W tej strefie zapraszamy czytelników tak zwane artystyczne dusze po książki z kategorii Sztuka. Polecamy szereg publikacji o sztuce i jej historii,ciekawostki i portfolia artystów, eseje, albumy, książki o malarstwie, rzeźbiarstwie, architekturze oraz histoii fotografii. Biografie ciekawych artystów, książki i powieści przedstawiające fascynujące losy malarzy i osób uwiecznianych na obrazach. W tym dziale tylko ksiązki ze sztuka w tle.
Historia teatru i dramatu włoskiego jest pierwszą tego typu polską publikacją, skierowaną nie tylko do miłośników włoskiego teatru czy studentów italianistyki, ale także do szerokiego grona odbiorców. Zamiarem Autorów było określenie głównych linii rozwoju teatru włoskiego, na tle szerszego kontekstu społeczno-politycznego i kulturowego w powiązaniu z teatrem europejskim oraz omówienie twórczości najważniejszych artystów i ich dzieł, choć z oczywistych względów nie znalazły się w tym opracowaniu wszystkie nazwiska ludzi teatru, którzy zasłużyli się dla włoskiej sceny.
Za pośrednictwem tej książki - kolejnej w literackim dorobku ks. prof. Witolda Kaweckiego - udajemy się na peryferie Italii, zarówno w sensie geograficznym, jak i w znaczeniu dziedzictwa kulturowego. Tym razem autor odsłania przed nami nieco zapomniane skarby włoskiego malarstwa, rzeźby, architektury i muzyki. Podróży przez Sycylię, Bazylikatę, Apulię, Lacjum, Abruzję, Umbrię, Marche, Emilię-Romanię, Wenecję Euganejską, Piemont i Valle d'Aostę towarzyszą rozważania o naturze sztuki, duchowości, przyrodzie, kuchni, a także o tradycjach, obyczajach, języku i ludziach w mniej znanych zakątkach Półwyspu Apenińskiego."Wyrazem jakości życia nie jest tylko to, co Włosi jedzą, ale także sposób, w jaki jedzą - z radością, celebrując spotkania przy stole. Kochają z pasją, nie stroniąc od kontaktu fizycznego: pocałunków, przytulania, komplementów kierowanych do bliźnich, nie tylko wobec ukochanej osoby. Pracują dużo, ale chętnie też odpoczywają. Potrafią cieszyć się życiem - bez laptopa czy telewizji - w samotności, w gronie rodzinnym lub wśród przyjaciół. Godzinami rozmawiają: na ulicy, w barze, na plaży, przy kościele, w najmniejszych zaułkach miejscowości, w których żyją. Ubierają się z klasą, wychodząc z założenia, że trzeba być eleganckim nawet dla samego siebie.Zapraszam Państwa na wyprawę do nieco mniej znanej, lecz równie fascynującej Italii, która wciąż odsłania przed nami swoje tajemnice jako kraina szczęścia" (ze wstępu do publikacji).Witold Kawecki CSsR (redemptorysta) - profesor teologii kultury i mediów, kierownik Katedry Komunikacji Kulturowej i Artystycznej UKSW. Pisarz i człowiek mediów, dziennikarz i kulturoznawca, autor 35 książek i setek artykułów, w tym bestsellerów Tajemnice Caravaggia (2019), Toskania, jakiej nie znacie (2021), Rzym, moje miasto (2022) i Podróże po Włoszech z Artemizją Gentileschi (2024), Jezus. Tajemnica odkupienia (2024). Współpracownik wielu stacji radiowych i telewizyjnych. Ekspert Polskiej Komisji Akredytacyjnej. Dwukrotny laureat nagrody Feniks, w tym Feniks Specjalny - Religia i Kultura 2024. Wiceprezes Stowarzyszenia Komunikacji Społecznej "Signis Polska". Zajmuje się kulturą wizualną, komunikacją medialno-kulturową, kulturą polityczną i teologią wizualną.
Książka o projektach Jana Zdanowicza to bogato ilustrowana relacja z podróży przez architekturę PRL i swoisty spacer po Warszawie. Stanowi także opowieść o pracy twórcy, którego budynki były nagradzane tytułem Mister Warszawy.
