W tej strefie zapraszamy czytelników tak zwane artystyczne dusze po książki z kategorii Sztuka. Polecamy szereg publikacji o sztuce i jej historii,ciekawostki i portfolia artystów, eseje, albumy, książki o malarstwie, rzeźbiarstwie, architekturze oraz histoii fotografii. Biografie ciekawych artystów, książki i powieści przedstawiające fascynujące losy malarzy i osób uwiecznianych na obrazach. W tym dziale tylko ksiązki ze sztuka w tle.
MMXX tells the story of architecture in Australia in the first two decades of the 21st century. Shaped by unprecedented prosperity, urbanisation, uncertainty and internationalisation, the past two decades have produced some of the most significant and diverse architecture in this country. This richly illustrated volume reflects on and evaluates this period, taking the reader on a journey through varying scales and locations - from ambitious city-making projects to finely crafted homes and elegant sheds nestled in the scenic countryside. Showcasing 59 acclaimed projects completed between 2000 and 2019, the book features work by more than 100 practices. Turn the pages to experience the urban generosity of Harry Seidler & Associates' Riparian Plaza in Brisbane, visit the irreverent and culture-shaping Museum of Old and New Art in Hobart by Fender Katsalidis, and explore ARM Architecture's iconic Shrine of Remembrance on Melbourne's grand axis. Highlighting the impact of the buildings, each is paired with a number that tells a story of occupation: capacity concert audiences, the number of babies born and large crowds gathered to witness moments in history. Alongside the key projects, ten essays by leading thinkers document the cultures and ideas that have shaped architecture today.
The Premiere group has been a source of inspiration for fashion professionals the world over for 45 years, constantly inspiring and making sense of the latest trends. Its international trade fairs have become events for all industry creatives who seek out makers of fabrics, leather, accessories, and more to help innovate their collections and make their lines successful. This book, beautifully illustrated with archival images, photography from magazine features, and portraits of craftspeople and designers, recounts the story of the group, originally formed by 15 weavers from Lyon, France, and focuses on the fashion revolutions of the past decade. For those interested in fashion, here is a new perspective on its creation and a glimpse into the industry of the future.
Over the last century the way that we live at home has changed dramatically. Nothing short of a design revolution has transformed our houses and the spaces within them – moving from traditional patterns of living all the way through to an era of more fluid, open-plan and modern styles. Whether we live in a new home or a period house, our spaces will have been shaped one way or another by the pioneering Modernists and Mid-century architects and designers who argued for a fresh way of life.
Architectural and design writer Dominic Bradbury charts the course of this voyage all the way from the late 19th century through to the houses of today in this ground-breaking book. Over nineteen thematic chapters, he explains the way our houses have been reinvented, while taking in – along the way – the giants of Art Deco, influential Modernists including Le Corbusier and Frank Lloyd Wright, as well as post-war innovators such as Eero Saarinen and Philip Johnson. Taking us from the 20th to the 21st century, Bradbury explores the progress of ‘modernity’ itself and reveals the secret history of our very own homes.
The exciting rediscovery in Spain of a missing canvas by Pieter Bruegel the Elder (ca. 1525-69) has jolted a revived public awareness of this great Flemish painter. Best known for his amusing depictions of peasants, landscapes, and Bosch-like fantasies, Bruegel also created a wide range of highly original interpretations of religious themes in an era marked by religious controversies. Over a career of two decades as both a printmaker and a painter, he found his artistic niche in Europe's leading center of international trade, the emerging "capital of capitalism," Antwerp.
This new full-length study examines all works by Pieter Bruegel, including the new Madrid canvas, within the wider setting of art during his lifetime. All of his drawings, prints, and paintings on both canvas and panel are examined for form and content with comprehensive analysis. In addition, interpretation of the full range of Flemish paintings and prints during his generation is presented through the lens of Hieronymus Cock, Bruegel's own print publisher, "At the Sign of the Four Winds." Within this spectrum Bruegel's uniqueness and mastery emerges clearly.
