W tej strefie zapraszamy czytelników tak zwane artystyczne dusze po książki z kategorii Sztuka. Polecamy szereg publikacji o sztuce i jej historii,ciekawostki i portfolia artystów, eseje, albumy, książki o malarstwie, rzeźbiarstwie, architekturze oraz histoii fotografii. Biografie ciekawych artystów, książki i powieści przedstawiające fascynujące losy malarzy i osób uwiecznianych na obrazach. W tym dziale tylko ksiązki ze sztuka w tle.
W podręczniku zaprezentowano podstawową wiedzę na temat drewna i konstrukcji drewnianych stosowanych w budownictwie średnio- i małogabarytowym. Omówiono zagadnienia dotyczące kształtowania i wymiarowania najbardziej charakterystycznych ustrojów z drewna [belki, wiązary, ramy], podano informacje o złączach i łącznikach stosowanych dawniej i obecnie w konstrukcjach drewnianych. Zamieszczono liczne przykłady obliczeń.
„Nostalgia, jako uczucie straty, w swojej refleksyjnej wersji wyraża się w ambiwalentnej emocji rozpadającej się na tęsknotę i przynależność. Svetlana Boym definiowała ją nie tylko jako »tęsknotę za domem, który już nie istnieje lub nigdy nie istniał«, ale również jako »romans z własną fantazją«”. – ze wstępu do książki.Książka jest zapisem wystawy, która odbyła się w MOCAK-u w 2025 roku i zgromadziła prace 22 osób artystycznych związanych z Krakowem, reprezentujących roczniki 1979–2001. O literacką refleksję na temat nostalgii poprosiliśmy sześcioro autorek i autorów tego samego pokolenia, którzy – zainspirowani ekspozycją – przenoszą nas do swoich światów.Twórcy zabierają nas w podróż, której szlak przebiega śladami pamięci, tęsknoty, wyobraźni, tożsamości i przynależności.
The Rapture to pierwsza indywidualna wystawa Sany Shahmuradovej Tanskiej w polskim muzeum. Angielsko-polsko-ukraiński katalog tej ekspozycji oprócz szerokiego wyboru obrazów wybitnej ukraińskiej artystki został przez nią wzbogacony jej własnymi fotografiami przyrody oraz tekstami, które stanowią klucz do prezentowanej twórczości malarskiej. W publikacji znalazły się także między innymi tekst kuratora, Adama Budaka, oraz eseje trzech badaczek – Natalii Brajner, Oksany Briuchoweckiej i Kateryny Jakowlenko.Katalog powstał we współpracy ze współorganizatorem wystawy Gunia Nowik Gallery, która wraz z Voloshyn Gallery reprezentuje Sanę Shahmuradovą Tanską.
Czy Lady Gaga, wcielając się w kolejne role we własnym medialnym spektaklu, rozbraja normy płciowe, czy może gra zgodnie z zasadami różowego kapitalizmu? Dlaczego szeptany wokal i melancholijna estetyka Billie Eilish mogą być równie wywrotowe, co krzyk punkowego protestu? W jaki sposób Janelle Monáe i Childish Gambino w swoich sonicznych manifestach inności balansują między afrofuturystycznymi utopiami a afropesymizmem? Jak post-klubowa estetyka Charli XCX zmienia wektory między autentycznością a ironią? I dlaczego Kylie Minogue, ikona tanecznego eskapizmu, wciąż dyktuje queerowy rytm kultury pop? Słuchanie współczesnej muzyki popularnej to wejście w niekończący się labirynt pytań. Wystarczy wiedzieć, jak słuchać, by dowolna lista przebojów zamieniła się w repertuar istotnych problemów społecznych, kulturowych i ekonomicznych.Ciała do słuchania to mixtape szkiców o najnowszej muzyce popularnej. Konrad Sierzputowski pokazuje, jak struktury dźwiękowe przekształcają śpiewające i słuchające ciała w miejsca politycznego oporu i seksualnej transgresji. Muzyka popularna nieustannie negocjuje granice normatywnych i nienormatywnych form cielesności. To przestrzeń niekontrolowanych pragnień, w której toczy się walka o prawo do przekraczania reżimów politycznych. Ciało zasłuchane to ciało buzujące potencjałem rewolucyjnym.
