W tej strefie zapraszamy czytelników tak zwane artystyczne dusze po książki z kategorii Sztuka. Polecamy szereg publikacji o sztuce i jej historii,ciekawostki i portfolia artystów, eseje, albumy, książki o malarstwie, rzeźbiarstwie, architekturze oraz histoii fotografii. Biografie ciekawych artystów, książki i powieści przedstawiające fascynujące losy malarzy i osób uwiecznianych na obrazach. W tym dziale tylko ksiązki ze sztuka w tle.
Cmentarz parafii św. Dominika i Matki Bożej Szkaplerznej w Łabuniach należy do typowych wiejskich miejsc pochówku. Jest niewielki, odpowiada zapotrzebowaniu parafian. Jako trzeci – parafialny, funkcjonuje w obecnym miejscu od prawie 170 lat. Dla każdego, kto interesuje się dziejami swojej Małej Ojczyzny książka będzie dodatkowym źródłem informacji. Motywowana chęcią poznania dziejów Łabuń i okolic końca XIX i 1. połowy XX wieku przez pryzmat miejsc pochówków, postanowiłam skatalogować owe najstarsze nagrobki, odczytać zawarte na nich inskrypcje, odszukać w źródłach informacje o parafianach. Skąd przybyli, czym się trudnili, jakie okoliczności towarzyszyły żegnaniu ich bliskich?
dr Agnieszka Szykuła-Żygawsk
Najdziwniejsze obrazy, rzeźby i inne kurioza z historii sztuki.Autor entuzjastycznie przyjętej Biblioteki szaleńca (wyróżnionej nagrodami "Sunday Times Literature Book of the Year 2020", "Radio 4 Book of the Week", w Polsce Książka Roku 2020 "Magazynu Literackiego KSIĄŻKI") powraca z nadzwyczajną nową kolekcją. Oto Galeria szaleńca - błyskotliwy rezultat szeroko zakrojonych poszukiwań najdziwniejszych obrazów, rzeźb, grafik i innych artystycznych osobliwości stworzonych przez człowieka (i nie tylko). Znajdziecie tu ponad sto wspaniałych dzieł wybranych dla ich niebanalnego piękna oraz fascynujących opowieści o kulisach ich powstawania.Nieznane i zapomniane skarby sąsiadują w niej ze słynnymi arcydziełami z tajemniczą historią. Są tu wizje końca świata, krzyczące rzeźby, magiczne rękopisy, niemożliwa architektura, święci o psich głowach i pierwszy w dziejach portret kanibala. Sztuka kradziona, sztuka marginesu, sztuka duchów i sztuka zemsty, malowidła tworzone na dnie morza przeplatają się ze skandalami artystycznymi, fałszerstwami i mistyfikacjami, sztuką snów i koszmarów, a także zakodowanymi obrazami wciąż czekającymi na rozszyfrowanie. Odkryjcie intrygujące elżbietańskie portrety mężczyzn w płomieniach, sekret nagiej Mony Lizy, makabryczne składniki pewnych pigmentów i historię włoskiego mnicha, który lewitował tak często, że niektórzy uznają go za patrona pasażerów samolotów.Autor, obficie czerpiąc z efektów niezwykle wnikliwych badań i szerokiego spektrum dzieł - od prehistorycznych rysunków naskalnych do obrazów wykonanych przez sztuczną inteligencję - stworzył nadzwyczajną książkę, która nie przestaje zaskakiwać czytelnika i może być uznana za bogato ilustrowany pean na cześć nieskończonej potęgi i kreatywności ludzkiej wyobraźni.Galeria szaleńca prezentuje wybór najdziwaczniejszych i najniezwyklejszych dzieł sztuki, jakie powstawały od zarania dziejów po dziś dzień, z których każde opatrzone jest własną historią. Poznajcie sekrety:nagiej Mony Lizyartysty malującego w morskich odmętachaniołów muszkieterów z Nowego Świataportretów mężczyzn w płomieniachlegionu wilkołaków z armii starożytnego Rzymu
