W tej strefie zapraszamy czytelników tak zwane artystyczne dusze po książki z kategorii Sztuka. Polecamy szereg publikacji o sztuce i jej historii,ciekawostki i portfolia artystów, eseje, albumy, książki o malarstwie, rzeźbiarstwie, architekturze oraz histoii fotografii. Biografie ciekawych artystów, książki i powieści przedstawiające fascynujące losy malarzy i osób uwiecznianych na obrazach. W tym dziale tylko ksiązki ze sztuka w tle.
Autor zabiera czytelnika w fascynującą podróż po miastach II Rzeczypospolitej. To opowieść o ludziach, którzy wyprzedzali swoją epokę, odważnie zmieniali polski krajobraz i z determinacją realizowali wizję nowoczesnego, niepodległego państwa.Poznajemy architektów, których pasja, talent i ambicje na zawsze zmieniły oblicze polskich miast. Od efektownych kamienic i osiedli robotniczych, przez kościoły i budynki użyteczności publicznej, aż po imponujące wysokością wieżowce – warszawski Prudential i katowicki Drapacz Chmur.To także historia sukcesów, dramatycznych wyborów i losów ludzi, którzy swoją pracą zapisali się w dziejach polskiej architektury. Ich dokonania pozwalają spojrzeć na II Rzeczpospolitą z zupełnie innej perspektywy – przez pryzmat miast, które miały stać się symbolami nowoczesności i odrodzenia Polski.To obowiązkowa lektura dla miłośników historii i architektury oraz wszystkich, których fascynują dawne metropolie, ich niezwykłe budowle i skrywane przez lata historie.Krzysztof Szujecki (ur. 1987 r. w Warszawie) – absolwent Wydziału Historycznego oraz Wydziału Dziennikarstwa i Nauk Politycznych Uniwersytetu Warszawskiego. Popularyzator historii II Rzeczypospolitej i dziejów sportu, autor licznych artykułów oraz książek popularnonaukowych poświęconych tej tematyce. W ramach działalności publicystycznej i edukacyjnej wielokrotnie gościł w programach radiowych i telewizyjnych. Od 2024 r. jest członkiem Towarzystwa Miłośników Historii, a od 2026 r. pracuje w Muzeum Sportu i Turystyki w Warszawie.
Michelangelo Merisi da Caravaggio odmienił malarstwo, wprowadzając do świętych historii ludzi z rzymskich ulic – biednych, zmęczonych, naznaczonych wiekiem i ciężką pracą. Jego Madonny miały twarze zwyczajnych kobiet, apostołowie brudne stopy, a cud rozgrywał się nie w wyidealizowanej przestrzeni, lecz w mroku gospody lub skromnej izby. Radykalny realizm i mistrzowskie operowanie światłem nadawały tym scenom niezwykłą siłę, budząc zachwyt, ale i oskarżenia o łamanie zasad sztuki religijnej. Równie gwałtowne jak jego malarstwo było życie artysty – pełne konfliktów, procesów, bójek – zakończone ucieczką z Rzymu po zabójstwie Ranuccia Tomassoniego. Album przybliża twórczość i burzliwe losy malarza, który odrzucił idealizm i stworzył własny, przejmujący język opowiadania o sacrum.Agnieszka Kijas – krytyczka sztuki, pisarka i dziennikarka. W podcaście Dawno temu w sztuce opowiada o malarstwie tak, jak lubi najbardziej: prosto, z sercem i bez nadęcia. Jest autorką książek o wielkich malarzach i popularyzatorką sztuki, którą przybliża zarówno podczas spotkań na żywo, jak i w przestrzeni online.
