W tej strefie zapraszamy czytelników tak zwane artystyczne dusze po książki z kategorii Sztuka. Polecamy szereg publikacji o sztuce i jej historii,ciekawostki i portfolia artystów, eseje, albumy, książki o malarstwie, rzeźbiarstwie, architekturze oraz histoii fotografii. Biografie ciekawych artystów, książki i powieści przedstawiające fascynujące losy malarzy i osób uwiecznianych na obrazach. W tym dziale tylko ksiązki ze sztuka w tle.
Regionalny Ośrodek Studencki Pyrlik oraz Teatr Wiatyk – te nazwy wciąż są znane Bytomianom, chociaż Wiatyk zakończył działalność w roku 1986, a Pyrlik niewiele później. Pyrlik był kultowym klubem studenckim, a Wiatyk to jeden z najciekawszych polskich teatrów alternatywnych lat 80.
Marcin Hałaś – dziennikarz zajmujący się sprawami Bytomia od ponad 30 lat i autor kilku książek o tym mieście – postanowił odnaleźć informacje i uporządkować wiedzę o obu tych instytucjach-zjawiskach. Ta książka jest owocem kwerendy źródłowej, ale głównie reporterskiej pracy: rozmów z ludźmi, którzy (współ)tworzyli Pyrlik oraz z niemal wszystkimi żyjącymi aktorami Wiatyku. Dlatego powstało nie historyczne opracowanie, ale żywa opowieść o tamtych czasach, ludziach i przedsięwzięciach. Zagłębiając się w dzieje Wiatyku, autor książki dotarł do informacji dotąd zupełnie nieznanych, pokazujących artystów teatru od bardzo ludzkiej, ale też dramatycznej strony.
Poznaj fascynującą sztukę Japonii –
od figurek dogū z I wieku p.n.e. przez Sto widoków góry Fuji Hokusaia
aż po „kobietę w groszki” Yayoi Kusamę
Legendarne opowieści o heroicznych samurajach i tajemniczych gejszach, obrazy przesycone niekonwencjonalnym erotyzmem i fantastyczne światy zamieszkane przez demony i potwory – Francesco Morena prowadzi czytelnika przez historię i kulturę Japonii od czasów prehistorycznych aż po współczesność.
Wielowiekowa izolacja tego państwa sprawiła, że Zachód traktował je niemal jak miejsce baśniowe. Japońska mitologia pełna yōkai, tradycyjne stroje i ceremonialne naczynia przyciągały uwagę kolekcjonerów i inspirowały artystów z Europy. I choć Japonia XXI wieku jest synonimem nowoczesności, Morena udowadnia, że nawet manga i anime nie boją się korzystać z bogactwa dawnej sztuki japońskiej i nie wstydzą się swoich korzeni.
Odległa, tajemnicza, egzotyczna –
Japonia od zawsze fascynowała ludzi Zachodu.
Poznaj sztukę made in Japan!
Francesco Morena – badacz specjalizujący się w sztuce Azji Wschodniej, autor książek i artykułów o sztuce chińskiej i japońskiej oraz ich wpływie na kulturę i europejskie rzemiosło artystyczne, kurator licznych wystaw.
The Marilyn Monroe Century is a lavishly produced tribute to Marilyn Monroe on her 100th birthday, documenting her transformation from Norma Jeane to Marilyn Monroe through never-before-seen photographs and diary entries by Bruno Bernard—and a lenticular cover that brings an iconic moment to life, showing Monroe in motion. Published to commemorate Marilyn Monroe’s 100th birthday on June 1, 2026, The Marilyn Monroe Century is a visual biography unlike any other—a deeply personal journey through the life of the world’s most enduring icon. Featuring rare photographs by Bruno Bernard (Bernard of Hollywood) that have never before been publicly released, the book traces the emotional and artistic evolution of Norma Jeane Mortenson into Marilyn Monroe. More than a collection of photographs, The Marilyn Monroe Century unfolds as a cinematic narrative. Bernard was the only photographer who witnessed and helped shape the full arc of Norma Jeane’s metamorphosis into Marilyn Monroe. Authors Joshua John Miller, Bernard’s grandson, and Mark A. Fortin open Bernard’s archive for the first time to reveal a history that challenges familiar myths and reframes one of the most documented figures in modern culture. In 1999, the Museum of Modern Art declared Bernard's legendary photograph Marilyn in White—capturing Monroe on the Twentieth Century Fox backlot as her white dress billowed above a subway grate—the symbol of the century. This single image defined 1950s Hollywood glamour and continues to echo across pop culture in songs, films, artworks, and more today. Appearing inset on this book's beautiful clothbound cover, a lenticular print recreates this famous moment—the sudden lift of Monroe's skirt, shifting as the book is tilted up and down. Bernard was not simply the creator of this iconic image; his role in Marilyn’s life was far more profound. A bond forged early in her career sparked an intimate dialogue between a young woman discovering herself and the photographer who recognized her potential long before the world did. Their connection, preserved in Bernard’s personal diaries and previously unpublished correspondence, chronicles a complex friendship between two outsiders who found solace in one another. Personal writings from Bernard, commentary from contemporary Hollywood voices, including Academy Award–winning director Sean Baker, and a foreword by actress, activist, and filmmaker Rose McGowan bring new emotional context to Marilyn’s journey, presenting the woman behind the icon in an unprecedented way.
