W tej strefie zapraszamy czytelników tak zwane artystyczne dusze po książki z kategorii Sztuka. Polecamy szereg publikacji o sztuce i jej historii,ciekawostki i portfolia artystów, eseje, albumy, książki o malarstwie, rzeźbiarstwie, architekturze oraz histoii fotografii. Biografie ciekawych artystów, książki i powieści przedstawiające fascynujące losy malarzy i osób uwiecznianych na obrazach. W tym dziale tylko ksiązki ze sztuka w tle.
Koniki i kurki na ceramicznych kaflach ręcznie malowanych rożkiem, abstrakcyjnie zdobione talerze, pręgowane patery, pasiaste wazony i inne charakterystyczne naczynia we wzory trochę naiwne, ale urzekające i nie do podrobienia. Ponadto ceramiczne okładziny ścienne w rozpoznawalnych barwach i o niezwykłych fakturach, a nawet całe kominki – to wszystko składa się na fenomen łysogórskiej „Kamionki”, której ojcem jest Bolesław Książek. Po latach cieszy się ona coraz większym zainteresowaniem, poszukiwana i kolekcjonowana, na aukcjach osiąga zawrotne ceny. Podobno, by docenić jej urok, trzeba do niej dojrzeć. Ale jak już się ją pokocha, to na całe życie. Tytułowy czarodziej – Bolesław Książek – jeden z najwybitniejszych polskich ceramików, był już znanym i cenionym artystą, kiedy uwiedziony niespotykaną magią małej miejscowości koło Tarnowa porzucił Kraków i swoje dotychczasowe życie. Łysa Góra stała się jego domem, a tamtejszy zakład ceramiczny – zawodową obsesją. Poświęcał „Kamionce” niemal każdą chwilę, a swojej pracy nie ograniczał jedynie do powierzonych mu obowiązków kierownika artystycznego: zajmował się również sprawami technicznymi, uczył, a czasem można go było spotkać z kubłem farby i pędzlem czy nawet z miotłą. W ciągu niemal 20 lat spędzonych w Spółdzielni Pracy Rękodzieła Ludowego i Artystycznego wykonał ponad 1600 wzorów naczyń użytkowych i dekoracyjnych, rzeźb ceramicznych, płyt okładzinowych oraz ceramiki architektonicznej. W swoje projekty wkładał serce, a jego prace ciągle zachwycają poziomem artystycznym i kunsztem wykonania. Dziś, 26 lat po śmierci mistrza, można je oglądać w najważniejszych polskich muzeach i galeriach na całym świecie. Dla miłośników historii polskiego wzornictwa ta bogato ilustrowana pozycja winna być lekturą prawdziwie satysfakcjonującą, dzięki której, biorąc do rąk wazon czy talerz z charakterystyczną zdobiną w postaci jelonków lub kogucików, rozpoznają, że to tylko jeden z etapów artystycznych poszukiwań Książka. Barbara Banaś, kuratorka, kustoszka Działu Ceramiki i Szkła Muzeum Narodowego we Wrocławiu Jeśli zachwycacie się łysogórskimi wyrobami, po lekturze książki Bożeny Kostuch nabierzecie także szacunku do ludzi, dzięki którym możecie z nimi obcować, poznacie okoliczności powstania spółdzielni „Kamionka”, źródła inspiracji Bolesława Książka i tajniki produkcji jego fascynujących dzieł. Poczujecie atmosferę czasów, w których zdarzyły się prawdziwe czary. I pamiętajcie, że wiele ryzykujecie lekturą, bo ceramika unikatowa i artystyczna to najczęściej nie jest miłość od pierwszego wejrzenia, ale gdy już chwyci za serce, to nie ma ucieczki. Katarzyna Jasiołek, autorka książki Asteroid i półkotapczan, założycielka bloga HeliotropVintage.pl Imponująca fantazja! Bolesław Książek stworzył wyrazisty styl łysogórskiej ceramiki, ale nieustannie zaskakiwał: patrząc na jego dzieła, można pomyśleć, że powstawały w wyobraźni różnych osób. Chciał, by radość, jaka towarzyszy mu podczas pracy, stawała się udziałem oglądających jego twórczość. Dziś te skarby cieszą jeszcze bardziej, bo mają wartość i artystyczną, i