While scholars will appreciate the novel insights of this comprehensive re-examination of Pieter Bruegel, its highly accessible text will introduce newcomers and the general public to the delights of this inventive, trenchant, yet often amusing visual commentator on the human condition. All readers will relish the large-scale reproductions and frequent details in full color of his entire oeuvre in all media. This handsome, large-scale volume will form the definitive study and accessible introduction to the life and art of Pieter Bruegel.
Ignacy Jan Paderewski (1859 lub 1860–1941) był niewątpliwie jedną z najwybitniejszych postaci swoich czasów. Po zakończeniu I wojny światowej, kiedy istnienie niepodległej Polski przeszło ze sfery marzeń do rzeczywistości, postrzegany był już nie tylko jako wielki artysta, ale także – jako symbol odrodzenia ojczyzny. W czasach II Rzeczypospolitej mawiano, że „Paderewski wygrał Polskę na fortepianie”. Ale obok muzyki naturalnym narzędziem w jego działalności patriotycznej i niepodległościowej było słowo […].
Książka, którą oddajemy do rąk Czytelników, ma na celu popularyzację myśli i dokonań Ignacego Jana Paderewskiego – artysty, patrioty i męża stanu, współtwórcy polskiej niepodległości. Jego przemówienia i odezwy stanowiły ważny instrument w walce o wolność i suwerenność narodu, a po wojnie – w żmudnym procesie kształtowania demokratycznego państwa polskiego.
Ze Wstępu Justyny Szombary
Książka prezentuje polskich biografów Fryderyka Chopina, tworzących w XIX wieku. Autorka w sposób syntetyczny przedstawia podejście ówczesnych autorów, m.in. Józefa Sikorskiego, Ferdynanda Hoesicka czy Maurycego Karasowskiego. Choć sylwetki tych twórców w refleksji chopinologicznej są dobrze znane, to publikacja Magdaleny Dziadek uzupełnia istotną lukę przekrojowego ujęcia polskich biografów Chopina. „Mając dziś możliwość spoglądania na Chopina i jego muzykę z odleglejszej perspektywy, zdobywamy się […] na tworzenie wielkich syntez. […] Prace te nie powstałyby, gdyby nie wysiłek XIX-wiecznych biografów i krytyków. Z pewnością ich dorobek w pewnym sensie się zestarzał – nie sposób dziś szczerze poddać się potokowi sentymentalizmu, w którym toną dywagacje Karasowskiego, Kleczyńskiego, Tarnowskiego, Przybyszewskiego, Hoesicka czy Strzeleckiego. Roniąc łzy nad tragicznym losem naszego wielkiego kompozytora, uchronili oni wszakże dla potomnych ogromną część chopinowskiego dziedzictwa […]”
fragment Wstępu
Praca, którą oddaję Czytelnikom, powstała w 2004 roku jako dysertacja doktorska w Instytucie Muzykologii na Wydziale Historycznym Uniwersytetu Warszawskiego.
Książkę dedykuję Koleżankom i Kolegom z Zakładu Muzykologii Instytutu Sztuki Polskiej Akademii Nauk oraz Uczestniczkom i Uczestnikom Forum Badaczy i Entuzjastów Muzyki XIX wieku.