Czas rozstrojony. Muzyka i nadejście ery nowoczesnej Juliana Johnsona to przełomowa publikacja naukowa obejmująca swoim zakresem dzieje muzyki od renesansu do nowoczesności. Autor z niebywałą erudycją porusza się między różnymi obszarami humanistyki, zarówno w jej wymiarze naukowym, jak i tym łączącym się z uprawianiem sztuki, błyskotliwie ukazując powiązania między rozmaitymi dziedzinami. Z perspektywy zarówno teoretyka muzyki, jak i kompozytora oświetla związki muzyki z historią sztuki, filozofią idei, estetyką, a także z rozwojem technologii i nauki, pokazując, że nie są to zjawiska oderwane od siebie, ale wręcz ściśle powiązane, z którymi człowiek w swej podmiotowości styka się także na co dzień. Johnson przywołuje kanoniczne już dzieła muzyczne i na ich przykładzie udowadnia, jak wskazuje tłumaczka niniejszej książki, że muzyka zwiastuje "zmiany, które podmiot, uwikłany w czas historyczny, odbiera zazwyczaj jako przedwczesne lub spóźnione, niemal zawsze przychodzące nie w porę", zaś "liczne pęknięcia, opóźnienia, przyspieszenia i dysonanse" powstające w procesie krystalizowania się czasów nowożytnych są przejawami "czasu rozstrojonego".
Album The Art of Polish Craft: A Collector’s Edition poświęcony jest polskiemu rzemiosłu artystycznemu i stworzony z myślą o kolekcjonerach oraz miłośnikach tradycyjnej sztuki użytkowej. Album może służyć jako elegancki prezent dla klientów zainteresowanych inwestycjami w sztukę, być zmaterializowaną postacią prywatnego hobby i zarazem odzwierciedleniem rosnącego potencjału polskiej sztuki i designu jako lokaty kapitału. Jednocześnie może pokazywać wielowymiarowe podejście marki do zagadnienia kreowania lifestyle’u poziomu premium i odzwierciedlać znajomość światowych trendów poprzez zwrócenie uwagi na istotną rolę inwestycji w sztukę i design jako nieodłącznych elementów luksusowego stylu życia.Publikacja zawierać będzie nie tylko starannie wyselekcjonowane obiekty, ubrane w elegancką oprawę graficzną, ale również szczegółowe opisy historii, tradycji oraz technik rzemieślniczych charakterystycznych dla Polski. Dzięki temu czytelnik zyska szerokie spojrzenie na bogactwo polskiego dziedzictwa artystycznego oraz kontekst, w jakim powstają prezentowane dzieła.Album zostanie podzielony na sekcje tematyczne poświęcone poszczególnym dziedzinom rzemiosła, takim jak ceramika, szkło, drewno, metal oraz tekstylia – wszystkie opatrzone rzetelnym wprowadzeniem do historii i tradycji. W każdej z nich zaprezentujemy prace wybitnych artystów, których twórczość jest przykładem mistrzostwa i oryginalności. Każdy artysta będzie pokazany wraz z wybranymi obiektami sztuki, tworząc kompleksowy obraz współczesnego polskiego rzemiosła artystycznego.
