W tej strefie zapraszamy czytelników tak zwane artystyczne dusze po książki z kategorii Sztuka. Polecamy szereg publikacji o sztuce i jej historii,ciekawostki i portfolia artystów, eseje, albumy, książki o malarstwie, rzeźbiarstwie, architekturze oraz histoii fotografii. Biografie ciekawych artystów, książki i powieści przedstawiające fascynujące losy malarzy i osób uwiecznianych na obrazach. W tym dziale tylko ksiązki ze sztuka w tle.
A curated survey of the legendary Portuguese architect’s most interesting buildings, photographed by Duccio Malagamba
The renowned Portuguese architect Álvaro Siza is widely regarded as one of the most important architects of the 20th and 21st centuries. Recognized with numerous awards throughout his career, his architectural works are both functional and aesthetically pleasing, characterized by their elegant simplicity, careful attention to detail, and harmonious integration with the surrounding environment.
Conceived together with acclaimed architectural photographer Duccio Malagamba, the book reflects twenty compelling global projects personally selected by Siza, with each feature accompanied by the architect’s inspired hand drawings. The features are additionally illustrated by Malagamba’s photography, reflecting the enduring relationship between the two men for the last three decades.
Siza’s work has had a significant impact on younger generations of architects, and his approach to architecture, rooted in careful observation and a deep understanding of the human experience, has influenced countless designers around the world. Born in Portugal in 1933, Siza has received much international recognition, including the Pritzker Prize, the RIBA Royal Gold Medal, and the Japanese Praemium Imperiale and his unique approach to space and volume continues to inspire contemporary designers and architects today.
This book offers a unique opportunity to look at his work through his selection of 20 projects in Belgium, Brazil, France, Germany, Portugal, South Korea, and Spain, shown through his personal drawings and Duccio Malagamba’s elegant photography.
Wyjątkowa książka o stylowej ewolucji Taylor Swift Czerwona szminka nie jest wyłącznie elementem makijażu – stanowi symbol pewnej epoki. Minispódniczka nie jest po prostu częścią uroczej stylizacji, tylko zbroją. Od kowbojek po zabójczo wysokie obcasy, od bajkowych sukienek po tlenione pukle i wiele innych pamiętnych outfitów – książka ta opowiada modową historię każdego albumu Taylor Swift. Dla piosenkarki styl i muzyka są nierozerwalnie ze sobą związane – jedno i drugie odgrywa ogromną rolę w budowaniu narracji u tej niezwykle twórczej storytellerki tego pokolenia. Sarah Chapelle, instagramerka i autorka popularnego bloga Taylor Swift Style, przez ponad dekadę dokumentowała modowe wybory piosenkarki. Od kreacji z czerwonego dywanu, przez codzienną garderobę, aż po kostiumy sceniczne – niniejsza książka szuka odpowiedzi na pytanie, co skłoniło Taylor do wyboru tych wszystkich stylizacji. Z ponad 200 opatrzonych komentarzem zdjęć (od początku kariery Taylor jako piosenkarki country w Nashville, aż do jej obecnej twórczości jako ikony muzyki pop), wyłania się portret megagwiazdy, która doskonale wie, co robi. Taylor Swift Style to obowiązkowa pozycja dla wszystkich Swifties.
Alfons Mucha (1860–1939) jest jednym z najważniejszych przedstawicieli stylu secesyjnego, a jego twórczość stała się symbolem przełomu XIX i XX wieku. Prace tego wybitnego czeskiego malarza i grafika charakteryzują się zmysłowymi liniami i ornamentami, bogactwem detali i subtelną kolorystyką. Wyidealizowane bohaterki jego dzieł przypominają niedostępne egzotyczne boginie, leśne rusałki lub senne zjawy. Mucha zdobył sławę dzięki swoim plakatom reklamowym, które wprowadziły nową estetykę do sztuki użytkowej i przyniosły mu międzynarodowe uznanie. Album ten jest wyjątkowym hołdem dla twórczości artysty, zawierającym fotografie jego najważniejszych dzieł, od plakatów i ilustracji po monumentalne malowidła i projekty dekoracyjne. Książka oferuje również wnikliwy wgląd w życie i twórczość Muchy.
Autorka, historyczka sztuki Luba Ristujczina, zdradza tajemnice biografii artysty, inspiracje, obsesje i tajniki warsztatu, a także analizuje wpływ jego twórczości na sztukę współczesną.
