W tej strefie zapraszamy czytelników tak zwane artystyczne dusze po książki z kategorii Sztuka. Polecamy szereg publikacji o sztuce i jej historii,ciekawostki i portfolia artystów, eseje, albumy, książki o malarstwie, rzeźbiarstwie, architekturze oraz histoii fotografii. Biografie ciekawych artystów, książki i powieści przedstawiające fascynujące losy malarzy i osób uwiecznianych na obrazach. W tym dziale tylko ksiązki ze sztuka w tle.
Trzy zróżnicowane stylistycznie sztuki popularnego dramaturga i doskonale znanego czytelnikom recenzenta filmowego „Co Jest Grane”. Pierwsza sztuka to „Podróżnicy” – miłosna historia osnuta wokół wydarzeń marca 1968 roku. Druga, „Koty”, to tragikomiczna opowieść o współczesnym artyście, rozdartym między dwoma kobietami. „Zielona Polana” natomiast jest brawurową komedią o rozgrywce między pazernym deweloperem a jego zbuntowanym, nastoletnim siostrzeńcem.Choć wszystkie trzy sztuki pisane były z myślą o scenie, z powodzeniem bronią się jako samodzielna lektura – żywa, wciągająca i odkrywcza. To pozycja zarówno dla miłośników teatru, jak i każdego, kto ceni dobre dialogi, wyraziste postaci i zapadające w pamięć historie.
Tematem książki są artystyczne praktyki troski rozumiane jako gesty opieki wobec świata oraz tych wszystkich, których i które określa się jako Innych i Inne, bo nie mieszczą się w granicach antropocentrycznego, patriarchalnego zachodniego świata. Wyrażają one sprzeciw wobec dziejącej się przemocy, towarzyszą wykluczonym i pominiętym, wsłuchują się w głosy przemilczane i niezrozumiałe. Ujmują się za Innymi, również nieludzkimi, akcentując ich sprawczość. Są to praktyki relacyjne, mówiące o naszych związkach z ludźmi, więcej-niż-ludźmi oraz z całą planetą. Odnoszą się do możliwości rezyliencyjnych i praktyk reparacyjnych. Autorka proponuje myślenie wraz ze sztuką, które jest myśleniem wraz z Innymi i o Innych oraz jest "myśleniem z troską", co wynika z faktu, że coraz częściej prace artystyczne wskazują na aktualne zagrożenia, ostrzegają, mówią o niesprawiedliwościach, o katastrofie klimatycznej, wojnach, dyskryminacji i przemocy dotykającej Innych. Przedstawiona perspektywa badawcza odwołuje się do myśli posthumanistycznego feminizmu, łączącego m.in. teorie ekofeministyczne, postkolonialne i queerowe, nowy feministyczny materializm oraz wiedzę rdzenną. W odwołaniu do myśli Timothy'ego Mortona pojawia się pytanie: czy sztuka może nas prowadzić "ku logice przyszłego współistnienia"?, a za nim następne: czy sztuka może nam dać, postulowaną przez Rebeccę Solnit, "nadzieję w mroku"? Głównym celem książki jest namówienie osób czytelniczych, aby myśląc wraz ze sztuką i wraz z Innymi, spróbowały zatroszczyć się o nasz świat.Izabela Kowalczyk, badaczka i teoretyczka współczesnej sztuki polskiej napisała kolejną książkę, która - podobnie jak jej wcześniejsze monografie poświęcone polskiej sztuce krytycznej lat 90. - może wyznaczyć kierunek analizy aktualnych, ważnych kulturowo i społecznie, prac artystycznych. A wobec tychże jesteśmy często zagubieni. Jak bowiem rozumieć, "czytać" prace, które operują nie tylko narzędziami artystycznymi, wykraczającymi poza repertuar dziedzin sztuki, ale też osadzone są w szczególnym kontekście kulturowym i społecznym? Co