W tej strefie zapraszamy czytelników tak zwane artystyczne dusze po książki z kategorii Sztuka. Polecamy szereg publikacji o sztuce i jej historii,ciekawostki i portfolia artystów, eseje, albumy, książki o malarstwie, rzeźbiarstwie, architekturze oraz histoii fotografii. Biografie ciekawych artystów, książki i powieści przedstawiające fascynujące losy malarzy i osób uwiecznianych na obrazach. W tym dziale tylko ksiązki ze sztuka w tle.
Paweł Koñjo Konnak - extatyczny fan wielości bytów. Od 1982 r. aktywista ruchu punk. Od 1986 r. akcjonista Tranzytoryjnej Formacji Totart i jej licznych satelitów. Do dnia dzisiejszego Koñjo zrealizował z Totartem kilkaset ujawnień o charakterze metafizyczno-społecznym. Artysta wszechstronnie rozrywkowy - postać medialna, poeta, prozaik, konferansjer, grafik, muzyk, kurator, aktor, reżyser, wydawca, animator zdarzeń dziwnych. Uważa, że wszystko jest warte, wszystko jest piękne, wszyscy jesteśmy doskonali.
Projektowały plakaty, okładki książek i płyt winylowych, znaki graficzne, opakowania oraz materiały reklamowe. Okres ich najintensywniejszej aktywności zawodowej przypadł na czasy PRL-u. Dobrze wykształcone, utalentowane, pracowite. Dlaczego ich nazwiska nie zapisały się w historii polskiej grafiki użytkowej?Alicja Kobza przez wiele lat gromadziła materiały archiwalne i rekonstruowała losy projektantek. Rozmawiała z bohaterkami książki, ich współpracownikami i rodzinami. Przyglądała się dorobkowi, próbując zrozumieć powody, dla których ich twórczość była dotąd pomijana lub lekceważona, i dlaczego mówiąc o historii polskiej grafiki, umiemy wymienić wyłącznie nazwiska ich kolegów po fachu, partnerów i mężów. W książce opowiada o dwudziestu siedmiu twórczyniach i przedstawia autorski wybór ich projektów. Przybliża realia ich pracy, dylematy, przed którymi stawały, trudności, z którymi musiały się mierzyć. Pokazuje, jak kształtował się ich styl i co wniosły do świata grafiki.Ta smakowita wizualnie, a zarazem pionierska merytorycznie praca przywraca nam wymazaną część naszej historii – historii PRL-u, historii grafiki użytkowej, herstorii.
Wydawnictwo zawiera niezwykle ciekawy tekst Bogdana Konopki o jego czterech wizytach na budowie nowoczesnej opery w Pekinie (Pekiński Teatr Narodowy) i fotografowaniu postępów prac przy budowie tego chińskiego giganta oraz tekst napisany specjalnie do katalogu przez architekta Paula Andreu - twórcę projektu gmachu opery w Pekinie.Swoją refleksję o sztuce fotograficznej Konopki Paul Andreu tak konkluduje: "Bogdan Konopka nie fotografuje architektury, lecz przestrzeń, która w jego spojrzeniu staje się równie tajemnicza, jak ciało. On nie fotografuje architektury, on wyzwala z niej życie i doniosłość".Dopiero podczas czwartej wizyty w budowanym gmachu Bogdan Konopka uzmysłowił sobie, że to co fotografował zniknie bezpowrotnie dla ludzkiego wzroku - kolejny etap budowy przewidywał wyłożenie kopuły od wewnątrz drewniana mozaiką: - "I to jest chyba to, co w fotografii stanowi wartość samą w sobie - zdolność rejestrowania unikalnych stanów materii. Trudno powiedzieć nawet, na czym to polega, bo jest w tym coś z intuicji, profetyzmu, siódmego zmysłu, czy w końcu przypadku. Wszakże kiedy zaczynałem fotografować Operę, nie miałem pojęcia po co to robię, ani co z tego wyniknie" - przyznał Konopka.Album posiada trzy wersje językowe (polską, angielską, francuską). Zawiera pełną informację o drodze artystycznej Bogdana Konopki: spis wystaw, prace w kolekcjach, prace zrealizowane (miasta, miejsca i pomniki, reportaże), zrealizowane przez artystę warsztaty (także z uczniami); a także bogatą bibliografię: katalogi wystaw, monografie o artyście, prace zbiorowe, filmografię.Zamieszczono w nim 47 zdjęć Bogdana Konopki z pekińskiej opery - te same zdjęcia, wykonane kamerą wielkoformatową z odbitkami w technice stykowej, prezentowane są na wystawie w Galerii Bielskiej BWA.
