W tej strefie zapraszamy czytelników tak zwane artystyczne dusze po książki z kategorii Sztuka. Polecamy szereg publikacji o sztuce i jej historii,ciekawostki i portfolia artystów, eseje, albumy, książki o malarstwie, rzeźbiarstwie, architekturze oraz histoii fotografii. Biografie ciekawych artystów, książki i powieści przedstawiające fascynujące losy malarzy i osób uwiecznianych na obrazach. W tym dziale tylko ksiązki ze sztuka w tle.
A compelling and authoritative overview of the drawings of Vincent van Gogh, one of the most celebrated and intriguing figures in the history of art.The Drawings of Vincent van Gogh is a comprehensive account celebrating the genius and singularity of the artist's achievements in this field. Arranged by theme - from drawings of humble harvesters to beautifully rendered depictions of landscape, pensive life studies to memorable sketches of the famous Yellow House in Arles and other places - Van Gogh's works on paper are explored from a fresh perspective by art historian Christopher Lloyd, who records the artist's successes, failures, experiments, trials and disappointments. Primarily self-taught, Van Gogh approached drawing instinctually, but soon recognized the importance of mastering the grammar of art - anatomy, modelling, foreshortening, perspective - as well as materials and techniques, in order to convey his emotional responses to a subject as vividly as possible.Using examples from the artist's voluminous and highly charged family correspondence, sketchbooks, as well as comparative artworks by Rembrandt, Dürer and others, the resulting overview gives us a greater understanding of why drawing is so important within Van Gogh's unique oeuvre and equals the intensity and reputation of his paintings.
A bold, dynamic, and definitive survey of contemporary street photography from across Africa, featuring leading image makers shaping a vibrant and exciting genre.Energetic, colorful, experimental―street photography across Africa has a well-established and complex history, and its own unique dynamic. From classic compositions of architecture, people, and movement, to street-style portraits and photographs of youth culture, music, and dance―the street becomes a stage. It’s about identity, personality, and storytelling: friends skateboarding, a chance encounter, the hustle and bustle of megacities.The streets have long been a home to innovation, fashion, and desire, where boundaries between private portrayal, public encounter, and fashion shoots are often blurred: artist and filmmaker Salaheddine El Bouaaichi photographs young people on the streets and creates covers for the rap scene. Delali Ayivi is commissioned to make work for fashion magazines including Vogue and Dazed. Siaka Soppo Traoré organizes hip-hop performers to showcase breakdancing in markets.Coauthored by curators Nadine Barth and Azu Nwagbogu, Street Photography Africa presents the work of over thirty photographers in thematic chapters. It offers an overview of contemporary street photography―how it mixes with street style and youth culture in urban cities today―as well as the photo fairs, festivals, and communities underpinning this dynamic scene.
One hundred years of jewelry design, revealed through a remarkable selection of rarely seen drawings from the Petit Palais’s collection.This richly illustrated volume explores more than a century of creativity, innovation and craftsmanship through a rare and remarkable selection of jewelry design drawings from the Petit Palais’s exceptional collection. Beautiful in their own right – luminous gouaches, finely worked studies and delicately annotated sketches – these sheets offer privileged insight into the imagination and technical mastery of their makers.Drawings by designers including Pierre-Georges Deraisme and Charles Jacqueau are presented alongside designs for leading houses such as Boucheron, Cartier, Lalique, Rouvenat and Vever. Organized into themed sections, the book traces the path from inspiration to execution: from natural motifs and ornamental sources to the transformation of an idea into a finished jewel. Botanical forms, sinuous feathers and intricate insect wings are distilled into precise lines and vibrant colour, revealing how designers balanced observation with invention. Works such as Georges Fouquet’s sycamore pendant and insect ring demonstrate the extraordinary skill required to translate a line on the paper into a jewel in the hand.By placing these rare drawings beside the pieces they inspired, the book opens a window onto process, collaboration and artistry, and affirms these works on paper as both historical treasures and enduring works of art.
