W tej strefie zapraszamy czytelników tak zwane artystyczne dusze po książki z kategorii Sztuka. Polecamy szereg publikacji o sztuce i jej historii,ciekawostki i portfolia artystów, eseje, albumy, książki o malarstwie, rzeźbiarstwie, architekturze oraz histoii fotografii. Biografie ciekawych artystów, książki i powieści przedstawiające fascynujące losy malarzy i osób uwiecznianych na obrazach. W tym dziale tylko ksiązki ze sztuka w tle.
Small footprint design that proves living better doesn’t have to mean living larger.
Following the success of their first book, the second volume of Never Too Small showcases 30 new and outstanding homes from around the world that explore small space living.
Framed by five small footprint design principles, the book features beautiful photography, detailed floor-plans, and accessible architectural commentary on each of the 30 homes.
Championing the work of award-winning architects and designers, Never Too Small offers an inspiring model for the future of housing—one where sustainability and style, comfort and affordability can coexist.
Art has always declared its dissatisfaction against the status quo. Throughout history artists have used their art to criticise and protest against a range of injustices and inequalities. Their art is an act of defiance, but more importantly it has given a voice to the marginalised.
This book is a short visual journey through eighty years of protest art. Commencing with Picasso’s Guernica in 1937, this book showcases the work of over fifty artists who have challenged traditional boundaries, spoken up for the powerless and against those who seek to deny people their human rights.
Exploring deeply political and critical art which uses irony, satire, subversion and provocation, it features responses to war, violence, oppression, gender and racial inequalities, the AIDS epidemic, LGBTQ+ rights, the Black Lives Matter movement and the climate crisis. A Brief History of Protest Art reveals the important role of art in confronting political and social issues, and how it can help to change attitudes to create a better future.
Aindrea Emelife is a curator and art historian from London. Emelife writes frequently for international publications, including The Financial Times, The Guardian, Vanity Fair, The Telegraph and Frieze. She curated the Bold Black British exhibition at Christie’s, London, Black Bodies/White Spaces: Invisibility and Hypervisibility at the Green Family Art Foundation in Dallas, Texas and Black Venus, a survey of Black women in visual culture at Fotografiska, New York. In 2021, Aindrea was featured in Forbes’ 30 Under 30 List and appointed to the Mayor of London’s Commission for Diversity in the Public Realm.
Illuminating and lively, this book provides authoritative answers to the key questions about how art is made, interpreted and displayed. Deliberately avoiding unnecessary jargon, A Short Book About Art offers an unusually accessible route to new ways of thinking about the creative drive of individual artists and their relationships with their work.
It includes fresh comparisons between works of art from different periods and cultures, from cave paintings to contemporary multi-media work. Thought- provoking and stimulating, it is the ideal companion for anyone who wants to learn about art without a dictionary in their hands.
‘Dana Arnold has written a wonderful introduction to art: precise, accessible and informative. The reader is expertly conducted through the major approaches to the making and understanding of art across the world.’ – David Peters Corbett, Professor of Art History and American Studies, University of East Anglia.
Dana Arnold is Professor of Art History at the University of East Anglia, UK. She is author of Art History: A Very Short Introduction, which has been translated into fifteen languages. Her recent edited volumes include: A Companion to British Art; Art History: Contemporary Perspectives on Method, and Biographies and Space.
This charming gift book showcases the most endearing, quirky and amusing depictions of cats drawn from Tate’s collection.
Divided into key themes – ‘Snap Cat’, ‘Cats on Laps’, ‘Fierce Felines’, ‘Scratchy Sketches’, ‘Painterly Paws’ and ‘Prints and Pawings’ – this little book considers how cats have been revered in culture and have influenced artists over the centuries.
Works of art – including paintings, drawings, sculptures, illustrations and installations – are introduced by a brief introduction text at the beginning of each chapter, adding background detail or additional information about the art, artists and their subjects. Featured artists include: Prunella Clough, John Craxton, Sunil Gupta, Eduoard Manet, Bernard Leach, David Hockney, Edouard Manet, William Blake, Andy Warhol and Alex Katz.
Sometimes traditional, sometimes contemporary, often touching and occasionally telling, placed together these beautiful images create a fascinating and enlightening journey through the visual portrayal of cats in Western art.