Grzegorz Zieziula
od Autora
Tytułowy „słuch metafizyczny” to władza poznawcza. Jego posiadacz wcale nie musi być obdarzony słuchem muzycznym ani pamięcią muzyczną. Może się nawet uważać za muzycznego ignoranta, lecz mimo to dostrzegać, że muzyka darowuje słuchaczowi krótki przebłysk zrozumienia sensu życia. W muzyce kryje się matematyka, mistyka, tęsknota za odnalezieniem przedustawnego porządku świata, ale i szaleństwo. Eseje Anny Chęćki prowadzą przez gąszcz muzycznych dreszczy, stawiając drogowskazy, które pomagają uporządkować własne emocje dzięki trwaniu w bezsłownej myśli muzycznej, a jednocześnie dowodzą, że niewyrażalne doświadczenie estetyczne można oblec w ściśle przylegającą do niego tkankę słów. Autorka polemizuje ze współczesnymi filozofami muzyki, poszukuje równowagi między tym, co w sztuce dźwięków drastyczne i gnostyczne, wsłuchuje się w poezję i prozę noszącą ślady metafizycznego nasłuchiwania (jak Podróż zimowa Stanisława Barańczaka czy Buddenbrookowie Tomasza Manna). Doprowadza do dialogu humanistyki z naukami przyrodniczymi, zastanawiając się nad anatomią muzycznej ekstazy i miłosnym dyskursem neuroprzekaźników. Oddaje także hołd wykonawcom muzyki klasycznej, zajmując się wirtuozerią jako transgresją cielesności, konkursową rywalizacją (Konkurs Chopinowski), a nawet zawodowymi chorobami muzyków. Diagnozuje kryzys pisania i mówienia o muzyce, oferując Czytelnikom lek na muzykognozę i na estetyczny strach przed lataniem.
Prawdopodobnie najpierw Twój wzrok pada na charakterystyczne blizny na policzku Maryi. Potem spoglądasz w Jej uważne oczy, które jakby patrzyły na każdego z osobna przenikając do głębi serca. Następnie Twoje oczy kierują się ku dłoni Matki, która wskazuje na Syna. Patrzysz na jeden z najstarszych obrazów, które przetrwały do dziś. Czy zadawałeś sobie pytanie ile lat ma ta Ikona? Zapewne słyszałeś, że namalował ją św. Łukasz Ewangelista na blacie stołu św. Rodziny z Nazaretu. Ale czy to prawda czy legenda? Czy wiesz, że pierwotnie ten obraz wyglądał inaczej? A teraz spójrzmy raz jeszcze na blizny. Skąd się wzięły? Czy to prawda, że te rany od miecza krwawiły? Dlaczego zostały do dzisiaj? Jeszcze wiele innych pytań i tajemnic wiąże się z obrazem Matki Boskiej Częstochowskiej. Jeśli chcesz bliżej poznać fakty o nim, to najbardziej kompetentną książką jest Częstochowska Hodegetria prof. Wojciecha Kurpika. Nie znajdziesz tak kompetentnych informacji w Internecie. Pozwól jeszcze, ze opowiem krótko kim jest Autor. Najważniejsze jest to, że od kilkudziesięciu lat zajmuje się konserwacją obrazu, systematycznie sprawdza jego stan, a przy tym prowadzi szczegółowe badania i obserwacje. Tą wiedzą pragnie podzielić się także z Tobą. Dlatego śmiało już dziś zamów książkę i odkrywaj tajemnice jasnogórskiej Ikony.
Anda Rottenberg, wybitna kuratorka i krytyczka zbiera rozrzucone na przestrzeni lat okruchy pamięci, tworząc pasjonujący pejzaż sztuki i kultury XX i XXI wieku. W tym bogato ilustrowanym tomie awangarda spotyka Warhola i kolorystów, znani artyści jak Munch, Szapocznikow czy Wróblewski sąsiadują z tymi mniej znanymi, a godnymi uwagi. Autorka pisze o pamięci, obecności kobiet w świecie, ale i o związkach między władzą a sztuką i kulturą. To wciągający przewodnik po sztuce XX i początków XXI wieku, ale i po współczesnym świecie. Rozrzut to lektura nie tylko dla miłośników sztuki, a może wręcz przede wszystkim dla "niemiłośników". Otwiera drzwi do zrozumienia kwestii fundamentalnych: po co nam sztuka i po co nam artyści.prof. Małgorzata Omilanowska/ fragment wstępu
Mam na imię Leonardo. Jestem malarzem, ale także wynalazcą. Doprawdy, jestem bardzo dociekliwy! Uwielbiam obserwować wszystko, co mnie otacza. W ten sposób wpadam na wiele pomysłów. Chciałbym Ci opowiedzieć o moich najsławniejszych wynalazkach!Co zainspirowało wielkie umysły do stworzenia niesamowitych rzeczy? Kim byli i czym zajmowali się Leonardo da Vinci, Albert Einstein, Frida Kahlo i Maria Skłodowska-Curie? Na te pytania postara się odpowiedzieć seria "O wielkich dla małych". Książki w zabawny i zrozumiały sposób zapoznają najmłodszych czytelników z najbardziej znanymi postaciami ze świata nauki i sztuki. Pokażą, że wielcy geniusze mogą stać się potężną inspiracją, aby mieć równie wielkie marzenia!
