W tej strefie zapraszamy czytelników tak zwane artystyczne dusze po książki z kategorii Sztuka. Polecamy szereg publikacji o sztuce i jej historii,ciekawostki i portfolia artystów, eseje, albumy, książki o malarstwie, rzeźbiarstwie, architekturze oraz histoii fotografii. Biografie ciekawych artystów, książki i powieści przedstawiające fascynujące losy malarzy i osób uwiecznianych na obrazach. W tym dziale tylko ksiązki ze sztuka w tle.
Odwilż w podstawowym sensie oznacza ocieplenie i rozmarzanie – tak, że odsłania się to, co wcześniej było ukryte pod grubą warstwą lodu. Przez pryzmat odwilżowej metafory Piotr Słodkowski patrzy na twórczość Marka Oberländera, jednego z najważniejszych polsko-żydowskich malarzy lat pięćdziesiątych i sześćdziesiątych, autora słynnego płótna Napiętnowani (1955). W klimacie odwilży po stalinizmie Oberländer postawił palące pytanie o miejsce polskich Żydów w gruntownie przeobrażonym świecie. Stanął przed zasadniczymi problemami: W jaki sposób Holokaust mógł być obecny w malarstwie? Na ile zaś – wprost przeciwnie – liberalizacja kultury nie przekładała się na odwilż pamięci o Zagładzie?
Słodkowski rekonstruuje przejmujące losy Oberländera: małomiasteczkowy Żyd i żołnierz Armii Czerwonej, który po powrocie z Rosji nie odnalazł rodziny; aktywny w PRL artysta i emigrant, który opuścił kraj pod naporem antysemityzmu; posiadacz polskiego paszportu i francuskiego titre de voyage, żyjący kolejno w kręgu czterech języków. Autor uważnie i z empatią przygląda się najważniejszym obrazom artysty i odnosi je do jego doświadczeń biograficznych oraz problemów dominujących XX wiek (faszyzm, antysemityzm, komunizm). Pyta wreszcie o odbiorców sztuki Oberländera. Omawia, jak postrzegano jego malarstwo w epoce, i zastanawia się, co możemy dostrzec w nim dzisiaj.
Obraz w historii i poza historią to czwarty w cyklu, po tomach Tło i powierzchnia obrazu (2022), Obraz jako obiekt teoretyczny (2020), Obrazy mocne – obrazy słabe (2018), zbiór artykułów poświęcony teorii i historii badań nad sztuką. Monografia jest poświęcona problematyce zogniskowanej wokół dychotomii między historycznym a estetycznym rozumieniem dzieła sztuki.
Autorami artykułów w tomie są przedstawiciele wiodących ośrodków badawczych historii sztuki w Polsce, m.in. Maria Poprzęcka (Uniwersytet Warszawski), Anna Markowska (Uniwersytet Wrocławski), Ryszard Kasperowicz (Uniwersytet Warszawski), Piotr Juszkiewicz (Uniwersytet im. Adama Mickiewicza w Poznaniu), Mariusz Bryl (Uniwersytet im. Adama Mickiewicza w Poznaniu), Stanisław Czekalski (Uniwersytet im. Adama Mickiewicza w Poznaniu).
The book about the transcendent cinema of Darren Aronofsky takes the reader on a journey through the selected filmography of this outstanding American director. A monograph devoted entirely to his extraordinary work, which among film experts and film audiences has both a group of devoted admirers and critics. A strong, even anarchist accent falls here on the type of film hero presented, living on the margins of society and consciously rejecting its normative structures. The films, as well as the literature to which the book refers, are an expression of a critical attitude towards symbolic violence and the imposition of creatively limiting cultural norms on the individual, requiring such ordering such and no other understanding and experiencing the surrounding world. An astute observer of Darren Aronofskys work will notice the existence of metaphysical problems in it, sometimes directly directed towards religious issues. We can call this kind of cinema transcendent. This cinema is only seemingly pessimistic in its meaning. It is worth looking for mythical stories to try to hear and understand what they have to offer us. It is worth turning to transcendence and trying to express the inexpressible, also in the art of film, as does Darren Aronofsky, who wants to be a trustee of great mythical narratives. These features, so characteristic of the director, can be seen, to a greater or lesser extent, in all his films, especially those referred to in this monograph. It will be interesting for the reader who expects from contemporary cinema something more than unsophisticated entertainment and wants to go beyond its ludic dimension.
