W tej strefie zapraszamy czytelników tak zwane artystyczne dusze po książki z kategorii Sztuka. Polecamy szereg publikacji o sztuce i jej historii,ciekawostki i portfolia artystów, eseje, albumy, książki o malarstwie, rzeźbiarstwie, architekturze oraz histoii fotografii. Biografie ciekawych artystów, książki i powieści przedstawiające fascynujące losy malarzy i osób uwiecznianych na obrazach. W tym dziale tylko ksiązki ze sztuka w tle.
"Mój blues" to zapis pełnej smakowitych anegdot rozmowy, którą z Andrzejem Matysikiem przeprowadził Jacek Kurek. Obaj pokochali szlachetne dźwięki wywodzące się z Południa USA. W książce rozmawiają o miłości do muzyki, o polskiej (i nie tylko!) scenie bluesowej, rodzinie i Śląsku. Całość okraszona jest licznymi wspomnieniami i ciekawostkami, których Andrzej Matysik jest prawdziwą kopalnią! Jego historia pokazuje, że jeżeli czegoś bardzo chcesz, poświęcisz temu wiele czasu i energii, to mogą zdarzyć się rzeczy niewyobrażalne.
Andrzej Matysik ma ogromne zasługi dla promowania bluesa w Polsce. Tym bardziej godne podkreślenia, że zaczynał praktycznie od niczego. Sukces zawdzięcza: pasji, determinacji, konsekwencji, latom pracy, talentowi, a przede wszystkim miłości do bluesa... Niesamowite, że ta świetnie prosperująca firma, którą założył ma w zasadzie od początku rodzinny charakter... Sam zajmuje się podobną pracą organizacyjną (często zresztą z Andrzejem współpracujemy) i proszę mi wierzyć - wiem, ile ona kosztuje i jaka jest ciężka.
Irek Dudek
Przy zachowaniu wszelkich proporcji Andrzej Matysik jest patriarchą polskiego blues-biznesu. Z inżynierską precyzją i konsekwencją przekształcił swoją fascynację kulturą bluesa w dobrze funkcjonujący biznes. I jest to biznes, bez którego polskie życie muzyczne byłoby uboższe i który żywi pokolenia naszych bluesfanek i fanów strawą prawdziwej żywej muzyki. A przy tym Andrzej sam niezmiennie pozostaje fanem. Jednym z tych prawdziwych, którzy czują bluesa!
Jan Chojnacki
Andrzej Matysik - Ślązak urodzony w Chorzowie; inżynier górnik, dziennikarz. Od roku 2000 redaktor naczelny uhonorowanego międzynarodowymi nagrodami kwartalnika "Twój Blues"; wieloletni gospodarz autorskiego programu "Siła bluesa" w Radiu Katowice; od roku 2002 autor audycji "Historie bluesem pisane" w Radiu eM. Wraz z rodziną prowadzi agencję koncertową, która zorganizowała setki muzycznych wydarzeń z udziałem sław polskiego i światowego bluesa.
Jacek Kurek - Ślązak urodzony w Chorzowie, historyk, eseista, poeta, animator kultury, miłośnik muzyki i malarstwa, pedagog, odpowiedzialny za wydawnictwa w Muzeum w Chorzowie, prowadzi audycję "Noc nie bez końca" w Radiu eM. Autor wydanego nakładem Wydawnictwa eSPe zbioru felietonów Widok z okna.
Many designers use folding techniques in their work to make three-dimensional forms from two-dimensional sheets of fabric, cardboard, plastic, metal and many other materials.
This unique book explains the key techniques of folding, such as pleated surfaces, curved folding and crumpling. It has applications for architects, product designers, and jewellery and fashion designers
An elegant, practical handbook, Folding for Designers explains over 70 techniques explained with clear step-by-step drawings, crease pattern drawings, and specially commissioned photography.
Ustanowiony w Kaliszu rok Tadeusza Kulisiewicza w 120 rocznicę urodzin Mistrza nawiązuje do sylwetki wybitnego artysty, którego twórczy dorobek stanowi nieustające źródło inspiracji dla kolejnych pokoleń sympatyków jego talentu. Sposobność stworzenia prac inspirowanych twórczością Tadeusza Kulisiewicza stała się dodatkową zachętą do wartościowania kontekstów, motywów, które w sposób bezpośredni lub aluzyjny odnoszą się do jego prac. Do projektu zostały zgłoszone pracownie artystyczne Zakładu Edukacji Plastycznej, pokrewnie definiujące zapis twórczego obrazowania, które łączy idea artystycznego obrazowania za pośrednictwem warsztatu, jakim posługiwał się we własnej kreacji Tadeusz Kulisiewicz: Pracownia Grafiki Warsztatowej, kierowana przez piszącego te słowa, oraz Pracownia Rysunku, prowadzona przez prof. UAM dra hab. Tadeusza Gaworzewskiego. Powstałe kompozycje zostały określone i wykonane za pomocą technologii zapisu cyfrowego, a więc medium, którym nasz bohater się nie posługiwał. Ten sposób wartościowania zapisu zróżnicował artystyczną materialność Kulisiewiczowskiego obrazu, wprowadził i zaproponował potencjalnemu odbiorcy przekaz wizualny, którego w warstwie technologicznej, w medialnej i informacyjnej rzeczywistości, sam na co dzień doświadcza.