istotne, Kowalczyk pisze głównie o twórczości artystek i artystów polskich, środkowoeuropejskich, z peryferii świata zachodniego (jeśli chcemy nadal to rozróżnienie centrów i peryferii stosować). Pokazuje zatem nieco zmienioną geografię zglobalizowanego świata. Można by dodać, nieco anegdotycznie, że ważna jest dla nas zarówno Wenecja, jak i Poznań, gdyż zjawiska wynikające ze zmian klimatu dotyczą obu tych miejsc (choć w innym stopniu). To jednak książka nie tylko o zmianach środowiskowych, ale przede wszystkim o problemach, których efektem są dzisiejsze kryzysy, wojny, nierówności. Pozwala to autorce umiejscowić lokalne zagrożenia w kontekście zagrożeń globalnych.dr hab. Marianna Michałowska, prof. UAM
Wydawnictwo zawiera niezwykle ciekawy tekst Bogdana Konopki o jego czterech wizytach na budowie nowoczesnej opery w Pekinie (Pekiński Teatr Narodowy) i fotografowaniu postępów prac przy budowie tego chińskiego giganta oraz tekst napisany specjalnie do katalogu przez architekta Paula Andreu - twórcę projektu gmachu opery w Pekinie.Swoją refleksję o sztuce fotograficznej Konopki Paul Andreu tak konkluduje: "Bogdan Konopka nie fotografuje architektury, lecz przestrzeń, która w jego spojrzeniu staje się równie tajemnicza, jak ciało. On nie fotografuje architektury, on wyzwala z niej życie i doniosłość".Dopiero podczas czwartej wizyty w budowanym gmachu Bogdan Konopka uzmysłowił sobie, że to co fotografował zniknie bezpowrotnie dla ludzkiego wzroku - kolejny etap budowy przewidywał wyłożenie kopuły od wewnątrz drewniana mozaiką: - "I to jest chyba to, co w fotografii stanowi wartość samą w sobie - zdolność rejestrowania unikalnych stanów materii. Trudno powiedzieć nawet, na czym to polega, bo jest w tym coś z intuicji, profetyzmu, siódmego zmysłu, czy w końcu przypadku. Wszakże kiedy zaczynałem fotografować Operę, nie miałem pojęcia po co to robię, ani co z tego wyniknie" - przyznał Konopka.Album posiada trzy wersje językowe (polską, angielską, francuską). Zawiera pełną informację o drodze artystycznej Bogdana Konopki: spis wystaw, prace w kolekcjach, prace zrealizowane (miasta, miejsca i pomniki, reportaże), zrealizowane przez artystę warsztaty (także z uczniami); a także bogatą bibliografię: katalogi wystaw, monografie o artyście, prace zbiorowe, filmografię.Zamieszczono w nim 47 zdjęć Bogdana Konopki z pekińskiej opery - te same zdjęcia, wykonane kamerą wielkoformatową z odbitkami w technice stykowej, prezentowane są na wystawie w Galerii Bielskiej BWA.
Znana i lubiana przewodniczka po Warszawie od siedmiu lat proponuje czytelnikom spragnionym książek o historii i tradycji naszego miasta swoje nietuzinkowe historie. Kolejny ich zbiór jest poświęcony pałacom, reprezentacyjnym rezydencjom licznych rodów królewskich, magnackich, a z czasem – w wyniku XIX-wiecznej rewolucji przemysłowej – także kupców i przemysłowców. Niewątpliwą zaletą opowieści pióra Ewy Sztompke jest ich styl gawędy, gdzie fakty przeplatają się z anegdotami, historie samych pałaców z barwnymi, a wręcz awanturniczymi losami ich właścicieli, mieszkańców i licznych gości odwiedzających je głównie z okazji… tak, balów i wystawnych fet mających wzbudzić podziw i zazdrość. Wielki świat naszych przodków w opowiadaniu i anegdocie.