Kino PRL-u. Możemy się zżymać na papierowe dialogi i natrętną propagandę, ale był to jedyny czas w historii polskiej kinematografii, kiedy zachodni recenzenci czekali na nowe obrazy z Polski. Scenariusze znad Wisły (jak np. Kanał Stawińskiego) podbijały serca włodarzy Hollywoodu, a termin filmowa szkoła polska został wpisany na stałe do światowego słownika popkultury. Polscy reżyserzy zażywali sławy porównywalnej do Antonioniego i Kurosawy, polscy aktorzy stawali się gwiazdami festiwali filmowych. Zostały tylko wspomnienia. Kolaboranci i emigranciHollyłódź: kuźnia kadr. Sukcesy i ekscesy łódzkiej filmówkiSocrealizm w obiektywie kameryWpuszczani w Kanał: początki legendy szkoły polskiejZespoły filmowe i kolaudacje. Przywrócić scenę dupnika. Minister Kultury i SztukiPola Raksa. Piękne dziewczyny z okładek trafiają na ekranSuperprodukcje i kino moralnego niepokojuKultowe sceny polskiego kinaMistrz Andrzej. Opowieść o Andrzeju Wajdzie.Samotność Małego Rycerza. Tadeusz ŁomnickiBobek. Wszystkie twarze Bogumiła KobieliJerzy Skolimowski. Ręce do góry przez dwadzieścia latNa wieki wieków Kmicic. Daniel OlbrychskiBeata Tyszkiewicz. Piękność na wyłączność dla filmu. Sławomir Koper umiejętnie weryfikuje filmowe legendy z prozą życia ich bohaterów. Czerpie pełnymi garściami ze wspomnień, wywiadów i korespondencji tych publikowanych i tych pisanych do szuflady. Wertuje jak sam przyznaje tysiące akt IPN-u, by znaleźć niekiedy szokujące notatki na temat swoich bohaterów.Wielcy artyści, kultowe filmy, anegdoty, ploteczki i małe dramaty. Niezapomniane sceny utrwalone obiektywem kamery i te, których kamera nie zdążyła uwiecznić.Na szczęście dla nas Koper dotarł do nich i opisał .
Ciekawa, niebanalna, ale i zwyczajna - rozmowa z Dorotą Kolak, wyjątkową aktorką, ale przede wszystkim niezwykłą kobietą. O strachu przed czerwonym dywanem, o niewymawialnym „r”, o bzowej babuleńce i panu Andersenie, o tym, że nie warto bać się Virginii Woolf…, o nalewkach męża i domu wśród sosen. A przede wszystkim o aktorstwie i rolach nie tylko tych na scenie, ale też w życiu. O byciu żoną, matką i babcią, o kąpielach w jeziorze i odnawianiu mebli. Rozmowy odbywały się w różnych miejscach i okolicznościach, często przerywane telefonami od córki, niespodziewanym wyjazdem, a ostatnio pandemią. To prawdziwie babska opowieść o kilkunastu latach spotkań przy kawie i herbacie, bywało że niedokończonych, bez dat i chronologii. Dorota Kolak - urodzona 20 czerwca 1957 roku w Krakowie aktorka teatralna, filmowa i telewizyjna. W latach 1980-1982 występowała w Teatrze im. Bogusławskiego w Kaliszu. Od 1982 aktorka Teatru Wybrzeże w Gdańsku, gdzie dzięki wybitnym kreacjom i uznaniu publiczności oraz krytyki zdobyła pozycję gwiazdy. Gra najczęściej postacie mroczne, skomplikowane, o zabarwieniu dramatycznym. Jest laureatką wielu prestiżowych nagród, m.in. Nagrody Aktorskiej na Festiwalu Polskich Filmów Fabularnych w Gdyni, Grand Prix za rolę Alexandry del Lago w "Słodkim ptaku młodości", za rolę Myry Bolton w "Na początku był dom"), oraz wielu trójmiejskich laurów, m.in. Nagrody Teatralnej Wojewody Gdańskiego za rolę Marii Liebiedkiny w "Biesach" oraz za kreację Janiny Węgorzewskiej w "Matce". W 2008 roku z rąk podsekretarza stanu w MKiDN Tomasza Merty odebrała Srebrny Medal Zasłużony Kulturze Gloria Artis. Aktorka prowadzi zajęcia na Wydziale Wokalno-Aktorskim Akademii Muzycznej w Gdańsku oraz w Gdyńskiej Szkole Filmowej. Katarzyna A. Ostrowska - urodzona w Krakowie, absolwentka Uniwersytetu Jagiellońskiego (teatrologia). Autorka sztuk teatralnych i powieści fantasy "Naszyjnik z turmalinem", nad której drugą częścią obecnie pracuje. Dumna przyjaciółka dwóch wspaniałych wyżłlic. Magii (Maniusi) i Darli (Danuty).