Książka Kino Marka Hłaski, której pierwsze wydanie ukazało się dwie dekady temu, wciąż pozostaje jedną z nielicznych monografii poświęconych adaptacjom (adaptacja to wyjątkowo umowny termin) filmowym książek Marka Hłaski. W roku 2004 była w gruncie rzeczy pierwszą i długo jedyną publikacją dotyczącą jak mówi tytuł Kina Marka Hłaski. Tekst został dobrze przyjęty przez znaczących filmoznawców, takich jak m.in. Ewelina Nurczyńska-Fidelska czy Andrzej Gwoźdź.W monografii piszę, generalnie, o trzech książkach i filmach na ich podstawie nakręconych. Trzech ekranizowanych tytułach, bo właśnie te trzy obrazy w mojej opinii są najważniejsze. Będą to: Pętla (1957), reż. Wojciech J. Has, Ósmy dzień tygodnia (1958) reż. Aleksander Ford i Baza ludzi umarłych (1959), według opowiadania Następny do raju, reż. Czesław Petelski. Kto przeczytał te książki i obejrzał te filmy, długo ich nie zapomni. Jakkolwiek filmów na podstawie prozy Hłaski jest więcej o czym też piszę i co sygnalizuję w książce. Z Wprowadzenia do drugiego wydania
Zbiór najbardziej znanych utworów fortepianowych Ignacego Jana Paderewskiego - cenionego na całym świecie wirtuoza fortepianu. który pozostawił po sobie bogaty dorobek obejmujący dzieła sceniczne, orkiestrowe, kameralne i solowe. Ta publikacja skupia się na jego najbardziej znanych utworach fortepianowych, oferując pianistom możliwość obcowania z muzyką pełną pasji i wyrafinowanego stylu.
Whether it's diamond-encrusted grills, oversized “truck” style chains, bust-down Rolex and Patek Philippe watches or a Tiffany necklace, jewelry is a cornerstone of hip-hop culture. Glittering, blinged-out jewels are the shining statement of a collective identity: unapologetic, charismatic, and street savvy.Spanning the history of hip-hop jewelry, from the 1980s to today, Ice Cold: A Hip-Hop Jewelry History is a stunning compilation of storytelling and visuals. Hundreds of extraordinary images of every major hip-hop artist on record celebrate how “Ice” has become a proclamation of identity and self-expression.Starting with Run-DMC’s gold Adidas pendants and Eric B. & Rakim’s ostentatious dookie rope chains and Mercedes medallions, the jewelry then transforms from street style into a booming design culture. The hip-hop tradition of “show up and show out” reaches new heights with artists like Pharrell Williams, Jay-Z, Gucci Mane, and Cardi B, whose over-the-top pieces integrate unique pop culture references, unconventional materials, and enduring collaborations with artists like Takashi Murakami.Author Vikki Tobak reveals – in great detail – the work of pioneering jewelers such as Tito Caicedo of Manny’s, Eddie Plein, and Jacob the Jeweler as well as newer artisans such as Avianne & Co., Ben Baller/IF & Co., Greg Yuna, Johnny Dang, Eliantte, and many more.Ice Cold is a treasure trove of dazzling, inspirational style, featuring the work of leading photographers, including Wolfgang Tillmans, Janette Beckman, Jamel Shabazz, Timothy White, Gillian Laub, David LaChapelle, Danny Clinch, Chris Buck, Mike Miller, Phil Knott, Raven B. Varona, Al Pereira, Albert Watson and many more.A foreword by hip-hop superstar Slick Rick and essays by A$AP Ferg, LL COOL J, Kevin “Coach K’ Lee and Pierre “P” Thomas
Przenieś się w czasie do francuskich miast z najwybitniejszymi artystami jako przewodnikami. Wyobraź sobie, że spieszysz korytarzami przedrewolucyjnego Wersalu w towarzystwie najbardziej rozchwytywanej portrecistki swoich czasów, gdy zmierza na umówione spotkanie z nieszczęsną królową, Marią Antoniną. A potem przenieś się do XIX wieku, do Prowansji Cézanne’a i van Gogha, by następnie ruszyć ku francuskiej Riwierze, która przez sześć miesięcy była domem Picassa. Ta pięknie i niezwykle starannie wydana książka składa się z 12 rozdziałów i prezentuje 22 artystów. Stanowi również przewodnik, dzięki któremu odwiedzisz najważniejsze miejsca, kamienie milowe kultury francuskiej, i będziesz obcować z największymi dziełami artystów – z bliska lub siedząc wygodnie w fotelu. Napisana przez historyka sztuki, podróżnika i reportera jednej z czołowych brytyjskich gazet, książka zawiera też ilustrowaną mapę z odręcznymi rysunkami scen, które przypominają epizody z niejednokrotnie burzliwego życia artystów, a także kultowe miejsca i lokalny koloryt. Seria Sztuka Podróżowania opisuje historie największych artystów świata oraz miast, w których żyli i pracowali. Chłoń piękne widoki ich oczami. Przyglądaj się, jak ich arcydzieła ożywają.