"The most joyful, inspirational interiors, with a fascinating personal story from the master of colour himself! Matthew shows us how to live life bright!" - Sienna Miller, actress
A practical guide and personal invitation from the king of colour to find your own style and embrace the paint pot whether designing a castle or a cupboard.
Think beige, grey and white are the only neutrals? Think again. As a lifelong fan of rich jewel tones, fashion designer turned interiors expert Matthew Williamson makes the case for living cocooned in colour. Pink can be subtle, warming and very liveable, while used sparingly fiery red can get you going. Let Matthew help you find your style DNA and you’ll soon be getting out the paint brush and turning bland corners of your home into a technicolour paradise.
Packed with inspirational images of interior decorating projects, including his own homes in London and Mallorca, as well as visual references that will transport you to the places that are close to his heart, Living Bright is the hardworking handbook to take on your journey to colourful living. No space is too small and no project too big. Just follow his simple instructions, work out which shades speak to you and a lifetime of kaleidoscopic colour awaits. Now is the time to banish boring and learn to live bright with joyful interiors that will lift your mood without punishing your bank balance. Whether serene, soft pink, or lively mustard yellow, earthy olive green or rich, regal purple, there’s a shade that will work for everyone and every home.
This comparison of the works of Monet and Rothko provides exhilarating new insight on these pioneers of abstraction and masters of color.
Recent research on late impressionism has highlighted the surprising correspondences between the work of impressionist paragon Claude Monet and that of abstract painters such as Mark Rothko.
This book offers an unprecedented dialogue between the paintings of Monet and Rothko, two artists who explored the frontiers of abstraction. It explores the uncanny similarities between their works, painted almost half a century apart, as well as the significance of the differences between the master artists’ styles. Monet conveyed the immediacy of his impressions of nature, while Rothko plunged the viewer into the depths of colors that he superimposed and interwove.
And yet this book—originally conceived to accompany an exhibition at the Musée des Impressionnismes Giverny and illustrated with sixty chromatically organized reproductions—reveals an undeniable relationship between their pictorial universes, challenging the viewer’s perception of abstraction and modernity. This confrontation, contextualized through the analysis of renowned critics, sheds new light on the oeuvre of two of the greatest masters of painting and offers fresh insight into the essence of what makes their works so inherently original.
To pozycja wartościowa jako monografia. Właściwie przybliżająca fakty, frapująca w interpretacjach i świetna w czytaniu, co zapewne doceniłby David Carrier, sugerujący, że historia sztuki zmienia się w literaturę, przynajmniej od czasów Panofskiego. Tak bowiem powinno być, aby naukowa kompetencja zmieniała się w intrygującą literaturę, a poznanie oznaczało, nie tylko przyswajanie wiedzy, ale i doświadczanie piękna. Poetyckiego w literaturze i malarskiego w opisanym i zinterpretowanym obrazie.dr hab. Rafał Solewski, prof. UKEN Barbara Kokoska – dr historii sztuki; znana do tej pory jako autorka książek popularyzujących sztukę polską (m.in. Akt w malarstwie polskim, Impresjonizm polski, Dzieje sztuki polskiej, Wielcy mistrzowie malarstwa polskiego), tym razem prezentuje pozycję dotyczącą malarstwa Caravaggia i jego następców. W latach 2007-2014 prowadziła wykłady na temat sztuki włoskiej i hiszpańskiej oraz sztuki romańskiego kręgu językowego na Uniwersytecie Jagiellońskim (Wydział Romanistyki). Od kilku lat prowadzi stronę internetową poświęconą sztuce i historii Rzymu: roma-nonpertutti.com.