An inspiring collection of the extraordinary private spaces of 250 of the world's most creative people, past and present
Life Meets Art presents an unparalleled, global, behind-the-scenes tour through 250 beautiful interiors from the homes of the most creative people in art, architecture, design, fashion, literature, music, film and theatre.
These inspiring, unique spaces show us the spaces where the greatest creatives in history lived their lives, honed their crafts and, in many cases, produced some of the world's most celebrated masterpieces - providing an intimate and insightful perspective on the masters that define artistic history. Organized alphabetically by artist, each interior features a color photograph and a short descriptive text, including details on whether the house is open to the public or private.
This book will inspire everyone fascinated by stylish living, creative interior design, and the myriad possibilities for home décor, as well as those fascinated by the personal and professional lives of their cultural heroes.
Life Meets Art includes homes from creative masters of past centuries such as artists da Vinci, Raphael and Rubens, composers Handel, Lizst, and Verdi and writers Dickens, Byron, and Coleridge. The book also showcases the extraordinary interiors of many twentieth century stars and epoch-defining talents such as architects Frank Lloyd Wright, Eileen Gray, Le Corbusier, and Walter Gropius, artists Pablo Picasso, Marc Chagall, and Henry Moore, writers Ernest Hemingway, William Faulkner, and Agatha Christie and musicians Louis Armstrong, Frank Sinatra, and Elvis Presley.
Homes from some of the most celebrated talents of today are also featured, including artists Francisco Clemente, Cornelia Parker, and Gilbert and George, fashion designers Alexander McQueen, Marc Jacobs, and Diane von Furstenberg, designers Marc Newson and Es Devlin and musicians Moby, Jimmy Page, and David Bowie.
Tom, będący efektem kilkuletniej kwerendy archiwalnej, zawiera niemal dwieście niepublikowanych wcześniej dokumentów z komentarzem naukowym, a także szereg materiałów ikonograficznych i zestawień statystycznych. Część pierwsza koncentruje się na instytucjonalnych przemianach kinematografii: jej reorganizacji w połowie lat czterdziestych, centralizacji w okresie stalinizmu i modernizacji podczas krótkiej odwilży. Tematyka części drugiej dotyczy sieci kin państwowych i społecznych, zaplecza technicznego, polityki kadrowej i form reklamy kinowej. W części trzeciej omówione zostały zagadnienia związane z polityką programową władz kinematografii, w tym: import i cenzura, a także reakcje widowni na poszczególne filmy. Zagadnienia związane z bardzo szeroko rozumianym rozpowszechnianiem filmów, choć dla funkcjonowania kinematografii posiadają fundamentalne znaczenie, ciągle są zbyt słabo obecne w polskim piśmiennictwie filmowym. Książka ma szansę stać się wzorem dla kolejnych publikacji. Zmienia ona sposób patrzenia na polskie kino nie tylko ze względu na weryfikację konkretnych faktów i przekonań, ale przede wszystkim oferując czytelnikowi nową perspektywę jego postrzegania. Z recenzji prof. Piotra Zwierzchowskiego