Albumowe wydanie książki o erotycznej sztuce japońskich drzeworytów zwanych shunga. Japończycy rozwinęli w swojej kulturze liczne tradycje, obyczaje i rytuały związane z flirtem, zalotami, ślubami, a miłość zmysłowa odgrywała w nich podstawową rolę. Złożona kultura miłosno-erotyczna znajduje swoje odzwierciedlenie w sztuce, która stanowi istotny element całej cywilizacji Japonii. Obecność erotyki w sztuce Japonii to właśnie jeden z przejawów sensualizmu tej kultury.W sztuce Kraju Kwitnącej Wiśni powstały swoiste ukiyo-e, czyli obrazy ulotnego świata, wykonywane techniką drzeworytniczą. Odnosiły się one do świata pełnego fascynujących zabaw, nieustannie zmieniających się nastrojów, swobody i frywolności, symbolizowały płynięcie z prądem była to swoista odmiana carpe diem. Ten świat reprezentowany był przez środowisko kurtyzan, aktorów, kuglarzy, artystów, przez wszystkie osoby związane z domami publicznymi, herbaciarniami chaya miejscami intymnych spotkań i irochaya. Serwowały one usługi daleko wykraczające poza podawanie herbaty i wraz z teatrami mieszczańskimi i wszelkimi podobnymi przybytkami ulokowane były w dzielnicach rozrywki zwanymi yukaku.Nasycone erotyzmem obrazy shunga charakteryzowały autentyczność seksualności i duża ilość nawiązań symbolicznych. Nie była to bowiem przypadkowość artyści wiedzieli, jaką optykę zastosować i jakich technik użyć, by stworzyć grę spojrzeń pomiędzy przedstawianymi kochankami a widzem. Drzeworyty shunga to prawdziwe miniaturowe dzieła sztuki tworzone przez najwybitniejszych japońskich artystów. Niejednokrotnie narzucana w społeczeństwach zachodnich poprawność moralna", wyrażająca się rezerwą do ukazywania pełnej nagości, przeszkadza w obiektywnej ocenie sztuki pochodzącej z innych kręgów kulturalnych. Zmysłowość, stosunki seksualne czy piękno całej intymności ludzkiego ciała zjednoczone w miłosnej ekstazie funkcjonowało od dawna w sztuce Japonii, podczas gdy dla Zachodu były to często tematy zakazane ze względu na zbyt uwydatnianą nagość.