This book is the first major survey of the occult collection of artworks, letters, objects and ephemera in the Tate Archive. Revealing over 150 esoteric and mystical pieces some never before seen, giving a new understanding to the artists in the Tate collection and the history and practice of the occult.
This lavishly illustrated magical volume acts a potent talisman connecting the two worlds of Tate – the seen public collection and the unseen secrets lurking in the archive. The pages of this book explore the hidden artworks and ephemera left behind by artists ,and shed new light on our understanding of the art historical canon. It offers an in-depth exploration of the occult and its relationship to art and culture including witchcraft, alchemy, secret societies, folklore and pagan rituals, demonology, spells and magic, psychic energies, astrology and tarot.
Expect to find the unexpected in the works and lives of artists such as Ithell Colquhoun, Paul Nash, Barbara Hepworth, Cecil Collins, John William Waterhouse, Alan Davie, Joe Tilson, Henry Moore, Eileen Agar, William Blake, Leonora Carrington and Pamela Colman Smith.
For the first time, the clandestine, magical works of the Tate archive are revealed with archivist Victoria Jenkins exploring relationships between art and the occult, and how both can act as a form of resistance to challenging environments. This book challenges perceptions and illuminates the surprising breadth and extraordinary ways in which artists interpret not just the physical world around them but also the supernatural, to make the unseen, seen. If you think you know Tate artists, it’s time to think again.
Victoria Jenkins is a Warwickshire born, London based artist and author and is an archivist at Tate. Her work concerns the relationship between art, the occult and popular culture.
Perfect for the dog-loving art hound in your life, this hardback gift book showcases the most endearing, thoughtful and amusing depictions of dogs drawn from Tate’s collection.
Divided into key themes – ‘Hounds of the Hunt’, ‘Painterly Pooches’, ‘Princely Pups’, ‘Man’s Best Friend’, ‘Moping Mutts’, ‘Working Like a Dog’, ‘Lap Dogs at Leisure’, ‘Mystical Mutts’ and ‘Loyal Fido’ – this little book considers how dogs have been the animal companion of choice for millennia and how their position as hunter, signifier of status and friend has influenced artists.
Works of art – including paintings, drawings, sculptures, illustrations and installations – are introduced by a brief introduction text at the beginning of the chapter, adding background detail or additional information about the art, artists and their subjects. Featured artists include: Edwin Henry Landseer, Sidney Nolan, Chris Killip, Giacomo Amiconi, Hamo Thornycroft, William Hogarth, Joshua Reynolds, Cedric Morris, Peter Doig and Edward Ruscha.
Sometimes traditional, sometimes contemporary, often touching and occasionally telling, placed together these beautiful images create a fascinating and enlightening journey through the visual portrayal of canines in Western art.
This exhibition book is a stunning exploration of an extraordinary and unique body of work by Polish sculptor and fibre artist, Magdalena Abakanowicz.
Magdalena Abakanowicz (1930–2017) was a Polish artist who revolutionised the use of woven forms in art. In the mid 1960s, she transformed the modest material of sisal into monumental hanging sculptures, known as Abakans, which captivated audiences and brought her international fame. In the 1970s she amassed them into vast organic environments, at times threading through reclaimed ship ropes. Imbued with meaning, they were spaces to contemplate, to immerse oneself in, to experience.
This catalogue explores the unique nature of these radical works and brings readers into Abakanowicz’s imaginal world. Delving into the lesser-known context of the art world from which Abakanowicz emerged, and touching on other aspects of a remarkable sixty-year career, it reveals her impact on environmental sculpture, as well as her deeply personal interests in natural phenomena and global cultures. Showcasing the Abakans in a whole new light, it is a celebration of the mastery and determination of this extraordinary artist.
Ann Coxon is Curator of International Art at Tate. She has curated numerous collection displays, including monographic galleries of works by Bruce Nauman, Louise Bourgeois, Janet Cardiff, Magdalena Abakanowicz, Phyllida Barlow, Mona Hatoum and many others, as well as the thematic display Beyond Craft focussing on American Fiber Art from the 1960s and 1970s. Most recently she curated retrospectives on Dorothea Tanning (2019) and Anni Albers (2018), and an exhibition on Magdalena Abakanowicz
Mary Jane Jacob is an independent curator and Professor at the School of the Art Institute of Chicago.