Autor książki Roberto Riccardi jest generałem brygady Carabinieri i dowódcą specjalnej jednostki Carabinieri zajmującej się zwalczaniem przestępczości przeciwko dziedzictwu kultury - Dowództwa Carabinieri ds. Ochrony Dziedzictwa Kultury (wł. Il Comando Carabinieri Tutela Patrimonio Culturale). Wcześniej wypełniał różne zadania, w tym walczył z mafią, zwalczał przestępczość zorganizowaną i narkotykową, dowodząc jednostkami Carabinieri w różnych miastach i regionach Włoch. Książka jest tłumaczeniem włoskiego wydania pt. Detective dell'arte. Dai Monuments Men ai carabinieri della cultura (Rizzoli, Milano 2019). Niniejszy przekład na język polski ukazuje się w serii Biblioteka Prawa Ochrony Zabytków. W książce autor opisuje działalność carabinieri, odwołując się do konkretnych zdarzeń kradzieży dzieł sztuki zarówno z muzeów, galerii i kościołów, jak i pochodzących z nielegalnych wykopalisk archeologicznych. W swojej opowieści często oddaje głos żołnierzom bezpośrednio zaangażowanym w odzyskanie tych dzieł. W bardzo obrazowy sposób przedstawia nam sylwetki carabinieri, a przestępców i członków mafii. Jednocześnie , jak piszą w Przedmowie do polskiego wydania Piotr Stepnowski i Kamil Zeidler: "Generał Roberto Riccardi pokazuje się w książce nie tylko jako oficer Carabinieri bezpośrednio zaangażowany w pracę operacyjną, dowódca TPC, ale także jako erudyta i miłośnik sztuki. Dzieli się nie tylko relacjami z misji, ale też osobistymi fascynacjami i skojarzeniami. Nie chodzi mu więc o suchą relację z przeprowadzonej przez carabinieri realizacji odzyskania dzieł sztuki, ale także o skłonienie czytelnika do intelektualnej podróży po świecie kultury i sztuki". Zaznaczają, że "Włochy pokazały światu wzorzec, który ze wszech miar godny jest naśladowania, gdy w ramach Carabinieri w 1969 r. została powołana struktura mająca jedno podstawowe zadanie - ochronę dziedzictwa kultury przed przestępczością. Przez pięćdziesiąt lat działalności stworzona została bodaj najlepsza i najliczniejsza na świecie formacja wyspecjalizowana w ochronie dziedzictwa kultury". W stosunku do włoskiego wydania wprowadzono uzupełnienia i objaśnienia w formie przypisów, a także zdecydowano się na wzbogacenie jej o reprodukcje dzieł sztuki, których historię autor opisuje w poszczególnych rozdziałach. Przekład książki był możliwy dzięki pomocy finansowej Ministerstwa Spraw Zagranicznych i Współpracy Międzynarodowej Republiki Włoskiej (La traduzione del libro stata possibile grazie al contributo del Ministero degli Affari Esteri e della Cooperazione Internazionale italiano). Redakcja merytoryczna i opracowanie przypisów do wersji polskiej: Joanna Kamień, Kamil Zeidler. Tłumaczenie z języka włoskiego: Hanna Kostołowska.
Kiedy dzwoni Francis Ford Coppola, wielki wizjoner kina, autor m.in. Ojca chrzestnego i Czasu apokalipsy, nie odkłada się słuchawki. Wojciech Kilar podjął więc współpracę z reżyserem i stworzył kultową dziś ścieżką dźwiękową do opowieści o potworze z Transylwanii, który kochał zbyt mocno. Po latach tę patetyczną i liryczną kantatę na chór mieszany i orkiestrę symfoniczną wywracają na nice pianista Piotr Orzechowski i saksofonista Kuba Więcek.
Piotr Orzechowski nie bez powodu zwany jest Pianohooliganem – z satysfakcją demoluje granice pomiędzy dawnym i nowym, klasyką i jazzem. Natomiast Kuba Więcek to jeden z najbardziej wszechstronnych jazzmanów swojego pokolenia, który z upodobaniem znajduje dla swojej muzyki nowe konteksty, brzmienia i wyzwania. Ktoś powie, że Orzechowski i Więcek biorąc się za Kilara szargają świętość. Jednak to, co stworzyli, wznosi wariacje na temat muzyki filmowej Wojciecha Kilara na zupełnie nowy poziom.