Pierwsza polska wszechstronna biografia Elvisa Presleya, w całości oparta na relacjach osób, które znały go osobiście.
„Elvis Presley. Niezwykłe życie” to książka pokazująca nie tylko niezwykłe życie i karierę jednego z najsłynniejszych piosenkarzy świata, ale także jego prywatne zainteresowania, przekonania, poszukiwania duchowe i pasje. Napisana przez dziennikarkę, która od prawie trzydziestu pięciu lat jest związana z radiem i telewizją, gdzie prowadziła audycje muzyczne i podróżnicze, m.in. „Świat według BlondynkI” w Radiu ZET.
Książka będąca pierwszą polską kompletną i pogłębioną, a jednocześnie lekko napisaną biografią Elvisa Presleya pt. "ELVIS PRESLEY. Niezwykłe życie".
Osoby, które znały Elvisa osobiście, opowiadają o nim fascynujące historie. Niektóre są zabawne, inne wzruszające albo niesamowite. Elvis miał bliskie spotkania z UFO, czytał mnóstwo książek, miał fotograficzną pamięć i niezwykły talent muzyczny. Chciał zostać mnichem, miał magnetyczny wpływ na kobiety, był zawsze w ruchu, ciągle czegoś szukał i wymyślał coś nowego. Uwielbiał się śmiać i miał ogromne poczucie humoru. Pod wpływem impulsu rozdawał w prezencie samochody i biżuterię, wierzył w moc uzdrawiania i sam uleczył z nowotworu wokalistkę gospel.
Był młody, piękny, zmysłowy, miał wspaniały głos i stał się pierwszym młodzieżowym bohaterem wszech czasów.
Nasuwa się pytanie: czy można poprzez dźwięki wyrazić teologiczną treść? Moim celem jest rozstrzygnięcie tej kwestii na przykładzie wyżej wymienionego utworu. Dzięki podwójnemu wykształceniu mogę ukazać to dzieło w jego właściwej optyce łączącej elementy teologii i muzyki, czyli przedstawić Bacha nie tylko jako kompozytora, ale także jako teologa.
Zasadniczy problem poruszany w niniejszej pracy można ująć następująco: jaka relacja istnieje pomiędzy słowem a muzyką w Pasji według św. Jana J.S. Bacha? Mówiąc jeszcze bardziej ściśle: jaką funkcję spełniają dźwięki w teologicznej warstwie tego utworu? Pytanie to ma charakter interdyscyplinarny, ponieważ dotyczy znajomości dwóch dziedzin naukowych.
Fragment książki, s. 8
Marek Skrukwa – adiunkt badawczo-dydaktyczny na Uniwersytecie Ignatianum w Krakowie, teolog, muzyk instrumentalista, badacz historii duchowości katolickiej i protestanckiej oraz semantyki języka muzycznego i pokrewieństwa sztuk, autor artykułów z pogranicza teologii i muzyki. Otrzymał tytuł doktora nauk teologicznych w Papieskiej Akademii Teologicznej w Krakowie (obecnie Uniwersytet Papieski Jana Pawła II). Wykładał w Karmelitańskim Instytucie Duchowości „Teresianum” w Krakowie, a obecnie w Karmelitańskim Instytucie Duchowości „Carmelitanum” w Warszawie. Ukończył także dwa kierunki studiów na Wydziale Instrumentalnym Akademii Muzycznej w Krakowie: kontrabas i violę da gamba. Prowadził zajęcia dydaktyczne w Międzyuczelnianym Instytucie Muzyki Kościelnej (Akademia Muzyczna/Uniwersytet Papieski Jana Pawła II) w Krakowie.
Jako muzyk instrumentalista bierze czynny udział w życiu koncertowym. Współpracuje z solistami i zespołami muzyki dawnej, m.in. Camerata Cracovia, The Flowery Plain Baroque Ensemble. Występował podczas Wieczorów Wawelskich, Muzycznych Wieczorów na Salwatorze oraz na festiwalach: Muzyka w Starym Krakowie, Festiwal Muzyki Dawnej w Starym Sączu, Międzynarodowy Festiwal Muzyki Dawnej im. Mikołaja z Radomia, Międzynarodowy Festiwal Muzyki Organowej i Kameralnej w Leżajsku, Międzynarodowa Dekada Muzyki Organowej, Chóralnej i Kameralnej w Cieszynie, VII Międzynarodowy Festiwal Muzyki Organowej i Kameralnej w Giewartowie, Karmelitańskie Spotkania z Muzyką Organową i Kameralną w Krakowie.