A comprehensive yet accessible survey of Korean photography since 1957. Shine Brightly: Korean Photography Since 1957 is the first detailed survey of Korean photography in the English language. Built upon original, on-the-ground research and firsthand interviews, it offers a focused yet accessible exploration of the key artists, movements and exhibitions against their political, social and economic backdrops. Korean photography, whose practitioners have forged a unique visual language across seven decades, has been a vital part of the rise of South Korea's importance and influence at the heart of contemporary culture. Featuring over sixty photographers and 200 photographs, this striking book traces the development of Korean photography from its documentary roots in post-war realism and the avant-garde explorations of the 1970s and 1980s, to the key themes and artists present in the contemporary scene. Kim and Roussell not only present important thematic developments, but also propose new approaches to understanding the role of photography in performance and video art, the evolving aesthetics and symbolism of landscape photography, and the politicization of cityscapes around the turn of the millennium. Bold, beautiful and richly detailed, Shine Brightly's unprecedented, curated journey through Korea’s photographic history will engage specialist readers and the general public alike.
The first comprehensive English-language retrospective of one of the greatest living Japanese visual artists, this ambitious publication will be the definitive guide to Tadanori Yokoo’s extensive body of work.Mixing psychedelia, pop art, sexual iconography, and references to Japanese historical tradition such as ukiyo-e prints, Tadanori Yokoo’s work has become synonymous with postwar Japan. Rising in popularity in Tokyo during the 1960s, his subversive designs were favored among the city’s radical youth groups. Covering the full breadth of his work, this expansive tome shines a necessary light on Yokoo’s paintings, offering fresh insight into the pioneering artist’s creative process and practice.Born in 1936 in Nishiwaki, Japan, Yokoo began his career designing posters and wrapping paper for the Chamber of Commerce in Nishiwaki. Moving to Tokyo at age twenty-four, he worked as a graphic designer for theaters throughout the ’60s.His commercial posters marked a stark contrast from the often flat style employed at the time. Drawing on influences from Western consumer culture, mysticism, psychedelia, and traditional Japanese techniques, Yokoo created a new visual language that opposed the popular modernist style.While typically labeled as a graphic artist, this expansive publication offers a fresh focus on Yokoo’s paintings, positioning his work against pivotal social and political events to offer both a history of a nation and an artist. Featuring an essay by Mark Holborn and a translation of the seminal text “Popcorn Minimalism” by iconoclastic Japanese writer Yukio Mishima, quotes from Yokoo punctuate the book throughout.600 color illustrations
Stella Adler (1901–1992) była jedną z najważniejszych postaci amerykańskiego teatru XX wieku i jedyną wybitną pedagog aktorstwa. Kształciła się m. in. u Ryszarda Bolesławskiego, reżysera i pedagoga polskiego pochodzenia, współtwórcy nowoczesnej myśli aktorskiej, który wprowadził do Stanów Zjednoczonych idee Stanisławskiego. To spotkanie miało kluczowe znaczenie dla jej dalszej drogi artystycznej i pedagogicznej.Jej myślenie o aktorstwie — zakorzenione w pracy nad wyobraźnią, tekstem i świadomością społeczną — ukształtowało całe pokolenia aktorów teatru i filmu, od Marlona Brando po Roberta De Niro. Adler widziała aktora jako artystę odpowiedzialnego nie tylko za rolę, lecz za sens i rangę teatru. Jej nauczanie, oparte na wyobraźni, analizie tekstu i relacji aktora ze światem przedstawionym, ukształtowało pokolenia twórców teatru i filmu XX i XXI w.
Książka o japońskich erotycznych obrazach shunga epoki Meiji, zawierająca kolorowe ilustracje najciekawszych prac, a jednocześnie prezentacja kilku najwybitniejszych japońskich artystów XIX wieku, specjalizujących się w miłosnych ilustracjach. W książce prezentowane są kolorowe erotyczne ilustracje, jakie powstały w okresie Meiji, czyli w latach 1868-1912 i chociaż epoka ta obejmuje schyłek sztuki erotycznej w tradycji japońskiej, to jednak nadal stanowi istotną część historii związanej z japońską erotyką. Koniec tej epoki zwiastuje zarówno zanik sztuki drzeworytniczej, jak i - co jest z tym związane - kres produkcji oraz rozpowszechniania erotycznych ilustracji drzeworytniczych. W późniejszym okresie przedstawienia seksu w sztuce japońskiej zanikają zarówno w sferze artystycznej, jak i popularnej.Spis treściWstępCzęść pierwsza: Okres Meiji, czyli powstanie Nowej JaponiiPrzemiany okresu MeijiCenzura seksualnościDrzeworyt w tradycji japońskiejHistoria obrazów shungaCzęść druga: Shunga okresu MeijiKontynuacja i nowe wzorceObcokrajowcy, kurtyzany i sanitariuszkiShunga i wojnyHomoseksualnośćRynek wydawniczyCzęść trzecia: Twórcy shunga okresu MeijiKawanabe KysaiTakeuchi KeishTomioka EisenTerasaki KgyIkeda TerukataAnonimowe dziełaZakończeniePrzypisyBibliografia
This new Vogue On title follows Versace's unique vision of femininity, from his enormously successful debut line in 1978, to his invention of the supermodel in the Nineties. This book is part of the successful series of branded fashion books with British Vogue with access to its unique archive of photographs and original illustrations.