Updated for 2022, The Art of Feminism: Images that Shaped the Fight for Equality charts the birth of the feminist aesthetic and its development over two centuries that have seen profound and fast-paced change in women’s lives across the globe. The book includes over 350 remarkable artworks, ranging from political posters and graphics to stunning and provocative pieces of painting, sculpture, textiles, craft, performance, digital and installation art.
Beginning in the nineteenth century, the study moves on to developments of both World Wars before arriving at the ‘birth’ of feminist art in the 1960s. More recent artworks describe the development of feminism from the fall of the Berlin Wall to the present day, including examples by Barbara Kruger, Sophie Calle, Nancy Spero, Marina Abramović, Mary Kelly, Judy Chicago, Faith Ringgold and Sonia Boyce. This 2022 edition features an even more diverse array of artists and artworks, including the beautiful figurative paintings of Hungarian-Indian artist Amrita Sher-Gil and the thoroughly researched and extravagantly costumed self-portraits of American photographer Ayana Jackson.
Edited by Helena Reckitt, with texts by Lucinda Gosling, Hilary Robinson and Amy Tobin, The Art of Feminism also includes a preface by Maria Balshaw, Director, Tate, and a foreword by Xabier Arakistain, former director of del Centro Cultural Montehermoso Kulturunea, Spain.
Professor Helena Reckitt is a curator and researcher, and one of the foremost international experts in the visual arts. She is currently Reader in Curating in the Art Department at Goldsmiths, University of London. Reckitt has curated exhibitions in the UK, US and Canada, including What Business Are You In? at The Contemporary, Not Quite How I Remember It at The Power Plant, and Getting Rid of Ourselves at OCAD University. As well as The Art of Feminism, she is editor of Art and Feminism, Sanja Iveković: Unknown Heroine and Acting on AIDS with Joshua Oppenheimer.
Exploring themes such as gender inequality, sexuality, domestic life, personal experiences and the female body, A Little Feminist History of Art is a celebration of one of the most ambitious, influential and enduring artistic movements to emerge from the twentieth century.
This book is a short and pithy introduction to some of the most important artworks borne out of this movement. Fifty outstanding works – from the late 1960s to the present – reflect women’s lives and experience, as well as the changing position of women artists, and reveal the impact of feminist ideals and politics on visual culture.
A great gift book for anyone interested in feminism, and the history of sexuality and gender, it includes drawing, painting, photography, sculpture, installation and performance art from a range of artists who expanded the very definition of art to be more inclusive.
Charlotte Mullins is an art critic, writer and broadcaster. She has written widely on women artists including Rachel Whiteread, Cecily Brown, Rachel Lumsden, Jenny Saville, Cathy de Monchaux, Sue Arrowsmith, Susanne Kühn, Susie Hamilton and Paula Rego. She has published numerous books, including Lives of the Great Artists 2008 (a children’s book written as Charlie Ayres), Picturing People 2015 and Rachel Whiteread 2017, and is a regular contributor to BBC Radio 4’s Front Row and Saturday Review.
A Queer Little History of Art is a celebration of over 100 years of queer creativity.
Over the last century, many artists have made works that challenge dominant models of gender and sexuality. The results can be sexy or serious, satirical or tender, discreetly coded or defiantly outspoken. This book illustrates the wide variety of queer art from around the world – exploring bodies and identity, love and desire, prejudice and protest through drawing, painting, photography, sculpture and installation. A Queer Little History of Art features a wide selection of artists who subverted the norms of their day via bold new forms of expression, as 70 outstanding works reveal how queer experiences have differed across time and place, and how art has been part of a story of changing attitudes and emerging identities from 1900 to the present.
Alex Pilcher is a web developer at Tate with a background in art history, and is a member of Tate’s LGBT network.
David Hockney has been delighting and challenging audiences for almost sixty years. Our exhibition catalogue is a full career retrospective, fully illustrated with works from across the artist’s six-decade career.
It showcases over 200 works (including painting, drawings, photographs, watercolours, iPad drawings, and his most recent multi-screen works) from across the six decades of his remarkable career. The front cover features Hockney’s Portrait of an Artist (Pool with Two Figures), with a black and white photograph of the artist himself on the back.
Chris Stephens is Head of Displays and Lead Curator, Modern British Art, Tate Britain.
Andrew Wilson is Curator, Contemporary Art and Archives, Tate Britain.