Co stało się z teatrem XXI wieku? Odpowiedzi na to pytanie Kazimierz Braun szuka, rozważając, jak funkcjonują w teatrze pamięć oraz różnorodne tradycje; jakie są mechanizmy tworzenia metafor w widowisku; jakim przemianom podlegała sztuka reżyserii. Na tym tle autor sytuuje przypuszczenia, jakie są przyczyny radykalnych przemian teatru kultury Zachodu.
Agencja Wydawnicza Mako Press wydała drugi tom albumu Sztuk Mistrzowie. Cykl ten ma na celu pokazanie sylwetek najwybitniejszych artystów polskich. Przeważająca większość twórców to członkowie ZAiKS. Honorowi lub odznaczeni. W tomie pierwszym i drugim albumu Sztuk Mistrzowie rozmowy prowadzili członkowie ZAiKS-u Alex Kłoś i Magdalena Reczko. Rozmawiali oni w tomie drugim z: malarzem i kolekcjonerem starych instrumentów ludowych oraz historycznej ludowej twórczości muzycznej Andrzejem Bieńkowskim, poetą Ernestem Bryllem, tłumaczką Danutą Ćirlić-Straszyńską, dyrygentem Agnieszką Duczmal, reżyserem Felixem Falkiem, pisarzem Józefem Henem, śpiewaczką i reżyserem operowym Ewą Iżykowską, jazzmanem Zbigniewem Namysłowskim, reżyserem Jarosławem Kilianem, jazzmanem Henrykiem Miśkiewiczem, rzeźbiarzem Adamem Myjakiem, tłumaczką i poetką Krystyną Rodowską, wokalistą jazzowym i songwriterem Stanisławem Sojką, wiolonczelistą Marcinem Zdunikiem, malarzem Jackiem Yerką i reżyserem Michałem Znanieckim. Słowo wstępu napisał profesor Jan Błeszyński. W drugim tomie, tak jak w pierwszym, oddzielną część pod nazwą In Memoriam, stanowi przypomnienie sylwetek zmarłych twórców, też w większości członków ZAiKS. Rozmowy są bogato ilustrowane zdjęciami artystów, a projekt okładki albumu oraz jego złamanie i nadzór artystyczny jest dziełem Profesora Lecha Majewskiego. Obecnie zaawansowana jest kontynuacja projektu (trzeci tom albumu Sztuk Mistrzowie), do realizacji którego dołączył znany publicysta, redaktor Jan Bończa Szabłowski. Nie planujemy zakończenia realizacji tego cyklu. Gandalf.com.pl
Stefan Weinfeld zapisał się w historii polskiego komiksu jako scenarzysta hitów takich jak Czarna róża, Figurki z Tilos czy Hernán Cortés i podbój Meksyku. Ten niezwykle płodny twórca był również pisarzem science-fiction i popularyzatorem nauki, autorem blisko trzydziestu książek oraz około tysiąca artykułów. Weinfeld to także posiadacz niebanalnego życiorysu, w którym znalazło się miejsce nie tylko na ucieczkę z okupowanej przez Niemców ojczyzny, tułaczkę po wschodnich kresach Związku Radzieckiego i służbę w wojsku, zakończoną w stopniu podpułkownika, ale nawet przejęcie cudzej tożsamości.
Mało kto wie, że urodził się pod zupełnie innym nazwiskiem i w innym mieście niż te, które do końca życia podawał w oficjalnych biogramach!
Choć jednak Stefan Weinfeld pisał nieustannie, nigdy nie znalazł czasu i ochoty, by napisać o sobie. Jego syn, Roman, wypełnił tę lukę, na nowo odkrywając losy ojca i prezentując niepublikowane wcześniej szkice, opowiadania, artykuły, listy oraz notatki z rodzinnego archiwum. Powstała niebanalna książka przypominająca i przybliżająca czytelnikom postać autora, na którego historiach wychowało się całe pokolenie fanów fantastyki naukowej i komiksu.
