillmans, Nan Goldin, Walker Evans, Cindy Sherman, Elliott Erwitt, Trent Parke, Jeff Wall, Paul Strand, Romano Cagnoni and many more, making this book visually stunning as well as intellectually rigorous.
'POPism reads like a novel... Social history of the rarest kind, set down in ultra-sharp focus by someone who helped shape the events he describes' The New Yorker
A cultural storm swept through the 1960s - Pop Art, Bob Dylan, psychedelia, underground movies - and at its centre sat a bemused young artist with silver hair: Andy Warhol. Andy knew everybody (from the cultural commissioner of New York to drug-driven drag queens) and everybody knew Andy. His studio, the Factory, was the place: where he created the large canvases of soup cans and Pop icons that defined Pop Art, where one could listen to the Velvet Underground and rub elbows with Edie Sedgwick and where Warhol himself could observe the comings and goings of the avant-guarde.
Tells the story of Edward Weston and Margrethe Mather. Both photographic artists at the centre of the Bohemian cultural scene of Los Angeles during the 1910s and 20s, Weston would go on to become an influential American photographer of the 20th century, while Mather, who Weston ultimately expunged from his journals, would vanish into obscurity.
Ten produkt jest zapowiedzią. Realizacja Twojego zamówienia ulegnie przez to wydłużeniu do czasu premiery tej pozycji. Czy chcesz dodać ten produkt do koszyka?