Wystawa Grupy Pięciu to pierwsza w historii muzealnictwa ekspozycja poświęcona działalności istniejącego od sierpnia 1905 roku do lutego 1908 roku młodopolskiego ugrupowania, a zarazem pierwsza wspólna prezentacja prac jego członków od czasu ich inicjatyw na początku XX stulecia. Tę niemal całkowicie zapomnianą dzisiaj formację, nazywaną także Grupą Norwid, tworzyli: Leopold Gottlieb, Witold Wojtkiewicz, Wlastimil Hofman, Mieczysław Jakimowicz i Jan Rembowski. Byli to studenci i absolwenci krakowskiej Akademii Sztuk Pięknych, których młodzieńcza twórczość była odpowiedzią na pojawiające się w sztuce europejskiej tendencje awangardowe. Zakres chronologiczny pokazywanych w dużej części po raz pierwszy dzieł obejmuje okres od około 1900 roku aż po lata pierwszej wojny światowej. Rozszerzenie ram czasowych służy pełniejszej prezentacji dokonań młodych adeptów sztuki i uchwyceniu procesów kształtujących ich postawy twórcze. Integralną część wystawy stanowią prace artystów, którzy czasowo związani byli z Grupą Pięciu, poprzez udział we wspólnie przygotowanych pokazach, a należeli do nich: Tymon Niesiołowski, Henryk Hochman i Bronisława Rychter-Janowska. Ekspozycję wzbogaciły ponadto dzieła Odilona Redona, Xawerego Dunikowskiego i Olgi Boznańskiej. Towarzyszący wystawie bogato ilustrowany katalog składa się z pięciu części. Na początku szeroko omówiono zagadnienia związane z artystyczną i wystawienniczą działalnością Grupy. Następną część stanowi esej rozwijający wątek drugiej nazwy ugrupowania (Grupa Norwid) i nakreślający przyczyny odwoływania się młodych artystów do Cypriana Kamila Norwida. Kolejny fragment zapoznaje nas z koncepcją wystawy i omawia poszczególne jej części i sekcje tematyczne. Po nim znajduje się katalog przedstawiający dwieście dzieł prezentowanych na wystawie. Ostatnią część publikacji stanowią zwięzłe biogramy artystów
Historia teatru i dramatu włoskiego jest pierwszą tego typu polską publikacją, skierowaną nie tylko do miłośników włoskiego teatru czy studentów italianistyki, ale także do szerokiego grona odbiorców. Zamiarem Autorów było określenie głównych linii rozwoju teatru włoskiego, na tle szerszego kontekstu społeczno-politycznego i kulturowego w powiązaniu z teatrem europejskim oraz omówienie twórczości najważniejszych artystów i ich dzieł, choć z oczywistych względów nie znalazły się w tym opracowaniu wszystkie nazwiska ludzi teatru, którzy zasłużyli się dla włoskiej sceny.
Książka o projektach Jana Zdanowicza to bogato ilustrowana relacja z podróży przez architekturę PRL i swoisty spacer po Warszawie. Stanowi także opowieść o pracy twórcy, którego budynki były nagradzane tytułem Mister Warszawy. W połowie lat 50. XX wieku skończył się socrealizm. Nowym domom, szkołom czy pawilonom handlowym można było nadawać proste, ekonomiczne formy, które wynikały z konstrukcji i funkcji budynków. Powstały wówczas socmodernizm co prawda miał swoje korzenie w przedwojennym modernizmie, ale architekci musieli brać pod uwagę realia lat 50., 60. czy 70., nacisk ekonomistów na masowość (więcej i taniej), wszechobecne normy, przemysłowe standardy stolarki budowlanej, seryjnie produkowane biegi schodów, a przede wszystkim nowe typy konstrukcji oraz odejście od cegły jako podstawowego tworzywa. Technologie i nowa estetyka doprowadziły do wykształcenia form, dzięki którym można odróżnić budynki socmodernistyczne od zabudowy z innych dekad. Jarosław Maciej Zawadzki (ur. 1965) historyk sztuki, członek Stowarzyszenia Historyków Sztuki, współzałożyciel Warszawskiego Towarzystwa Genealogicznego (1993). Od 1996 roku pracuje w Kancelarii Senatu, gdzie między innymi bada losy przedwojennych senatorów. Prowadzi wykłady na studiach podyplomowych na Uniwersytecie Kardynała Stefana Wyszyńskiego w Warszawie. Opublikował kilkanaście książek i wiele artykułów. Żonaty, ma czworo dzieci. Dorastał w jednym z warszawskich osiedli. Gdy odkrył jego autora Jana Zdanowicza, podążył szlakiem projektów tego architekta.