Znana i lubiana przewodniczka po Warszawie od siedmiu lat proponuje czytelnikom spragnionym książek o historii i tradycji naszego miasta swoje nietuzinkowe historie. Kolejny ich zbiór jest poświęcony pałacom, reprezentacyjnym rezydencjom licznych rodów królewskich, magnackich, a z czasem – w wyniku XIX-wiecznej rewolucji przemysłowej – także kupców i przemysłowców. Niewątpliwą zaletą opowieści pióra Ewy Sztompke jest ich styl gawędy, gdzie fakty przeplatają się z anegdotami, historie samych pałaców z barwnymi, a wręcz awanturniczymi losami ich właścicieli, mieszkańców i licznych gości odwiedzających je głównie z okazji… tak, balów i wystawnych fet mających wzbudzić podziw i zazdrość. Wielki świat naszych przodków w opowiadaniu i anegdocie.
Wystawa Grupy Pięciu to pierwsza w historii muzealnictwa ekspozycja poświęcona działalności istniejącego od sierpnia 1905 roku do lutego 1908 roku młodopolskiego ugrupowania, a zarazem pierwsza wspólna prezentacja prac jego członków od czasu ich inicjatyw na początku XX stulecia. Tę niemal całkowicie zapomnianą dzisiaj formację, nazywaną także Grupą Norwid, tworzyli: Leopold Gottlieb, Witold Wojtkiewicz, Wlastimil Hofman, Mieczysław Jakimowicz i Jan Rembowski. Byli to studenci i absolwenci krakowskiej Akademii Sztuk Pięknych, których młodzieńcza twórczość była odpowiedzią na pojawiające się w sztuce europejskiej tendencje awangardowe. Zakres chronologiczny pokazywanych w dużej części po raz pierwszy dzieł obejmuje okres od około 1900 roku aż po lata pierwszej wojny światowej. Rozszerzenie ram czasowych służy pełniejszej prezentacji dokonań młodych adeptów sztuki i uchwyceniu procesów kształtujących ich postawy twórcze. Integralną część wystawy stanowią prace artystów, którzy czasowo związani byli z Grupą Pięciu, poprzez udział we wspólnie przygotowanych pokazach, a należeli do nich: Tymon Niesiołowski, Henryk Hochman i Bronisława Rychter-Janowska. Ekspozycję wzbogaciły ponadto dzieła Odilona Redona, Xawerego Dunikowskiego i Olgi Boznańskiej. Towarzyszący wystawie bogato ilustrowany katalog składa się z pięciu części. Na początku szeroko omówiono zagadnienia związane z artystyczną i wystawienniczą działalnością Grupy. Następną część stanowi esej rozwijający wątek drugiej nazwy ugrupowania (Grupa Norwid) i nakreślający przyczyny odwoływania się młodych artystów do Cypriana Kamila Norwida. Kolejny fragment zapoznaje nas z koncepcją wystawy i omawia poszczególne jej części i sekcje tematyczne. Po nim znajduje się katalog przedstawiający dwieście dzieł prezentowanych na wystawie. Ostatnią część publikacji stanowią zwięzłe biogramy artystów
Historia teatru i dramatu włoskiego jest pierwszą tego typu polską publikacją, skierowaną nie tylko do miłośników włoskiego teatru czy studentów italianistyki, ale także do szerokiego grona odbiorców. Zamiarem Autorów było określenie głównych linii rozwoju teatru włoskiego, na tle szerszego kontekstu społeczno-politycznego i kulturowego w powiązaniu z teatrem europejskim oraz omówienie twórczości najważniejszych artystów i ich dzieł, choć z oczywistych względów nie znalazły się w tym opracowaniu wszystkie nazwiska ludzi teatru, którzy zasłużyli się dla włoskiej sceny.