Opracowanie wpisuje się w aktualny nurt badań nad historią historii sztuki, obecny w coraz większym stopniu także w nauce polskiej. Autorka już swoimi wcześniejszymi publikacjami w istotny sposób wzbogaciła zasób wiedzy w tej dziedzinie, omawiana monografia jest kontynuacją i rozwinięciem jej wcześniejszych prac. Badania prezentowane w omawianej rozprawie są z jednej strony wyraźnie skupione na wybranym wycinku historiografii artystycznej: historii badań sztuki Pomorza, z drugiej jednak strony należy podkreślić, że jest to fragment dziejów historii sztuki daleko wyrastający ponad regionalne ograniczenia. () Praca Barbary Ochendowskiej-Grzelak w istotny sposób zwiększa zasób wiedzy o tym pionierskim okresie historii sztuki jako nauki. Z recenzji prof. dr. hab. Jarosława Jarzewicza
Ten swoisty leksykon fotografów pokazuje przede wszystkim ich dorobek zdjęcia. Nie biogramy są tu najważniejsze, tylko to, co po sobie zostawili fotografie. Jedne są przeciętne, słabe, tak pod względem techniki jak i walorów estetycznych, inne cechuje wielki kunszt, wyczucie światła i modela. Część zdjęć ma walory dokumentacyjne pokazują czynności i modę w określonym przedziale lat. Znajdujemy też zdjęcia, które stały się małymi dziełami sztuki i które chętnie umieścilibyśmy na ścianach mieszkań. Dla tych fotografii warto było przedstawić ich autorów często zupełnie już zapomnianych. Ciekawostką jest, że znakomitych fotografów znajdujemy nieraz w małych wioskach, jak choćby Florka w Czarnowąsach, Gbela w Gielczycach lub Meistera w Bąkowie k/Kluczborka.
Kolejna książka wybitnego szwajcarskiego chopinologa, Jeana-Jacques’a Eigeldingera, wpisuje się w nurt prowadzonych przez niego od wielu lat studiów nad społeczno-kulturowym kontekstem działalności Chopina. Po gruntownym przebadaniu jego aktywności jako nauczyciela gry fortepianowej i specyficznego kręgu jego adeptów zaprezentowanych w pionierskiej monografii pt. Chopin w oczach swoich uczniów Jean-Jacques Eigeldinger podjął frapujący temat związków Chopina z paryskim życiem salonowym. Związki te ukazał w podwójnym wymiarze: z jednej strony – jako wkład Chopina do aktywności tych salonów Paryża, w których przyszło mu działać, z drugiej zaś – jako recepcję jego występów w owym kręgu połączoną z wartościowaniem jego stylu gry, z ocenami przybierającymi niekiedy finezyjny kształt literacki.
prof. dr hab. Zbigniew Skowron
Książka zaprasza do wędrówki ośmioma trasami poprowadzonymi topograficznie przez dzielnice miasta, w obrębie których autorki i autorzy zebrali najważniejsze informacje na temat stu wybranych budynków i kilkunastu realizacji urbanistycznych XX wieku w Krakowie. Notkom towarzyszą archiwalne fotografie budynków i oryginalne rysunki architektoniczne, a trasy rozpoczynają czytelne mapy ukazujące proponowane kierunki zwiedzania.
Unikalna edycja antologii krytyki muzycznej o Chopinie i jego dziele od czasów życia kompozytora do I wojny światowej jest świadectwem recepcji zarówno osobowości jak i fenomenu twórczości Chopina w 5 krajach europejskich – Polsce, Rosji, Francji, Wielkiej Brytanii i Niemczech.
Antologia krytyki muzycznej poświęconej Chopinowi w XIX w. jest potrzebna ze względów poznawczych, porównawczych, dydaktycznych i badawczych dla szerokiego środowiska naukowego – humanistycznego, muzycznego i wielkiej rzeszy melomanów, krytyków, publicystów. Idea ta spotkała się z entuzjastycznym przyjęciem w międzynarodowym środowisku muzycznym i muzykologicznym.
Publikacja przeznaczona jest dla odbiorców zagranicznych, toteż teksty pozostają w językach oryginalnych, tzn. we francuskim, niemieckim i angielskim. Części Antologii poświęcone Rosji i Polsce w całości zostały opublikowane w języku angielskim.