W połowie lat 50. XX wieku skończył się socrealizm. Nowym domom, szkołom czy pawilonom handlowym można było nadawać proste, ekonomiczne formy, które wynikały z konstrukcji i funkcji budynków. Powstały wówczas socmodernizm co prawda miał swoje korzenie w przedwojennym modernizmie, ale architekci musieli brać pod uwagę realia lat 50., 60. czy 70., nacisk ekonomistów na masowość (więcej i taniej), wszechobecne normy, przemysłowe standardy stolarki budowlanej, seryjnie produkowane biegi schodów, a przede wszystkim nowe typy konstrukcji oraz odejście od cegły jako podstawowego tworzywa. Technologie i nowa estetyka doprowadziły do wykształcenia form, dzięki którym można odróżnić budynki socmodernistyczne od zabudowy z innych dekad.
Jarosław Maciej Zawadzki (ur. 1965) – historyk sztuki, członek Stowarzyszenia Historyków Sztuki, współzałożyciel Warszawskiego Towarzystwa Genealogicznego (1993). Od 1996 roku pracuje w Kancelarii Senatu, gdzie między innymi bada losy przedwojennych senatorów. Prowadzi wykłady na studiach podyplomowych na Uniwersytecie Kardynała Stefana Wyszyńskiego w Warszawie. Opublikował kilkanaście książek i wiele artykułów. Żonaty, ma czworo dzieci. Dorastał w jednym z warszawskich osiedli. Gdy odkrył jego autora – Jana Zdanowicza, podążył szlakiem projektów tego architekta.
Tom, będący efektem kilkuletniej kwerendy archiwalnej, zawiera dwieście uszeregowanych chronologicznie dokumentów z komentarzem naukowym. Wśród poruszanych tematów są: instytucjonalne ramy systemu rozpowszechniania filmów, import i opracowanie językowe produkcji zagranicznych, sieć kin i organizacja seansów, reklama i klasyfikacja wiekowa filmów, cenzura i badania widowni oraz nadzór nad kulturą wideo w schyłkowym okresie PRL. Książkę dopełniają materiały ikonograficzne, a także starannie sporządzone zestawienia statystyczne.*Z uznaniem należy przyjąć podejście autorów, którzy postrzegają sektor rozpowszechniania filmów jako złożony system pozostający pod wpływem wielu zewnętrznych uwarunkowań, w tym czynników politycznych. Publikacja jest przedsięwzięciem nowatorskim, gdyż wcześniej nie mieliśmy do czynienia z równie kompleksową analizą systemu rozpowszechniania, bazującą na tak bogatym materiale źródłowym.Z recenzji dr hab. Ewy Gębickiejprof. Uniwersytetu Śląskiego
Monet’s breathtaking artistry comes fully alive in this luxurious volume that features dozens of exquisite reproductions; 48 extra pages on six fold-out spreads; coloured edges; and a printed canvas binding. From early works depicting the forests at Fontainebleau and the beach at Sainte-Adresse, to his revolutionary water lily series, this gorgeous volume showcases Monet’s mastery of light, color, and movement; his fluid and rhythmic brushstrokes; and his reverence for the natural world. Thematically arranged, it features sixty impeccable reproductions, including foldout spreads of six essential masterpieces: Impression, Rising Sun; Woman with a Parasol; Bordighera; Venice, Palazzo Dario; Water Lily Pond; and Willows in the Morning.This immersive volume is the next best thing to standing in an art gallery examining a Monet painting from different angles and distances. From luminous beach scenes and brilliant Mediterranean afternoons to captivating cityscapes and the restful beauty of Giverny, this book encapsulates the essence of Monet’s groundbreaking style and enduring legacy. Perfect for both seasoned art connoisseurs and those newly discovering the wonders of Impressionism, this volume will delight and inspire with every turn of its pages, making it an unforgettable gift for any lover of art and beauty.
"Muzyczna myśl" to fascynująca podróż po świecie, w którym muzyka staje się sposobem myślenia i poznawania kultury. Lawrence Kramer, jeden z czołowych przedstawicieli postawy badawczej, która w latach 90. ubiegłego wieku zyskała miano "Nowej Muzykologii", a dziś nazywana bywa chętniej muzykologią krytyczną bądź kulturową, zaprasza do refleksji nad tym, jak dźwięki mogą mówić - jak wyrażają to, czego nie sposób ująć słowami. Autor pokazuje, że muzyka nie jest zamkniętym dziełem, lecz żywym dialogiem między kompozytorem, wykonawcą i słuchaczem. Zachęca, by słuchać jej uważnie, mówić o niej odważnie i traktować ją jako partnera w myśleniu o świecie. To książka o przekraczaniu granic języka, o zmysłowym i intelektualnym doświadczeniu dźwięku, o etyce wsłuchiwania się w to, co niewyrażalne. "Muzyczna myśl" inspiruje, by myśleć z muzyką - głęboko, twórczo i z pasją.