Wystawa Gotyk w Karpatach jest pierwszą próbą łącznego przedstawienia sztuki schyłku średniowiecza we wszystkich krajach regionu. Poprzez zestawienie około stu obrazów i rzeźb, przewiezionych z dziewięciu krajów, które uzupełnia wykonana specjalnie na potrzeby wystawy dokumentacja fotograficzna tego, co nieprzenośne (malowidła ścienne, rzeźba architektoniczna), pokazujemy Karpaty jako obszar artystyczny o utrzymanej ciągłości rozwoju, gdzie jedne dzieła sztuki dawały początek kolejnym. Po obu stronach gór działały bowiem te same warsztaty, obrazy i rzeźby przesyłane były w obu kierunkach, podobnie jak przenikały się tu tendencje w sztuce. Wystawa zarówno prezentuje nowe odkrycia, będące rezultatem bieżących prac konserwatorskich bądź badań terenowych, jak i stanowi okazję dla naocznego zweryfikowania atrybucji postawionych dawno temu. Wykorzystujemy też możliwość scalenia choćby chwilowego dzieł sztuki, których elementy zostały niegdyś rozproszone. Wystawie towarzyszy katalog, który przedstawia historyczny i geograficzny kontekst sztuki gotyckiejna terenie Karpat, omawia charakterystyczne dla niej motywy ikonograficzne, definiuje jej zadania,a także nakreśla kierunki wzajemnego przepływu artystycznych inspiracji między Zachodem Europya Karpatami oraz między północną a południową stroną gór. Każdemu dziełu prezentowanemu na wystawie towarzyszy ilustracja oraz zwięzły opis. Uzupełnieniem są indeks topograficzny, zestawienie nazw miejscowości w siedmiu językach oraz mapy.
Paweł Koñjo Konnak - extatyczny fan wielości bytów. Od 1982 r. aktywista ruchu punk. Od 1986 r. akcjonista Tranzytoryjnej Formacji Totart i jej licznych satelitów. Do dnia dzisiejszego Koñjo zrealizował z Totartem kilkaset ujawnień o charakterze metafizyczno-społecznym. Artysta wszechstronnie rozrywkowy - postać medialna, poeta, prozaik, konferansjer, grafik, muzyk, kurator, aktor, reżyser, wydawca, animator zdarzeń dziwnych. Uważa, że wszystko jest warte, wszystko jest piękne, wszyscy jesteśmy doskonali.
Projektowały plakaty, okładki książek i płyt winylowych, znaki graficzne, opakowania oraz materiały reklamowe. Okres ich najintensywniejszej aktywności zawodowej przypadł na czasy PRL-u. Dobrze wykształcone, utalentowane, pracowite. Dlaczego ich nazwiska nie zapisały się w historii polskiej grafiki użytkowej?Alicja Kobza przez wiele lat gromadziła materiały archiwalne i rekonstruowała losy projektantek. Rozmawiała z bohaterkami książki, ich współpracownikami i rodzinami. Przyglądała się dorobkowi, próbując zrozumieć powody, dla których ich twórczość była dotąd pomijana lub lekceważona, i dlaczego mówiąc o historii polskiej grafiki, umiemy wymienić wyłącznie nazwiska ich kolegów po fachu, partnerów i mężów. W książce opowiada o dwudziestu siedmiu twórczyniach i przedstawia autorski wybór ich projektów. Przybliża realia ich pracy, dylematy, przed którymi stawały, trudności, z którymi musiały się mierzyć. Pokazuje, jak kształtował się ich styl i co wniosły do świata grafiki.Ta smakowita wizualnie, a zarazem pionierska merytorycznie praca przywraca nam wymazaną część naszej historii – historii PRL-u, historii grafiki użytkowej, herstorii.