Czas rozstrojony. Muzyka i nadejście ery nowoczesnej Juliana Johnsona to przełomowa publikacja naukowa obejmująca swoim zakresem dzieje muzyki od renesansu do nowoczesności. Autor z niebywałą erudycją porusza się między różnymi obszarami humanistyki, zarówno w jej wymiarze naukowym, jak i tym łączącym się z uprawianiem sztuki, błyskotliwie ukazując powiązania między rozmaitymi dziedzinami. Z perspektywy zarówno teoretyka muzyki, jak i kompozytora oświetla związki muzyki z historią sztuki, filozofią idei, estetyką, a także z rozwojem technologii i nauki, pokazując, że nie są to zjawiska oderwane od siebie, ale wręcz ściśle powiązane, z którymi człowiek w swej podmiotowości styka się także na co dzień. Johnson przywołuje kanoniczne już dzieła muzyczne i na ich przykładzie udowadnia, jak wskazuje tłumaczka niniejszej książki, że muzyka zwiastuje "zmiany, które podmiot, uwikłany w czas historyczny, odbiera zazwyczaj jako przedwczesne lub spóźnione, niemal zawsze przychodzące nie w porę", zaś "liczne pęknięcia, opóźnienia, przyspieszenia i dysonanse" powstające w procesie krystalizowania się czasów nowożytnych są przejawami "czasu rozstrojonego".
Zbiór najbardziej znanych utworów fortepianowych Ignacego Jana Paderewskiego - cenionego na całym świecie wirtuoza fortepianu. który pozostawił po sobie bogaty dorobek obejmujący dzieła sceniczne, orkiestrowe, kameralne i solowe. Ta publikacja skupia się na jego najbardziej znanych utworach fortepianowych, oferując pianistom możliwość obcowania z muzyką pełną pasji i wyrafinowanego stylu.
„Budownictwo drzewne i wyroby z drzewa w dawnej Polsce” to reprint wyjątkowej encyklopedii Zygmunta Glogera poświęconej drewnianemu budownictwu dawnej Rzeczypospolitej. Autor przedstawia bogaty świat cerkwi, kościołów, dworów, chat, dzwonnic oraz dawnych wyrobów z drewna z terenów Podlasia, Mazowsza, Litwy, Żmudzi, Galicji i wielu innych regionów.
Publikacja zawiera około 550 ilustracji, rycin i fotografii, dokumentujących obiekty, z których wiele nie przetrwało do naszych czasów. Prace nad encyklopedią przerwała śmierć autora, dlatego dzieło kończy się na literze „L”.
To bezcenne źródło wiedzy historycznej i etnograficznej.
Najnowsza monografia Radosława Domkego to pierwsze tak obszerne historyczne studium ekranowego wizerunku społeczeństwa Polski Ludowej. Analizie zostało poddanych blisko 350 polskich filmów i seriali. Na ich bazie zrekonstruowano m.in. obraz inteligenta, robotnika, chłopa oraz duchowieństwa. To panoramiczna opowieść o tym, jak przez ponad dwie dekady kształtował się audiowizualny portret Polaków. Autor nie stosuje metodologii filmoznawczej. Film fabularny i serial są traktowane jako pełnoprawne źródła historyczne, świadectwa mentalności, napięć społecznych, strategii przystosowania i pęknięć systemu widocznych od kryzysu 1968 roku po przełom 1989 roku włącznie. W centrum uwagi nie znajdują się wartości artystyczne ani estetyka dzieł, lecz ich znaczenie dla rekonstrukcji doświadczenia epoki. Książka ta nie jest historią społeczną Polski. Jest bardziej próbą odpowiedzi na pytanie, w jaki sposób społeczeństwo polskie było ukazywane w wybranych obrazach filmowych. Nie mówi nam o tym, jakie były poszczególne grupy społeczne, tylko jak były przedstawiane. Przez to badania wpisują się w nurt historii wizualnej, zajmujący się m.in. analizą i interpretacją obrazów filmowych, umiejscawiając je w określonym kontekście historycznym.