Czy artyści grzeszą bardzo? To pytanie zadawali sobie w Europie już starożytni. Jak doszło do tego, że twórcy otrzymali swoisty immunitet, autonomię i często gwarancję nietykalności? Dlaczego nazywano ich geniuszami, a ich prace arcydziełami? Odpowiedzi na te pytania szuka Beata Lejman, która od dziesięcioleci studiuje życiorysy malarzy, przedstawicieli najbardziej wymownej ze sztuk. To oni są głównymi bohaterami tej publikacji w wyborze pozwalającym pokazać możliwie najszersze spektrum zagadnień z historii sztuki. Autorka stworzyła zbiór fascynujących przykładów zmagań ludzkich z ograniczeniami, prób poznania tajemnicy życia i walki o jego sens, przegląd barwnych i jakże różnych życiorysów, osobowości i charakterów, plejady szaleńców, dyplomatów, intelektualistów, pieszczochów władzy i buntowników. Wszyscy zostali pokazani w kontekście kultury, która ich wydała, zainfekowanej rozmaitymi obsesjami, na przykład ideałem pięknej, młodej i… martwej kobiety. Zajrzeć pod podszewkę oficjalnego życiorysu to nie tylko przygoda, to także podróż przez czyściec i wyprawa po Świętego Graala w poszukiwaniu dobra i duchowej doskonałości. Przeglądajmy się w ich oczach jak w lustrze, bardzo uważnie, aby lepiej pojąć meandry własnej psychiki.Beata Lejman – doktor historii sztuki, wykładowczyni, eseistka i poetka, kustoszka dyplomowana Muzeum Narodowego we Wrocławiu. Autorka i redaktorka dwudziestu książek, m.in. monografii Vermeer – maska nieśmiertelnego i Rembrandt – anatomia sukcesu. Specjalizuje się w malarstwie europejskim oraz historii kultury artystycznej Europy Środkowej. Kuratorka licznych wystaw, uczestniczka międzynarodowych projektów i stypendystka europejskich ośrodków naukowych. W latach 2014–2021 kierowała projektem Metamorfozy Zamku Książ.
Wenus wyłaniająca się z morskiej piany, korowód bogiń i nimf w tajemniczym ogrodzie Wiosny, smukłe Madonny o zamyślonych twarzach – Sandro Botticelli stworzył jeden z najbardziej rozpoznawalnych światów w dziejach sztuki. Jego obrazy urzekają płynną linią, wyrafinowanym rytmem i kruchym pięknem, w którym pod pozorną harmonią kryje się nuta melancholii. Artysta dorastał wraz z renesansową Florencją – miastem Medyceuszy, humanistów i poetów, zapatrzonych w antyk i poszukujących idealnego piękna. W stolicy Toskanii zdobył fortunę i sławę, te jednak okazały się nietrwałe. U schyłku życia Botticelli patrzył, jak zmienia się jego ukochane miasto, a jego własna sztuka odchodzi w cień. Po stuleciach zapomnienia znów została doceniona i dziś trudno sobie wyobrazić renesans bez jego Wenus – pięknej, kruchej i nieco nieobecnej.Luba Ristujczina – historyczka sztuki, autorka licznych publikacji prezentujących malarstwo polskie i światowe. Miłośniczka wiedeńskiej secesji, twórczości Egona Schielego, literatury i kultury Bałkanów, pięknych książek, muzyki, zwłaszcza dawnej, oraz filmu. Mieszka w Bielsku-Białej.
To nie współczesna pornografia sprawiła, że piersi są sexy.
Zrobiła to sztuka.
Badania wykazały, że tylko w trzynastu spośród dwustu analizowanych kultur, piersi uważa się za część intymną, związaną z życiem seksualnym. Przez setki tysięcy lat spełniały jedną, ewolucyjnie kluczową funkcję – służyły do wykarmienia potomstwa.
W którym momencie to się zmieniło?
Od kiedy cycki są sexy?
Dlaczego naga pierś na obrazie zachwyca, a goły cycek poza muzeum budzi oburzenie?
Czy naprawdę prawo musi regulować publiczne karmienie piersią?
Jak doszło do tego, że obsesyjnie cenzurujemy kobiece sutki?
Skąd ta cała histeria wokół biustu?!
Sonia Kisza przekonuje, że seksualizacja piersi i wstyd przed ich pokazywaniem nie są zjawiskami uniwersalnymi ani naturalnymi, lecz elementami strategii zachodniej kultury. Ściśle związanymi z ograniczeniami narzucanymi kobietom.