Autorka podejmuje rozważania dotyczące twórczości Jerzego Krechowicza, artysty o oryginalnych, wartościowych dokonaniach, a jednocześnie nieco dziś zapomnianego. Wobec braku poważniejszych publikacji na ten temat książka Martyny Groth stanowi wartościowy i pożyteczny przyczynek do badań nad kształtowaniem się tendencji multimedialnych w sztuce w Polsce.Wart podkreślenia jest kształcący walor książki - Autorka dzieli się tu swoją rozległą wiedzą i przywraca postać Krechowicza refleksji nad sztuką w Polsce. Książka będzie miała znaczenie zarówno dla badań nad teatrem i sztukami performatywnymi w dwudziestowiecznej Polsce, jak i dla refleksji nad współczesną sztuką wizualną.Książka wyposażona jest w 219 ilustracji.
Najnowsza monografia Radosława Domkego to pierwsze tak obszerne historyczne studium ekranowego wizerunku społeczeństwa Polski Ludowej. Analizie zostało poddanych blisko 350 polskich filmów i seriali. Na ich bazie zrekonstruowano m.in. obraz inteligenta, robotnika, chłopa oraz duchowieństwa. To panoramiczna opowieść o tym, jak przez ponad dwie dekady kształtował się audiowizualny portret Polaków. Autor nie stosuje metodologii filmoznawczej. Film fabularny i serial są traktowane jako pełnoprawne źródła historyczne, świadectwa mentalności, napięć społecznych, strategii przystosowania i pęknięć systemu widocznych od kryzysu 1968 roku po przełom 1989 roku włącznie. W centrum uwagi nie znajdują się wartości artystyczne ani estetyka dzieł, lecz ich znaczenie dla rekonstrukcji doświadczenia epoki. Książka ta nie jest historią społeczną Polski. Jest bardziej próbą odpowiedzi na pytanie, w jaki sposób społeczeństwo polskie było ukazywane w wybranych obrazach filmowych. Nie mówi nam o tym, jakie były poszczególne grupy społeczne, tylko jak były przedstawiane. Przez to badania wpisują się w nurt historii wizualnej, zajmujący się m.in. analizą i interpretacją obrazów filmowych, umiejscawiając je w określonym kontekście historycznym.
Myślisz, że współczesna sztuka to tylko prowokacja? Magdalena Ujma udowadnia, że skandal jest starszy niż myślisz i znacznie ważniejszy, niż sądzisz. Historię sztuki można opowiadać, kładąc nacisk na ciągłość i przechodzenie jednych form w drugie. Wybierając taki punkt widzenia, przekonujemy się o tym, że istnieje tradycja, a to, co cenimy dzisiaj, ma źródło w działalności poprzedników. Zyskujemy zatem poczucie bezpieczeństwa i zadomowienia się w kulturze. Istnieje też druga możliwość. Historię sztuki można opowiadać, nie pomijając kryzysów, okresów braku kontynuacji, momentów zrywania tradycji i wprowadzania rewolucyjnych nowości. Dążenie do zmiany i potrzeba odróżnienia się od poprzedników są wszak motorem przemian artystycznych. W dziejach sztuki sporo jest wydarzeń ocenianych jako przełomowe. Historię sztuki można zatem opowiadać, odnosząc się do najbardziej bulwersujących dzieł, do skandali, jakie wywoływały, i zmian, do jakich doprowadziły. Ta książka zaś jest próbą określenia, czym są skandale i jaką rolę odgrywają w dziejach sztuki. Skandal to czyn przynoszący wstyd. Dotyczy więc takich działań, które powodują gwałtowną reakcję widzów. Odbiorcy mogą poczuć się nimi głęboko dotknięci. Skandaliczny czyn wywołuje negatywne emocje i może popchnąć wzburzonych ludzi do protestu. Pociąga