W tej strefie zapraszamy czytelników tak zwane artystyczne dusze po książki z kategorii Sztuka. Polecamy szereg publikacji o sztuce i jej historii,ciekawostki i portfolia artystów, eseje, albumy, książki o malarstwie, rzeźbiarstwie, architekturze oraz histoii fotografii. Biografie ciekawych artystów, książki i powieści przedstawiające fascynujące losy malarzy i osób uwiecznianych na obrazach. W tym dziale tylko ksiązki ze sztuka w tle.
Sława, błysk fleszy i Kobiety są gorące to tylko część prawdy o Norbim. Za nimi czają się hazard, kokaina, alkohol, samotność i presja – bo przecież nikt nie uczy, jak to wszystko udźwignąć. Urodzony showman? Błazen? Swój chłopak? To tylko maski. W tej książce Norbi po raz pierwszy je zrzuca i opowiada o swoim prawdziwym życiu – bez filtrów, bez koloryzowania i typowych dla niego heheszek na rozładowanie napięcia.
Odsłania kulisy kariery, które dotąd pozostawały w cieniu. Mówi o tym, że łatwo wejść na scenę, ale trudno z niej zejść, kiedy gasną światła. Z rozbrajającą szczerością wraca do dzieciństwa i młodości, kiedy narodziło się w nim pragnienie wolności, buntu i podejmowania ryzyka. Opowiada o swojej chaotycznej drodze zawodowej: od pracy w orkiestrze oraz grania na ślubach i pogrzebach, przez zbieranie winogron we francuskich winnicach, aż po prowadzenie sklepiku na dworcu w Olsztynie.
Jego historia to slalom pełen spektakularnych wzlotów i bolesnych upadków. W książce głos dostają także ludzie, którzy widzieli to wszystko z bliska: przyjaciel i pierwszy menedżer, żona, terapeuta uzależnień, a nawet krupierka z kasyna. Ich wspomnienia tworzą poruszający portret człowieka, który długo grał rolę Norbiego, zanim odważył się być Norbertem.
To opowieść o tym, że można upaść naprawdę nisko, a mimo to znaleźć w sobie siłę, żeby się podnieść. Nie po to, by znów błyszczeć. Tylko po to, by wreszcie być sobą.
Sztuka współczesna w poszukiwaniu duchowości W zbiorze esejów Cisza i zgiełk obrazów Krystyna Czerni z pasją i erudycją prowadzi czytelnika przez świat sztuki XX i XXI wieku, kierując uwagę ku twórczości, w której różnorodny wyraz znajduje rzeczywistość duchowa. Ten wymiar wydobywa w subtelny sposób daleki od konfesyjnych uproszczeń i jednoznacznych etykiet w pracach artystów reprezentujących odmienne postawy i języki wizualne, jak Alina Szapocznikow, Leon Tarasewicz, Jarosław Modzelewski, Bettina Bereś, Jan Pamuła, Aldona Mickiewicz czy Krzysztof Sokolovski. Szeroką wiedzę i ugruntowane kompetencje badawcze autorka łączy z osobistym tonem, wynikającym z wieloletnich przyjaźni z artystami, rozmów w pracowniach i uważnego, pogłębionego kontemplowania ich dzieł. Wzbogacona o kolorowe reprodukcje, wolna od hermetycznego języka książka stanowi zaproszenie do namysłu nad metafizycznym wymiarem sztuki współczesnej, odsłaniającym się czasami nieoczekiwanie w tym, co z pozoru zupełnie przyziemne. Odznaczające się dużą komunikatywnością i profesjonalizmem teksty zebrane w tomie Cisza i zgiełk obrazów absorbują uwagę czytelnika, dając mu możliwość zaznajomienia się z rozmaitymi strategiami artystycznymi. Zaprzyjaźniona z wieloma twórcami, Krystyna Czerni odkrywa przed czytelnikami szczegóły z tak zwanej kuchni artystycznej i sekrety środowiska, co czyni książkę bardzo atrakcyjną.prof. dr hab. Joanna M. Sosnowska Imponujące zaplecze merytoryczne, osobiste relacje z twórcami oraz emocje towarzyszące kontemplowaniu i przeżywaniu doświadczanych w pracowniach dzieł pozwoliły Krystynie Czerni osiągnąć wysoki stopień przyległości, swego rodzaju zespolenia się z nimi, co nie pozostaje bez znaczenia dla podjętej refleksji krytycznej. Dzięki owej zażyłości w miejsce świadomości eksploatującej pojawić się mogła świadomość współodczuwająca, tak znamienna dla pisarstwa Czerni.dr hab. Renata Rogozińska, prof. UAP
Piękno na co dzień dla wszystkich
Pionierka i legenda. Najważniejsza postać polskiego wzornictwa powojennego. Jeśli istnieje "polski styl narodowy", to jego współczesną formę ukształtowała właśnie Wanda Telakowska. To, jak dziś mieszkamy, co kupujemy i co kolekcjonujemy, zawdzięczamy założonemu przez nią w 1950 roku Instytutowi Wzornictwa Przemysłowego, który stał się ewenementem na skalę światową: kuźnią wzorów na najwyższym poziomie, matecznikiem projektantów, szkołą gustów, a przy okazji miejscem pracy na miarę XXI wieku, przyjaznym kobietom.