Piotr Piotrowski (1952–2015) stał się jedną z głównych postaci w dyskursie o historii sztuki w Europie Środkowo-Wschodniej, a także globalnej historii sztuki, będąc wśród tych, którzy rozumieli, że nowa sytuacja geopolityczna na świecie wymaga rewizji sposobów, w jakie art sformułowany jest dyskurs historyczny. Jego koncepcja „horyzontalnej historii sztuki”, opracowana w trakcie pisania historii sztuki powojennej tworzonej w Europie Środkowo-Wschodniej, okazała się mieć znaczenie na całym świecie.1 Jednak znaczenie pism i działań Piotrowskiego wykracza poza to, a w tej książce koncentrujemy się na innym aspekcie, mniej znanym międzynarodowej publiczności - mianowicie na jego zainteresowaniu politycznym zaangażowaniem sztuki, artystów i historyków sztuki.
Na autobiografie? Mariny Abramović można spojrzeć jak na dynamiczny, płynny i otwarty ikonostas. Wizualność poszczególnych ikon wykreowanych przez artystke? cyrkuluje w systemie medialnego zapośredniczenia, którego elementem jest nasza percepcja. Ikony skonstruowane przez Abramović nie odsyłają jednak do absolutu teologicznego, transcendentnej boskości, ale do absolutu cybernetycznego, który realizuje sie? w mechanizmie sprze?żenia zwrotnego. Różnorodne pod wzgle?dem czasoprzestrzennym ikony, tworzone przez Abramović, dążą do skomponowania struktury ikonostasu, be?dącego w ciągłym stanie metamorfozy i transformacji. Jest on złożony z fragmentów: działań, obrazów, wspomnień, historii, zawsze jednak oznaczonych przez indywidualną wrażliwość artystki.
Kaja ? ktokolwiek orientuje się choćby odrobinę w świecie symfonii, suit i koncertów, wie, o kogo chodzi. Kaja Danczowska, wybitna skrzypaczka, gwiazda polskiej wiolinistyki, laureatka międzynarodowych konkursów. Nagrywała płyty, koncertowała na całym świecie, występowała w radiu i telewizji. A jaka jest naprawdę ? tego nadal nie wie nikt… Jej życie prywatne zawsze było tajemnicą, splotem niedomówień i domysłów. W rodzinnym Krakowie, dokąd ? uparcie i niezmiennie ? wracała traktowano ją najpierw jak maskotkę z przyklejoną etykietką „cudowne dziecko”, potem gwiazdę, a z czasem wtopiła się naturalnie w kolorowy krajobraz miasta, rozmyła w wibrującym tłumie.
Książka przedstawia drogę Kai do sławy, jej spektakularne sukcesy i ciężką, morderczą pracę, uchyla też rąbka wielkiej tajemnicy prywatności. Fragmenty bogatej i barwnej korespondencji Kai są dokumentalnym rarytasem dla muzyków, odsłaniającym kulisy i cenę sukcesu, ale też ? obrazem życia muzycznego drugiej połowy XX wieku. Kaja. Biografia Kai Danczowskiej to barwna opowieść o życiu radosnej dziewczyny, która z pełną świadomością, mimo trudności i niełatwych wyborów, poświęciła życie muzyce.
Katarzyna Marczak – klarnecistka, teoretyczka muzyki, dziennikarka. W 2009 roku obroniła doktorat (DMA in Clarinet Performance) na University of British Columbia w Vancouver (Kanada). Autorka artykułów o tematyce muzyczno-publicystycznej w czasopismach i książeczkach CD oraz pozycji Eugenia Umińska – dama wiolinistyki we wspomnieniach Kai Danczowskiej, wydanej w 2019 roku przez Akademię Muzyczną w Krakowie. Zajmowała się muzyką współczesną i kameralistyką, prowadziła Centrum Muzyki i Muzykoterapii „Gaia” oferujące zajęcia muzyczne dla dzieci i niemowląt. Interesują ją ludzie i ich historie, zwłaszcza w kontekście sztuki. Mieszka i pracuje w Krakowie.