Koncert jako przestrzeń prezentacji dzieł muzycznych i sztuki wykonawczej na wzór wystaw muzealnych pozostaje jednym z najważniejszych kanałów rozpowszechniania, odbioru i kanonizacji nowej muzyki. Liczne w ostatnich latach eksperymenty z formą koncertu pokazują jednak, że ten wywodzący się z XIX wieku model muzycznej kreacji i recepcji nie satysfakcjonuje wielu artystów i odbiorców. Analizując wybrane projekty kuratorskie, autorka pracy bada, jak współcześni twórcy – muzycy, kompozytorzy, kuratorzy – zmieniają nie tylko formę koncertu, ale przede wszystkim jego funkcję: z miejsca prezentacji (arcy)dzieł i (re)produkcji kanonu w miejsce tworzenia krytycznej wiedzy i nowego doświadczenia.
Książka, łącząca elementy rozważań filozoficznych z opisem ważnego zjawiska popkultury, próbuje rozstrzygnąć paradoksy horroru w filmie, literaturze oraz najogólniej w życiu człowieka.
„Zwykle unikamy tego, co wywołuje stres – zauważa autor. – Nie sterczymy dla rozrywki w korkach samochodowych, nie uczestniczymy – jeśli nie musimy – w sekcjach zwłok. Dlaczego więc tak chętnie poddajemy się fikcjom, które nas przerażają?” Gwałtowne emocje, jakie wyzwala horror, są paradoksalnie nieuzasadnione: boimy się zwykle czegoś, co nie istnieje. Co więcej – mamy świadomość, że uczestniczymy w grze fikcji.
Horror – zdaniem Carrolla – jako gatunek literacki i filmowy, a także rodzaj estetyki, jest w gruncie rzeczy tworem schematycznym, a skuteczność pewnych jego konwencji i sposobów oddziaływania na ludzkie emocje – wykalkulowana i sprawdzona w praktyce. Dlatego niesamowite bądź krwawe opowieści, choć wywołują strach i poczucie dyskomfortu, przez wieki nie tracą na popularności.
Wystawa w Muzeum Sztuki Współczesnej w Krakowie MOCAK 12.04.2024 - 16.03.2025
Jedzenie w sztuce to 11. wystawa z flagowej serii MOCAK-u, w której konfrontowane są ważne obszary życia z refleksjami artystów. Wcześniej przyglądano się tematom takim jak: historia, sport, ekonomia, zbrodnia, gender, medycyna, ojczyzna, sztuka, natura, polityka, analizując zawarte w nich prawdy i związane z nimi manipulacje. Jedzenie w tym kontekście jest wyjątkowe, bo stoi u podstaw życia, przez co ma wpływ na wiele jego aspektów.
Jedzenie to zaspokajanie potrzeby fizjologicznej, znajdującej się u podstaw piramidy Maslowa, a równolegle – szeregu innych, wyższych potrzeb, psychicznych i społecznych, takich jak poczucie przynależności czy bezpieczeństwa. Pokarm jako nieodzowny warunek przetrwania ukształtował naszą cywilizację. Był zapłatą za pracę, a jego zdobywanie – motorem postępu. Jego poszukiwanie inicjowało wędrówki ludności i tym samym odkrywanie świata. Jego brak bywał zarzewiem konfliktów, przyczyniał się do zamieszek i rozlewu krwi. Jedzenie do dziś towarzyszy rytuałom i obrzędom, jest fundamentem każdej wspólnoty, kultury i religii.
Na wystawie zaprezentowane są prace 66 artystów z wielu krajów, w różnych mediach, takich jak malarstwo, fotografia, wideo, obiekt i instalacja. Jedzenie to czynność społeczna, podstawa tożsamości, a nawet narzędzie oporu. Współczesnych artystów niepokoi tak niedosyt, jak nadmiar żywności. W pierwszym przypadku głód, nierówność, kryzys humanitarny, degradacja społeczeństwa, upokorzenie, w drugim – konsumpcjonizm, marnotrawstwo, zdrowotne skutki źle zbilansowanej diety. Analizie został poddany zarówno eksponowany w sztuce od wieków estetyczny potencjał jedzenia, jak i jego aspekty etyczne i światopoglądowe.
Książka z tekstem równoległym polsko-angielskim.