Wanda Telakowska wierzyła, że piękne otoczenie, mieszkanie, ubranie, a przede wszystkim dobrze zaprojektowane przedmioty codziennego użytku kształtują człowieka. Idei "piękna na co dzień dla wszystkich" poświęciła całe swoje życie.
Prywatnie była jedną z najbarwniejszych postaci dwudziestolecia międzywojennego i PRL-u - przyjaciółką Iwaszkiewicza, Miłosza, Krzywickiej, mistrzynią anegdot, ciętych ripost i pieprznych dowcipów. Umiała zażartować i zakląć tak, że słuchującym szło w pięty. Katarzyna Rzehak zdejmuje z Telakowskiej pomnikowy patos i odsłania kobietę z krwi i kości. Przytacza dziesiątki historii, bajek i zmyśleń, których dziś nie sposób zweryfikować, a które pokazują siłę osobowości i żywotność legendy wielkiej Wandy.
Przyziemny przewodnik po snobistycznym świecie sztuki.
Sztuka nie gryzie. Serio. Nawet jeśli myślisz, że to nie dla ciebie - ta książka udowodni, że jesteś w błędzie.
Znasz to uczucie, kiedy stoisz w galerii, patrzysz na obraz i zastanawiasz się, czy coś z tobą nie tak, bo nie wiesz "co autor miał na myśli"? Albo kiedy ktoś rzuca nazwiskiem artysty jak dobrego znajomego, a ty udajesz, że wiesz, o kogo chodzi?
"Jak robić sztukę" to książka dla tych, którzy mają ochotę wejść do świata sztuki bez sztywnej miny, słownika terminów i snobizmu. Z humorem, lekkością i autoironią Kate Bryan pokazuje, że sztuka to nie tajemny kod dla wybranych, tylko naturalna część życia - jak muzyka, kawa czy oglądanie seriali. A David Shrigley - mistrz absurdalnego rysunku - doprawia całość szczyptą pop-artowej grafiki.
Dowiesz się m.in:
- jak mówić o sztuce, nawet jeśli nie wiesz, kto to Kandinsky,
- dlaczego warto kupić obraz, choć nie masz jachtu ani loftu,
- jak zacząć tworzyć, nie będąc artystą (i dlaczego warto),
- co zrobić, żeby twój pies był bardziej kulturalny (serio!).
To książka, która daje ci przyzwolenie: na patrzenie, tworzenie, gadanie, lubienie - i nie-lubienie.
Bo sztuka nie jest egzaminem. Jest dla ludzi.