Katalog wystawy Wystawie Tadeusz Baranowski. Śmieszy, tumani, przestrasza towarzyszy katalog zorganizowany od A do Z. Każdej literze alfabetu towarzyszy hasło (czasem kilka), a wszystkie one tworzą prawdziwą encyklopedię meandrów życia, wątków, motywów i bohaterów zamieszkujących światy Baranowskiego. Objętość katalogu: 150 stron w kolorze i twardej oprawie. Autorzy tekstów: Adam Rusek, Wojciech Wawszczyk, Adam Radoń, Błażej Moder (przedmowy); Joanna Birek-Fita, Piotr Kasiński, Bartłomiej Kluska, Katarzyna Tośta Katalog zawiera plansze oryginalne wykorzystane na wystawie ze zbiorów Tadeusza Baranowskiego i prywatnych kolekcjonerów, a także materiały z produkcji filmu Smok Diplodok udostępnione przez Human Film.
To nie są zwykłe rysunki okładkowe, ale całe, umiejętnie skomponowane sceny batalistyczne, godne Jana Matejki, Józefa Brandta czy malarskiej dynastii Kossaków. I tak jak dzieła wymienionych artystów mają wpływ na wyobraźnię historyczną czytelników. Autor dba o szczegóły ubioru, uzbrojenia, pogody czy pejzażu, w jakim rozegrała się konkretna bitwa. Pięknie rysuje konie, a na twarzach walczących często widać towarzyszące im emocje.Ten album obejmuje rysunki do Historycznych Bitew od starożytności (najstarsza z prezentowanych batalii - pod Kadesz - została stoczona w XIII wieku przed Chrystusem!) aż do końca XVIII wieku (ilustracje poświęcone starciom z kolejnych stuleci znajdą się w drugim albumie). Jest to z jednej strony hołd wydawnictwa Bellona złożony Wybitnemu Artyście, a z drugiej gratka dla miłośników historii militarnej i fanów serii HB. Dzięki ukazaniu rysunków w większym formacie oraz bez podziału na front, grzbiet i tył okładki tym bardziej można docenić klasę Pana Marka, a także piękno i siłę oddziaływania jego prac.Proszę Państwa, czapki z głów!Marek Szyszko (ur. w 1951 roku) to grafik, rysownik, absolwent Warszawskiej Akademii Sztuk Pięknych, ilustrator książek i czasopism. Specjalizuje się w ilustracji historycznej i wojskowej. Jego wizytówką artystyczną są okładki książek do popularnej Bellonowskiej serii Historyczne Bitwy. Zebrało się ich już ponad 120!
Andrzej Kozieł, Angelus Silesius, Bernhard Rosa i Michael Willmann, czyli sztuka i mistyka na Śląsku w czasach baroku, B5, s. 560, opr. miękka ze skrzydełkami, cena 129 zł, 9788322938119Angelus Silesius, Bernhard Rosa i Michael Willmann, czyli sztuka i mistyka na Śląsku w czasach baroku to podróż w epokę, gdy Śląsk stanowił centrum duchowej i artystycznej Europy. Kluczową rolę w opowieści odgrywają trzy postacie, które wyznaczały kierunki rozwoju swoich czasów: Angelus Silesius (Johannes Scheffler) protestant nawrócony na katolicyzm, lekarz, mistyk i poeta, którego pisma inspirowały wiele pokoleń artystów (jego utwory tłumaczył Adam Mickiewicz); Bernhard Rosa opat klasztoru w Krzeszowie, który przez sztukę umacniał ludową wiarę; oraz Michael Willmann nazywany śląskim Rembrandtem malarz, którego monumentalne dzieła na trwałe wpisały się w sztukę nie tylko Śląska. Efektem ich wyjątkowej w skali europejskiej współpracy było połączenie elementów doświadczenia mistycznego z różnymi formami masowej pobożności o kontrreformacyjnym charakterze. Co ważne, wszystkie te formy były ściśle połączone z wykorzystaniem dewocyjnych dzieł sztuki (obrazów, rzeźb, grafik), projektowanych głównie przez Willmanna. Stały się one jednymi z najpopularniejszych przedstawień w kulturze religijnej Śląska aż do końca XVIII wieku i dzisiaj możemy je śmiało uznać za ewenement w europejskim baroku.Książka Andrzeja Kozieła to pierwsze całościowe opracowanie relacji między sztuką a mistyką w XVII wieku, które ożywia zapomnianą nieco potęgę śląskiej sztuki barokowej.