też za sobą inne konsekwencje: może okryć hańbą jego sprawcę. Ale to, co przynosi wstyd w jednym momencie, w drugim może przysporzyć sławy. Pojęcia „skandal” przez długie lata w ogóle nie używano w teorii sztuki. Wiązanie skandali ze sztuką i podejrzewanie artystów o celowe ich wywoływanie to wynalazek nowoczesności. I tak zresztą naprawdę bywało. Kiedy Théodore Géricault malował Tratwę Meduzy (1819), a Édouard Manet – Rozstrzelanie cesarza Maksymiliana (1867), to każdy z nich zamierzał wywołać wrzawę wokół swego obrazu i zyskać sławę, według nich – zasłużoną, a przy tym zaprotestować przeciwko polityce ówczesnych władców czy rządów. Magdalena Ujma - krytyczka i historyczka sztuki, kuratorka wystaw. W latach 2021–2023 prezeska AICA Polska (Sekcja Polska Międzynarodowego Stowarzyszenia Krytyków Sztuki), a obecnie wiceprezeska tego stowarzyszenia. Studiowała historię sztuki i zarządzanie kulturą. Od 2018 roku jest związana z Muzeum Tadeusza Kantora w Cricotece, od 2021 – z Akademią Sztuk Pięknych w Krakowie, gdzie kieruje czasopismem „Restart”. Jako kuratorka ma na swoim koncie kilkadziesiąt wystaw, z których ostatnie to m.in. wystawy Marii Stangret, Agaty Kus. Jest również autorką licznych esejów i artykułów naukowych. Jej blog "Krytyk sztuki na skraju załamania nerwowego" prowadzony do 2015 roku był popularnym źródłem wiedzy o sztuce współczesnej, a także jednym z pierwszych przykładów recepcji krytyki instytucjonalnej w Polsce. Jest współzałożycielką Seminarium Feministycznego i autorką dwóch książek. Mieszka i pracuje w Krakowie.
Ars longa, vita brevis – sztuka długa, życie krótkie – sentencja Hipokratesa, pierwotnie odnosząca się do medycyny, weszła trwale do kultury jako fundament myślenia o sztuce. Sztuce w późniejszym rozumieniu, pojmowanej jako twórczość artystyczna. Jako maksyma przyjęła się w wersji skróconej, niosąc przesłanie apologetyczno-konsolacyjne: choć życie nasze jest krótkie, sztuka nadal trwa. Jej pełne brzmienie ma jednak sens odmienny, nieoparty na prostym przeciwstawieniu, bogatszy: Ars longa, vita brevis, occasio praeceps, experimentum periculosum, iudicium difficile – sztuka długa, życie krótkie, okazja ulotna, doświadczenie niebezpieczne, sąd niełatwy. Te zapomniane człony słynnej sentencji ofiarowują pojęciowe ramy niespodziewanie przylegające do sztuki współczesnej, w której mało wiary w trwałość i trwanie, a więcej ulotnych okazji i niebezpieczeństwa doświadczeń. Dlatego i sąd o niej tak trudny. Idąc tropem Hipokratesowych kategorii, widzimy, że nawet optymistyczna ars longa rodzi się wśród buntów, niepowodzeń, nieporozumień, niemożności, które wszak dzieje sztuki współtworzą. I paradoksalnie, chociaż awangardy narzuciły progresywny, agresywny i transgresywny obraz twórczości, to właśnie w sztuce XX wieku utrata i niespełnienie stały się jej niezbywalną częścią, niemal wyznaczając najważniejsze osie jej rozwoju.
Opowieść o Krzysztofie Kamilu Baczyńskim, poecie-bohaterze plutonu "Alek", kompanii "Rudy", Batalionu "Zośka", od lipca 1944 r. Batalionu "Parasol". Jego wybitna twórczość spleciona z tragicznym życiorysem dała początek jednej z najbardziej poruszających legend polskiej kultury. Książka zawiera listy, pamiętniki, zdjęcia i wiele cytatów jego wspaniałych, ale i smutnych wierszy.