Tom, będący efektem kilkuletniej kwerendy archiwalnej, zawiera dwieście uszeregowanych chronologicznie dokumentów z komentarzem naukowym. Wśród poruszanych tematów są: instytucjonalne ramy systemu rozpowszechniania filmów, import i opracowanie językowe produkcji zagranicznych, sieć kin i organizacja seansów, reklama i klasyfikacja wiekowa filmów, cenzura i badania widowni oraz nadzór nad kulturą wideo w schyłkowym okresie PRL. Książkę dopełniają materiały ikonograficzne, a także starannie sporządzone zestawienia statystyczne.*Z uznaniem należy przyjąć podejście autorów, którzy postrzegają sektor rozpowszechniania filmów jako złożony system pozostający pod wpływem wielu zewnętrznych uwarunkowań, w tym czynników politycznych. Publikacja jest przedsięwzięciem nowatorskim, gdyż wcześniej nie mieliśmy do czynienia z równie kompleksową analizą systemu rozpowszechniania, bazującą na tak bogatym materiale źródłowym.Z recenzji dr hab. Ewy Gębickiejprof. Uniwersytetu Śląskiego
Monet’s breathtaking artistry comes fully alive in this luxurious volume that features dozens of exquisite reproductions; 48 extra pages on six fold-out spreads; coloured edges; and a printed canvas binding. From early works depicting the forests at Fontainebleau and the beach at Sainte-Adresse, to his revolutionary water lily series, this gorgeous volume showcases Monet’s mastery of light, color, and movement; his fluid and rhythmic brushstrokes; and his reverence for the natural world. Thematically arranged, it features sixty impeccable reproductions, including foldout spreads of six essential masterpieces: Impression, Rising Sun; Woman with a Parasol; Bordighera; Venice, Palazzo Dario; Water Lily Pond; and Willows in the Morning.This immersive volume is the next best thing to standing in an art gallery examining a Monet painting from different angles and distances. From luminous beach scenes and brilliant Mediterranean afternoons to captivating cityscapes and the restful beauty of Giverny, this book encapsulates the essence of Monet’s groundbreaking style and enduring legacy. Perfect for both seasoned art connoisseurs and those newly discovering the wonders of Impressionism, this volume will delight and inspire with every turn of its pages, making it an unforgettable gift for any lover of art and beauty.
Konieczny był tupet. I refleks.Do czego był konieczny? Do robienia „pif-paf” na ulicach Bydgoszczy – i innych miast – przed wojną. Jeśli byłeś lajkarzem, czy to na ulicy, czy na plaży w nadbałtyckim kurorcie, stawałeś się fotograficznym rewolwerowcem, a to ciężka praca, choć sam aparat marki Leica był rewolucyjnie lekki, mały i jak na tamte czasy szybki. A spotkać przed sobą na ulicy piękną pannę, oficera w mundurze, matkę z dzieckiem czy cyklistę na rowerze to dla fotografa lajkarza niezła gratka. Mógł nieźle zarobić, bo prawie każdy chciał mieć dla siebie taką fotografię.Niestety, lajkarze nie wszystkim się podobali; zdarzało się, że niektórzy przechodnie zasłaniali twarze, robili uniki. I wielka szkoda, bo dzisiaj te przedwojenne uliczne migawki są prawdziwym skarbem: widać na nich, jak się wtedy ubieraliśmy, jakie fryzury nosiliśmy, jak się spacerowało po mieście z rodzinami, narzeczonymi, żonami czy mężami. Krótko mówiąc, dzięki lajkarzom możemy dziś zobaczyć dawne życie codzienne w pigułce.Mała Leica – to było to!Dowód? Ta książka.~ Chris Niedenthal
Książka zawiera 24 artykuły dotyczące sztuki Łodzi z okresu od początku przemysłowej kariery miasta w latach dwudziestych XIX w. do lat sześćdziesiątych XX w. Dwadzieścia z nich zostało wybranych z dorobku naukowego autora pochodzącego z ostatnich blisko 35 lat, cztery zostały napisane z myślą o publikacji książkowej. Dotyczą one głównie problematyki architektury miasta architektury mieszkaniowej, rezydencjonalnej, sakralnej i przemysłowej, ale także sztuki witrażowniczej, rzeźby architektonicznej i cmentarnej oraz wystroju wnętrz. Zwracają uwagę na bogactwo i różnorodność sztuki miasta XIX i XX wieku, obecność konwencji stylowych znamiennych dla tego okresu: historyzmu, secesji, neoklasycyzmu oraz modernizmu. Podkreślono widoczne tutaj wpływy płynące z ważnych centrów sztuki europejskiej, takich jak Berlin, Wiedeń i Sankt Petersburg. W książce zaakcentowano rolę licznych twórców, zarówno miejscowych, jak i obcych. Pracowali tutaj architekci wykształcenie głównie w Sankt Petersburgu i Rydze. Charakterystycznym dla Łodzi zjawiskiem było jednocześnie zamawianie przez tutejszych przemysłowców planów wielu wznoszonych przez siebie budowli u artystów i firm z innych ośrodków: Berlina, Warszawy, Wrocławia, Żytawy, Wiednia, Sankt Petersburga, Wenecji, a także z islandzkiego Reykjaviku. Znajdowali się wśród nich znani twórcy, jak Franz Schwechten, Carl Seidl, Valentino Casale, Otto Lessing, Einar Jonsson, Jan Styka, zakład Antonia Salviatiego. Wśród miejscowych twórców wyróżniony został zakład rzeźbiarsko-kamieniarski Antoniego Urbanowskiego oraz tacy architekci jak: Hilary Majewski, Gustaw Landau-Gutenteger, Adolf Zeligson, Piotr Brukalski oraz Wiesław Lisowski.