Autorka dowodzi, że to właśnie sztuka odegrała w tej przemianie kluczową rolę, a dzieła ukazujące nagie piersi były nie tylko ładnymi obrazkami, ale przede wszystkim potężnymi nośnikami ideologii.
Opowieść grająca o wysoką stawkę – przeciwko patriarchatowi, za odzyskaniem piersi spod męskiej ręki i spojrzenia. I Sonia Kisza grę tę toczy w równej mierze przy użyciu erudycyjnej wiedzy co furii. To nie jest kanapowa książka o sztuce, to jest 100 procent zaangażowania.
Paulina Małochleb
Antropologia cycków – kto mógł ją napisać, jak nie Sonia Kisza. Autorka kultowej Histerii sztuki i w popularna w mediach społecznościowych propagatorka feministycznej psujzabawy przedstawi tym razem świat z perspektywy kobiecocentrycznej. Sztuka jest polityczna, nasze relacje są polityczne, wreszcie: nie da się opowiadać o żadnej z dziedzin życia bez analizy wpływu patriarchatu. To lektura bez przepraszania i bez trzymanki. Dodajmy: lektura obowiązkowa.
Sylwia Chutnik
Ten bogato ilustrowany album poświęcony będzie twórczości Barbary Falender (ur. 1947), jednej z najbardziej uznanych polskich rzeźbiarek. Artystka najczęściej podejmuje w swojej twórczości tematy związane z ludzkim ciałem i erotyką oraz przemijaniem i śmiercią, wykorzystując takie materiały, jak: kamień, brąz, ale też epoksyd i porcelanę. Falender jest wszechstronną twórczynią - zajmuje się również rysunkiem i fotografią.Album, opracowany przez Annę Wachtę, będzie zawierać blisko dwieście fotografii przedstawiających najważniejsze realizacje rzeźbiarki. To pozycja obowiązkowa dla wszystkich entuzjastów polskiej sztuki.
Ceniony malarz i pisarz Julian Bell przedstawia oryginalne spojrzenie na sztukę i praktykę malarską oraz na nieustające znaczenie malarstwa. Julian Bell oferuje świeże spojrzenie na praktykę malarską i jej trwałą rolę we współczesnej kulturze. Czerpiąc z różnorodnych źródeł – od dawnych mistrzów po twórców działających na marginesie dzisiejszego dyskursu – Bell prowadzi pasjonujące i pouczające rozważania na temat malarstwa, które okazują się dziś bardziej aktualne niż kiedykolwiek. Malarstwo, wielokrotnie ogłaszane przez krytyków „martwym”, przetrwało, co stanowi świadectwo jego bogatej tradycji i ogromnego potencjału twórczego. Analizując czynniki, które w ciągu ostatnich dwóch stuleci zmieniły nasze rozumienie procesu tworzenia obrazów, Bell pochyla się nad kwestiami ekspresji i reprezentacji, zmierzchem sztuki konceptualnej oraz nowymi eksperymentami z fizyczną naturą farby, by ukazać, co czyni malarstwo tak trwałym i ponadczasowym medium. Julian Bell jest malarzem i pisarzem. Wykłada w Royal Drawing School w Londynie. Publikuje w „Times Literary Supplement”, „Modern Painters”, „London Review of Books” i „New York Review of Books”, a jego książki to m.in. What is Painting? Representation and Modern Art, Lustro świata. Nowa historia sztuki oraz Natural Light: The Art of Adam Elsheimer and the Dawn of Modern Science (2023). Poszedł w ślady ojca, Quentina Bella, pracując jako artysta i pisarz; jego babcią była malarka Vanessa Bell. Mieszka i pracuje w Lewes w East Sussex.