Nowa, pełna nieznanych informacji biografia geniusza malarstwa. Edycja kolekcjonerska z barwionymi brzegami. Książka Naifeha i White Smitha rzuca nowe światło na głębokie zainteresowanie artysty literaturą i sztuką, jego nieobliczalne i burzliwe życie miłosne, ataki depresji i choroby psychicznej, a także niejasne okoliczności śmiertelnego postrzelenia w wieku trzydziestu siedmiu lat. Autorzy dzięki współpracy z Muzeum Vincenta van Gogha w Amsterdamie uzyskali dostęp do dotychczas niewykorzystanych materiałów - wśród nich do nieopublikowanych listów członków rodziny malarza. Choć na temat van Gogha powstało wiele książek, a jego tragiczny los jest od dawna obecny w kulturze popularnej, to nikt nie podjął próby zbadania życia tego twórcy w sposób tak poważny i ambitny. Naifeh i White Smith odtworzyli je w sposób zdumiewająco żywy i przenikliwy psychologicznie. Gregory White Smith i Steven Naifeh są absolwentami Wydziału Prawa Uniwersytetu Harvarda. Naifeh, który publikuje w czasopismach poświęconych sztuce i wygłasza wykłady w licznych muzeach, studiował także historię sztuki w Princeton, a w Fogg Art Museum na Harvardzie obronił pracę dyplomową w tej dziedzinie. Cztery napisane przez nich wspólnie książki trafiły na listę bestsellerów The New York Timesa. Biograficzna książka ich autorstwa Jackson Pollock: An American Saga otrzymała Nagrodę Pulitzera, a także znalazła się w finale National Book Award.
Celem tej książki jest opisanie fenomenu zamieszkiwania w Warszawie. Przedstawiamy go na tle historii i współczesności miasta, przez pryzmat skomplikowanych biografii ludzi, rzeczy i miejsc. Osoby, które odwiedziliśmy w trakcie pracy nad publikacją, są samoświadomymi i kreatywnymi użytkownikami mieszkań, a te ostatnie przedmiotem ich zabiegów i praktyk wnętrzarskich oraz elementem identyfikacji tożsamościowej. Przestrzeni przyglądaliśmy się z perspektywy badawczej historyków sztuki, pytaliśmy o historię, motywacje i zakres przekształceń, próbowaliśmy uchwycić relacje pomiędzy biografiami rozmówczyń i rozmówców a ich strefą codziennego funkcjonowania, rozmawialiśmy o domowych praktykach i rzeczach, pośród których żyją. Korduba Piotr, Trybuś Jarosław
Błękitny fin de siecle
Kolor niebieski w kulturze i literaturze Młodej Polski (Gabriela Zapolska – Kazimierz Przerwa-Tetmajer – Stanisław Wyspiański)
Błękitny fin de siecle zabiera nas w niezwykłą podróż, opisując fenomen koloru niebieskiego w kulturze młodopolskiej. Przenosi błękitną atmosferę przełomu wieków XIX i XX z Francji do Polski, ukazując funkcjonowanie błękitu w wybranych przestrzeniach życia i sztuki. Historia znaczenia koloru i jego użycia jest pretekstem do przyjrzenia się wybranym dziełom Gabrieli Zapolskiej, Kazimierza Przerwy-Tetmajera i Stanisława Wyspiańskiego, w których twórczości błękit zaznaczył się wyraźnie.
Autorka zwraca szczególną uwagę na kobiety uwikłane w rozmaite relacje międzyludzkie, których kontekstem kulturowym jest panująca moda oraz estetyka przedmiotów użytkowych. Nie brakuje też odniesień do znanych europejskich projektantów czy takich symboli luksusu, jak warszawski Dom Mody Bogusław Herse. Elegancja, erotyzm, sztuka i literatura łączą się w tej monografii w barwną mozaikę. To spotkanie z ludźmi, którzy w błękicie odnajdywali inspirację, wyraz artystyczny i manifest swojej epoki. Opowieść o świecie, który – wydaje się – nie mógł bez błękitu istnieć.