„Gustav Klimt – zeszyt do kolorowania” to propozycja dla każdego, kto jest zafascynowany Wiedeńską Secesją i poszukuje relaksującej, a jednocześnie kreatywnej podróży do świata złota i symboliki.. To nie tylko doskonały sposób na wyciszenie i kreatywna zabawę z kredkami, flamastrami czy nawet brokatowymi żelopisami, ale również wyjątkowa okazja, by zagłębić się w charakterystyczne dla artysty ornamenty, skomplikowane wzory geometryczne i motywy kobiecej zmysłowości – znaki rozpoznawcze jednego z najbardziej wpływowych artystów przełomu wieków
Szósty album z bestsellerowej serii „Beksiński” to kolejna odsłona niezwykłego świata wyobraźni Zdzisława Beksińskiego (1929–2005) – artysty, którego dzieła niezmiennie fascynują i poruszają. W publikacji znalazły się wybrane prace malarza – intrygujące, pełne tajemnicy, niepokojące, a jednocześnie urzekające perfekcją formy i głębią wizji. Twórczość Beksińskiego od lat inspiruje i zachwyca odbiorców w Polsce i na świecie. „Beksiński 6” to wyjątkowa propozycja zarówno dla wiernych miłośników jego sztuki, jak i dla tych, którzy dopiero chcą ją odkryć. Całość wzbogaca tekst Wiesława Banacha – historyka sztuki, wieloletniego dyrektora Muzeum Historycznego w Sanoku, a prywatnie przyjaciela artysty – który wprowadza czytelnika w kontekst powstawania tych wyjątkowych dzieł.
Szósta miniatura albumu z bestsellerowej serii „Beksiński” to kolejna odsłona niezwykłego świata wyobraźni Zdzisława Beksińskiego (1929–2005) – artysty, którego dzieła niezmiennie fascynują i poruszają. W publikacji znalazły się wybrane prace malarza – intrygujące, pełne tajemnicy, niepokojące, a jednocześnie urzekające perfekcją formy i głębią wizji. Twórczość Beksińskiego od lat inspiruje i zachwyca odbiorców w Polsce i na świecie. „Beksiński 6” to wyjątkowa propozycja zarówno dla wiernych miłośników jego sztuki, jak i dla tych, którzy dopiero chcą ją odkryć. Całość wzbogaca tekst Wiesława Banacha – historyka sztuki, wieloletniego dyrektora Muzeum Historycznego w Sanoku, a prywatnie przyjaciela artysty – który wprowadza czytelnika w kontekst powstawania tych wyjątkowych dzieł.
Wystawa Gotyk w Karpatach jest pierwszą próbą łącznego przedstawienia sztuki schyłku średniowiecza we wszystkich krajach regionu. Poprzez zestawienie około stu obrazów i rzeźb, przewiezionych z dziewięciu krajów, które uzupełnia wykonana specjalnie na potrzeby wystawy dokumentacja fotograficzna tego, co nieprzenośne (malowidła ścienne, rzeźba architektoniczna), pokazujemy Karpaty jako obszar artystyczny o utrzymanej ciągłości rozwoju, gdzie jedne dzieła sztuki dawały początek kolejnym. Po obu stronach gór działały bowiem te same warsztaty, obrazy i rzeźby przesyłane były w obu kierunkach, podobnie jak przenikały się tu tendencje w sztuce. Wystawa zarówno prezentuje nowe odkrycia, będące rezultatem bieżących prac konserwatorskich bądź badań terenowych, jak i stanowi okazję dla naocznego zweryfikowania atrybucji postawionych dawno temu. Wykorzystujemy też możliwość scalenia choćby chwilowego dzieł sztuki, których elementy zostały niegdyś rozproszone. Wystawie towarzyszy katalog, który przedstawia historyczny i geograficzny kontekst sztuki gotyckiejna terenie Karpat, omawia charakterystyczne dla niej motywy ikonograficzne, definiuje jej zadania,a także nakreśla kierunki wzajemnego przepływu artystycznych inspiracji między Zachodem Europya Karpatami oraz między północną a południową stroną gór. Każdemu dziełu prezentowanemu na wystawie towarzyszy ilustracja oraz zwięzły opis. Uzupełnieniem są indeks topograficzny, zestawienie nazw miejscowości w siedmiu językach oraz mapy.