Kalendarz prezentujący znane i cenione dzieła Jerzego Nowosielskiego.13-kartkowy kalendarz pionowy, spiralowany, o wymiarach 297 420 mm, drukowany na matowym kredowym papierze, o gramaturze 170 gsm.
Galloping through three centuries of art, this beautiful gift book explores the changing and fascinating relationship between art and horses.
Horses have appeared in works of art throughout history and across the globe, frequently as depictions of the horse in battle, as a form of transportation or within the settings of racing, hunting or breeding. Culturally, the horse is significant across the world.
This book seeks to explore the long and rich trajectory of art focusing on horses and equestrian art from their historic use in battle or as tools in agricultural labour up to their representation as an allegory for wildness and power in modern art to the current fascination with horse racing and breeding.
Offering in-depth explorations of over fifty artworks from the last 260 years mostly in western art, it explores the changing and fascinating relationship we have had with horses, from the classical paintings of George Stubbs to the subversive feminist performances of Rose English.
Chiedza Mhondoro is Assistant Curator, British Art at Tate Britain, specialising in the British art of the eighteenth century and its social, cultural, political, economic and international contexts.
Canadian-born Agnes Martin was one of the pre-eminent painters of the second half of the twentieth century, whose work has had a significant influence both on artists of her own time and for subsequent generations. A contemporary of the abstract expressionists though often identified with minimalism, Martin was of the few woman artists who came to prominence in the predominately masculine art world of the late 1950s and 1960s, and became a particularly important role model for younger women artists.
This groundbreaking survey provides an overview of Martin’s career, from lesser-known early experimental works through her striped and grided grey paintings and use of colour in various formats, to a group of her final works that reintroduce bold forms. A selection of drawings and watercolours is also included.
With essays by leading scholars that give a context for Martin’s work – her life, relationship with other artists, the influence of South Asian philosophy – alongside focused shorter pieces on particular paintings, the book will appeal to art students, academics and all those interested in abstract art. Presenting new research, and beautifully designed, the book is also an opportunity to introduce the life and work of Agnes Martin to those unfamiliar with her oeuvre.
Please note that we cannot ship to the following countries due to licensing restrictions: United States and Canada
Tigers is an outstanding collection of photographs in a pocket flexibound format showing these fearsome yet magnificent animals in action. Tigers are the largest big cats in the world and because of this, many cultures consider the tiger to be a symbol of strength, courage and dignity. They are featured in ancient mythology and folklore and continue to be depicted in modern films and literature. You’ll discover how tigers are adapted for hunting: A tiger’s paws and claws are one of its greatest weapons during the hunt. Strong, and powerful enough to kill prey with a swipe, the bones in their paws also have cord-like ligaments to buffer them from the impact of hitting prey at a full run. You’ll also learn many other fascinating facts, such as how each tiger is unique – did you know that no two tigers have the same pattern of stripes? Or that you can tell a tiger’s age by its nose? Young tigers have a pink nose which gradually darkens, turning orange, then a blackish-brown as it reaches maturity. With full captions explaining how these incredible animals hunt and feed, rear their young and survive in the wild, Tigers is a brilliant examination in 150 outstanding colour photographs of this beautiful animal.