Herbstowie. Historia fabrykantów to pierwsza próba przedstawienia dziejów rodziny, ale też przyczynek do poznania kultury życia codziennego klasy średniej i wyższej Łodzii Sopotu.
Początek marca. Pierwszy tydzień wojny. Zmierzch. Oglądam serwis za serwisem. Nie mogę się oderwać od informacji. Już nie ma łez. Mały chłopczyk nagrany w pociągu powtarza: ,,Mój tata to bohater, on teraz pomaga żołnierzom w Kijowie walczyć z naszymi wrogami. Ja z mamą wyjeżdżamy"". Serce pęka.Dzwonek telefonu. Joasia Ziędalska-Komosińska, bliska mi bardzo, cudowna dziewczyna. ,,Joasiu, potrzebny ktoś, kto pojechałby na granicę. Znasz kogoś? Nie wiem - może dziennikarz, który zobaczy, co się tam dzieje i opisze. Powie o tym światu. Ilona błaga o pomoc. Mówi, że to armagedon"". Ilona - pedagożka , wolontariuszka, koordynatorka pomocy. Hrubieszów... Boże, moje strony. Rodzinny dom przy Zamojskiej.... Myśli pędzą z szybkością światła. Igor... praca... dom... pies... Asia coś jeszcze tłumaczy. Głos dobiega jak zza szyby. ,,Ja pojadę - słowa mówią się same - jestem stamtąd. Moje miejsce jest przy granicy"". Odkładam słuchawkę. Dzwonię do Ilony. Nie znamy się jeszcze, a gadamy jak koleżanki z liceum.,,Czego potrzeba?"" ,,Wszystkiego. Przyjedź, zobaczysz. Tu jest tłum ludzi, małe dzieci. Malutkie. Trzeba pieluch, jedzenia, leków, środków czystości. I przywieź też jakiegoś psychologa. Nie radzimy sobie. Opadamy z sił, Joasiu. Nie pamiętam, kiedy spałam. Pomóż"".Wiem, jacy to ludzie. Znam tych urodzonych przy granicy. Są jak armia pospolitego ruszenia. Jeśli trzeba - nie do zdarcia. Ale wojna - to nawet dla nich zbyt wiele. Ogłaszam zbiórkę na grupie ,,Kobiety mocy"", to samo na Instagramie, Facebooku, wśród znajomych. Przy recepcji bloku, w którym mieszkam, rośnie góra darów. Muszę mieć większy samochód. Nie zmieszczę wszystkiego. Znajomy podstawia mi dużego SUV-a. Jest pełen po dach. Zawieszenie trochę siada, ale to przecież misja. Damy radę! Jesteśmy stamtąd.Joanna Racewicz
Jaki to obraz? Atlas dla dzieci przedstawia 62 światowej sławy dzieła sztuki ułożone od najstarszych do najmłodszych. Dzięki atlasowi dowiesz się, kto, co, jak i dlaczego malował. Zobaczysz, jakie tematy (gatunki) występują w malarstwie, poznasz podstawowe techniki a przede wszystkim style, kierunki i tendencje, które występowały w sztuce na przestrzeni wieków.
Bright, bold pictograms distill male and female experience
Imagine a setting in which a man wearing a dress might be as habitual as a woman in trousers. Where a woman exposing herself in public wasn’t sexy, but as creepy as a male flasher. Where professional status and success presented the same prospects for both sexes.
In this volume in her series for TASCHEN, leading graphic designer Yang Liu tackles one of the hottest, and one of the oldest, topics of all: he and she. Drawing on the experiences, challenges, and many perspectives on men and women she has encountered in her own life, Yang Liu distills the vast, swirling question of gender into bold, binary pictograms.