Paweł Koñjo Konnak - extatyczny fan wielości bytów. Od 1982 r. aktywista ruchu punk. Od 1986 r. akcjonista Tranzytoryjnej Formacji Totart i jej licznych satelitów. Do dnia dzisiejszego Koñjo zrealizował z Totartem kilkaset ujawnień o charakterze metafizyczno-społecznym. Artysta wszechstronnie rozrywkowy - postać medialna, poeta, prozaik, konferansjer, grafik, muzyk, kurator, aktor, reżyser, wydawca, animator zdarzeń dziwnych. Uważa, że wszystko jest warte, wszystko jest piękne, wszyscy jesteśmy doskonali.
Wyczekiwany drugi tom autobiografii założyciela Brygady Kryzys i TILT-u. Pełna muzyki i największych osobowości polskiej sceny undergroundowej opowieść o latach 80. i pierwszej dekadzie wolnej Polski. Plejada niezależnych artystów, historia kolejnych projektów artystycznych i największych przebojów polskiej sceny offowej. Opis rodzenia się pomysłów, tworzenia tekstów i kompozycji, wzlotów i upadków zarówno w kontekście artystycznym, jak i osobistym. Niezwykle szczery, refleksyjny i pełen autentyzmu zapis pokoleniowego doświadczenia, nierozerwalnie związanego z muzyką, która dawała nadzieję i jednocześnie rodziła bunt. Osobista podróż w głąb ludzkich marzeń, pragnień i lęków, która mimo licznych przeciwności, wciąż szepcze, że „jeszcze będzie przepięknie, jeszcze będzie normalnie”.
Czy warto myśleć o sztuce? A może wystarczy ją po prostu oglądać, smakować formę, ufać własnej intuicji i nie poddawać się uprzedzeniom? W książce Jak myśleć o sztuce Ryszard Kasperowicz przekonuje, że tak – warto myśleć o sztuce. Znajomość zagadnień teoretycznych pozwala bowiem na lepsze zrozumienie tego, czym jest sztuka, jakie są jej cele i jak wpływa na nasze życie. Autor prezentuje najważniejsze kwestie tworzące fundament refleksji nad sztuką w tradycji europejskiej – od starożytności po wiek XIX – wskazując przy tym na współczesne próby rozwiązania konkretnych problemów. W swoich rozważaniach odnosi się nie tylko do sztuk wizualnych, lecz także do poezji i literatury pięknej. Jak myśleć o sztuce to opowieść niezwykle erudycyjna i jednocześnie wnikliwa. To książka przeznaczona dla wszystkich osób zainteresowanych twórczością artystyczną, którym namysł nad nią pozwoli pogłębić wrażliwość na piękno i lepiej zrozumieć przekaz dzieł tworzonych przez pokolenia artystów. Zachęca do refleksji i głębszego spojrzenia na sztukę.