Piet Oudolf. Twórca ogrodów to pierwsza monografia jednego z najważniejszych współczesnych projektantów ogrodów — holenderskiego mistrza naturalistycznych nasadzeń, który zmienił sposób myślenia o roślinach, sezonowości i krajobrazie.Ogrody Pieta Oudolfa nie są statycznymi kompozycjami. Żyją, zmieniają się wraz z porami roku, dojrzewają, przekwitają i zachwycają także wtedy, gdy tradycyjnie ogród uznaje się za „poza sezonem”. Byliny, trawy, faktury i kolory tworzą w nich wielowarstwowe, niemal malarskie krajobrazy — pełne ruchu, rytmu i emocji.Książka prowadzi czytelnika przez najważniejsze realizacje projektanta: od słynnej High Line w Nowym Jorku, przez Lurie Garden w Chicago, Vitra Campus w Niemczech, ogrody Hauser & Wirth, po projekty mniej znane, prywatne i kameralne. To nie tylko album z fotografiami gotowych ogrodów, lecz przede wszystkim wgląd w sposób myślenia i pracy twórcy.Szczególne miejsce zajmują tu szkice, rysunki i plany nasadzeń — wiele z nich publikowanych po raz pierwszy. To one pokazują, jak rodzi się ogród Oudolfa: od intuicji i obserwacji natury, przez kompozycję form, kolorów i struktur, po precyzyjny zapis roślinnej architektury. Wstęp autorstwa Cassiana Schmidta poprzedza eseje Rosie Atkins, Jonny’ego Bruce’a, Jamesa Cornera i Noela Kingsbury’ego, a także wywiad przeprowadzony przez Hansa Ulricha Obrista.Piet Oudolf. Twórca ogrodów to książka dla miłośników ogrodów, architektury krajobrazu, projektowania, sztuki i przyrody. Dla wszystkich, którzy chcą zobaczyć, jak ogród może stać się żywym dziełem — pięknym o każdej porze roku. Piet Oudolf to wpływowy holenderski projektant ogrodów i krajobrazów stojący na czele Bylinowej Nowej Fali, autor licznych książek o ogrodach i projektowaniu krajobrazów, m. in. Tworzę ogród naturalny, Ogrody przyszłości. Mieszka i pracuje w Hummelo, małej wiosce w Niderlandach, gdzie w 1982 roku wraz z żoną Anją założył szkółkę bylin i prywatny ogród. Od tego czasu ogród w Hummelo stał się znany z eksperymentalnego podejścia Pieta i Anji do projektowania nasadzeń. W swojej 40-letniej karierze Oudolf zdobył międzynarodowe uznanie jako praktyk-szkółkarz oraz projektant prywatnych ogrodów, parków i zieleni miejskiej na całym świecie. Jego dzieła można podziwiać w Niderlandach, w Wielkiej Brytanii, Irlandii, Niemczech, Szwecji i Stanach Zjednoczonych. Znajdują się wśród nich tak słynne miejsca jak High Line w Nowym Jorku, Lurie Garden w chicagowskim Millenium Park, ogrody Hauser & Wirth w Somerset i na Minorce, Ogród Rzeźby przy Muzeum Singera w Niderlandach oraz instalacje ogrodowe stworzone na Biennale Sztuki w Wenecji i dla galerii Serpentine.