sentymentalną. Joanna Nojszewska, fanka ceramiki vintage, redaktorka w „Twoim Stylu” Na Czarodzieja z Łysej Góry czekaliśmy od dawna. Bożena Kostuch przybliża tego genialnego artystę, przedstawiając nieznane wcześniej fakty i ukazując jego twórczość w zupełnie nowym świetle. Jednak to coś więcej niż tylko biografia – to także szansa dla kolejnych pokoleń na odkrycie wspaniałości jego dzieł. Paweł Naszkiewicz, antykwariat Skupuje.com Bożena Kostuch – doktor historii sztuki, kustoszka w Muzeum Narodowym w Krakowie, znawczyni ceramiki XIX i XX wieku, autorka publikacji naukowych i popularyzatorskich. Jej najbardziej docenianą książką jest jest Kolor i blask. Ceramika architektoniczna oraz mozaiki w Krakowie i Małopolsce po 1945 roku wyróżniona w Konkursie na Wydarzenie Muzealne Roku SYBILLA 2015 w kategorii Publikacje oraz nagrodzona tytułem Krakowskiej Książki Kwietnia 2016.
Jego zdjęcia zna cały świat. Czołg pod kinem Moskwa z Czasem apokalipsy to fotograficzna ikona stanu wojennego. Zdjęcie zrobione z dystansem i sercem. Przez chłopaka z aparatem i brytyjskim paszportem, który przyjechał tu w 1973 roku. Przez zauroczonego Polską dziennikarza, relacjonującego dla świata wydarzenia zza żelaznej kurtyny. „Obserwowałem rewolucje w Pradze, Berlinie i na Węgrzech. Ale moje serce pozostało w Gdańsku” – wspomina udział w sierpniowym strajku w stoczni. Dla „Newsweeka”, „Time’a”, „Spiegla” fotografował powstanie „Solidarności”, pierwszą wizytę Papieża, stan wojenny i upadek komuny. Wszystko z zawodowym dystansem, ale coraz większym uczuciem. W jego wspomnieniach tamtych wydarzeń jest tylko to drugie. Przyprawione ogromną dawką angielskiego sarkazmu z nutką polskiej nostalgii. Nowe wydanie bestsellerowej książki z 2012 roku zostało poszerzone o teksty sięgające czasów współczesnych oraz wzbogacone o kilkadziesiąt nowych, do tej pory niepublikowanych fotografii. Autobiografia fotografa i fotoreportera, którego zdjęcia stały się ikoniczne – utrwaliły obraz przełomowych wydarzeń historycznych, który trafił do masowej świadomości. Książka szczera, zadziorna, dowcipna, ale i pełna czułości dla kraju i ludzi, których poznał i których – ze wzajemnością – pokochał. Chris Niedenthal urodził się w Londynie i tam wychował w polskiej rodzinie. Mieszka w Polsce od prawie 50 lat. Pierwszy aparat fotograficzny – Kodak Starmite – dostał w nagrodę w wieku jedenastu lat. Do Polski przyjechał w 1973 roku. Po kilku latach w roli wolnego strzelca został zatrudniony jako korespondent „Newsweeka” w Polsce. Pierwszy materiał fotograficzny przedstawiał „nielegalne” i prowizoryczne kościoły, tworzone pomimo zakazu władz państwowych. W 1978 był pierwszym fotoreporterem, który po wybraniu Karola Wojtyły na papieża przyjechał do Wadowic. Podczas pielgrzymki papieża do ojczyzny zrobił zdjęcie, które trafiło na okładkę „Newsweeka” – sfotografował na Jasnej Górze Jana Pawła II trzymającego na rękach małą zapłakaną dziewczynkę w czerwonej chusteczce. Wraz z angielskim dziennikarzem Michaelem Dobbsem był pierwszym zagranicznym fotoreporterem wpuszczonym do Stoczni Gdańskiej podczas strajku w 1980 roku. Laureat nagrody World Press Photo w 1986 za portret sekretarza generalnego węgierskiego KC Jánosa Kádára, który trafił na okładkę „Time’a”. W 2013 roku został odznaczony Krzyżem Oficerskim Orderu Odrodzenia Polski „za wybitne zasługi we wspieraniu przemian demokratycznych w Polsce, za dawanie świadectwa prawdzie o sytuacji w Polsce w czasie stanu wojennego, za osiągnięcia w działalności dziennikarskiej”.