Fascynujące życie obrazów Dziś wiszą dumnie w salach polskich muzeów, ale zanim się tam znalazły, prowadziły zaskakująco bujne życie. Mowa o dziełach najwybitniejszych mistrzów malarstwa europejskiego, które w wyniku przedziwnych zbiegów okoliczności trafiły do naszych rodzimych zbiorów. Zaszywane w jedwabie, kradzione, darowane w prezencie lub przywożone jako pamiątki z podróży. Przenoszone z miejsca na miejsce albo ukrywane na długie lata. W książce Nieobce Paweł Bień przybliża Czytelnikom i Czytelniczkom te niezwykłe historie, a także analizuje dzieła dawnych mistrzów, ukazując ich szeroki kontekst historyczno-kulturowy. Wśród nich znajdziemy między innymi: Damę z gronostajem Leonarda da Vinci, Jowisza malującego motyle Dosso Dossiego, Dziewczynę w ramie obrazu Rembrandta, Portret weneckiego admirała Tintoretta czy Ekstazę św. Franciszka autorstwa El Greca. Nieobce. Opowieści o dziełach dawnych mistrzów w polskich zbiorach to zbiór porywających, niekiedy zabawnych, a innym razem trzymających w napięciu opowieści, a także źródło wiedzy o najcenniejszych dziełach malarskich w naszym kraju. Książka, która może służyć za przewodnik wszystkim miłośnikom historii sztuki.
Zbiór scenariuszy Ingmara Bergmana, które z różnych powodów nie doczekały się sfilmowania. Jest to pierwsze polskie wydanie tych dzieł. Wydanie zawiera posłowie przetłumaczone z wydania szwedzkiego autorstwa Maaret Koskinen. Autorem tłumaczenia jest Tadeusz Szczepański, autor monografii o Ingmarze Bergmanie.Spis zawartości tomu: Kaspers död (Śmierć Kaspra), Om varför gangstern skriver vers (O tym, dlaczego gangster pisze wiersze), Matheus Manders fjärde berättelse eller om en mördare (Matheusa Mandersa czwarte opowiadanie albo o mordercy), Staden (Miasto), Fisken. Fars för film (Ryba. Farsa filmowa), Spela pjäs (Zagrać sztukę), Trämalning (Malowidło na drewnie), Falskspelet (Fałszywa gra), Sixtiofyra minuter med Rebecka (64 minuty z Rebeką), Utkast till TV-film om Jesu död och uppstandelse och om nagra mänskor som deltog i dessa händelser (Szkic do telewizyjnego filmu o śmierci i zmartwychwstaniu Jezusa i o kilku ludziach, którzy uczestniczyli w tych wydarzeniach), Jack hos skadespelarna (Kuba u aktorów).
Sześć wykładów o istocie sztuki i przemianach w myśleniu o niej w ciągu wieków. Dlaczego i w jaki sposób wielka sztuka często powstaje w burzliwych okolicznościach? Jak to możliwe, że obrazy i dzieła, powstałe z doświadczenia niepokoju, rozdarcia czy sprzeciwu, po wiekach trafiają do muzeów i stają się łatwo przyswajalną częścią kulturowego krajobrazu, pozbawioną energii, która nadawała im sens? Jaka jest relacja sztuki, nauki i religii? Jak postęp techniczny odciska się na wyborach artystów i na recepcji sztuki? To tylko kilka z tematów, które Wind podjął w swoich wykładach, wygłoszonych na antenie BBC w ramach prestiżowej serii Reith Lectures.
Trzy zróżnicowane stylistycznie sztuki popularnego dramaturga i doskonale znanego czytelnikom recenzenta filmowego „Co Jest Grane”. Pierwsza sztuka to „Podróżnicy” – miłosna historia osnuta wokół wydarzeń marca 1968 roku. Druga, „Koty”, to tragikomiczna opowieść o współczesnym artyście, rozdartym między dwoma kobietami. „Zielona Polana” natomiast jest brawurową komedią o rozgrywce między pazernym deweloperem a jego zbuntowanym, nastoletnim siostrzeńcem.Choć wszystkie trzy sztuki pisane były z myślą o scenie, z powodzeniem bronią się jako samodzielna lektura – żywa, wciągająca i odkrywcza. To pozycja zarówno dla miłośników teatru, jak i każdego, kto ceni dobre dialogi, wyraziste postaci i zapadające w pamięć historie.
Ten produkt jest zapowiedzią. Realizacja Twojego zamówienia ulegnie przez to wydłużeniu do czasu premiery tej pozycji. Czy chcesz dodać ten produkt do koszyka?