In her vibrant works, the Brazilian painter Beatriz Milhazes fuses two very different worldviews. Her abstract compositions, which can be seen in a line with modernist masters from Henri Matisse to Bridget Riley, are saturated with the colors and light of her native country. Her paintings are strewn with symbols of everyday life in Brazil, invoking carnival, traditional craftsmanship, and motifs from baroque to pop, all choreographed in an exuberant visual rhythm. The colorful atmosphere has an irresistible exotic allure, but as in the works of Paul Gauguin, we find a broken paradise in which darker, more melancholic tones resonate, both in the promises of tropical life and those of modernist abstraction.
In seeking this balance, Milhazes developed a special transfer technique in the late eighties, painting her motifs onto plastic sheets, gluing these to the canvas and letting them dry, and then peeling away the plastic once dry so that the paint remains on the canvas. This method allows the artist to layer surface upon surface and to achieve an iridescence somewhere between radiant aura and shimmering melancholy. Since her breakthrough in the early 1990s, Milhazes has extended the scope of her work to other media, producing screen prints, collages made of chocolate and candy wrappers, sculptures such as giant mobiles made of carnival decorations, site-specific projects that transform building façades into stained glass windows, and experiments with body and rhythm in collaboration with her sister Marcia’s ballet ensemble.
Jest to przewodnik po czytaniu sztuk teatralnych i scenariuszy dla studentów i praktyków zarówno teatru, jak i literatury, raczej uzupełnia, niż zaprzecza lub powtarza, tradycyjne metody analizy literackiej egzemplarzy.
Tekst jest pełen narzędzi dla studentów i praktyków, z których mogą korzystać, badając fabułę, postać, temat, ekspozycję, wyobrażoną motywację /przeszkodę/ konflikt, teatralność i inne kluczowe elementy nadbudowy sztuki. Zawiera on instrukcje pozwalające odkryć, co dramaturg uważa za najistotniejsze elementy danej sztuki, umożliwiając tym samym interpretację opartą raczej na fundamentach sztuki niż na jej szczegółach.
Używając Hamleta jako przykładu, Ball zapewnia znaną bazę do zilustrowania technik czytania egzemplarza, jak również przykłady rodzajów błędnych interpretacji, których czytający mogą być ofiarami, ignorując rzemiosło dramaturga. Niezwykle przydatna dla tych, którzy chcą wystawić sztukę na scenie (aktorów, reżyserów, scenografów, specjalistów ds. produkcji). W przód i Wspak jest również doskonałym instruktażem pisania sztuk i scenariuszy, ponieważ struktury, które opisuje, są podstawowymi narzędziami dramatopisarza.
Kiedyś dwaj scenarzyści weszli do biura hollywoodzkiego producenta i wypowiedzieli trzy słowa: „Szczęki w kosmosie”. Te trzy słowa zapewniły im kontrakt na filmowy hit „Obcy – ósmy pasażer Nostromo”. Chwila ta zapisała się w mitologii Hollywood jako prezentacja idealna.
Umiejętność zaprezentowania projektu jest niezbędna w branży filmowej i telewizyjnej, przydaje się scenarzystom, reżyserom i producentom. Autor sam pracuje jako scenarzysta i reżyser, m.in. dla BBC i Channel 4, na koncie ma nagradzane w wielu krajach dokumenty i seriale telewizyjne. Czerpiąc z własnych doświadczeń filmowca i wykładowcy prowadzi czytelnika krok po kroku od koniecznych elementów dobrej prezentacji po zaawansowane umiejętności, pomocne w każdej sytuacji związanej z pitchingiem.
Charles Harris w przejrzysty sposób przedstawia wiele praktycznych metod przygotowania porywającej i przekonującej prezentacji. Na przykładach analizuje problemy, które mogą się pojawić w przypadku rozmaitych projektów i pokazuje jak sobie z nimi poradzić. Rozkłada także na czynniki pierwsze sam proces pitchingu oraz specyfikę spotkań branżowych i wyjaśnia jak zagwarantować, że zakończą się sukcesem.
Książka stanowi praktyczny podręcznik dla każdego filmowca, który chciałby nauczyć się zasad skutecznego pitchingu. Od czego zacząć? Jak stworzyć dobrą prezentację? Jak przedstawić siebie jako twórcę? Jakich błędów unikać? Jak nawiązać kontakt i zachowywać się na spotkaniu z producentem? A co zrobić potem w zależności od reakcji? Wszystko w przystępnej formie, z dużą ilością przykładów i ćwiczeń.