KONIEC ŚWIATA I INNE USTROJSTWA to zbiór pięciu komedii Andrzeja Chichłowskiego, które najlepiej opisują poniższe słowa Grzegorza Mrówczyńskiego i Jerzego Kosiewicza:„Komedie Andrzeja Chichłowskiego doświadczonego w wielu dziedzinach twórcy teatralnego – to świetna wiadomość dla polskich scen i nienasyconej dobrą rozrywką publiczności. W Końcu świata i innych ustrojstwach satyrze poddane zostały ważne tematy, z polityką i miłością na czele. Autor nie pobłaża ludzkim słabościom, ale jego bohaterowie są przekonani, że ich mataczenia nigdy się nie wydadzą. Siłą humoru Chichłowskiego jest błyskotliwy dialog, a także zaskakujące i dowcipne pointy”. - Grzegorz Mrówczyński, reżyser„Andrzej Chichłowski jest absolwentem Wydziału Aktorskiego łódzkiej filmówki, przewodniczącym Zarządu Sekcji Teatrów Dramatycznych w Związku Artystów Scen Polskich oraz aktorem teatralnym i filmowym, reżyserem i scenarzystą. Pisze od zawsze. Jego dramaty są świadectwem nienagannej i pięknej polszczyzny. Uwidacznia się to szczególnie w publikowanych właśnie pięciu komediach, które wyróżniają się dramaturgiczną precyzją o uniwersalnym wydźwięku. Kreuje w nich postaci, sytuacje i dialogi, które są intrygujące i poważne. Wzbudzają salwy śmiechu i braw. Są na wskroś teatralne. Zawsze skupiają uwagę. Emanują scenicznym pięknem i artyzmem. Andrzej Chichłowski zostanie niebawem zaliczony do grona najlepszych współczesnych komediopisarzy”. - Jerzy Kosiewicz, krytyk teatralny
Władysław Strzemiński (1893-1952) - wybitny polski malarz, konstruktywista, teoretyk sztuki, publicysta, autor różnych krojów czcionek, twórca tzw. unizmu. Przedstawiciel polskiej awangardy okresu międzywojennego, pod koniec lat 20-tych XX wieku wraz z żoną Katarzyną Kobro stworzyli grupę artystyczną "a.r.", po II Wojnie światowej współtworzył Państwową Wyższą Szkołę Sztuk Plastycznych w Łodzi, wkrótce został jednak zwolniony, gdyż nie chciał dołączyć do panującego w stalinizmie realizmu socjalistycznego w malarstwie. Jego postać przybliżył Andrzej Wajda w swoim ostatnim filmie pod tytułem Powidoki" (tytuł jak słynny cykl obrazów tzw. solarystycznych Strzemińskiego; malował nie widoki słońca, a jego powidoki) Dodajmy, że ten na wskroś niezależny twórca w czasie I wojny światowej służąc jako saper stracił w 1916 roku rękę, nogę i widzenie w jednym oku. Mimo to tworzył, pisał, wykładał... Niezwykła postać.Napisana w latach 1948-49 Teoria widzenia przedstawia nam w zasadzie zarys historii widzenia w malarstwie od epoki człowieka pierwotnego po czasy współczesne. A czymże jest widzenie? Oddajmy głos malarzowi, który we wstępie pisze: Naszego widzenia nie otrzymaliśmy w postaci gotowej i niezmiennej. Ok nasze ukształtowało się w wyniku długiej ewolucji biologicznej od form mniej doskonałych do tego, co teraz. Lecz widzenie to nie tylko bierny odbiór doznań wzrokowych. Otrzymane doznania poddajemy analizie myślowej, konfrontujemy z odpowiadającymi im odcinkami rzeczywistości, wyjaśniamy sens powstałych stąd wzajemnych związków i przyczyn: jakie doznania i co mówi o obiektywnie istniejącym świecie. Istnieje więc nie tylko bierny, fizjologiczny odbiór doznań wzrokowych, lecz obok niego czynna poznawcza praca naszego intelektu. Istnieje wzajemny wpływ myśli na widzenie i widzenia na myśl
Ta książka to wyjątkowa kolekcja najbardziej niezwykłych prac Kerby'ego Rosanesa - jednego z najoryginalniejszych współczesnych ilustratorów. Poznaj ikoniczne ilustracje wybrane z bestsellerowych książek artysty z ostatnich dziesięciu lat oraz odkryj trzy zupełnie nowe, niepublikowane wcześniej prace. Kolekcjonerska edycja przypadnie do gustu wszystkim czytelniczkom i czytelnikom - zarówno tym, którzy dopiero poznają świat Kerby'ego, jak i jego wiernym fankom i fanom. Autor ten zdobył globalne uznanie ilustratorek i ilustratorów, a jego dzieła sprzedały się na świecie w imponującym nakładzie ponad dwóch milionów egzemplarzy. Chwyć za ulubione kredki, uwolnij wyobraźnię i ożyw te niezwykłe, misterne rysunki własnymi barwami!