Ekscentryczna Dora Maar, niezależna Victorine Meurent, tajemnicza Lisa del Giocondo czy twardo stąpająca po ziemi Catherine Bolnes – to tylko niektóre z kobiet kryjących się za dziełami wielkich mistrzów. Tamara Łempicka w czasach największej biedy za sprzedawane obrazy kupowała diamentowe bransoletki. Frida Kahlo nawet przykuta do wózka inwalidzkiego i dręczona bólem brała udział w manifestacjach politycznych. Emilie Flöge przez ponad dwadzieścia lat prowadziła zakład krawiecki, ubierając najzamożniejsze wiedenki. Gala Dali twardo kierowała karierą męża, rozkochiwała też w sobie przeróżnych artystów, często doprowadzając ich do szaleństwa. Antoinette de Wateville o względy i miłość Balthusa musiała rywalizować z własnym bratem, a zaledwie siedemnastoletnia Wally Neuzil dla Egona Schielego porzuciła pracę modelki u Gustawa Klimta. Małgorzata Czyńska udziela im głosu, ukazuje je już nie przez pryzmat ich związków z wielką sztuką, lecz jako osoby z krwi i kości, pełne obaw i emocji, żywe i zaskakująco prawdziwe. Choć pochodziły z różnych czasów, krajów i sfer, zostały uwiecznione na obrazach, które wywarły trwały wpływ na światową sztukę i przeniknęły do zbiorowej świadomości. Muzy wielkich artystów zachwycały nieprzeciętną urodą, imponowały odwagą, gorszyły bezwstydnością. Często były nie mniej fascynujące od płócien, na których je utrwalono. Małgorzata Czyńska (ur. 1975) – dziennikarka, pisarka, historyk sztuki, krytyk dizajnu i kuratorka wystaw, stypendystka Ministerstwa Kultury i Dziedzictwa Narodowego. Swoje pierwsze teksty publikowała w „Wysokich Obcasach”, z którymi współpracuje do dziś, pisuje również do magazynów wnętrzarskich i o sztuce. Ma na koncie dziewięć książek, w tym Kobro. Skok w przestrzeń (2016), za którą otrzymała Górnośląską Nagrodę Literacką „Juliusz” przyznawaną najlepszej książce polskiej, oraz Berezowską. Nagość dla wszystkich (2018) nominowaną do Nagrody im. prof. Jerzego Skowronka, honorowego wyróżnienia w dziedzinie historii i archiwistyki.
Nie tylko o fotografii to książka-spotkanie, a dokładnie trzydzieści sześć spotkań oraz godziny rozmów przeprowadzonych na przestrzeni czterech dekad. I choć to książka „nie tylko o fotografii”, to właśnie fenomen tego medium stanowi stały punkt odniesienia dla Jerzego Olka i jego rozmówców.
Zebrane w jednej publikacji teksty, sięgające lat siedemdziesiątych, dają unikatowy wgląd w dynamicznie zmieniającą się kondycję fotografii zarówno w sztuce, jak i życiu codziennym. Nie ma tu jednej słusznej perspektywy. Olek otwiera pole do dyskusji, podejmując rozmowy z przedstawicielami różnych obszarów życia kulturalnego i artystycznego. Otwarta forma Nie tylko o fotografii tworzy przestrzeń kolejnych spotkań i zaprasza czytelników do aktywnego udziału w rozpoczętej wymianie refleksji i doświadczeń.
To książka szczególnie ważna obecnie, ze względu na intensywność, z jaką fotografia kształtuje współczesną rzeczywistość wizualną. W czasach, gdy wytwarzanie obrazów nigdy nie było tak proste, spojrzenie na trudności, z jakimi fotografia musiała się zderzyć w minionych dekadach, może skłonić do zatrzymania się w pędzie nadprodukcji i do refleksji nad przyszłością tego medium.