Estetyka obrazu filmowego. Szkice badawcze są próbą odsłonięcia i rekonstrukcji ezoterycznej osobliwości obrazu filmowego czyli jakości wartości estetycznych. Poruszamy się na wielu płaszczyznach badawczych i warto zadać pytanie, czy klarowne zdefiniowanie jakości wartości estetycznych obrazu filmowego jest możliwe? Chodzi tu o sformułowanie "prezentującej naoczności" obrazu filmowego. Które osobliwości obrazu filmowego są źródłowe, a które w świadomości percepcyjnej odbiorcy prezentują się jako "obecne" czyli jako przedmioty poznania? Źródłowość poznania jest osadzona jako przyczyna - bodziec - zdarzenia ekranowego, który manifestuje się w poszukującej myśli odbiorcy dzieła filmowego. Filozoficzne źródła tej osobliwości leżą gdzieś w głębi metafizycznych przestrzeni, jednak są one najbardziej zakryte, a jednocześnie postrzegalne.
Legenda duetu krytyków filmowych Zygmunta Kałużyńskiego i Tomasza Raczka, którzy w telewizyjnym cyklu „Perły z lamusa” przez ponad dziesięć lat prezentowali historię kina jako fantastyczną przygodę i zarazem rozwibrowane lustro współczesnego świata, trwa do dzisiaj i nic nie wskazuje, by siła tej pamięci miała słabnąć. Ta książka nie powstałaby, gdyby nie prośby widzów, by opowiedzieć o fenomenie duetu i o tajemnicy jego sukcesu. Stała się ona też okazją do przypomnienia oryginalności dialogów które prowadzili Kałużyński i Raczek, a także przybliżenia historii ich rozwijającej się na przestrzeni ostatniego ćwierćwiecza XX wieku współpracy. Czytelnik znajdzie tu barwne opowieści o najbardziej kochanych filmach z przeszłości. Nie zawsze tych najbardziej utytułowanych, nie tych najwyżej ocenianych przez filmoznawców, ale właśnie tych najbardziej kochanych przez widzów. Kalejdoskop anegdot filmowych łączy się tu z nie mniej sensacyjnymi, czasem zabawnymi perypetiami autorów „Pereł z lamusa”, które przeżywali podczas tworzenia ich telewizyjnego cyklu. Dzięki tej historii wielu miłośników filmów, którzy lubią o nich dyskutować, ma szansę przekonać się, że spór nie musi być kłótnią, a inne zdanie powodem wykluczenia. Że nawet w dzisiejszym zerojedynkowym świecie jest miejsce dla ludzi, którzy potrafią się różnić w sposób, który ich zbliża, a nie oddala. Ta książka jest o przyjaźni. Pierwsze „Perły z lamusa” zostały wyemitowane w 1989 roku. Dla mnie oraz dla moich licealnych koleżanek i kolegów stały się wydarzeniem. Tomasz Raczek i Zygmunt Kałużyński udowodnili nam, że dawne filmy to nie zakurzone ramoty. Skąd! Te filmy żyją! Nadal wywołują emocje i potrafią zachwycać. Wciąż uświadamiają nam, czym jest otaczający nas świat, i pomagają go nam zrozumieć. Dzięki „Perłom z lamusa” dotarło do mnie, że film nie ma daty przydatności do oglądania. Za to już zawsze będę wdzięczny Tomkowi i Zygmuntowi. Marcin Szczygielski
Głównym problemem poruszanym w niniejszej książce będzie zjawisko sztuki outsiderów, najczęściej określane w literaturze przedmiotu jako art brut czy outsider art. Nierzadko też używane jest określenie sztuka naiwna (lub zwana naiwną), które rozciągane jest na zjawiska o bynajmniej mało naiwnym charakterze. Wszystkie te terminy, o czym będzie jeszcze mowa, budzą jednak wiele wątpliwości, ich zakres znaczeniowy jest dość nieprecyzyjny, a kwestia przynależności czy kwalifikacji konkretnych twórców do takiej czy innej kategorii niejednokrotnie wywoływała różnego rodzaju spory i kontrowersje. Fragment książki
Kurt Cobain and Courtney Love were notorious for representing the opposite of “Family Values.” To reframe their notoriety, they consented to a rare photoshoot for Spin magazine with their newborn, Frances Bean. Only 5 images were originally published; the rest of the photoshoot is seen here for the first time.