Monografia jest interesującym [] osiągnięciem badawczym, które [] wzbogaca wiedzę o gatunku remakeu oraz specyfice przekodowania klasycznego arcydzieła romantycznej literatury rosyjskiej [] na potrzeby ukazania odmiennej kulturowo, industrialnej przestrzeni łódzkiej i mentalności jej mieszkańców. Gorąco polecam publikację [] z uwagi na wszechstronność analizy tekstów i walory warsztatu Autorki, umiejętnie różnicującej postępowanie badawcze i interpretacyjne w odniesieniu do stosowanych praktyk imitacyjnych w ich zróżnicowanych uwarunkowaniach kontekstualnych oraz trafność wyboru narzędzi badawczych. Unikatowa w odniesieniu do polskich badań nad przekodowaniem klasycznego tekstu literackiego na język odmiennej kulturowo przestrzeni i epoki monografia wpisuje się we współczesne badania nad gatunkiem remakeu oraz wielorakimi przeróbkami poematu Puszkina Eugeniusz Oniegin. Poczynione ustalenia dopełniają [] wiedzę o recepcji twórczości Puszkina w środowisku rosyjskojęzycznym poza granicami Rosji i o specyfice artystycznej regionalnych przeróbek Eugeniusza Oniegina. Obrazują proces kształtowania się tzw. łódzkiego tekstu oraz wskazują istotne komponenty jego poetyki. Z recenzji prof. Aliny Orłowskiej (UMCS) Publikacja jest oryginalnym spojrzeniem na recepcję dzieł Aleksandra Puszkina w jej regionalnym wydaniu. [] Uzupełnia lukę w mocno zaniedbanym zagadnieniu, jakim jest obraz Łodzi w rosyjskojęzycznej prasie epoki, a także w obrębie treści, postaw moralnych oraz przejawów kultury promowanej na łamach tego źródła. Zarówno pomysł na książkę, jak i jego realizację oceniam jak najwyżej. Praca jest innowacyjna porusza ważny i prawie nieruszony w polskiej historiografii problem remakeu dzieł Puszkina, ze szczególnym uwzględnieniem poematu Eugeniusz Oniegin. Ze względu na znaczenie Oniegina w literaturze światowej jego recepcja na ziemiach polskich, w tym remake w prasie rosyjskojęzycznej Łodzi, pokazuje powiązania intelektualne Królestwa Polskiego z metropolią. udane próby budowania przestrzeni porozumienia mentalnego i odwoływania się do wspólnych lektur, które nie tylko służyły rusyfikacji, ale były częścią korpusu poznawczego ówczesnych elit []. Książka wskazuje na rolę Rosjan w kreowaniu przestrzeni rosyjskojęzycznej Łodzi przedstawia ich nie tylko jako ludzi handlu, gospodarki i rusyfikatorów, lecz także tych, którym zależało na szukaniu intelektualnych dróg porozumienia z odbiorcą w Królestwie. Z recenzji prof. Tomasza Pudłockiego (UJ)
Józef Chełmoński (1849-1914) - i jako człowiek, i jako artysta - lubił się wyróżniać, chadzał własnymi drogami, był wierny tylko sobie, stąd sprzeczne opinie na jego temat. Naturalizm i bezkompromisowość młodzieńczych płócien i odrzucenie utartych kanonów piękna czyniły jego wizję świata trudną do zaakceptowania przez ukształtowanych wedle akademickich norm krytyków. Rozgoryczony i niezrozumiany w warszawskim środowisku, udał się do Paryża, gdzie zdobył uznanie i sławę. Po powrocie do kraju stopniowo odsuwał się od świata, przyjaciół i bliskich, skupiając się całkowicie na swojej twórczości. W dziejach polskiego malarstwa zapisał się przede wszystkim jako twórca niezrównanych, nastrojowych pejzaży.
Ten produkt jest zapowiedzią. Realizacja Twojego zamówienia ulegnie przez to wydłużeniu do czasu premiery tej pozycji. Czy chcesz dodać ten produkt do koszyka?