Cudowne dziecko, paryski celebryta, osamotniony geniusz…
Gdyby żył współcześnie, uchodziłby za ikonę męskiego stylu. Zdobywałby serca niebanalnym poczuciem humoru i ciętym piórem, a tabloidy rozpisywałyby się o jego związkach z kobietami, bowiem damy, starsze i młodsze, wręcz za nim przepadały.
Fryderyk Chopin, geniusz fortepianu, jeden z najbardziej znanych Polaków, stał się ikoną i obiektem narodowego kultu, a był przy tym człowiekiem o niebanalnej osobowości i ciekawym, choć krótkim życiu.
Na co młody Fryderyk trwonił pieniądze?
Która z pań była największą muzą kompozytora?
Co łączy Chopina z Mozartem?
Każdy, kto próbuje zmierzyć się z jego biografią, co rusz napotyka na tajemnice bądź nieścisłości – i to od dnia narodzin aż do chwili śmierci wielkiego kompozytora.
Where do great artists get their inspiration? And how could they help you make something extraordinary?
In You Are an Artist, over fifty artists from around the world share their creative techniques, and give you brilliantly imaginative exercises to inspire you to make your own art.
Among other things, you'll invent imaginary friends, construct a landscape, find the quietest place, measure your history and become someone else (or at least try). You don't need special materials or experience. Your only challenge is to create art that reflects the world as you see it.
Curator Sarah Urist Green brings together more than 50 assignments gathered from some of the most innovative creators working today, including Sonya Clark, Michelle Grabner, The Guerrilla Girls, Fritz Haeg, Pablo Helguera, Nina Katchadourian, Toyin Ojih Odutola, J. Morgan Puett, Dread Scott, Alec Soth, Gillian Wearing, and many others.
There’s no one secret to taking beautiful photos. But good photographers do have a few tricks up their
sleeves… They know that clouds, far from ruining a photo, give a great soft natural light for portraits. They know that unusual angles draw the eye, and that their feet are just as effective as a zoom lens.
This book packs 62 of the most important creative ideas into one place. Beautifully presented, easy-to-read and packed with example photos. None of these ideas need an expensive camera, fancy lens or a over-priced flash. The purpose of this book is to help you tell stories with your camera (or phone).
Whatever you want to shoot, Why Photographers Prefer Cloudy Days is packed full of ideas to inspire you, and tips that will help you take better, more original photos.
Jan Wilkowski (1921-1997) – aktor, reżyser, dramatopisarz, scenarzysta teatralny i telewizyjny, dyrektor teatru, plastyk (grafik), pedagog akademicki, współtwórca lalkarskiego szkolnictwa wyższego, legenda polskiego teatru lalek. Artysta wszechstronnie utalentowany, którego osobowość odcisnęła głębokie piętno na polskim teatrze animacji. Dramaturgia Wilkowskiego, adresowana zarówna do widzów dziecięcych, jak i dorosłych, nadal inspiruje ludzi teatru, nie tylko lalkarzy.
Dramaty Jana Wilkowskiego powstawały na pograniczu literatury i sztuki scenicznej, zwłaszcza lalkarskiej. Artysta traktował słowo jako część składową wielotworzywowego dzieła teatralnego. Kształt plastyczny animatorów, scenografia, światło i muzyka, ruch sceniczny, współobecność lalki i żywego aktora stanowią jedność, wyobrażoną już na etapie tworzenia scenariusza. Świadczą o tym obszerne didaskalia, ułatwiające czytelnikowi orientację w autorskim zamyśle inscenizacyjnym. Zapisując słowa dramatu, Wilkowski „pisze tatr”.
Halina Waszkiel
Książka Grzegorza Piotrowskiego Syndrom Pogorelicia. Muzyka opera performatywność wyrasta z zainteresowań autora performatywnością muzyki i samą performatyką jako alternatywnym podejściem do refleksji o sztuce dźwięku. Performatywność zmusza słuchacza do wyjścia poza oswojoną, lecz ograniczającą kategorię dzieła muzycznego ku muzyce rozumianej jako proces, będącej zdarzeniem i doświadczeniem, ucieleśnionej i ucieleśniającej. Ponieważ szczególnie intensywnie doznaje się jej w żywym wykonaniu, w teatrze muzycznym i teatrze piosenki, bohaterami prezentowanej książki są zarówno genialni, niepokorni wykonawcy (Ivo Pogorelić, Edita Gruberov, Anna Prucnal), jak i transgresyjni kompozytorzy Alban Berg, Igor Strawiński, Kurt Weill, Stanisław Moniuszko (sic!), Paweł Mykietyn oraz ich wymykające się łatwym etykietom dzieła.