In association with the Marilyn Monroe Estate, Marilyn Monroe 100 is the only official photography-based publication to commemorate the centenary of Marilyn Monroe’s birth.In 2026, the world will celebrate what would have been Marilyn Monroe’s 100th birthday. In honor of her life, Marilyn Monroe 100 – the only authorized centenary book -- brings together the work of seventeen great photographers who worked most closely with her, from the Norma Jean years to the last photo shoot. In between are her golden years in print and in film: the shimmering dresses, her incandescent allure, and, from beginning to end, her love affair with the camera (and the cameras with her).Marilyn Monroe 100 is the must-have commemorative book for Marilyn's millions of multi-generational and cross-cultural fans, for devotees of Hollywood’s Golden Age, and for fashionistas who prize her timeless appeal. As glamorous as the star herself, the book is large, with gilt edges and spot-gold printing inside. And all 275 photographs in this 348-page book are by the giants of 20th century photography from Cecil Beaton to Milton Greene, Henri Cartier-Bresson to Richard Avedon.A century after her birth, Marilyn Monroe is as mesmeric now as she was in life. Marilyn Monroe 100 is the book to mark this once in a lifetime occasion.
Henry Moore (1898–1986) is one of Britain's most famous modern sculptors, who redefined what monumental art could be. By moving away from traditional commemorative forms toward organic, abstract shapes, he explored the relationship between human figures and the natural world, and transformed the landscape of public sculpture in the post-war period.This introduction offers an incisive look at the life and work of Moore. It follows his development as an artist who was endlessly curious about the visual world around him and whose commitment to exploring form and material created powerfully affecting works that are deeply connected to universal human experiences. His passion for sharing his pioneering vision with the public created a legacy for modern sculpture that continues to shape how we encounter art in our everyday environment.
The first book to showcase Jonathan Mannion’s epoch-defining body of work, presenting the iconic shots alongside the contact sheets and the polaroids, and revealing the stories behind the legendary campaigns.For decades, Jonathan Mannion has turned his love of hip-hop and popular culture into a career that has shaped the public personas of globally recognized names. This is the first book to publish his outstanding photography – images that have shaped the global identity of legendary artists including Jay-Z, Busta Rhymes, Lauryn Hill and Snoop Dogg.Hailed as the king of hip-hop photography, Jonathan Mannion applies hours of research to each artist prior to every commission; his dedication has been described by Quincy Jones as making the ‘difference between a nomination and an award’. He has produced images that have defined legendary artists and entire eras of cultural iconography such as the cover of Jay-Z’s debut album Reasonable Doubt and Eminem’s The Marshall Mathers LP. He was behind the camera for Aaliyah’s final photoshoot and was the first person DMX called when he was released from prison in 2017.Hero shots of hip-hop royalty – including artists ranging from Eminem and Aaliyah to Kanye West and Kendrick Lamar – are interleaved with previously unseen contact sheets and polaroids, paired with detailed captions revealing Mannion’s creative process. Detailed commentary from the man behind the camera alongside exclusive contributions from the artists themselves reveal the stories behind monumental photoshoots, including DMX’s Flesh of My Flesh, Blood of My Blood and Foxy Brown’s 2003 XXL magazine cover shoot.Together, the photos and the in-depth insider stories trace the evolution of the identity of all the key players in hip-hop in the US and the UK. Beautifully presented and with the highest standards of production, Originals is the ultimate showcase of Mannion’s epoch-defining body of work.