Szósty tom bestsellerowej serii omawiającej ukryte kody w dziełach arcymistrzów malarstwa. Tym razem para znakomitych popularyzatorów sztuki skupiła się na tajemnicy śmierci i sposobach jej pojmowania przez wielkich artystów.Van Eyck - Męczeństwo wśród chmur kłębiastych średnio wypiętrzonych i tajemnicza mapa. Ukrzyżowanie.Rembrandt - Zwłoki jako przedmiot poznania. Lekcja anatomii doktora Tulpa.Okuń - Pakt z diabłem, Śmierć Paganiniego.Malowidła prehistoryczne - jaskinia Chauveta.Gericault - Horror na środku oceanu. Tratwa Meduzy.Van Gogh - Kryminalna zagadka śmierci van Gogha. Pole pszenicy z krukami.Pieter Bruegel - Ukryta rzeź czyli brabanckie Betlejem Rzeź niewiniątek.Jacques Louis-David - Zabójczy kapelusz. Portret Lavoisierów.Trujące rośliny na obrazach - Meduza Rubensa.Zabieramy cię w porywającą podróż tropami błysków geniuszu.Czytelnicy znajdą tu wszystko na co czekają; tajemnicę, tło historyczne i znaczeniowe tropy pozostawione przez artystów oraz zaskakujące konkluzje autorów książki, niestrudzonych detektywów historii.
Album "Szuka ikony" autorstwa Tani Velmans, światowej sławy historyka sztuki, przenosi nas w świat sztuki bizantyńskiej. To zbiór esejów o historii ikony, walorach artystycznych, symbolice czy ikonograficznej i stylistycznej ewolucji na przestrzeni wieków. W połączeniu z 275 kolorowymi ilustracjami, w większości całostronicowymi, staje się unikatową publikacją. Autorka prowadzi nas od historii pierwszych ikon powstałych w Konstantynopolu i na peryferiach cesarstwa, przez zagadnienie ikonoklazmu i jego konsekwencji dla sztuki, do klasycznego stylu bizantyńskiego, stylu Komnenów i renesansu Paleologów. Porusza wątek malarstwa reakcyjnego i nurtów mistycznych i poświęca rozdział ikonom ruskim z okresu od XIII do XV wieku. W albumie znajdziemy reprodukcje zbiorów z najstarszych klasztorów: na Synaju w Egipcie, w Etiopii czy Grecji, z maleńkich cerkwi ukrytych w dolinach Kaukazu Górnej Swanetii, a także z najsłynniejszych muzeów Macedonii Północnej, Rosji, Bułgarii czy Gruzji.Odbiorcy książki: wszyscy zainteresowani historią i sztuką Bizancjum, zarówno początkujący, jak i zaawansowani, malarze i miłośnicy ikon.Dlaczego warto przeczytać tę książkę: Autorka w zwięzły, a jednocześnie ciekawy sposób opisuje tysiącletni okres rozwoju sztuki bizantyńskiej, a także jej późniejszą ewolucję. Pomaga zrozumieć ikonę, omawia dzieła wybitne i różnorodne zarazem: malowane, z kości słoniowej, mozaiki, repusowane lub grawerowane w metalu, kamienne płaskorzeźby itp.
Album Giotto. Życie Maryi i Jezusa. Kaplica Scrovegnich, którego autorką jest Federica Millozzi, to kolejna wyjątkowa pozycja opublikowana przez Wydawnictwo JEDNOŚĆ. Freski z Kaplicy Scrovegnich, arcydzieła sztuki wszech czasów wchodzące w skład Zespołu XIV-wiecznych fresków w Padwie wpisanych na listę Światowego Dziedzictwa UNESCO, nieprzerwanie budzą zachwyt zwiedzających, którzy przybywają tu ze wszystkich zakątków świata.Majstersztyki Giotta (ok. 1266-1337), genialnego włoskiego artysty, to pierwsze emocjonujące zdobycze w dziedzinie użycia perspektywy oraz przedstawiania stanów ducha właściwych rodzajowi ludzkiemu. Posiadają głęboką siłę wyrazu, zdolną przemówić do adresatów bez względu na stopień ich wykształcenia i wrażliwości.ODBIORCY KSIĄŻKI:- książka adresowana jest do szerokiego grona odbiorców zainteresowanych sztuką chrześcijańską inspirowaną Pismem Świętym i apokryfami;- album może być wspaniałym prezentem;- to również książka dla wszystkich zainteresowanych teologią, historią sztuki oraz Kościoła.DLACZEGO WARTO PRZECZYTAĆ TĘ KSIĄŻKĘ?Dzięki całkowicie nowym możliwościom współczesnej techniki fotografowania album pozwala doświadczyć sugestywnej i zaskakującej bliskości z cyklem fresków Giotta w Kaplicy Scrovegnich w Padwie. Giotto, uprzedzając zdobycze renesansu, okazuje się nowatorem pod względem sposobu przedstawiania przestrzeni, a także fizyczności i uczuciowości człowieka. Album jest cennym spojrzeniem na ponadczasowe arcydzieła, dopełnionym obrazami rzeźb przechowywanych w prezbiterium, zakrystii i absydzie kaplicy, umożliwiając czytelnikowi w pełni i definitywnie zanurzyć się w ten niemający sobie równych skarbiec.Książka to swoista Biblia pauperum dopełniona ciekawymi tekstami napisanymi bardzo przystępnym językiem. To pozycja, którą po prostu trzeba mieć w swojej domowej bibliotece.