Tom, będący efektem kilkuletniej kwerendy archiwalnej, zawiera dwieście uszeregowanych chronologicznie dokumentów z komentarzem naukowym. Wśród poruszanych tematów są: instytucjonalne ramy systemu rozpowszechniania filmów, import i opracowanie językowe produkcji zagranicznych, sieć kin i organizacja seansów, reklama i klasyfikacja wiekowa filmów, cenzura i badania widowni oraz nadzór nad kulturą wideo w schyłkowym okresie PRL. Książkę dopełniają materiały ikonograficzne, a także starannie sporządzone zestawienia statystyczne.*Z uznaniem należy przyjąć podejście autorów, którzy postrzegają sektor rozpowszechniania filmów jako złożony system pozostający pod wpływem wielu zewnętrznych uwarunkowań, w tym czynników politycznych. Publikacja jest przedsięwzięciem nowatorskim, gdyż wcześniej nie mieliśmy do czynienia z równie kompleksową analizą systemu rozpowszechniania, bazującą na tak bogatym materiale źródłowym.Z recenzji dr hab. Ewy Gębickiejprof. Uniwersytetu Śląskiego
Monet’s breathtaking artistry comes fully alive in this luxurious volume that features dozens of exquisite reproductions; 48 extra pages on six fold-out spreads; coloured edges; and a printed canvas binding. From early works depicting the forests at Fontainebleau and the beach at Sainte-Adresse, to his revolutionary water lily series, this gorgeous volume showcases Monet’s mastery of light, color, and movement; his fluid and rhythmic brushstrokes; and his reverence for the natural world. Thematically arranged, it features sixty impeccable reproductions, including foldout spreads of six essential masterpieces: Impression, Rising Sun; Woman with a Parasol; Bordighera; Venice, Palazzo Dario; Water Lily Pond; and Willows in the Morning.This immersive volume is the next best thing to standing in an art gallery examining a Monet painting from different angles and distances. From luminous beach scenes and brilliant Mediterranean afternoons to captivating cityscapes and the restful beauty of Giverny, this book encapsulates the essence of Monet’s groundbreaking style and enduring legacy. Perfect for both seasoned art connoisseurs and those newly discovering the wonders of Impressionism, this volume will delight and inspire with every turn of its pages, making it an unforgettable gift for any lover of art and beauty.
"Muzyczna myśl" to fascynująca podróż po świecie, w którym muzyka staje się sposobem myślenia i poznawania kultury. Lawrence Kramer, jeden z czołowych przedstawicieli postawy badawczej, która w latach 90. ubiegłego wieku zyskała miano "Nowej Muzykologii", a dziś nazywana bywa chętniej muzykologią krytyczną bądź kulturową, zaprasza do refleksji nad tym, jak dźwięki mogą mówić - jak wyrażają to, czego nie sposób ująć słowami. Autor pokazuje, że muzyka nie jest zamkniętym dziełem, lecz żywym dialogiem między kompozytorem, wykonawcą i słuchaczem. Zachęca, by słuchać jej uważnie, mówić o niej odważnie i traktować ją jako partnera w myśleniu o świecie. To książka o przekraczaniu granic języka, o zmysłowym i intelektualnym doświadczeniu dźwięku, o etyce wsłuchiwania się w to, co niewyrażalne. "Muzyczna myśl" inspiruje, by myśleć z muzyką - głęboko, twórczo i z pasją.