„My Walk” – opowieść o podróży i fotografiachTomasz Gudzowaty i jego wizja świataTomasz Gudzowaty to uznany polski fotografik, który swoimi pracami opowiada o wyjątkowych momentach życia i ludzkich doświadczeniach. W albumie „My Walk” autor dzieli się siedmioletnią podróżą, która nie tylko zmieniła jego spojrzenie na świat, ale i pozwoliła na uchwycenie esencji ludzkich emocji. Fotografie w książce są osobistą historią artysty, który podkreśla, że każda opowiedziana historia jest także częścią jego własnych przeżyć. To nie tylko zbiór zdjęć, ale także introspekcyjna refleksja nad życiem. Przygoda zapisana w kadrachAlbum „My Walk” to zapis mniejszych i większych przygód, które Tomasz Gudzowaty przeżył w trakcie swojej wędrówki przez życie i fotografię. Zdjęcia są efektem spotkań, rozmów i chwil spędzonych z bohaterami jego opowieści. Każdy kadr niesie ze sobą emocje i historię, które pozostają z widzem na długo.Ta podróż fotograficzna to przykład na to, jak pasja i zaangażowanie mogą stać się mostem między różnymi światami. Fotografia jako osobista narracja„My Walk” to album, w którym fotografia staje się środkiem wyrażania emocji i osobistych refleksji.Autor podkreśla, że każda z jego prac jest nie tylko obserwacją rzeczywistości, ale także częścią jego własnej historii. Z aparatem w ręku Gudzowaty towarzyszył swoim bohaterom, dokumentując ich losy i dzieląc się własnymi doświadczeniami. To dzieło, które ukazuje, jak blisko fotografia może być powiązana z ludzkim życiem. Album „My Walk” – siedmioletnia podróż Tomasza GudzowategoHistoria zapisana w siedmiu latachTomasz Gudzowaty przez siedem lat tworzył opowieść, która stała się treścią albumu „My Walk”. To historia pełna różnorodnych doświadczeń, spotkań i refleksji. Zdjęcia wykonane w tym okresie pokazują, jak zmieniała się perspektywa artysty i jakie wartości były dla niego najważniejsze. Ta wyjątkowa publikacja to nie tylko dokumentacja podróży, ale także zapis wewnętrznego rozwoju fotografa. Krajobrazy, ludzie i emocjeFotografie w „My Walk” ukazują różnorodność świata, od surowych krajobrazów po intymne portrety ludzi. Tomasz Gudzowaty oddaje piękno chwil, które często mijamy w codziennym pośpiechu. Jego zdjęcia to pełne emocji obrazy, które skłaniają do zatrzymania się i refleksji. W każdej fotografii widać wrażliwość artysty oraz jego umiejętność uchwycenia ulotnych momentów. Spotkania, które kształtują człowieka„My Walk” to także hołd dla ludzi, których Tomasz Gudzowaty spotkał na swojej drodze. Autor podkreśla, że każde spotkanie było dla niego ważnym doświadczeniem, które wpłynęło na jego spojrzenie na życie i twórczość. Fotografie przedstawiają nie tylko bohaterów, ale także relacje, które z nimi nawiązał. Dzięki temu album jest niezwykle osobisty i autentyczny. „My Walk” jako wyraz artystycznej dojrzałościFotografia jako sztuka narracjiAlbum „My Walk” to dowód na to, że fotografia może być formą opowiadania historii. Tomasz Gudzowaty w mistrzowski sposób łączy obrazy z emocjami, tworząc dzieło, które jest jednocześnie piękne i głęboko poruszające. To album, który pokazuje, jak ważna jest wrażliwość i umiejętność obserwacji w pracy fotografa. Każdy kadr to opowieść, która zostaje z widzem na długo. Refleksja nad sensem podróży„My Walk” to nie tylko dokumentacja fotograficzna, ale również refleksja nad podróżą – zarówno fizyczną, jak i duchową. Tomasz Gudzowaty dzieli się swoimi przemyśleniami na temat życia, relacji z ludźmi i znaczenia pasji. Album inspiruje do zastanowienia się nad własną drogą i tym, co jest naprawdę ważne w życiu.To dzieło, które łączy piękno obrazu z głębią treści. Artysta w roli narratoraW „My Walk” Tomasz Gudzowaty występuje nie tylko jako fotograf, ale także jako narrator, który prowadzi widza przez swoje doświadczenia. Jego zdjęcia są pełne autentyczności, a jednocześnie przemyślane w każdym detalu. Artysta zaprasza odbiorców do wspólnej podróży, dzieląc się tym, co dla niego najważniejsze. To album, który pokazuje, że sztuka może być zarówno osobista, jak i uniwersalna.