Dealing with a whole host of situations from the bedroom to the boardroom, Yang Liu’s designs are as simple and accessible in their presentation as they are infinite in the associations, evocations, and responses they elicit. Combining age-old stereotypes with topical discrepancies, this fresh approach to the roles and relationships of men and women is, above all, an effort to synthesize a notoriously thorny issue into a fun and refreshing graphic form, and thus to lighten and enlighten our mutual understanding and tolerance.
Friedensreich Hundertwasser, hero of fluid forms and ecology
Friedrich Stowasser, born in Vienna in 1928, called himself Friedensreich Hundertwasser Regentag Dunkelbunt. True to the variety of his names, his practice spanned innumerable forms—from painting and designing buildings to creating stamps and coins—and his titles were many: environmental activist, philosopher, individualist, architect, ecologist, and visual artist. He was, in his own words, “one who awakens identities.”
Across his work, Hundertwasser embraced the biomorphic, the irregular, and the irrational. Drawing inspiration from masters as varied as Gaudí and Gustav Klimt, his categorical rejection of the “godless and immoral” straight line, as well as his boycott of “monotonous architecture,” infused his bold, colorful works with a vitality that set him aside from most. Born of this fervent activism and unique universe was his own belief system, called “transautomatism,” which privileged the viewer’s experience above all. Whether he was planting trees in urban settings or proclaiming the “right to a window,” Hundertwasser’s visions of a harmonious future between humans and nature continue to resonate with increasing urgency.
Once out of print, this re-edition of a TASCHEN classic works in close collaboration with the Hundertwasser Foundation to present the Viennese master’s oeuvre in all its different facets. Because his work is, by nature, virtually inseparable from his biography, private life, and political actions, a vivid portrait of Hundertwasser takes shape through his own lens. Excerpts from conversations between the author and the artist add immediacy and authenticity to this intimate monograph.
Capitol Records – from 1942 to today
From the Beatles to Beck, Sinatra to Sam Smith, a parade of era-defining artists have passed through the doors of the Capitol Records Tower, one of Hollywood’s most distinctive landmarks and home to one of the world’s most defining labels for the past 75+ years.
To commemorate this extraordinary history of recorded music, TASCHEN presents this official account of Capitol Records, from its founding year of 1942 to today. With a foreword by Beck, essays by cultural historians and music and architecture critics, as well as hundreds of images from Capitol’s extensive archives, we follow the label’s evolution and the making of some of the greatest music of the 20th and 21st centuries. Through pop, rock, country, classical, soul, and jazz, the photographic and musical history includes the label’s most successful, cool, hip, and creative stars, as well as the one-hit wonders who had their all-too-brief moments in the spotlight.
Along the way, we encounter the likes of Miles Davis, Nat King Cole, the Kingston Trio, and Frank Sinatra in Capitol’s first 20 years; the Beach Boys, the Band, and the Beatles in the 1960s; global rock magnets Pink Floyd, Wings, Steve Miller Band, Bob Seger, and Linda Ronstadt in the 1970s; Beastie Boys, Duran Duran, Radiohead, and Bonnie Raitt in the 1980s and 1990s; and such contemporary stars as Coldplay, Katy Perry, and Sam Smith. An unmissable milestone for music lovers, Capitol Records is a live and kicking celebration of the mighty giant of the industry that created the soundtrack to generations past, present, and future.
The inventor of album art
“I love music so much and I had such ambition that I was willing to go way beyond what the hell they paid me for. I wanted people to look at the artwork and hear the music.” —Alex Steinweiss
Alex Steinweiss (1917–2011) invented the album cover as we know it. In 1940, as Columbia Records’ young new art director, he pitched an idea: why not replace the standard plain brown wrapper with an eye-catching illustration? The company took a chance, and within months its record sales increased by over 800 percent.
Over the next three decades, Steinweiss made thousands of original artworks for classical, jazz, and popular record covers for Columbia, Decca, London, and Everest; as well as logos, labels, advertising material, even his own typeface, the Steinweiss Scrawl. His daring designs, gathered here in all their bright combinations of bold typography with modern, elegant illustration, revolutionized the way music was sold.
The book includes Steinweiss’s personal recollections and ephemera from an epic career, as well as insightful essays by three-time Grammy Award–winning art director/designer Kevin Reagan and graphic design historian Steven Heller.