With an ineffable ability to connect with people through his music, Kurt Cobain was charismatic and full of pathos, something of a lost boy poet struggling against his personal demons while holding the world in thrall. And yet in the midst of his struggles with success, fame, fortune, drugs, and the wounds of a traumatic childhood, he managed in his brief adulthood to get married to Courtney Love—who of course had her own accomplishments as an electrifying and unrestrained lead singer and lyricist. The couple had already emerged as a cultural touchstone when their baby, Frances Bean, was born in 1992. Photographers Guzman captured, amidst toys and pajamas, the sweetness, humor, irony and the simple happiness of a new mom and dad at home with their baby girl.
Family Values is a photography book presenting approximately 90 images featuring Kurt, Courtney, and their baby Frances, one morning in their modest Hollywood home selected from a photoshoot that Guzman did for Spin magazine in 1992. Only five photographs from the shoot were published in the magazine at the time, including the cover. Another appeared in Rolling Stone at the time of Kurt Cobain’s death. In Spin, the photos originally accompanied an interview by Jonathan Poneman, which Guzman plans to license to reprint in the book. The book will also include a memoir of the photo shoot written by Guzman and an introduction by curator and music journalist Michael Azerrad.
Family Values is a photographic assignment that revealed two famous rock stars who during one brief moment transcended the magnifying glass of fame and were revealed, amidst all the chaos, as being just a mom and dad.
Idea opracowania listy najcenniejszych na świecie obiektów narodziła się na początku lat 70. XX wieku. W 1977 roku odbyła się pierwsza sesja Komitetu Światowego Dziedzictwa, a w 1978 roku w Waszyngtonie dokonano wpisu pierwszych dwunastu obiektów, wśród których znalazły się aż dwa miejsca usytuowane na terenie Polski Stare Miasto w Krakowie i Kopalnia Soli w Wieliczce. W książce opisano najciekawsze z 1199 miejsc, które do 2024 roku zostały umieszczone na Liście Światowego Dziedzictwa Kulturalnego i Przyrodniczego UNESCO. Doskonałe fotografie wzbogacone opisami przybliżają Czytelnikom skarby architektoniczne i przyrodnicze, jakie kryją się na sześciu kontynentach.
Teoria muzyki dla bystrzaków. Wydanie IV W prostocie tkwi siła Poznaj elementy składowe muzyki Zrozum muzykę, którą grasz, komponujesz lub analizujesz Posłuchaj online dołączonych nagrań Nastrój się na prawdziwą muzykę Czy jesteś uczniem, wykonawcą, czy fanem, dzięki tej książce bez trudu pojmiesz teorię muzyki. To przejrzyste wprowadzenie w jej koncepcje oraz w zagadnienia artyzmu i biegłości technicznej - kwestie stanowiące podstawę do tworzenia wspaniałych dźwięków. Szybko staniesz się specjalistą od wystukiwania rytmów, odczytywania nut i przewidywania dalszego ciągu utworu. Zyskasz też szersze spojrzenie na dzieła innych muzyków - i nadasz głębszy wymiar własnym. W książce: Skale durowe i molowe, interwały, klucze i wysokość dźwięku Podstawy notacji muzycznej, oznaczeń metrum, tempa i dynamiki Budowanie melodii, akordów, progresji i fraz muzycznych Komponowanie harmonii i melodii akompaniujących dla głosu i instrumentów
Like the first part of the Unseen series (London Unseen), New York Unseen is an authentic approach to the character of a world metropolis. It is the first illustrated book that attempts to capture the soul of the Big Apple without focusing on tourist highlights such as the Statue of Liberty and Central Park. Instead, Luc Kordas focuses on intimate encounters with the protagonists of the East Coast metropolis: its residents. Embedded in their "natural habitat," the mostly black-and-white images of people from the city's streets, backyards, apartments, or trains often tell much more than the 1,000th image of the Empire State Building could. The result is a photographic smorgasbord of looks, gestures, situations that capture the soul of New York. The city is thus seen from its edges, and at the same time from its innermost - an unprecedented view of what is probably the most photographed city in the world.
Dress up Taylor in her most iconic fits with this illustrated press-out paper doll book.
Featuring 12 show-stopping looks — from the “Love Story” music video to the Eras Tour bodysuits — Dress Up Taylor takes you through the very best of Tay-Tay’s fashion moments. With beautifully illustrated, press-out outfits and a sturdy Taylor mannequin, this paper doll book is the ultimate collector’s item for Swifties and fashionistas alike.
Ten produkt jest zapowiedzią. Realizacja Twojego zamówienia ulegnie przez to wydłużeniu do czasu premiery tej pozycji. Czy chcesz dodać ten produkt do koszyka?