Hannah Strong’s “Colours of Wes Anderson: The Films in Palettes” is a playful, insightful tour of the director’s cinema through the single most unmistakable element of his style: colour. Drawing on stills from across the filmography—from “Bottle Rocket” and “Rushmore” to “The Grand Budapest Hotel”, “Isle of Dogs”, and “Asteroid City”—Strong pairs curated frames with infographic palettes that reveal how Anderson uses hue and saturation to shape character, rhythm, and tone. Short essays break down the emotional and narrative work done by mustard yellows, sorbet pinks, washed?out blues, and tobacco browns; special features explore recurring motifs, production design partnerships, and the way colour helps stitch together dioramas, costumes, and miniature worlds into a coherent visual language. The book also functions as a reference for designers and fans: each chapter collects key palettes with hex?like labels, notes on contrast and harmony, and suggestions for how similar combinations can be used in photography and graphic projects. Rather than treating Anderson’s style as mere quirk, Strong argues that his attention to chroma is a storytelling engine—guiding the eye, encoding memory, and creating mood. Printed on quality stock with generous image reproduction, this compact hardback is both a coffee?table object and a smart piece of film criticism. For cinephiles, art directors, and anyone who has ever paused an Anderson frame to marvel at its candy?box precision, it offers a new way to see familiar movies: not just as narratives and performances, but as carefully composed studies in colour theory brought to life.
An unflinching exploration of aging from one of the twentieth century’s most influential photographers
For more than half a century, Richard Avedon sought to represent advancing age in the faces of the people he photographed. From his earliest years at Harper’s Bazaar and Vogue through to the twenty-first century, Avedon routinely and audaciously broke the rule of flattering public personalities in his portraits. Instead, he chose to highlight the onslaught of what he called the “avalanche of age,” dramatizing the universal experience of getting older.
Accompanying a groundbreaking exhibition at The Image Centre at Toronto Metropolitan University and The Montreal Museum of Fine Arts, Immortal is the first book to delve into Avedon’s unflinching representation of aging throughout his career.
This elegant hardcover volume features nearly 100 portraits of cultural luminaries, each printed in striking tritone, such as Michelangelo Antonioni, Truman Capote, Marcel Duchamp, Duke Ellington, Toni Morrison, Patti Smith, and Stephen Sondheim, as well as one of Avedon’s last self-portraits. Texts by a star-studded cohort of authors, including Vince Aletti, Adam Gopnik, Paul Roth, and Gaëlle Morel, shed new light on an under-represented element of Avedon’s practice.
Thoughtfully edited and beautifully produced, Immortal testifies emphatically to the determination with which people confront the relentless advance of mortality.
A captivating and comprehensively illustrated study of the seventeenth-century Katsura Imperial Villa in Kyoto, Japan
An outstanding example of Japanese architecture, Katsura has inspired countless architects from Bruno Taut and Le Corbusier to Tadao Ando and Kenzo Tange, and is often considered a precursor of Modernist tendencies.
Now available in a new format, Katsura Imperial Villa offers an in-depth exploration of the seventeenth-century palace in Kyoto, Japan through detailed drawings and historical analysis.