Konieczny był tupet. I refleks.Do czego był konieczny? Do robienia „pif-paf” na ulicach Bydgoszczy – i innych miast – przed wojną. Jeśli byłeś lajkarzem, czy to na ulicy, czy na plaży w nadbałtyckim kurorcie, stawałeś się fotograficznym rewolwerowcem, a to ciężka praca, choć sam aparat marki Leica był rewolucyjnie lekki, mały i jak na tamte czasy szybki. A spotkać przed sobą na ulicy piękną pannę, oficera w mundurze, matkę z dzieckiem czy cyklistę na rowerze to dla fotografa lajkarza niezła gratka. Mógł nieźle zarobić, bo prawie każdy chciał mieć dla siebie taką fotografię.Niestety, lajkarze nie wszystkim się podobali; zdarzało się, że niektórzy przechodnie zasłaniali twarze, robili uniki. I wielka szkoda, bo dzisiaj te przedwojenne uliczne migawki są prawdziwym skarbem: widać na nich, jak się wtedy ubieraliśmy, jakie fryzury nosiliśmy, jak się spacerowało po mieście z rodzinami, narzeczonymi, żonami czy mężami. Krótko mówiąc, dzięki lajkarzom możemy dziś zobaczyć dawne życie codzienne w pigułce.Mała Leica – to było to!Dowód? Ta książka.~ Chris Niedenthal
Pamięć teatru to papierowa wersja wirtualnej wystawy o tym samym tytule. Pierwsza inicjatywa, która w całości próbuje podsumować historię polskiej fotografii teatralnej i historię polskiego teatru w kontekście pojawienia się i rozwoju medium fotografii. To pierwsza, ale jedna z wielu możliwych narracji. Współpracując z licznymi instytucjami oraz osobami prywatnymi zespół kuratorski dokonał wyboru czterystu obiektów. Wyselekcjonowane fotografie często po raz pierwszy prezentowane publicznie i zestawione obok siebie pozwalają przyjrzeć się ewolucji fotografii teatralnej w Polsce od jej początków do współczesności, śledząc zmiany technologiczne, artystyczne i społeczne i ich wpływ na fotografowanie teatru.
Książka zawiera 24 artykuły dotyczące sztuki Łodzi z okresu od początku przemysłowej kariery miasta w latach dwudziestych XIX w. do lat sześćdziesiątych XX w. Dwadzieścia z nich zostało wybranych z dorobku naukowego autora pochodzącego z ostatnich blisko 35 lat, cztery zostały napisane z myślą o publikacji książkowej. Dotyczą one głównie problematyki architektury miasta architektury mieszkaniowej, rezydencjonalnej, sakralnej i przemysłowej, ale także sztuki witrażowniczej, rzeźby architektonicznej i cmentarnej oraz wystroju wnętrz. Zwracają uwagę na bogactwo i różnorodność sztuki miasta XIX i XX wieku, obecność konwencji stylowych znamiennych dla tego okresu: historyzmu, secesji, neoklasycyzmu oraz modernizmu. Podkreślono widoczne tutaj wpływy płynące z ważnych centrów sztuki europejskiej, takich jak Berlin, Wiedeń i Sankt Petersburg. W książce zaakcentowano rolę licznych twórców, zarówno miejscowych, jak i obcych. Pracowali tutaj architekci wykształcenie głównie w Sankt Petersburgu i Rydze. Charakterystycznym dla Łodzi zjawiskiem było jednocześnie zamawianie przez tutejszych przemysłowców planów wielu wznoszonych przez siebie budowli u artystów i firm z innych ośrodków: Berlina, Warszawy, Wrocławia, Żytawy, Wiednia, Sankt Petersburga, Wenecji, a także z islandzkiego Reykjaviku. Znajdowali się wśród nich znani twórcy, jak Franz Schwechten, Carl Seidl, Valentino Casale, Otto Lessing, Einar Jonsson, Jan Styka, zakład Antonia Salviatiego. Wśród miejscowych twórców wyróżniony został zakład rzeźbiarsko-kamieniarski Antoniego Urbanowskiego oraz tacy architekci jak: Hilary Majewski, Gustaw Landau-Gutenteger, Adolf Zeligson, Piotr Brukalski oraz Wiesław Lisowski.