Jerzy Olek -- artysta i teoretyk. Profesor SWPS Uniwersytetu Humanistycznospołecznego we Wrocławiu. Wcześniej profesor Uniwersytetu Artystycznego w Poznaniu i Akademii Sztuk Pięknych w Gdańsku. Członek redakcji: „European Photography”, „Projekt”, „Art Life”, „Arteon” i „Artluk”. Autor książek: Moja droga do bezwymiaru (2001), Umożliwianie niemożliwemu (2007), 7 od/za/słon iluzji (2013) i Zobaczyć idealne, czyli bezkresy kresek (2015). Animator ruchu fotografii ekspansywnej i medialnej (lata 70.) oraz fotografii elementarnej (lata 80.). Twórca Galerii „Foto-Medium-Art” we Wrocławiu (1977). Kurator międzynarodowych Fotokonferencji Wschód-Zachód „Europejska Wymiana” (pierwsza w 1989). Autor programów 20 Festiwali Nowej Sztuki „lAbiRynT”.
Remember Britpop and the '90s through hundreds of its most striking images - with many seen here for the very first time.
Taken by renowned photographer Kevin Cummins, chief photographer at the NME for more than a decade, the images in this book explore the rise and fall of Cool Britannia and all that came with it.
Nostalgic, anarchic and featuring contributions from icons of the Britpop era including Noel Gallagher and Brett Anderson, While We Were Getting High is a seminal portrait of a decade like no other.
Philip III (1578-1621), so often dismissed in favor of Philip II and Philip IV, actually presided over an era of crucial artistic development in Spain. His reign was a time of cultural and political vitality for the Spanish monarchy, as the king and his court, having successfully maintained a peaceful foreign policy in Europe (the "Pax Hispanica"), ushered in a style of grandeur where fabulous gala celebrations, building campaigns, picture collecting, recreation and travel were the order of the day. Accordingly, the art of this period flourished, witnessing the birth of a naturalistic style that was variously reflected in a new attention to detail and spatiality in court portraiture, the thriving of still life, the humanizing of saints and the development of polychrome sculpture. Focusing on the careers of the mature El Greco and the young Velázquez, which bookend this exciting period of resurgent court culture, this volume also investigates the works of lesser-known but highly talented artists who exerted a critical influence on the development of Spanish painting. Essays by several noted scholars provide indispensable perspectives on the historical, literary, cultural and religious context in which these artists lived. The product of 20 years of research and illustrated with a sumptuousness befitting its subject, El Greco to Velázquez is sure to become a standard reference for enthusiasts of Spanish art.
Picasso's Drawings, 1890-1921, which accompanied an exhibition held at The Frick Collection from October 4, 2011 through January 8, 2012, and at The National Gallery of Art in February, 2012 follows the dazzling development of the artist's drawing practice from the precocious academic exercises of his youth to his renewal of classicism in his virtuoso output of the early 1920s. A selection of more than seventy works on paper, with extended entries, highlights his stylistic experiments and techniques during this roughly thirty-year period, which begins and ends in a classical mode and encompasses his most radical innovations. Discussions of Picasso's style, sources, and techniques demonstrate how drawing served as an essential means of invention and discovery for the artist.
An important reconsideration of landscape photography in 19th-century America, exploring crucial but neglected geographies, practitioners, and themes
Although pictures of the West have dominated our perception of 19th-century American landscape photography, many photographers were working in the eastern half of the United States during that period. Their pictures, with the exception of Civil War images, have received relatively scant attention. Redressing this imbalance is East of the Mississippi, the first book to focus exclusively on the arresting eastern photographs that helped shape America's national identity. Celebrating natural wonders such as Niagara Falls and the White Mountains as well as capturing a cultural landscape fundamentally altered by industrialization, these works also documented the impact of war, promoted tourism, and played a role in an emerging environmentalism.