The extensive selection of maps, drawings, and photographs make this book an indispensable reference work and offer unprecedented access to this beautiful palace.
The first book from Milan’s fine-dining restaurant and celebrity chef, Carlo Cracco
Cracco in Galleria is a fine-dining restaurant located within the Galleria Vittorio Emanuele II, one of the most iconic buildings in Milan. From its hand-painted wallpaper to the spectacular views offered from its windows, this venue, comprising restaurant, bakery, bar, extensive cellar, and opulent banqueting hall, conveys an innate sense of style and decadence.
Its founder and owner, Carlo Cracco, is a star of Italian cuisine, whose career has included the influence of such masters as Alain Ducasse and Gualtiero Marchesi. Working alongside Cracco is chef Luca Sacchi and, together, they present their contemporary take on Italian classics, with dishes including Insalata russa caramellata (their modern interpretation of a classic Russian salad), and Timballo in Galleria (Cracco’s rethinking of the traditional baked, layered, savory dish).
Conceived by the innovative team at Toiletpaper, Cracco in Galleria is the first book to document the restaurant’s extraordinary cuisine, with recipes presented alongside Toiletpaper’s signature surreal, saturated, and witty photography.
The definitive exploration of the prolific material, intellectual, cultural, and commercial output of inimitable artist Tom Sachs
A 21st-century creative force, Tom Sachs’s critically acclaimed practice spans sculpture, installation, painting, film, ceramics, and industrial design. The Tom Sachs Guide is the most comprehensive-to-date look at his work, documenting decades of rigorous and visionary artmaking.
Vividly illustrated with more than 650 images and organized into thematic chapters, the book includes work across mediums, as well as longstanding collaborations with Nike and immersive reinterpretations of NASA missions. A rich appendix includes essential lists and charts, offering insights into the artist’s creative process and studio practice.
An object direct from the hands of the artist, Tom Sachs Guide is a printed tour through his studio, his body of work, and the unique worlds he creates, designed and written in close collaboration with Sachs himself.
A dynamic survey of the Nicola Erni Collection, one of the foremost collections of photography and contemporary art.
Over twenty-five years, collector Nicola Erni has acquired artworks that speak to her passion for art, fashion, and social change, amassing one of the largest collections of photography and an extensive collection of contemporary art in private hands.
Mix & Match showcases almost 400 works from the Nicola Erni Collection, bringing together fashion photographs and contemporary artworks in playful pairings where both genres enter a dialogue. In parallel, it offers a journey through one hundred years of fashion photography and shows new ways of exploring this field from the 1930s to the present, organized in twelve thematic sections.
Featured artists and photographers include: Richard Avedon, Jean-Michel Basquiat, Cecil Beaton, Sylvie Fleury, Keith Haring, Vivian Maier, Cindy Sherman, Tim Walker, Andy Warhol and others.
Yves Saint Laurent and his designs, as captured by the greatest photographers of the 20th century
Yves Saint Laurent collaborated with some of the greatest photographers of the 20th century. For over four decades, until the closing of his fashion house in 2002, Saint Laurent and his creations were captured by cutting-edge photographers – including such legends as Richard Avedon, Irving Penn, David Bailey, Helmut Newton, William Klein, Sarah Moon, Annie Leibovitz, Paolo Roversi, and Juergen Teller – resulting in iconic pictures that helped shape his own image as well as that of his brand.
Yves Saint Laurent and Photography shines new light on the world of the genius couturier, tracing both the course of fashion and the history of 20th–century photography. This beautifully designed book features an astonishing range of imagery: breathtaking fashion photographs of subjects such as Audrey Hepburn, Catherine Deneuve, Naomi Campbell, and Kate Moss; portraits of Saint Laurent; and never-before-seen archival documents, all packaged in a luxe oversized volume.