W książce zamieszczono blisko sto ilustracji prezentujących wykorzystanie koloru niebieskiego w sztuce i literaturze na przełomie wieków. Ponadto, znalazły się w niej słownik francuskich nazw pigmentów i ich odcieni, terminów związanych z modą oraz wyjaśnienia symbolicznego znaczenia kwiatów. Na wewnętrznej stronie obwoluty czytelnik odkryje wzornik kolorów pokazujący różnice między błękitem kwiatu cykorii, błękitem upierzenia jaskółki, błękitem królewskim, mórz południowych i kilkudziesięcioma innymi.
"Stawka większa niż życie. Dossier" to obszerny zbiór materiałów o uniwersum Hansa Klossa. Na ponad ośmiuset stronach znalazły się omówienia spektakli teatralnych i odcinków filmowych, opowiadań, komiksów oraz zjawisk i wydarzeń okołoserialowych. Teksty zawarte w 29 rozdziałach ilustruje ponad tysiąc grafik, w tym 190 fotosów i werków, 130 krajowych i zagranicznych wycinków prasowych oraz reprodukcje unikatowych materiałów archiwalnych, również dotąd niepublikowanych. Na kartach książki dziesięcioro znakomitych stawkologów pokazuje w kolorze czarno-biały świat Hansa Klossa, który stał się fenomenem polskiej popkultury. W publikacji znalazły się liczne ciekawostki z planu odcinków filmowych oraz teatralnych, analizy i szczegółowe omówienia świata agenta J-23, przegląd nawiązań do tej postaci, historia komiksu Kapitan Kloss, sylwetki najważniejszych twórców sukcesu serialu, protokoły kolaudacyjne, indeksy aktorów i bohaterów. To obowiązkowa pozycja dla miłośników Klossa początkujących i zaawansowanych.
Lyrics, essays and photographs from one of music's most influential, enduring and endearing artists.
Iggy Pop hasn't simply left a mark on music; he's left blood stains all over it.
From fronting the legendary proto-punk band The Stooges to collaborating with an eclectic mix of artists including David Bowie, Lou Reed, Debbie Harry, Jack White and Josh Homme, Iggy has proved himself to be one of punk's most iconic, outrageous and enduring music artists.
In this beautifully illustrated collection, he shares his lyrics and reflections on a genre-defining music career that spans five decades.
Filmy, które ukształtowały bezkompromisowego artystęQuentin Tarantino jest nie tylko jednym z najsłynniejszych współczesnych twórców filmowych, lecz także prawdopodobnie największym pasjonatem kina na świecie. Przez lata w wywiadach przekonywał, że w końcu zajmie się pisaniem książek o filmach.Wreszcie nadszedł ten moment: długo oczekiwane Spekulacje o kinie są tak dobre, jak tylko fani reżysera i miłośnicy kinematografii mogli sobie wymarzyć.Tarantino skupia się na najważniejszych amerykańskich filmach lat siedemdziesiątych, które po raz pierwszy obejrzał w młodości i które przyczyniły się do jego rozwoju artystycznego. Proponuje własne spojrzenie na kino: łączy elementy krytyki filmowej, teorii filmu i reportażu ze wspaniałą historią osobistą, a całość napisana jest charakterystycznym, niepodrabialnym głosem, który mógł wybrzmieć dzięki brawurowemu przekładowi Jana Dzierzgowskiego.W którym filmie pojawił się pierwszy filmowy seryjny morderca?Jak Tarantino zakończyłby Ucieczkę gangstera, gdyby miał ją reżyserować?Ile Steve McQueen liczył sobie za przeczytanie scenariusza i dlaczego?Dlaczego Brian de Palma nie wyreżyserował Taksówkarza?Debiutancka książka non fiction autora Pewnego razu w Hollywood jest intymnym, zabawnym i błyskotliwym wyrazem obsesji na punkcie kina, wyjątkowym jak wszystko, co tworzy Tarantino.