Showcasing more than 180 photographs from 1839 to 1900 in a rich variety of media and formats-from daguerreotypes, salted paper prints, tintypes, cyanotypes, and albumen prints to stereo cards and photograph albums-this volume traces the evolution of eastern landscape photography and introduces the artists who explored this subject. Also considered are the dynamic ties with other media-for instance, between painters and photographers such as the Bierstadt and Moran brothers-and the distinctive development of landscape photography in America.
This is a book about Edward Weston before he was Edward Weston―before he was the renowned modernist photographer we know so well. His early years in the field coincided exactly with the height of the Pictorialist movement in America, and while he was never a typical practitioner, he did make photographs that borrowed themes from paintings and other media, and experimented with soft-focused imagery that sometimes looks more like graphite drawings or inky dark prints than photographs. He would later disavow the gauzy, painterly experiments of his early years, claiming in his Daybooks that “even as I made the soft ‘artistic’ work … I would secretly admire sharp, clean, technically perfect photographs.”
Introducing rare surviving prints from the unplumbed holdings of the Lane Collection at the Museum of Fine Arts, Boston, this book offers new insights into Weston’s working methods and his evolution as a photographer. By taking a longer and more nuanced view of his early years, and by reinserting his first experiments back into the larger story of his artistic production, it reveals the variety of ways in which the paths he took as a young man led him to become the mature modernist master. Beautifully reproduced examples of Weston’s most important early work, essays explaining its place in his oeuvre and the history of photography, and a section dedicated to the variety of Weston’s early materials and techniques make this book a must-have resource.
Previously unpublished photographs and iconic portraits of musicians from the 1950s through the 1980s offer a new perspective on Doisneau's remarkable talent.
Master photographer Robert Doisneau's passion for the joyful energy inherent in the music world comes alive in images that cover the musical spectrum, from classical and jazz to be-bop to the roots of modern rap and alternative rock. With camera in hand, Doisneau crisscrossed Paris to capture intimate moments with star musicians such as Eartha Kitt in a jazz club, Django Reinhardt at home, and Yehudi Menuhin backstage, or with locals at a neighborhood dance or jamming in a brass band. His portraits were commissioned for stars from Juliette Gréco to Charles Aznavour to Claude François, and a new generation of musicians in the 1980s including Rita Mitsouko and Les Négresses Vertes.
This book--curated by the photographer's granddaughter to accompany an exhibition at the Philharmonie de Paris--includes more than one hundred photographs, many previously unpublished, that showcase the artist's mastery in editing, special effects, photomontage, collage, photo distortions, and splits.
In the 1930s the history of Japanese photography evolved in two very different directions: one toward documentary photography, the other favoring an experimental, or avant-garde, approach strongly influenced by Western Surrealism. This book explores these two strains of modern Japanese photography through the work of two remarkable figures: Hiroshi Hamaya and Kansuke Yamamoto.
Hiroshi Hamaya (1915–1999) was born and raised in Tokyo and, after an initial period of creative experimentation, turned his attention to recording traditional life and culture on the coast of the Sea of Japan. In 1940 he began photographing the New Year’s rituals in a remote village, which was published as Yukiguni (Snow country). He went on to record cultural changes in China, political protests in Japan, and landscapes around the world.
Kansuke Yamamoto (1914–1987) became fascinated by the innovative approaches in art and literature exemplified by such Western artists as Man Ray, René Magritte, and Yves Tanguy. He promoted Surrealist and avant-garde ideas in Japan through his poetry, paintings, sculptures, and photographs.
Along with essays by the book’s coeditors, Judith Keller and Amanda Maddox, are essays by Kotaro Iizawa, Ryuichi Kaneko, and Jonathan M. Reynolds, life chronologies, and a selection of poems by Yamamoto translated by John Solt. This book, which features more than one hundred images, accompanies an exhibition of the same name on view at the J. Paul Getty Museum from March 26 to August 25, 2013.
W każdym z nas jest artysta. Wystarczy go obudzić...