An architectural monograph on leading cross-Atlantic practice Michaelis Boyd's largely residential projects focusing on the importance of connecting design to sustainability and the natural world.Architects Alex Michaelis and Tim Boyd are known for their site-sensitive and highly contextual approach to design. Their houses, hotels, and escapist havens are thoughtful responses to unique settings, with designs that draw inspiration from, above all, nature and the natural world. Coupled with a long-standing commitment to sustainability and low carbon solutions, Michaelis Boyd's buildings respect the environment while seeking to serve the needs of residents and guests in a considered manner that emphasizes individuality, cohesion, and bespoke design.At the same time, Alex Michaelis and Tim Boyd have gradually expanded upon their residential work, which has always been at the heart of the practice. There have been a series of landmark hotels, restaurants and bars, as well as members' clubs and retreats, which tend to adopt concepts and comforts traditionally associated with our own homes.New Natural Living concentrates on these fresh and ambitious projects, including both private houses and enticing escapes. The common thread across the twenty projects included in the book is a focus upon the natural world and architecture that offers a vivid sense of connection between inside and outside space.250 color illustrations
Wyrusz w niezwykłą podróż przez 40 000 lat historii sztuki i odkryj ponad 300 fascynujących dzieł z całego świata!A to wszystko w wyjątkowym muzeum, które nie zna granic czasu ani przestrzeni. Młodzi miłośnicy sztuki znajdą w nim prehistoryczne malowidła naskalne, starożytne rzeźby, arcydzieła dawnych mistrzów i najważniejsze dzieła sztuki współczesnej. Każdy z prezentowanych eksponatów został dobrany tak, by opowiedzieć o przełomowych wydarzeniach historycznych, kulturowych i artystycznych oraz pokazać, że historia sztuki jest opowieścią o tysiącach lat wymiany pomysłów, inspiracji i kreatywności artystów z różnych miejsc i epok.Książkę zaprojektowano jak prawdziwe muzeum podzielone na galerie, sale i skrzydła. Czytelnicy mogą korzystać z rozkładanego planu i poznawać pasjonujące historie kryjące się za obrazami, rzeźbami, fotografiami, tkaninami czy innymi dziełami sztuki. Interaktywne odsyłacze pomagają dostrzec powiązania między epokami, kulturami i samymi twórcami, udowadniając, że ludzka wyobraźnia nie zna granic.Publikacja powstała we współpracy z międzynarodowym zespołem ekspertów i edukatorów odpowiedzialnych za światowy bestseller wydawnictwa Phaidon The Art Museum, który został entuzjastycznie przyjęty przez "The New York Times", "The Times", NPR, "Vogue".Wyjątkowe muzeum sztuki to bogato ilustrowana, przystępna i pełna inspirujących opowieści książka, która stanowi doskonałe wprowadzenie do historii sztuki dla dzieci w wieku 8-14 lat oraz wszystkich młodych odkrywców, którzy chcą nauczyć się patrzeć na świat oczami artystów. To także idealna pozycja dla nauczycieli, edukatorów i rodziców pasjonujących się sztuką.
Zajrzyj do pracowni Henriego Matisse'a i zainspiruj się jego największymi dziełami! Ta pięknie ilustrowana książka to idealny sposób na zapoznanie najmłodszych czytelników z twórczością niezwykłego artysty.Kiedy w zalanej promieniami słońca pracowni Henriego pojawia się uroczy królik Lapin, artysta próbuje go wygonić, obawiając się chaosu, jaki zwierzak mógłby spowodować. Ciekawski Lapin nie daje się jednak wyprosić i zagląda w różne zakamarki, wywołując szereg przedziwnych zdarzeń. Stare obrazy ożywają - tryskają kolorami i energią, co zachęca Henriego do twórczego sięgnięcia po wolność i wyobraźnię. Dodajmy, że psotnemu królikowi nie wystarcza samo oglądanie dzieł artystyMatisse i uciekający królik to wzruszająca opowieść, która przybliża dzieciom wyjątkową twórczość artysty, pokazując, że radość, kolor i ciekawość mogą zmienić sposób, w jaki postrzegamy świat.Książka jest przeznaczona dla dzieci w wieku od 4 do 8 lat.