One of the greatest pioneers in the history of architecture
Acclaimed as the “father of skyscrapers,” the quintessentially American icon Frank Lloyd Wright (1867–1959) was an architect of aspiration. He believed in giving cultivated American life its fitting architectural equivalent and applied his idealism to structures across the continent, from suburban homes to churches, offices, skyscrapers, and the celebrated Guggenheim Museum.
Wright’s work is distinguished by its harmony with humanity and its environment, a philosophy he called organic architecture, and which found its paradigm at Fallingwater, a house in rural Pennsylvania, cited by the American Institute of Architects as “the best all-time work of American architecture.” Wright also made a particular mark with his use of industrial materials, and by the simple L or T plan of his Prairie House which became a model for rural architecture across America. Wright was also often involved in many of the interior elements of his buildings, such as the furniture and stained glass, paying particular attention to the balance between individual needs and community activity.
Exploring Wright’s aspirations to augment American society through architecture, this book offers a concise introduction to his at once technological and Romantic response to the practical challenges of middle-class Americans.
Friedensreich Hundertwasser, hero of fluid forms and ecology
Vivid color, organic forms, and a loathing of straight lines were just a few stalwart characteristics in the unique practice of Friedensreich Hundertwasser (1928–2000). A non-conformist hero, the artist, architect, and activist left a blazing trail of imagination and ideas in buildings, paintings, manifestos, initiatives, and more.
Hundertwasser’s best-known work is considered by many to be the Hundertwasserhaus in Vienna, a structural synthesis of the vitality and uniqueness that determined the artist’s entire oeuvre. For Hundertwasser, rational, sterile, monotonous buildings caused human misery. He called for a boycott of the modernist paradigm championed by the likes of Adolf Loos, and campaigned instead for an architecture of creative freedom and ecological commitment. A fierce opponent of straight lines, which he called “godless and immoral,” Hundertwasser was fascinated by the spiral, drawing also on the Secessionist forms of Klimt and Schiele.
This richly illustrated book traces Hundertwasser’s style and vision not only for each building, but for society at large. From naked addresses at the end of the 1960s to worldwide architecture projects and alternative blueprints for society, author Pierre Restany explores Hundertwasser’s most high-profile and innovative ideas in a thrilling introduction to a pioneering 20th-century mind.
Leon Chwistek należy niewątpliwie do grona wybitnych teoretyków i działaczy polskiej nauki i kultury dwudziestolecia międzywojennego. Ten wybitny malarz awangardy, twórca strefizmu w malarstwie współczesnym, inspirator i jeden z fundatorów polskiej grupy formistów, ceniony i wpływowy krytyk literacki, matematyk, logik, wreszcie pełen temperamentu filozof, publicysta i autorytet intelektualny dla wielu mimo swych rozlicznych zasług pozostaje wciąż postacią nieznaną i niedocenianą.Profesor Chwistek, zarówno jako matematyk i filozof, malarz i literat, profesor Uniwersytetu Jana Kazimierza, jak i rzecznik formizmu, budzącego wiele kontrowersji nurtu sztuki współczesnej, zdołał wprawdzie skupić wokół siebie grono uczniów i sympatyków w Krakowie i we Lwowie, mimo to jego działalność oraz spuścizna naukowa i artystyczna nie zawsze bywały doceniane przez jemu współczesnych. Zarówno jego koncepcje naukowe, jak i teoria sztuki były wręcz ośmieszane i marginalizowane przez wpływowych reprezentantów polskiego establishmentu kulturalnego tamtej epoki.
A heartbreaking and hilarious memoir by iCarly and Sam & Cat star Jennette McCurdy about her struggles as a former child actor—including eating disorders, addiction, and a complicated relationship with her overbearing mother—and how she retook control of her life.