Konieczny był tupet. I refleks.Do czego był konieczny? Do robienia „pif-paf” na ulicach Bydgoszczy – i innych miast – przed wojną. Jeśli byłeś lajkarzem, czy to na ulicy, czy na plaży w nadbałtyckim kurorcie, stawałeś się fotograficznym rewolwerowcem, a to ciężka praca, choć sam aparat marki Leica był rewolucyjnie lekki, mały i jak na tamte czasy szybki. A spotkać przed sobą na ulicy piękną pannę, oficera w mundurze, matkę z dzieckiem czy cyklistę na rowerze to dla fotografa lajkarza niezła gratka. Mógł nieźle zarobić, bo prawie każdy chciał mieć dla siebie taką fotografię.Niestety, lajkarze nie wszystkim się podobali; zdarzało się, że niektórzy przechodnie zasłaniali twarze, robili uniki. I wielka szkoda, bo dzisiaj te przedwojenne uliczne migawki są prawdziwym skarbem: widać na nich, jak się wtedy ubieraliśmy, jakie fryzury nosiliśmy, jak się spacerowało po mieście z rodzinami, narzeczonymi, żonami czy mężami. Krótko mówiąc, dzięki lajkarzom możemy dziś zobaczyć dawne życie codzienne w pigułce.Mała Leica – to było to!Dowód? Ta książka.~ Chris Niedenthal
Książka zawiera 24 artykuły dotyczące sztuki Łodzi z okresu od początku przemysłowej kariery miasta w latach dwudziestych XIX w. do lat sześćdziesiątych XX w. Dwadzieścia z nich zostało wybranych z dorobku naukowego autora pochodzącego z ostatnich blisko 35 lat, cztery zostały napisane z myślą o publikacji książkowej. Dotyczą one głównie problematyki architektury miasta architektury mieszkaniowej, rezydencjonalnej, sakralnej i przemysłowej, ale także sztuki witrażowniczej, rzeźby architektonicznej i cmentarnej oraz wystroju wnętrz. Zwracają uwagę na bogactwo i różnorodność sztuki miasta XIX i XX wieku, obecność konwencji stylowych znamiennych dla tego okresu: historyzmu, secesji, neoklasycyzmu oraz modernizmu. Podkreślono widoczne tutaj wpływy płynące z ważnych centrów sztuki europejskiej, takich jak Berlin, Wiedeń i Sankt Petersburg. W książce zaakcentowano rolę licznych twórców, zarówno miejscowych, jak i obcych. Pracowali tutaj architekci wykształcenie głównie w Sankt Petersburgu i Rydze. Charakterystycznym dla Łodzi zjawiskiem było jednocześnie zamawianie przez tutejszych przemysłowców planów wielu wznoszonych przez siebie budowli u artystów i firm z innych ośrodków: Berlina, Warszawy, Wrocławia, Żytawy, Wiednia, Sankt Petersburga, Wenecji, a także z islandzkiego Reykjaviku. Znajdowali się wśród nich znani twórcy, jak Franz Schwechten, Carl Seidl, Valentino Casale, Otto Lessing, Einar Jonsson, Jan Styka, zakład Antonia Salviatiego. Wśród miejscowych twórców wyróżniony został zakład rzeźbiarsko-kamieniarski Antoniego Urbanowskiego oraz tacy architekci jak: Hilary Majewski, Gustaw Landau-Gutenteger, Adolf Zeligson, Piotr Brukalski oraz Wiesław Lisowski.
This intimate photo chronicle by Polly Samson documents both the recording of David Gilmour's No. 1 album Luck and Strange and the acclaimed tour which saw the Pink Floyd legend playing sellout shows in Rome, London, LA and New York.
Samson, who is Gilmour’s partner and creative collaborator, as well as an acclaimed novelist / photographer in her own right, captures the process as the album takes shape: from conception and recording, off-duty and studio immersion, to release and live performance; from candid behind-the-scenes shots, to theatrical stage moments. We see an artist at work, the collaborative process, the moments of light relief – and the focus as the work takes flight.