Dołącz do Vincenta van Gogha w pełnej emocji pogoni za niesfornym psiakiem przez miejsca inspirowane najsłynniejszymi obrazami artysty. Ta pięknie ilustrowana książka to idealny sposób na zapoznanie najmłodszych czytelników ze wspaniałymi arcydziełami."Jak mam malować, skoro nie bywam w interesujących miejscach?" - zastanawia się Vincent van Gogh, nie mogąc znaleźć inspiracji do tworzenia nowych obrazów. Nagle podbiega do niego Słonko, psotny pies, i porywa pędzel artysty. Goniąc czworonożnego urwisa przez pole promiennie żółtych słoneczników, gwarną kafejkę, a nawet przez rzekę pod rozgwieżdżonym niebem, malarz zachwyca się pięknymi widokami. Wspólna przygoda Vincenta i psa kończy się beztroskim pluskiem. Artysta ma teraz mnóstwo nowych pomysłów - zamierza przedstawić na swoich obrazach barwny świat, który zobaczył dzięki niesfornemu czworonogowi.Wspaniałe ilustracje inspirowane najbardziej znanymi obrazami Vincenta van Gogha to wizualna uczta dla czytelników w każdym wieku, a także doskonały sposób na zapoznanie dzieci z twórczością artysty i rozwijanie ich kreatywności.Książka jest przeznaczona dla dzieci w wieku od 4 do 8 lat.
Polskie standardy jazzowe w opracowaniu Marcina Maseckiego to zbiór stu piosenek z czasów dwudziestolecia międzywojennego. Tom zawiera kompozycje najważniejszych polskich kompozytorów tego okresu - Zygmunta Karasińskiego, Fanny Gordon, Jerzego Petersburskiego czy Artura Golda. Znajdziemy próbkę wszystkich najmodniejszych kierunków stylistycznych epoki: tanga, fokstroty, slowfoxy i walce, które znamy z wykonań m.in. Eugeniusza Bodo, Mieczysława Fogga, czy Marty Mirskiej, a współcześnie - Jazz Bandu Młynarski-Masecki.Choć minął już niemal wiek od pierwszych gramofonowych rejestracji, piosenki nadal przyciągają świeżością, humorem, a czasem nutką nostalgii, jak w utworach Ach, jak przyjemnie, Umówiłem się z nią na dziewiątą, Miłość ci wszystko wybaczy.Zbiór został przygotowany jako tzw. "real book" - zawiera melodię, tekst i symbole akordów, co pozostawia wykonawcom przestrzeń do kreowania własnej, autorskiej aranżacji.
Czwarty tom, wydawanej od 2024 roku przez Polskie Wydawnictwo Muzyczne, serii "Klasycy polskiej piosenki" poświęcony został Violetcie Villas - jednej z najbardziej charakterystycznych postaci polskiej sceny muzycznej, która debiutowała w latach 60. ubiegłego wieku. Obdarzona ogromnym talentem wokalnym i osobowością sceniczną artystka, pozostawiła po sobie bogaty i różnorodny repertuar od lirycznych ballad, po pełne rozmachu piosenki estradowe.Publikacja zawiera 22 utwory, wśród których znalazły się ponadczasowe przeboje takie jak Do ciebie, mamo, Nie ma miłości bez zazdrości czy Dla ciebie, miły, którym w 1961 roku zwyciężyła w plebiscycie "Expressu wieczornego" na najlepszy polski szlagier.Piosenki zostały opracowane na fortepian, głos i gitarę (tzw. układ PVG) przez Stefana Feliksa Gąsieńca - kompozytora, pianistę i aranżera, autora muzyki rozrywkowej i współczesnej na różne obsady, a także kompozytora muzyki teatralnej, filmowej i dziecięcej, współpracującego z takimi osobowościami polskiej sceny muzycznej jak Stanisław Soyka, Justyna Steczkowska czy Ewa Bem.Publikacja stanowi wartościową pozycję zarówno dla profesjonalnych muzyków, jak i dla wszystkich miłośników piosenki pragnących wykonywać utwory jednej z największych gwiazd polskiej sceny muzycznej.
Ten produkt jest zapowiedzią. Realizacja Twojego zamówienia ulegnie przez to wydłużeniu do czasu premiery tej pozycji. Czy chcesz dodać ten produkt do koszyka?