This intimate photo chronicle by Polly Samson documents both the recording of David Gilmour's No. 1 album Luck and Strange and the acclaimed tour which saw the Pink Floyd legend playing sellout shows in Rome, London, LA and New York.
Samson, who is Gilmour’s partner and creative collaborator, as well as an acclaimed novelist / photographer in her own right, captures the process as the album takes shape: from conception and recording, off-duty and studio immersion, to release and live performance; from candid behind-the-scenes shots, to theatrical stage moments. We see an artist at work, the collaborative process, the moments of light relief – and the focus as the work takes flight.
The book features the unmistakable hand lettering of Anton Corbijn on the cover and throughout, plus an interview by rock photographer Jill Furmanovsky with Polly Samson that sheds light on a photographer’s craft, as well as providing insights into Samson's relationship with Gilmour. The foreword is written by the late Alan Yentob.
Hannah Strong’s “Colours of Wes Anderson: The Films in Palettes” is a playful, insightful tour of the director’s cinema through the single most unmistakable element of his style: colour. Drawing on stills from across the filmography—from “Bottle Rocket” and “Rushmore” to “The Grand Budapest Hotel”, “Isle of Dogs”, and “Asteroid City”—Strong pairs curated frames with infographic palettes that reveal how Anderson uses hue and saturation to shape character, rhythm, and tone. Short essays break down the emotional and narrative work done by mustard yellows, sorbet pinks, washed?out blues, and tobacco browns; special features explore recurring motifs, production design partnerships, and the way colour helps stitch together dioramas, costumes, and miniature worlds into a coherent visual language. The book also functions as a reference for designers and fans: each chapter collects key palettes with hex?like labels, notes on contrast and harmony, and suggestions for how similar combinations can be used in photography and graphic projects. Rather than treating Anderson’s style as mere quirk, Strong argues that his attention to chroma is a storytelling engine—guiding the eye, encoding memory, and creating mood. Printed on quality stock with generous image reproduction, this compact hardback is both a coffee?table object and a smart piece of film criticism. For cinephiles, art directors, and anyone who has ever paused an Anderson frame to marvel at its candy?box precision, it offers a new way to see familiar movies: not just as narratives and performances, but as carefully composed studies in colour theory brought to life.
An unflinching exploration of aging from one of the twentieth century’s most influential photographers
For more than half a century, Richard Avedon sought to represent advancing age in the faces of the people he photographed. From his earliest years at Harper’s Bazaar and Vogue through to the twenty-first century, Avedon routinely and audaciously broke the rule of flattering public personalities in his portraits. Instead, he chose to highlight the onslaught of what he called the “avalanche of age,” dramatizing the universal experience of getting older.
Accompanying a groundbreaking exhibition at The Image Centre at Toronto Metropolitan University and The Montreal Museum of Fine Arts, Immortal is the first book to delve into Avedon’s unflinching representation of aging throughout his career.
This elegant hardcover volume features nearly 100 portraits of cultural luminaries, each printed in striking tritone, such as Michelangelo Antonioni, Truman Capote, Marcel Duchamp, Duke Ellington, Toni Morrison, Patti Smith, and Stephen Sondheim, as well as one of Avedon’s last self-portraits. Texts by a star-studded cohort of authors, including Vince Aletti, Adam Gopnik, Paul Roth, and Gaëlle Morel, shed new light on an under-represented element of Avedon’s practice.
Thoughtfully edited and beautifully produced, Immortal testifies emphatically to the determination with which people confront the relentless advance of mortality.
A captivating and comprehensively illustrated study of the seventeenth-century Katsura Imperial Villa in Kyoto, Japan
An outstanding example of Japanese architecture, Katsura has inspired countless architects from Bruno Taut and Le Corbusier to Tadao Ando and Kenzo Tange, and is often considered a precursor of Modernist tendencies.
Now available in a new format, Katsura Imperial Villa offers an in-depth exploration of the seventeenth-century palace in Kyoto, Japan through detailed drawings and historical analysis.