Wystawa Gotyk w Karpatach jest pierwszą próbą łącznego przedstawienia sztuki schyłku średniowiecza we wszystkich krajach regionu. Poprzez zestawienie około stu obrazów i rzeźb, przewiezionych z dziewięciu krajów, które uzupełnia wykonana specjalnie na potrzeby wystawy dokumentacja fotograficzna tego, co nieprzenośne (malowidła ścienne, rzeźba architektoniczna), pokazujemy Karpaty jako obszar artystyczny o utrzymanej ciągłości rozwoju, gdzie jedne dzieła sztuki dawały początek kolejnym. Po obu stronach gór działały bowiem te same warsztaty, obrazy i rzeźby przesyłane były w obu kierunkach, podobnie jak przenikały się tu tendencje w sztuce. Wystawa zarówno prezentuje nowe odkrycia, będące rezultatem bieżących prac konserwatorskich bądź badań terenowych, jak i stanowi okazję dla naocznego zweryfikowania atrybucji postawionych dawno temu. Wykorzystujemy też możliwość scalenia choćby chwilowego dzieł sztuki, których elementy zostały niegdyś rozproszone. Wystawie towarzyszy katalog, który przedstawia historyczny i geograficzny kontekst sztuki gotyckiejna terenie Karpat, omawia charakterystyczne dla niej motywy ikonograficzne, definiuje jej zadania,a także nakreśla kierunki wzajemnego przepływu artystycznych inspiracji między Zachodem Europya Karpatami oraz między północną a południową stroną gór. Każdemu dziełu prezentowanemu na wystawie towarzyszy ilustracja oraz zwięzły opis. Uzupełnieniem są indeks topograficzny, zestawienie nazw miejscowości w siedmiu językach oraz mapy.
Paweł Koñjo Konnak - extatyczny fan wielości bytów. Od 1982 r. aktywista ruchu punk. Od 1986 r. akcjonista Tranzytoryjnej Formacji Totart i jej licznych satelitów. Do dnia dzisiejszego Koñjo zrealizował z Totartem kilkaset ujawnień o charakterze metafizyczno-społecznym. Artysta wszechstronnie rozrywkowy - postać medialna, poeta, prozaik, konferansjer, grafik, muzyk, kurator, aktor, reżyser, wydawca, animator zdarzeń dziwnych. Uważa, że wszystko jest warte, wszystko jest piękne, wszyscy jesteśmy doskonali.
Projektowały plakaty, okładki książek i płyt winylowych, znaki graficzne, opakowania oraz materiały reklamowe. Okres ich najintensywniejszej aktywności zawodowej przypadł na czasy PRL-u. Dobrze wykształcone, utalentowane, pracowite. Dlaczego ich nazwiska nie zapisały się w historii polskiej grafiki użytkowej?Alicja Kobza przez wiele lat gromadziła materiały archiwalne i rekonstruowała losy projektantek. Rozmawiała z bohaterkami książki, ich współpracownikami i rodzinami. Przyglądała się dorobkowi, próbując zrozumieć powody, dla których ich twórczość była dotąd pomijana lub lekceważona, i dlaczego mówiąc o historii polskiej grafiki, umiemy wymienić wyłącznie nazwiska ich kolegów po fachu, partnerów i mężów. W książce opowiada o dwudziestu siedmiu twórczyniach i przedstawia autorski wybór ich projektów. Przybliża realia ich pracy, dylematy, przed którymi stawały, trudności, z którymi musiały się mierzyć. Pokazuje, jak kształtował się ich styl i co wniosły do świata grafiki.Ta smakowita wizualnie, a zarazem pionierska merytorycznie praca przywraca nam wymazaną część naszej historii – historii PRL-u, historii grafiki użytkowej, herstorii.