KSIĄŻKA W JĘZYKU ANGIELSKIM.To wyjątkowe wydanie z serii "Masterpieces of Art", autorstwa Michael Kerrigan, zabiera czytelnika w fascynującą podróż po twórczości jednego z najoryginalniejszych artystów - William Blake (17571827). Jego prace łączą w sobie mistycyzm, poetycką wizję i dramatyczne obrazy, które - choć powstały w epoce romantyzmu - swym charakterem i formą wyprzedzają czasy i wpływają na literaturę gotycką.Publikacja liczy 128 stron pełnych barwnych ilustracji i reprodukcji dzieł Blaka, a wprowadzenie autora pozwala zrozumieć kontekst filozoficzny, społeczne i artystyczne tło jego pracy.W twardej oprawie, ze starannie dobranym materiałem graficznym, książka stanowi zarówno wartościowe źródło wiedzy, jak i elegancki albumprezent dla miłośników sztuki, designu i historii kultury. Rich and delicate, ethereal and muscular, the art of William Blake is as fascinating as the philosophies threading through his poetry and prophetic works. Presented here in this magnificent new collection, his vivid paintings and gently weaving illustrations are imprinted in the consciousness of Romantic art, but their impact on Gothic literature remains as strong and quixotic as the artist himself.
Jedna z najdelikatniejszych książek świata. Na lekkich, przezroczystych stronach (cała książka jest wydrukowana na kalkach), krok po kroku, podążamy śladami kobiet trzech pokoleń. Rozdzieliło je życie, mają różne losy; czy ich więź poszarpana przez czas da się odtworzyć? Ile znaczą chwile spędzone razem i dlaczego zawsze jest ich za mało? Czy uda się odnaleźć obecność w nieobecności? Jesteś to album pełen emocji: przezroczyste strony nakładają się na siebie, rysunki jednocześnie zakrywają i odkrywają to, co jeszcze nieznane. Stopniowo odsłania się przed nami opowieść: o tęsknocie, wdzięczności, bliskości. Szeptany, minimalistyczny tekst połączony z zachwycającymi obrazami jest subtelnym hołdem złożonym kobietom: młodym, dorosłym, starszym, matkom, córkom, babkom z całą ich wewnętrzną siłą i mocą. Jesteś to intymne doświadczenie czytelnicze, poetycka, porywająca rzecz, książka-prezent dla każdej i każdego z nas. Ta książka nosi tytuł Jesteś, ale równie dobrze mogłaby być zatytułowana Nie ma Cię tak wszechobecny jest tutaj BRAK. Racjonalni czytelnicy oraz amatorzy intryg i zwrotów akcji lepiej nich trzymają się od niej z daleka. Latitia Bourget, pomysłodawczyni projektu, oraz uznana na całym świecie polska artystka wizualna Joanna Concejo proponują inny typ lektury rodzaj wewnętrznej podróży i poetyckich skojarzeń. Strona po stronie, obraz za obrazem, dzięki grze przezroczystości (książka jest wydrukowana na kalkach), historia rozwija się poprzez myśli, wspomnienia, doznania W zakończeniu ukazuje się najważniejsze: więź, która łączy kobiety z tej samej rodziny, niezależnie od tego, czy żyją czy odeszły. Nie ma większej obecności niż nieobecność to właśnie szepcze nam ta niezwykła książka, otwierając przestrzeń na refleksje, odczuwanie, szukanie tego, co najważniejsze w nieskończonym oceanie pamięci, jedynym miejscu, w którym czas nie przemija. Fabienne Jacob, Livres Hebdo Oto przedstawicielki trzech pokoleń rodziny, którą Joanna Concejo ożywia zaprasza do bujnego ogrodu, pełnego kwiatów, odcienie zieleni i błękitów. I przywołuje pamięć. Trzy małe dziewczynki wyruszają w podróż, podczas której wspomnienia zmieniają się w to, co nieoczekiwane, podobnie jak obrazy, które są na zmianę żywe, odległe, ledwie wyczuwalne i uderzająco wyraziste. Jesteś to niezwykła wizualnie, sugestywna opowieść o sile śladu, jaki pozostawia w nas drugi człowiek i który my z kolei przekazujemy dalej. Tu słowo staje się obrazem, a piękno i głębia pozostają w czytelnikach bez względu na wiek. Veronique Cavallasca, Ricochet
Art Deco is the decorative, distinctly aesthetic style of the years between 1920 and 1940. The movement embraced all areas of lifestyle and art. Art Deco was a commitment to modern technology, industrial design, and functionalization. With over 500 illustrations, this volume showcases the complexity of the Art Deco style and its manifestations in architecture, fashion, advertising, everyday objects, transport, and other areas of life.
Ten produkt jest zapowiedzią. Realizacja Twojego zamówienia ulegnie przez to wydłużeniu do czasu premiery tej pozycji. Czy chcesz dodać ten produkt do koszyka?