The extensive selection of maps, drawings, and photographs make this book an indispensable reference work and offer unprecedented access to this beautiful palace.
The first book from Milan’s fine-dining restaurant and celebrity chef, Carlo Cracco
Cracco in Galleria is a fine-dining restaurant located within the Galleria Vittorio Emanuele II, one of the most iconic buildings in Milan. From its hand-painted wallpaper to the spectacular views offered from its windows, this venue, comprising restaurant, bakery, bar, extensive cellar, and opulent banqueting hall, conveys an innate sense of style and decadence.
Its founder and owner, Carlo Cracco, is a star of Italian cuisine, whose career has included the influence of such masters as Alain Ducasse and Gualtiero Marchesi. Working alongside Cracco is chef Luca Sacchi and, together, they present their contemporary take on Italian classics, with dishes including Insalata russa caramellata (their modern interpretation of a classic Russian salad), and Timballo in Galleria (Cracco’s rethinking of the traditional baked, layered, savory dish).
Conceived by the innovative team at Toiletpaper, Cracco in Galleria is the first book to document the restaurant’s extraordinary cuisine, with recipes presented alongside Toiletpaper’s signature surreal, saturated, and witty photography.
The definitive exploration of the prolific material, intellectual, cultural, and commercial output of inimitable artist Tom Sachs
A 21st-century creative force, Tom Sachs’s critically acclaimed practice spans sculpture, installation, painting, film, ceramics, and industrial design. The Tom Sachs Guide is the most comprehensive-to-date look at his work, documenting decades of rigorous and visionary artmaking.
Vividly illustrated with more than 650 images and organized into thematic chapters, the book includes work across mediums, as well as longstanding collaborations with Nike and immersive reinterpretations of NASA missions. A rich appendix includes essential lists and charts, offering insights into the artist’s creative process and studio practice.
An object direct from the hands of the artist, Tom Sachs Guide is a printed tour through his studio, his body of work, and the unique worlds he creates, designed and written in close collaboration with Sachs himself.
A dynamic survey of the Nicola Erni Collection, one of the foremost collections of photography and contemporary art.
Over twenty-five years, collector Nicola Erni has acquired artworks that speak to her passion for art, fashion, and social change, amassing one of the largest collections of photography and an extensive collection of contemporary art in private hands.
Mix & Match showcases almost 400 works from the Nicola Erni Collection, bringing together fashion photographs and contemporary artworks in playful pairings where both genres enter a dialogue. In parallel, it offers a journey through one hundred years of fashion photography and shows new ways of exploring this field from the 1930s to the present, organized in twelve thematic sections.
Featured artists and photographers include: Richard Avedon, Jean-Michel Basquiat, Cecil Beaton, Sylvie Fleury, Keith Haring, Vivian Maier, Cindy Sherman, Tim Walker, Andy Warhol and others.
Yves Saint Laurent and his designs, as captured by the greatest photographers of the 20th century
Yves Saint Laurent collaborated with some of the greatest photographers of the 20th century. For over four decades, until the closing of his fashion house in 2002, Saint Laurent and his creations were captured by cutting-edge photographers – including such legends as Richard Avedon, Irving Penn, David Bailey, Helmut Newton, William Klein, Sarah Moon, Annie Leibovitz, Paolo Roversi, and Juergen Teller – resulting in iconic pictures that helped shape his own image as well as that of his brand.
Yves Saint Laurent and Photography shines new light on the world of the genius couturier, tracing both the course of fashion and the history of 20th–century photography. This beautifully designed book features an astonishing range of imagery: breathtaking fashion photographs of subjects such as Audrey Hepburn, Catherine Deneuve, Naomi Campbell, and Kate Moss; portraits of Saint Laurent; and never-before-seen archival documents, all packaged in a luxe oversized volume.