Impresjonizm to jeden z ważniejszych kierunków sztuki, który zupełnie zmienił jej oblicze, kwestionując dziedzictwo romantyzmu oraz sztywne zasady akademizmu. Głównym celem nowego prądu stało się uchwycenie nieustannie zmieniającej się rzeczywistość i oddanie subiektywnych odczuć towarzyszących jej percepcji. To nowatorskie podejście do malarstwa zapewniło impresjonistom poczesne miejsce w historii sztuki i sprawiło, że tacy malarze jak douard Manet, Edgar Degas, Pierre-Auguste Renoir, Claude Monet, Camille Pissarro czy Berthe Morisot są do dziś niezwykle cenieni na całym świecie. Jednak nie wszyscy wielbiciele impresjonizmu wiedzą, na jakim tle historycznym rozwinął się ten kierunek.W książce Paryż w ruinie. Miłość, wojna i narodziny impresjonizmu ceniony krytyk sztuki Sebastian Smee ukazuje burzliwe wydarzenia dające początek impresjonizmowi, który powstał jako reakcja na przemoc, wojnę domową i polityczne intrygi. Przenikliwa i wciągająca książka ukazuje, jak oblężenie Paryża i chaos Komuny Paryskiej miały głęboki wpływ na sztukę nowoczesną i jak artystyczny geniusz był w stanie wyłonić się z mroku i katastrofy.
This intimate photo chronicle by Polly Samson documents both the recording of David Gilmour's No. 1 album Luck and Strange and the acclaimed tour which saw the Pink Floyd legend playing sellout shows in Rome, London, LA and New York.
Samson, who is Gilmour’s partner and creative collaborator, as well as an acclaimed novelist / photographer in her own right, captures the process as the album takes shape: from conception and recording, off-duty and studio immersion, to release and live performance; from candid behind-the-scenes shots, to theatrical stage moments. We see an artist at work, the collaborative process, the moments of light relief – and the focus as the work takes flight.
The book features the unmistakable hand lettering of Anton Corbijn on the cover and throughout, plus an interview by rock photographer Jill Furmanovsky with Polly Samson that sheds light on a photographer’s craft, as well as providing insights into Samson's relationship with Gilmour. The foreword is written by the late Alan Yentob.