Tomasz Gudzowaty swoją twórczością zwraca uwagę na potrzebę ochrony dzikiej natury. Dzięki swoim zdjęciom przypomina o harmonii, która może istnieć między człowiekiem a światem przyrody.Album „Following Wild Trails” jest tego doskonałym przykładem – nie tylko ukazuje piękno naszej planety, ale i inspiruje do działań na rzecz jej zachowania. Fotograf pełni w ten sposób rolę ambasadora przyrody, której głos wciąż jest zbyt słabo słyszalny. Międzynarodowe uznanie i prestiżTwórczość Tomasza Gudzowatego zdobyła uznanie na całym świecie.Liczne nagrody, w tym prestiżowa World Press Photo, świadczą o wysokim poziomie artystycznym jego fotografii.Jego prace były publikowane w najbardziej prestiżowych magazynach i wystawiane w galeriach na całym świecie. Dzięki takim albumom jak „Following Wild Trails”, artysta umacnia swoją pozycję jako jednego z najwybitniejszych współczesnych fotografów. Fotografia jako forma sztukiFotografie Tomasza Gudzowatego przekraczają granice dokumentacji, stając się formą sztuki.Jego wyjątkowe podejście do tematu i techniki sprawiają, że każde zdjęcie to opowieść pełna emocji i znaczeń.W albumie „Following Wild Trails” artysta nie tylko ukazuje piękno natury, ale i zaprasza do głębszego spojrzenia na relację człowieka ze światem przyrody. To wyjątkowe dzieło, które na długo pozostaje w pamięci każdego odbiorcy.
Album Robotnicy pierwsza publikacja Fundacji Edwarda Dwurnika to monograficzne opracowanie malarskiego cyklu Edwarda Dwurnika obejmującego 260 obrazy powstałe w latach 1975-1991. Jego głównymi bohaterami są tytułowi Robotnicy utożsamieni przez malarza z całym narodem polskim uciśnieni przez sowiecki reżim i podejmujący z nim walkę. Na wielkoformatowych płótnach polskie kobiety i meżczyzną, ci sami, których Dwurnik portretuje w równoległym monumentalnym cyklu Sportowcy, wychodzą na ulice i z wolnościowymi hasłami na ustach wznoszą sztandary i pięści. Dwurnik na gorąco komentuje i dokumentuje burzliwy czas narodzin Solidarności i stanu wojennego, portretuje jego bohaterów i upamiętnia ofiary. Ale nie pisze hymnu pochwalnego obok zapisu dramatycznych wydarzeń artysta ukazuje niebezpieczeństwa dewocyjnego uwikłania w religię i bezmyślnego uwikłania w narodowościowe dogmaty. Tworzona na przestrzeni 16 lat seria jest bardzo różnorodna. Są tu ekspresyjne aestetyczne obrazy w duchu zachodnioeuropejskiej transawangardy, senne wizerunki pełne poetyckiej melancholii i smutku, rozbudowane wielkie alegorie i wreszcie nawiązania i cytaty z innych twórców i literatury. Książka ma 614 stron i ponad 350 reprodukcji obrazów, rysunków, szkiców i archiwalnych fotografii. Podczas premiery będzie można kupić książkę po promocyjnej cenie.
Ten produkt jest zapowiedzią. Realizacja Twojego zamówienia ulegnie przez to wydłużeniu do czasu premiery tej pozycji. Czy chcesz dodać ten produkt do koszyka?