Jedna z najdelikatniejszych książek świata. Na lekkich, przezroczystych stronach (cała książka jest wydrukowana na kalkach), krok po kroku, podążamy śladami kobiet trzech pokoleń. Rozdzieliło je życie, mają różne losy; czy ich więź poszarpana przez czas da się odtworzyć? Ile znaczą chwile spędzone razem i dlaczego zawsze jest ich za mało? Czy uda się odnaleźć obecność w nieobecności? Jesteś to album pełen emocji: przezroczyste strony nakładają się na siebie, rysunki jednocześnie zakrywają i odkrywają to, co jeszcze nieznane. Stopniowo odsłania się przed nami opowieść: o tęsknocie, wdzięczności, bliskości. Szeptany, minimalistyczny tekst połączony z zachwycającymi obrazami jest subtelnym hołdem złożonym kobietom: młodym, dorosłym, starszym, matkom, córkom, babkom z całą ich wewnętrzną siłą i mocą. Jesteś to intymne doświadczenie czytelnicze, poetycka, porywająca rzecz, książka-prezent dla każdej i każdego z nas. Ta książka nosi tytuł Jesteś, ale równie dobrze mogłaby być zatytułowana Nie ma Cię tak wszechobecny jest tutaj BRAK. Racjonalni czytelnicy oraz amatorzy intryg i zwrotów akcji lepiej nich trzymają się od niej z daleka. Latitia Bourget, pomysłodawczyni projektu, oraz uznana na całym świecie polska artystka wizualna Joanna Concejo proponują inny typ lektury rodzaj wewnętrznej podróży i poetyckich skojarzeń. Strona po stronie, obraz za obrazem, dzięki grze przezroczystości (książka jest wydrukowana na kalkach), historia rozwija się poprzez myśli, wspomnienia, doznania W zakończeniu ukazuje się najważniejsze: więź, która łączy kobiety z tej samej rodziny, niezależnie od tego, czy żyją czy odeszły. Nie ma większej obecności niż nieobecność to właśnie szepcze nam ta niezwykła książka, otwierając przestrzeń na refleksje, odczuwanie, szukanie tego, co najważniejsze w nieskończonym oceanie pamięci, jedynym miejscu, w którym czas nie przemija. Fabienne Jacob, Livres Hebdo Oto przedstawicielki trzech pokoleń rodziny, którą Joanna Concejo ożywia zaprasza do bujnego ogrodu, pełnego kwiatów, odcienie zieleni i błękitów. I przywołuje pamięć. Trzy małe dziewczynki wyruszają w podróż, podczas której wspomnienia zmieniają się w to, co nieoczekiwane, podobnie jak obrazy, które są na zmianę żywe, odległe, ledwie wyczuwalne i uderzająco wyraziste. Jesteś to niezwykła wizualnie, sugestywna opowieść o sile śladu, jaki pozostawia w nas drugi człowiek i który my z kolei przekazujemy dalej. Tu słowo staje się obrazem, a piękno i głębia pozostają w czytelnikach bez względu na wiek. Veronique Cavallasca, Ricochet
Art Deco is the decorative, distinctly aesthetic style of the years between 1920 and 1940. The movement embraced all areas of lifestyle and art. Art Deco was a commitment to modern technology, industrial design, and functionalization. With over 500 illustrations, this volume showcases the complexity of the Art Deco style and its manifestations in architecture, fashion, advertising, everyday objects, transport, and other areas of life.
Metal Gear Solid: Trylogia to podróż przez legendę najlepszych odsłon cyklu autorstwa Hideo Kojimy, który raz na zawsze odmienił sposób w jaki postrzegamy gry wideo. Oprócz kulisów produkcji rewolucyjnego Metal Gear Solid, jego kontrowersyjnej kontynuacji Sons of Liberty oraz epickiego prequela Snake Eater, poznacie także komplet towarzyszących im produkcji pobocznych – remasterów, remake'ów, wydań specjalnych, nowelizacji, adaptacji komiksowych czy interpretacji dedykowanej konsoli przenośnej. Całość uzupełnia publicystyka, w której grono doświadczonych felietonistów rozbiera trylogię na czynniki pierwsze, przyglądając jej się przez pryzmat takich zagadnień, jak metanarracja, posthumanizm, filozofia pojedynków, militaria czy fikcyjne wątki, które koniec końców okazały się prorocze. Oto publikacja z dedykacją zarówno dla wieloletnich miłośników serii jak i osób, które od dawna zbierały się do zrozumienia jej fenomenu. Wersja książki z okładką z gry Metal Gear Solid 2.
Ten produkt jest zapowiedzią. Realizacja Twojego zamówienia ulegnie przez to wydłużeniu do czasu premiery tej pozycji. Czy chcesz dodać ten produkt do koszyka?