Teatr w obliczu wojny to pierwsza publikacja, która łączy doświadczenia artystów z czasów II wojny światowej i współczesnej rosyjskiej inwazji na Ukrainę. Autorzy analizują, jak teatr funkcjonował pod okupacją sowiecką i jak odpowiada dziś na brutalną agresję Rosji. Książka prezentuje, w jaki sposób scena staje się miejscem oporu, pamięci i solidarności w obliczu przemocy i ideologicznego zniewolenia. Opisuje zmagania artystów ze Lwowa, Wilna i Białegostoku z narzuconą propagandą oraz dramatyczne wybory twórców w czasach terroru. W części współczesnej przedstawia siłę ukraińskiego teatru jako przestrzeni terapii, edukacji i walki o tożsamość. Pokazuje reakcję polskich środowisk na wojnę u sąsiada – współpracę, gesty solidarności i nowy język sceniczny. To książka o sztuce, która nie milknie w obliczu zbrodni, i o ludziach, którzy mimo represji budują wspólnotę. Dla czytelników zainteresowanych kulturą, historią i życiem w czasach kryzysu – lektura obowiązkowa. Niczym w zwierciadle przeglądają się w monografii dwie epoki, trzy nacje, trzy narody uwikłane w konflikt z rosyjskim agresorem, rzutujący na tryb pracy teatrów i postawy związanych z nimi artystów. Autorzy zgromadzonych tu tekstów – badacze z Polski, Ukrainy i Litwy – prezentując udokumentowaną źródłami historycznymi refleksję nad mało znanymi (albo odległymi w czasie, bo przypadającymi na lata 1939–1945, albo niedawnymi, rozgrywającymi się na naszych oczach) wydarzeniami zogniskowanymi na teatrze, budują swoistego rodzaju dialog kulturowy między sąsiednimi krajami, które ujęte w sieć historycznych rozliczeń w obliczu wojny mogą odkryć wspólnotę doświadczeń. Z recenzji dr hab. Doroty Fox, prof. UŚ Dr hab. Piotr Horbatowski w pracy naukowej koncentruje się na badaniu dziejów aktywności teatralnej Polaków poza granicami kraju, ze szczególnym uwzględnieniem terenów Wschodu i Dalekiego Wschodu. Jest autorem monografii poświęconych polskiemu życiu teatralnemu w Ukrainie. Na gruncie glottodydaktyki interesują go innowacyjne, niekonwencjonalne metody nauczania. Jest autorem metody nauczania języka polskiego przez teatr, jak również wykorzystania redakcji gazety studenckiej do nauczania języka i kultury polskiej. Pracował za granicą w charakterze Visiting Professor w: University of Connecticut, Central Connecticut State University, Indiana University (USA), Tokyo University of Foreign Studies (Japonia), Hankuk University of Foreign Studies (Korea Południowa), Guangdong University of Foreign Studies (Chiny). W latach 2005-2009 oraz 2011 – 2012 pełnił funkcję dyrektora Szkoły Języka i Kultury Polskiej UJ. W latach 2012 – 2016 był dyrektorem Centrum Języka i Kultury Polskiej w Świecie UJ. Od roku 2021 jest dyrektorem Instytutu Glottodydaktyki Polonistycznej UJ. Publikacja dofinansowana ze środków budżetu państwa w ramach programu Ministra Edukacji i Nauki pod nazwą „Nauka dla Społeczeństwa”, nr projektu NdS/538503/2022/2022, kwota dofinansowania 395 922,69 zł. Publikacja powstała jako rezultat Międzynarodowej Konferencji Naukowej „Teatr w obliczu wojny – życie teatralne we Lwowie, Białymstoku i Wilnie w czasie II wojny światowej”.
Kulisy Rodziny Soprano. Prawdziwa historia serialu Ostateczna historia przełomowego serialu telewizyjnego i hitu streamingowego Rodzina Soprano, pełna nieznanych wcześniej historii z planu i zza kulis. Gwiazdy serialu, Michael Imperioli i Steve Schirripa, przeprowadziły szczere rozmowy z niemal wszystkimi osobami zaangażowanymi w tworzenie Rodziny Soprano. I są gotowe ujawnić absolutnie wszystko.Kto wykonał telefon, który przekonał HBO do rozpoczęcia produkcji Rodziny Soprano? Jak zachowywał się James Gandolfini na planie? Jakie znaczenie mają te wszystkie jajka? I co się, do diabła, stało z Rosjaninem? Obsada i ekipa Rodziny Soprano znają wszystkie odpowiedzi i ujawniają, gdzie pochowano ciała.Książka autorstwa Michaela Imperioliego (Christopher Moltisanti) i Stevea Schirripy (Bobby Baccalieri) odkrywa sekrety rodziny Soprano w zaskakującej, zabawnej i szczerej publikacji. Kulisy Rodziny Soprano to ostateczna, zakulisowa historia przełomowego serialu HBO, który stał się globalnym fenomenem kulturowym, zapoczątkował nową Złotą Erę Telewizji i do dziś pozostaje jednym z najchętniej oglądanych seriali wszech czasów.Inspirowana niezwykle popularnym podcastem Talking Sopranos książka zawiera ekskluzywne wywiady z obsadą, ekipą, producentami, scenarzystami, reżyserami oraz oczywiście twórcą serialu Davidem Chaseem. Michael i Steve opowiadają wszystkie niesamowite historie, na które fani Rodziny Soprano czekali od premiery serialu w 1999 roku. Książka obejmuje całą historię jego powstawania od pierwszego pomysłu i castingu, aż po słynne przejście w czerń. Zawiera także odpowiedzi na pytania nadesłane przez fanów, obala popularne mity i ujawnia fakty, o które nikt spoza ekipy nawet nie wiedział, że warto zapytać.