From the 32 canvas Campbell’s Soup Cans to the Marilyn Diptych, Andy Warhol’s silk-screen prints are the epitome of Pop Art: witty, gimmicky and unafraid of repetition. Obsessed with consumerism and the cult of celebrity, Warhol (1928–1987) exalted the “surface of things”—and yet he was a man of deep complexity. In Andy, Typex captures the remarkable life of the king of Pop Art, from his working-class upbringing in Pittsburgh to the dizzying heights of his celebrity. Spanning a period that began with the “talkies” and ended with the advent of house music, it is also a memorable portrait of 20th-century pop culture and the stars who defined it. Spanning Warhol’s early career as a commercial illustrator, his relationship with the Velvet Underground, and the development of his own instantly recognizable style, Andy is an exhilarating portrait of a transcendent artist and a master self-promoter. Intensively researched, this 568-page graphic biography—with silver edgestain on the pages—is the first to tell the complete life story of the iconic pop artist.
In the history of twentieth century modernism, Henri Matisse is a calm and unstoppable revolution of creative genius.
Trained originally in the French classical manner, he was inspired by the Impressionists and Cézanne to create in a style that brought out the beauty of colour, form and line by reducing them to their essentials. While considered a leader of the Fauves and an inspiration to most of the great figures in modern art, he wasn’t interested in being associated with any school or trend. A family man who worked ‘office hours’ in his studio, he defies the image of the artist as enfant terrible or tortured soul.
In a career spanning six decades, he produced masterpiece after masterpiece that constantly challenge how we perceive colour and form.
Is photography art, documentary or both? Should images simply reveal the world we live in, or provoke us to think, act and react?1001 Photographs You Must See Before You Die is a visually arresting and invaluable guide to the history and practice of photography. Sweeping through the arts, fashion, society, war, peace, science and nature, the images in this enticing book are as eye-catching as the commentary is engaging. Some you have seen, others will be unfamiliar, but what all the photographs have in common is their ability to move you, shock you and open up the notion of what it is to be human.
Organized chronologically by the date that each image was made, and featuring a reproduction of each photograph, the selection provides some fascinating and unexpected juxtapositions. Insightful text uncovers the creative process behind each image, revealing its visual, aesthetic and historic significance. Why was the photograph taken? Was it set up? What was the intention? How did the world react? From Roger Fenton to William Eggleston, from Henry Fox Talbot to Nick Knight, and from Henri Cartier-Bresson to Dorothea Lange, all the photographers featured in this book transgressed the boundaries of the camera with a skill and spirit that helped to develop their field into a highly evocative art form.
Packed with information that will entertain, inform, educate and surprise you, 1001 Photographs You Must See Before You Die is an essential reference for all lovers of photography.
Few photographers have created such a legacy as Edward Weston (1886–1958). After a decade of successfully making photographs with painterly soft-focus techniques, he became the driving figure behind a group of West Coast artists dubbed Group f/64, which pioneered the sharp, precise school of “Straight Photography.” With that stylistic leap, Weston’s career moved into high gear, creating photographs of extraordinary sensual realism, perfectly poised between compositional stillness and searing intensity.
With nudes, nature studies, and myriad perspectives on the dramatic Californian landscape, Weston’s works aimed to locate the “very substance and quintessence of the thing itself.” In this concise monograph, we gather some of the finest Weston works to explore how he pursued and achieved this aim whether with a landscape, shell, or naked body.
An updated edition that continues to pay tribute to the tradition and beauty of this world-renowned publication. Features classic covers from its 125-year history, and includes every cover since 2010.
Leszek Czarnota, w młodości aktor Pantomimy Henryka Tomaszewskiego, ożywił przeszłość i opowiedział dzieje tego niezwykłego teatru w jego początkowym okresie, kiedy to zespół pełen zapału, wpatrzony w Henryka, starał się realizować jego pomysły, które wzbudzały ogromne zainteresowanie publiczności w Polsce i na świecie. Autor przedstawił także ćwiczenia pantomimiczne, które stanowiły stały element pracy w Wrocławskim Teatrze Pantomimy, a były nazywane polską szkołą, wymyśloną i opracowaną przez Tomaszewskiego.
Ten produkt jest zapowiedzią. Realizacja Twojego zamówienia ulegnie przez to wydłużeniu do czasu premiery tej pozycji. Czy chcesz dodać ten produkt do koszyka?