The book features the unmistakable hand lettering of Anton Corbijn on the cover and throughout, plus an interview by rock photographer Jill Furmanovsky with Polly Samson that sheds light on a photographer’s craft, as well as providing insights into Samson's relationship with Gilmour. The foreword is written by the late Alan Yentob.
Albrecht Dürer is the undisputed genius of the Northern Renaissance, a visionary unbound by a single medium. He carved a career spanning painting, printmaking, drawing, and art theory, mastering each with dazzling skill. Famous in his own lifetime for his portraits of princes and patricians, his luminous drawings and watercolors transformed the sketch into an art form in its own right: works such as Young Hare stand as marvels of observation, capturing life with a precision and sensitivity that still amaze today. He was native to the bustling city of Nuremberg, but his travels brought him face-to-face with Renaissance humanism, Venetian color, and classical ideals of beauty. These he absorbed and reimagined with northern precision. As court artist to Maximilian I, and confidant of humanists like Erasmus, he moved easily among the great minds of his age, his musings on measurement and proportion establishing him as one of Europe’s great thinkers. But he never stopped producing work of startling intimacy, from unflinching self-portraits and elaborate prints to meticulously observed studies of nature.Featuring every known painting―many reproduced with brand-new photography―and nearly 500 drawings, this graceful volume captures the sweep of Dürer’s genius. From monumental altarpieces to intimate portraits, from delicate studies of the world around him to bold experiments, it reveals an artist both of his time and ahead of it, an innovator whose vision still feels urgent today. More than a compendium, it is a celebration of a polymath who continues to astonish and inspire.
Hannah Strong’s “Colours of Wes Anderson: The Films in Palettes” is a playful, insightful tour of the director’s cinema through the single most unmistakable element of his style: colour. Drawing on stills from across the filmography—from “Bottle Rocket” and “Rushmore” to “The Grand Budapest Hotel”, “Isle of Dogs”, and “Asteroid City”—Strong pairs curated frames with infographic palettes that reveal how Anderson uses hue and saturation to shape character, rhythm, and tone. Short essays break down the emotional and narrative work done by mustard yellows, sorbet pinks, washed?out blues, and tobacco browns; special features explore recurring motifs, production design partnerships, and the way colour helps stitch together dioramas, costumes, and miniature worlds into a coherent visual language. The book also functions as a reference for designers and fans: each chapter collects key palettes with hex?like labels, notes on contrast and harmony, and suggestions for how similar combinations can be used in photography and graphic projects. Rather than treating Anderson’s style as mere quirk, Strong argues that his attention to chroma is a storytelling engine—guiding the eye, encoding memory, and creating mood. Printed on quality stock with generous image reproduction, this compact hardback is both a coffee?table object and a smart piece of film criticism. For cinephiles, art directors, and anyone who has ever paused an Anderson frame to marvel at its candy?box precision, it offers a new way to see familiar movies: not just as narratives and performances, but as carefully composed studies in colour theory brought to life.
An unflinching exploration of aging from one of the twentieth century’s most influential photographers
For more than half a century, Richard Avedon sought to represent advancing age in the faces of the people he photographed. From his earliest years at Harper’s Bazaar and Vogue through to the twenty-first century, Avedon routinely and audaciously broke the rule of flattering public personalities in his portraits. Instead, he chose to highlight the onslaught of what he called the “avalanche of age,” dramatizing the universal experience of getting older.
Accompanying a groundbreaking exhibition at The Image Centre at Toronto Metropolitan University and The Montreal Museum of Fine Arts, Immortal is the first book to delve into Avedon’s unflinching representation of aging throughout his career.