Dzięki skutecznej i łatwej do zastosowania metodzie przedstawionej w tej książce narysujesz wszystko, o czym marzysz. Wystarczy, że rozłożysz to na podstawowe kształty, a potem zestawisz je ze sobą. Chcesz się dowiedzieć, jak to zrobić? W książce znajdziesz około stu projektów oraz ćwiczenia krok po kroku i praktyczne porady, które ożywią w tobie artystycznego ducha. Rysowanie zwierząt, roślin i postaci przestanie sprawiać ci trudność. Duża przyjemność i zaskakujące rezultaty gwarantowane!
Robert Capa and Gerda Taro were young Jewish refugees, idealistic and in love. As photographers in the 1930s, they set off to capture their generation's most important struggle—the fight against fascism. Among the first to depict modern warfare, Capa, Taro, and their friend Chim took powerful photographs of the Spanish Civil War that went straight from the action to news magazines. They brought a human face to war with their iconic shots of a loving couple resting, a wary orphan, and, always, more and more refugees—people driven from their homes by bombs, guns, and planes.
Today, our screens are flooded with images from around the world. But Capa and Taro were pioneers, bringing home the crises and dramas of their time—and helping give birth to the idea of bearing witness through technology.
With a cast of characters ranging from Langston Hughes and George Orwell to Pablo Picasso and Ernest Hemingway, and packed with dramatic photos, posters, and cinematic magazine layouts, here is Capa and Taro’s riveting, tragic, and ultimately inspiring story.
This thoroughly-researched and documented book can be worked into multiple aspects of the common core curriculum.
Explore the legacy of Alfred Hitchcock’s leading ladies—their iconic roles, unforgettable costumes, and complicated relationships with the man behind the camera.
Whether she is played by Tippi Hedren, Grace Kelly, or Ingrid Bergman, the heroine of an Alfred Hitchcock picture is always the same: stylish, regal, with an elegant yet icy demeanor that masks a fire inside.
From his early days as a director in the 1920s to his heyday as the Master of Suspense in the 1960s, Hitchcock had a complicated and controversial relationship with his leading ladies. He supervised their hair, their makeup, their wardrobe, pushing them to create his perfect vision onscreen. Yet these women were also style icons in their own right, and the clothes they wore imbued the films with contemporary glamour. From Kim Novak’s gray suit in Vertigo to Janet Leigh’s thematically symbolic lingerie in Psycho, these actresses and their clothes broke barriers, made history, and transfixed audiences around the world.
In this book, Caroline Young chronicles six decades of glamorous style, exploring the fashion legacy of these amazing women and their experiences working with Hitchcock. Meticulously researched and beautifully illustrated with studio pictures, film stills, and original drawings of the costume designs, this book offers revealing insight into a fascinating period of movie history and the relationships between one of its leading directors and his female stars.
Totally Awesome: The Greatest Cartoons of the Eighties is the ultimate guide to '80s cartoon nostalgia, featuring the art, toys, and inside story behind icons like He-Man, the Teenage Mutant Ninja Turtles, G.I. Joe, and the Thundercats.
For an entire generation of kids weaned on the intoxicating excitement of eighties cartoons, the decade can be summed up with two words: Totally Awesome!
With a thriving Saturday morning network schedule, a full complement of weekday syndicated programming, and the removal of guidelines that prevented cartoons from being based on toys, the 1980s enjoyed an unprecedented TV animation boom that made household names of a host of colorful characters.
From He-Man and the Masters of the Universe to The Transformers, G.I. Joe, and The Muppet Babies, eighties cartoons would have such a huge impact on an entire generation that decades later they have become pop culture touchstones, revered by fans whose young minds were blown by their vivid visuals and snappy storytelling.
In this deluxe book, Andrew Farago, a respected cartoon historian and child of the eighties, provides an inside look at the history of the most popular cartoons of the decade, as told by the writers, animators, voice actors, and other creative talents who brought life to some of the era’s most enduring animated shows.
Also featuring Thundercats, Inspector Gadget, Teenage Mutant Ninja Turtles, and many more cartoon classics, Totally Awesome is a treasure trove of eighties animation nostalgia that will take fans back to a time of unlimited imagination and unparalleled adventure.