OD WIZJI MISTYCZNYCH DO MARTWYCH NATURZnany hispanista, ks. prof. Andrzej Witko, oferuje nam perspektywę porównawczą, okazję do przyjrzenia się temu, jak malarze Sewilli obrazowali uniwersalne dogmaty i prawdy wiary. (prof. Jonathan Brown, New York University)Książka ks. prof. Andrzeja Witko, to jedna z najważniejszych pozycji dotyczących kultury hiszpańskiej, jaka powstała w ostatnich dekadach. (prof. Enrique Valdivieso, Universidad de Sevilla) Ks. prof. Andrzej Witko - historyk sztuki i teolog duchowości, kierownik Katedry Historii Sztuki Nowożytnej w Instytucie Historii Sztuki i Kultury Uniwersytetu Papieskiego Jana Pawła II w Kra-kowie, członek Królewskiej Akademii Sztuk Pięknych San Telmo w Hiszpanii, Komisji Historii Sztuki PAU, członek czynny TN KUL, a także Rady Naukowej Instytutu Sztuki PAN. Autor licznych książek i artykułów, opublikowanych w Polsce, Niemczech, Austrii, Hiszpanii, Wielkiej Brytanii, Włoszech, Irlandii, Bułgarii i Słowacji. Opublikował m.in. pośmiertny wywiad rzekę z Anną Jantar oraz pierwszą w języku polskim antologię najważniejszych tekstów poświęconych analizie tajemniczego obrazu Diego Velázqueza ,,Panny dworskie"".Odbiorcy:- pasjonaci historii sztuki- miłośnicy piękna- wszyscy pragnący rozszerzyć kulturalne horyzonty.Dlaczego warto sięgnąć po tę książkę?W siedemnastowiecznej Sewilli odrodziło się znakomite, nowatorskie malarstwo. Artyści tej miary co Diego Velázquez, Francisco de Zurbarán, Alonso Cano, Francisco de Herrera Mł., Juan de Valdés Leal czy Bartolomé Esteban Murillo należeli do największych wirtuozów pędzla w historii malarstwa. Przed nami cud - panorama barokowego malarstwa Sewilli. Ponad 300 kolorowych obrazów należących do kanonu sztuki światowej wraz z ich egzegezą - kompendium pomagające w zrozumieniu treści oraz symboliki wybitnych dzieł sztuki.
Zamki, warownie, twierdze, pałace – niemi świadkowie ponadtysiącletniej historii państwa polskiego. Siedziby królewskie, książęce, biskupie oraz rycerskie to perły architektury. Często leżą na niedostępnych wzgórzach lub na nizinnych równinach, wśród bagien i w zakolach rzek. Niejednokrotnie zrujnowane, a mimo to nadal zachwycają swoją dostojnością i intrygują legendami...
Autor książki zaprasza w podróż szlakiem warowni i zamków Polski. Opisuje budowle nie tylko powszechnie znane, jak Wawel czy Malbork, lecz także te leżące z dala od uczęszczanych tras turystycznych i czekające na to, by odkryć ich urok.
W tym przewodniku znajdziesz:
• opisy blisko 200 zamków wraz ze współrzędnymi GPS,
• ponad 450 kolorowych zdjęć,
• 15 map z lokalizacją budowli.
Zestaw trzech albumów poświęconych wybitnym polskim malarkom - Oldze Boznańskiej, Tamarze Łempickiej i Zofii Stryjeńskiej w eleganckim etui. Olga Boznańska to najwybitniejsza polska malarka okresu Młodej Polski, tworząca w nurcie realizmu i impresjonizmu. Album stanowi wybór najlepszych prac Olgi Boznańskiej z całego okresu jej twórczości. Czytelnik znajdzie w nim ponad 50 znanych i mniej znanych reprodukcji, uzupełnionych wstępem poświęconym twórczości artystki. Tamara Łempicka to najbardziej znana polska artystka na świecie. Jej obrazy należą do najchętniej kupowanych i osiągają zawrotne ceny na aukcjach. Elegancka, błyskotliwa skandalistka w Paryżu zrobiła furorę swymi portretami o świetlistych, żywych kolorach z wyraźnymi cieniami i w niestandardowej stylizacji. Z tego okresu pochodzą Autoportret w zielonym bugatti, Portret Iry P. oraz akty Andromeda i Kobieta z gołębiem. Zofia Stryjeńska zwana „księżniczką malarstwa polskiego”. Jej przepełnione duchem słowiańskim prace zachwycają wielobarwnością i porywają żywiołowością. Są świadectwem niezwykłej wyobraźni, humoru i niepowtarzalnego talentu. Zaprezentowane w książce reprodukcje pochodzą ze zbiorów muzealnych oraz kolekcji prywatnych w Polsce i na świecie.
Ten produkt jest zapowiedzią. Realizacja Twojego zamówienia ulegnie przez to wydłużeniu do czasu premiery tej pozycji. Czy chcesz dodać ten produkt do koszyka?