This elegant hardcover volume features nearly 100 portraits of cultural luminaries, each printed in striking tritone, such as Michelangelo Antonioni, Truman Capote, Marcel Duchamp, Duke Ellington, Toni Morrison, Patti Smith, and Stephen Sondheim, as well as one of Avedon’s last self-portraits. Texts by a star-studded cohort of authors, including Vince Aletti, Adam Gopnik, Paul Roth, and Gaëlle Morel, shed new light on an under-represented element of Avedon’s practice.
Thoughtfully edited and beautifully produced, Immortal testifies emphatically to the determination with which people confront the relentless advance of mortality.
A captivating and comprehensively illustrated study of the seventeenth-century Katsura Imperial Villa in Kyoto, Japan
An outstanding example of Japanese architecture, Katsura has inspired countless architects from Bruno Taut and Le Corbusier to Tadao Ando and Kenzo Tange, and is often considered a precursor of Modernist tendencies.
Now available in a new format, Katsura Imperial Villa offers an in-depth exploration of the seventeenth-century palace in Kyoto, Japan through detailed drawings and historical analysis.
The extensive selection of maps, drawings, and photographs make this book an indispensable reference work and offer unprecedented access to this beautiful palace.
The first book from Milan’s fine-dining restaurant and celebrity chef, Carlo Cracco
Cracco in Galleria is a fine-dining restaurant located within the Galleria Vittorio Emanuele II, one of the most iconic buildings in Milan. From its hand-painted wallpaper to the spectacular views offered from its windows, this venue, comprising restaurant, bakery, bar, extensive cellar, and opulent banqueting hall, conveys an innate sense of style and decadence.
Its founder and owner, Carlo Cracco, is a star of Italian cuisine, whose career has included the influence of such masters as Alain Ducasse and Gualtiero Marchesi. Working alongside Cracco is chef Luca Sacchi and, together, they present their contemporary take on Italian classics, with dishes including Insalata russa caramellata (their modern interpretation of a classic Russian salad), and Timballo in Galleria (Cracco’s rethinking of the traditional baked, layered, savory dish).
Conceived by the innovative team at Toiletpaper, Cracco in Galleria is the first book to document the restaurant’s extraordinary cuisine, with recipes presented alongside Toiletpaper’s signature surreal, saturated, and witty photography.
The definitive exploration of the prolific material, intellectual, cultural, and commercial output of inimitable artist Tom Sachs
A 21st-century creative force, Tom Sachs’s critically acclaimed practice spans sculpture, installation, painting, film, ceramics, and industrial design. The Tom Sachs Guide is the most comprehensive-to-date look at his work, documenting decades of rigorous and visionary artmaking.
Vividly illustrated with more than 650 images and organized into thematic chapters, the book includes work across mediums, as well as longstanding collaborations with Nike and immersive reinterpretations of NASA missions. A rich appendix includes essential lists and charts, offering insights into the artist’s creative process and studio practice.
An object direct from the hands of the artist, Tom Sachs Guide is a printed tour through his studio, his body of work, and the unique worlds he creates, designed and written in close collaboration with Sachs himself.
A dynamic survey of the Nicola Erni Collection, one of the foremost collections of photography and contemporary art.
Over twenty-five years, collector Nicola Erni has acquired artworks that speak to her passion for art, fashion, and social change, amassing one of the largest collections of photography and an extensive collection of contemporary art in private hands.
Mix & Match showcases almost 400 works from the Nicola Erni Collection, bringing together fashion photographs and contemporary artworks in playful pairings where both genres enter a dialogue. In parallel, it offers a journey through one hundred years of fashion photography and shows new ways of exploring this field from the 1930s to the present, organized in twelve thematic sections.
Featured artists and photographers include: Richard Avedon, Jean-Michel Basquiat, Cecil Beaton, Sylvie Fleury, Keith Haring, Vivian Maier, Cindy Sherman, Tim Walker, Andy Warhol and others.
Ten produkt jest zapowiedzią. Realizacja Twojego zamówienia ulegnie przez to wydłużeniu do czasu premiery tej pozycji. Czy chcesz dodać ten produkt do koszyka?