A rich study exploring the connections, creative processes, and themes shared by two world- renowned artists At a crucial point midway through his career, American painter and printmaker Jasper Johns (b. 1930) looked to the art of Norwegian Expressionist Edvard Munch (1863-1944) for inspiration. Munch's innovative working methods and defining themes of love, anxiety, illness, and death infused Johns's work with new meaning, allowing him a broadened range of expression that propelled his return to recognizable imagery after a decade of abstraction.
This groundbreaking publication is the first to describe precisely how and when Johns began to explore Munch's imagery and ideas. At the same time, it takes a comprehensive view of each artist's career, giving readers a deeper understanding of Johns's connection to his predecessor. Through new scholarship and copious illustration, Ravenal makes the persuasive case that Munch should be considered one of the catalysts for the sea change that occurred in Johns's art of the early 1980s.
Readers of all ages will enjoy this pop art-filled book from Mudpuppy. The Andy Land Board Book features some of Warhol's most famous works accompanied by quotes of wisdom from the artist hidden under flaps on each page.
For forty years, the Colorama dominated the east wall of New York City's Grand Central Terminal, where it was seen by thousands of people passing through each day. The massive backlit transparencies measured 60 feet wide by 18 feet tall and changed every few weeks between 1950 and 1990, resulting in a total production of 565 Coloramas. The idealized lifestyle presented in the Coloramas was intended to celebrate family or travel snapshooting, reinforcing the idea that colour photography was the best way to memorialize all of life's moments.
The Colorama display in Grand Central Terminal was one of the longest and most successful corporate marketing campaigns of the twentieth century and continues to be examined in the context of the history of advertising and colour photography.
Anna and Bernhard Blume stage pseudo-paranormal events within typically bourgeois settings and photograph them with Polaroid cameras. The objects and the protagonists are spun into the air, fly off, levitate or roll around, exposing that undercurrent of eeriness inherent to domesticity
Integral to the image of Southern California glamour and success, the luxurious backyard pool symbolizes fun in the sun for those who have made it--vivid, aqueous proof of the American Dream hard at play. As much of an icon of prosperity as it is a decadent trophy for healthful living and social aspirations, the pool is one of America's supreme status symbols dating back to the time of ""The Great Gatsby."" More than an athletic accoutrement, the swimming pool is superbly designed for socializing, frolicking, sunbathing, skinny dipping...in short, for having loud, splashy fun.
In ""Hollywood Splash,"" famed photographer Veronique Vial, author of the blockbuster bestseller ""Women Before 10 A.M.,"" takes a dip into the private pools of today's top actors and models, and captures exclusive wet poses and staged aquatic antics from hundreds of famous and soon-to-be-famous stars, celebrities, and notable faces, featuring amusing and hilarious collaborative wet hijinks with Claudia Schiffer, Lisa Marie, Rosanna Arquette, Rachael Leigh Cook, Troy Garity, Julie Delpy, Shiva Rose, Dave Navarro and Carmen Electra, Norman Reedus, Erika Christensen, Tara Reid, Rachel Hunter, Brett Ratner, Daryl Hannah, Andy Garcia, Molly Sims, Heidi Klum, Djimon Hounsou, Michael York, Benjamin Bratt, Corey Feldman, Robin Tunney, Johnny Depp, Brooke Shields, Anastasia, Tatjana Patitz, Angie Everhart, Blair Underwood, Jeff Goldblum, Tia Carrere, Michael Chiklis, Diane Warren, Will Estes, Claire Forlani, Craig Kilborn, Neil Patrick Harris, Traci Bingham, Griffin Dunne, Gabriela Reece, Jennifer Grey, Seth Green, James Franco, Esai Morales, Lucy Lawless, Patrick Dempsey, Jenny Garth, William H. Macy, Shannon Tweed and Gene Simmons, Antonio Sabato, Jr., Daphne Zuniga, and a sea of others, all playfully cavorting and hamming it up in, with, on, around, beside, under, and over water and other aqueous substitutes for Vial's camera.
Ten produkt jest zapowiedzią. Realizacja Twojego zamówienia ulegnie przez to wydłużeniu do czasu premiery tej pozycji. Czy chcesz dodać ten produkt do koszyka?