Wydawnictwo zawiera niezwykle ciekawy tekst Bogdana Konopki o jego czterech wizytach na budowie nowoczesnej opery w Pekinie (Pekiński Teatr Narodowy) i fotografowaniu postępów prac przy budowie tego chińskiego giganta oraz tekst napisany specjalnie do katalogu przez architekta Paula Andreu - twórcę projektu gmachu opery w Pekinie.Swoją refleksję o sztuce fotograficznej Konopki Paul Andreu tak konkluduje: "Bogdan Konopka nie fotografuje architektury, lecz przestrzeń, która w jego spojrzeniu staje się równie tajemnicza, jak ciało. On nie fotografuje architektury, on wyzwala z niej życie i doniosłość".Dopiero podczas czwartej wizyty w budowanym gmachu Bogdan Konopka uzmysłowił sobie, że to co fotografował zniknie bezpowrotnie dla ludzkiego wzroku - kolejny etap budowy przewidywał wyłożenie kopuły od wewnątrz drewniana mozaiką: - "I to jest chyba to, co w fotografii stanowi wartość samą w sobie - zdolność rejestrowania unikalnych stanów materii. Trudno powiedzieć nawet, na czym to polega, bo jest w tym coś z intuicji, profetyzmu, siódmego zmysłu, czy w końcu przypadku. Wszakże kiedy zaczynałem fotografować Operę, nie miałem pojęcia po co to robię, ani co z tego wyniknie" - przyznał Konopka.Album posiada trzy wersje językowe (polską, angielską, francuską). Zawiera pełną informację o drodze artystycznej Bogdana Konopki: spis wystaw, prace w kolekcjach, prace zrealizowane (miasta, miejsca i pomniki, reportaże), zrealizowane przez artystę warsztaty (także z uczniami); a także bogatą bibliografię: katalogi wystaw, monografie o artyście, prace zbiorowe, filmografię.Zamieszczono w nim 47 zdjęć Bogdana Konopki z pekińskiej opery - te same zdjęcia, wykonane kamerą wielkoformatową z odbitkami w technice stykowej, prezentowane są na wystawie w Galerii Bielskiej BWA.
Znana i lubiana przewodniczka po Warszawie od siedmiu lat proponuje czytelnikom spragnionym książek o historii i tradycji naszego miasta swoje nietuzinkowe historie. Kolejny ich zbiór jest poświęcony pałacom, reprezentacyjnym rezydencjom licznych rodów królewskich, magnackich, a z czasem – w wyniku XIX-wiecznej rewolucji przemysłowej – także kupców i przemysłowców. Niewątpliwą zaletą opowieści pióra Ewy Sztompke jest ich styl gawędy, gdzie fakty przeplatają się z anegdotami, historie samych pałaców z barwnymi, a wręcz awanturniczymi losami ich właścicieli, mieszkańców i licznych gości odwiedzających je głównie z okazji… tak, balów i wystawnych fet mających wzbudzić podziw i zazdrość. Wielki świat naszych przodków w opowiadaniu i anegdocie.