Wydawnictwo zawiera niezwykle ciekawy tekst Bogdana Konopki o jego czterech wizytach na budowie nowoczesnej opery w Pekinie (Pekiński Teatr Narodowy) i fotografowaniu postępów prac przy budowie tego chińskiego giganta oraz tekst napisany specjalnie do katalogu przez architekta Paula Andreu - twórcę projektu gmachu opery w Pekinie.Swoją refleksję o sztuce fotograficznej Konopki Paul Andreu tak konkluduje: "Bogdan Konopka nie fotografuje architektury, lecz przestrzeń, która w jego spojrzeniu staje się równie tajemnicza, jak ciało. On nie fotografuje architektury, on wyzwala z niej życie i doniosłość".Dopiero podczas czwartej wizyty w budowanym gmachu Bogdan Konopka uzmysłowił sobie, że to co fotografował zniknie bezpowrotnie dla ludzkiego wzroku - kolejny etap budowy przewidywał wyłożenie kopuły od wewnątrz drewniana mozaiką: - "I to jest chyba to, co w fotografii stanowi wartość samą w sobie - zdolność rejestrowania unikalnych stanów materii. Trudno powiedzieć nawet, na czym to polega, bo jest w tym coś z intuicji, profetyzmu, siódmego zmysłu, czy w końcu przypadku. Wszakże kiedy zaczynałem fotografować Operę, nie miałem pojęcia po co to robię, ani co z tego wyniknie" - przyznał Konopka.Album posiada trzy wersje językowe (polską, angielską, francuską). Zawiera pełną informację o drodze artystycznej Bogdana Konopki: spis wystaw, prace w kolekcjach, prace zrealizowane (miasta, miejsca i pomniki, reportaże), zrealizowane przez artystę warsztaty (także z uczniami); a także bogatą bibliografię: katalogi wystaw, monografie o artyście, prace zbiorowe, filmografię.Zamieszczono w nim 47 zdjęć Bogdana Konopki z pekińskiej opery - te same zdjęcia, wykonane kamerą wielkoformatową z odbitkami w technice stykowej, prezentowane są na wystawie w Galerii Bielskiej BWA.
Znana i lubiana przewodniczka po Warszawie od siedmiu lat proponuje czytelnikom spragnionym książek o historii i tradycji naszego miasta swoje nietuzinkowe historie. Kolejny ich zbiór jest poświęcony pałacom, reprezentacyjnym rezydencjom licznych rodów królewskich, magnackich, a z czasem – w wyniku XIX-wiecznej rewolucji przemysłowej – także kupców i przemysłowców. Niewątpliwą zaletą opowieści pióra Ewy Sztompke jest ich styl gawędy, gdzie fakty przeplatają się z anegdotami, historie samych pałaców z barwnymi, a wręcz awanturniczymi losami ich właścicieli, mieszkańców i licznych gości odwiedzających je głównie z okazji… tak, balów i wystawnych fet mających wzbudzić podziw i zazdrość. Wielki świat naszych przodków w opowiadaniu i anegdocie.
Wystawa Grupy Pięciu to pierwsza w historii muzealnictwa ekspozycja poświęcona działalności istniejącego od sierpnia 1905 roku do lutego 1908 roku młodopolskiego ugrupowania, a zarazem pierwsza wspólna prezentacja prac jego członków od czasu ich inicjatyw na początku XX stulecia. Tę niemal całkowicie zapomnianą dzisiaj formację, nazywaną także Grupą Norwid, tworzyli: Leopold Gottlieb, Witold Wojtkiewicz, Wlastimil Hofman, Mieczysław Jakimowicz i Jan Rembowski. Byli to studenci i absolwenci krakowskiej Akademii Sztuk Pięknych, których młodzieńcza twórczość była odpowiedzią na pojawiające się w sztuce europejskiej tendencje awangardowe. Zakres chronologiczny pokazywanych w dużej części po raz pierwszy dzieł obejmuje okres od około 1900 roku aż po lata pierwszej wojny światowej. Rozszerzenie ram czasowych służy pełniejszej prezentacji dokonań młodych adeptów sztuki i uchwyceniu procesów kształtujących ich postawy twórcze. Integralną część wystawy stanowią prace artystów, którzy czasowo związani byli z Grupą Pięciu, poprzez udział we wspólnie przygotowanych pokazach, a należeli do nich: Tymon Niesiołowski, Henryk Hochman i Bronisława Rychter-Janowska. Ekspozycję wzbogaciły ponadto dzieła Odilona Redona, Xawerego Dunikowskiego i Olgi Boznańskiej. Towarzyszący wystawie bogato ilustrowany katalog składa się z pięciu części. Na początku szeroko omówiono zagadnienia związane z artystyczną i wystawienniczą działalnością Grupy. Następną część stanowi esej rozwijający wątek drugiej nazwy ugrupowania (Grupa Norwid) i nakreślający przyczyny odwoływania się młodych artystów do Cypriana Kamila Norwida. Kolejny fragment zapoznaje nas z koncepcją wystawy i omawia poszczególne jej części i sekcje tematyczne. Po nim znajduje się katalog przedstawiający dwieście dzieł prezentowanych na wystawie. Ostatnią część publikacji stanowią zwięzłe biogramy artystów
Ten produkt jest zapowiedzią. Realizacja Twojego zamówienia ulegnie przez to wydłużeniu do czasu premiery tej pozycji. Czy chcesz dodać ten produkt do koszyka?