Jennette McCurdy was six years old when she had her first acting audition. Her mother’s dream was for her only daughter to become a star, and Jennette would do anything to make her mother happy. So she went along with what Mom called “calorie restriction,” eating little and weighing herself five times a day. She endured extensive at-home makeovers while Mom chided, “Your eyelashes are invisible, okay? You think Dakota Fanning doesn’t tint hers?” She was even showered by Mom until age sixteen while sharing her diaries, email, and all her income.
In I’m Glad My Mom Died, Jennette recounts all this in unflinching detail—just as she chronicles what happens when the dream finally comes true. Cast in a new Nickelodeon series called iCarly, she is thrust into fame. Though Mom is ecstatic, emailing fan club moderators and getting on a first-name basis with the paparazzi (“Hi Gale!”), Jennette is riddled with anxiety, shame, and self-loathing, which manifest into eating disorders, addiction, and a series of unhealthy relationships. These issues only get worse when, soon after taking the lead in the iCarly spinoff Sam & Cat alongside Ariana Grande, her mother dies of cancer. Finally, after discovering therapy and quitting acting, Jennette embarks on recovery and decides for the first time in her life what she really wants.
Told with refreshing candor and dark humor, I’m Glad My Mom Died is an inspiring story of resilience, independence, and the joy of shampooing your own hair.
Książka Polski hip-hop bez Internetu 1983–2003 wydana w formie książki drukowanej oraz e-booka zawiera informacje, które są zbyt prawdziwe do zaakceptowania przez polskie hip-hop media. Dlatego treść książki jest skierowana do indywidualności otwartych na wiedzę bez cenzury oparta na faktach, której wielu dziennikarzy nie posiada i której nie znajdziemy na plotkarskich popkulturowych stronach internetowych o hip-hopowym zabarwieniu.
Autorzy książki – Sadi (pionier kultury hip-hop w Polsce, b-boy, aktywista hip-hopowy, pionier Universal Zulu Nation w Polsce, uczestnik międzynarodowego projektu „GOIN’ OFF: The Evolution of Breaking” (reż. Douglas Colon, USA 2022), laureat nagrody Breaking Hall of Fame – The First B-Boys Generation), oraz Graff (pionier kultury hip-hop w Polsce, b-boy, pionier graffiti w Polsce, którego jedna z wielu prac graffiti ma swoje miejsce w Muzeum Etnograficznym im. Seweryna Udzieli w Krakowie, aktywista hip-hopowy, pionier Universal Zulu Nation w Polsce) – konstruktywnie podważają i bezdyskusyjnie sprowadzają do poziomu mniej niż zero wiarygodność nagród Złoty Popkiller przyznanych Bognie Świątkowskiej za jej wkład w zapoczątkowanie kultury hip-hop w Polsce oraz za wpływ Bogny na pojawienie się pionierów kultury hip-hop w Polsce (źródło: Popkiller), oraz Kazikowi i grupie Kult za ich wkład w tworzenie kultury hip-hop w Polsce (źródło: CGM).
Treść książki udowadnia i kładzie nacisk na zrozumienie faktu, że kultura hip-hop w Polsce nie zaczęła powstawać za sprawą Bogny, Kazika i innych osób w połowie lat 90., co przez wiele lat było promowane przez media. W książce zostały chronologicznie opisane narodziny wszystkich czterech podstawowych form artystycznych kultury hip-hop na polskim podwórku, takich jak: breaking, graffiti, DJ-ing i rap, które narodziły się w 1983 roku za sprawą wielu indywidualnych ludzi w różnych rejonach Polski i przez kolejnych kilkanaście rozwijały się bez pomocy i ingerencji mediów, które do połowy lat 90., nie miały pojęcia, że polski hip-hop istnieje. Książka wyjaśnia również znaczenie hip-hopu jako subkultury, jego idee, wartości z tym związane oraz znaczenie takich terminów jak old school, new school i true school, pozwalając wyjść z obszaru stereotypów dotyczących tej kultury sugerujących, że rap to hip-hop, a hip-hop to rap.
Ten produkt jest zapowiedzią. Realizacja Twojego zamówienia ulegnie przez to wydłużeniu do czasu premiery tej pozycji. Czy chcesz dodać ten produkt do koszyka?