Wystawa Grupy Pięciu to pierwsza w historii muzealnictwa ekspozycja poświęcona działalności istniejącego od sierpnia 1905 roku do lutego 1908 roku młodopolskiego ugrupowania, a zarazem pierwsza wspólna prezentacja prac jego członków od czasu ich inicjatyw na początku XX stulecia. Tę niemal całkowicie zapomnianą dzisiaj formację, nazywaną także Grupą Norwid, tworzyli: Leopold Gottlieb, Witold Wojtkiewicz, Wlastimil Hofman, Mieczysław Jakimowicz i Jan Rembowski. Byli to studenci i absolwenci krakowskiej Akademii Sztuk Pięknych, których młodzieńcza twórczość była odpowiedzią na pojawiające się w sztuce europejskiej tendencje awangardowe. Zakres chronologiczny pokazywanych w dużej części po raz pierwszy dzieł obejmuje okres od około 1900 roku aż po lata pierwszej wojny światowej. Rozszerzenie ram czasowych służy pełniejszej prezentacji dokonań młodych adeptów sztuki i uchwyceniu procesów kształtujących ich postawy twórcze. Integralną część wystawy stanowią prace artystów, którzy czasowo związani byli z Grupą Pięciu, poprzez udział we wspólnie przygotowanych pokazach, a należeli do nich: Tymon Niesiołowski, Henryk Hochman i Bronisława Rychter-Janowska. Ekspozycję wzbogaciły ponadto dzieła Odilona Redona, Xawerego Dunikowskiego i Olgi Boznańskiej. Towarzyszący wystawie bogato ilustrowany katalog składa się z pięciu części. Na początku szeroko omówiono zagadnienia związane z artystyczną i wystawienniczą działalnością Grupy. Następną część stanowi esej rozwijający wątek drugiej nazwy ugrupowania (Grupa Norwid) i nakreślający przyczyny odwoływania się młodych artystów do Cypriana Kamila Norwida. Kolejny fragment zapoznaje nas z koncepcją wystawy i omawia poszczególne jej części i sekcje tematyczne. Po nim znajduje się katalog przedstawiający dwieście dzieł prezentowanych na wystawie. Ostatnią część publikacji stanowią zwięzłe biogramy artystów
Historia teatru i dramatu włoskiego jest pierwszą tego typu polską publikacją, skierowaną nie tylko do miłośników włoskiego teatru czy studentów italianistyki, ale także do szerokiego grona odbiorców. Zamiarem Autorów było określenie głównych linii rozwoju teatru włoskiego, na tle szerszego kontekstu społeczno-politycznego i kulturowego w powiązaniu z teatrem europejskim oraz omówienie twórczości najważniejszych artystów i ich dzieł, choć z oczywistych względów nie znalazły się w tym opracowaniu wszystkie nazwiska ludzi teatru, którzy zasłużyli się dla włoskiej sceny.
Sztuka współczesna w poszukiwaniu duchowości W zbiorze esejów Cisza i zgiełk obrazów Krystyna Czerni z pasją i erudycją prowadzi czytelnika przez świat sztuki XX i XXI wieku, kierując uwagę ku twórczości, w której różnorodny wyraz znajduje rzeczywistość duchowa. Ten wymiar wydobywa w subtelny sposób daleki od konfesyjnych uproszczeń i jednoznacznych etykiet w pracach artystów reprezentujących odmienne postawy i języki wizualne, jak Alina Szapocznikow, Leon Tarasewicz, Jarosław Modzelewski, Bettina Bereś, Jan Pamuła, Aldona Mickiewicz czy Krzysztof Sokolovski. Szeroką wiedzę i ugruntowane kompetencje badawcze autorka łączy z osobistym tonem, wynikającym z wieloletnich przyjaźni z artystami, rozmów w pracowniach i uważnego, pogłębionego kontemplowania ich dzieł. Wzbogacona o kolorowe reprodukcje, wolna od hermetycznego języka książka stanowi zaproszenie do namysłu nad metafizycznym wymiarem sztuki współczesnej, odsłaniającym się czasami nieoczekiwanie w tym, co z pozoru zupełnie przyziemne. Odznaczające się dużą komunikatywnością i profesjonalizmem teksty zebrane w tomie Cisza i zgiełk obrazów absorbują uwagę czytelnika, dając mu możliwość zaznajomienia się z rozmaitymi strategiami artystycznymi. Zaprzyjaźniona z wieloma twórcami, Krystyna Czerni odkrywa przed czytelnikami szczegóły z tak zwanej kuchni artystycznej i sekrety środowiska, co czyni książkę bardzo atrakcyjną.prof. dr hab. Joanna M. Sosnowska Imponujące zaplecze merytoryczne, osobiste relacje z twórcami oraz emocje towarzyszące kontemplowaniu i przeżywaniu doświadczanych w pracowniach dzieł pozwoliły Krystynie Czerni osiągnąć wysoki stopień przyległości, swego rodzaju zespolenia się z nimi, co nie pozostaje bez znaczenia dla podjętej refleksji krytycznej. Dzięki owej zażyłości w miejsce świadomości eksploatującej pojawić się mogła świadomość współodczuwająca, tak znamienna dla pisarstwa Czerni.dr hab. Renata Rogozińska, prof. UAP
Ten produkt jest zapowiedzią. Realizacja Twojego zamówienia ulegnie przez to wydłużeniu do czasu premiery tej pozycji. Czy chcesz dodać ten produkt do koszyka?