CHOPIN. PÓŹNE LATA. ARTYSTA W CIENIU MIŁOŚCI I CHOROBYW drugim tomie wybitnej biografii Alan Walker towarzyszy artyście w okresie największych sukcesów i największych prób. W paryskich salonach, gdzie Chopin błyszczy jako kompozytor i pianista, otaczają go najwybitniejsze postacie epoki. A jednak to właśnie teraz rozpoczyna się jego najbardziej skomplikowana droga: okres choroby, wyczerpującej pracy i trudnych wyborów osobistych.W samym centrum tej opowieści stoi George Sand. To w jej domu w Nohant Chopin tworzy muzykę, która na zawsze odmieni historię romantyzmu. Walker z wyjątkową wnikliwością przedstawia ich związek, pełen namiętności, opiekuńczości, ale też konfliktów i nieporozumień.Biograf, korzystając z nowych materiałów i skrupulatnych badań, pokazuje, jak wielkie arcydzieła wyrastały z kruchości ciała, napięć codzienności i głębi uczuć. To portret artysty, którego życie nigdy nie było spokojne - ale zawsze było wielkie.
Encyklopedia brzydkiej mody: podróż przez najlepsze z najgorszych trendów
O guście się nie dyskutuje, ale…
…kiedy go nie ma, możesz cieszyć się (cudzymi) porażkami bez wyrzutów sumienia. Trzymasz w rękach przewodnik po najbardziej kuriozalnych pomysłach w historii mody – od kapeluszy, które wyglądały jak zastawa obiadowa, po biustonosze, którymi można zabić.
Karolina Żebrowska z wdziękiem i ciętym humorem poprowadzi cię przez dzieje modowych grzeszków, stylizacyjnych przestępstw czy wreszcie zbrodni na estetyce. Taplając się w bajorku modowej rozpaczy, zaznasz zarówno zachwytu, jak i niedowierzania. Nieraz zapytasz: „Dlaczego ludzie naprawdę to nosili? W którym momencie wszystko poszło tak bardzo źle?”.
Ta książka to historia mody w wersji WTF – pełna rzetelnej wiedzy, ale też ironii i zaraźliwego śmiechu. Pozycja idealna dla estetów o mocnych nerwach i wszystkich, którzy choć raz spojrzeli na stary portret z myślą:
„Co to do cholery jest? I dlaczego jest takie brzydkie?”.
Trzymasz w ręce zbiór najlepszych prac najbardziej poszukiwanego brytyjskiego artysty.Kim jest Banksy? Artystycznym geniuszem, politycznym aktywistą, malarzem, dekoratorem, mityczną legendą, a może po prostu powszechnie znanym writerem?Prac Banksy'ego nie można pomylić z niczym innym, nie sposób ich przeoczyć, no chyba, że zostały skutecznie przemycone i zakamuflowane w Tate czy The Metropolitan Museum of Art w Nowym Jorku. Banksy odpowiada za 'ozdabianie' ulic, murów, mostów i zoo w miastach dużych i małych na całym świecie. Jest przy tym dowcipny, a jego prace przewrotne: małpy dzierżące broń masowego rażenia, policjanci z uśmiechniętymi emotikonami zamiast twarzy, szczury z wiertłami i parasolami. Banksy wskazuje światu na to, co istotne, podburza ludzi, ironizuje, inteligentnie, acz bezczelnie komentuje wszystko, od monarchii i kapitalizmu, po wojnę w Iraku i zwierzęta hodowlane.Tożsamość Banksy'ego nadal pozostaje tajemnicą, mimo że jego prace są już powszechnie znane.* * *Prace Banksy'ego muszą mieć świadków, z których każdy powinien je przeżyć, wziąć do serca i przekazać dalej w imię Wolności.Rain Taxi Review of Books
Historia mody to fascynująca opowieść o modzie, ukazująca, jak przez wieki zmieniały się jej formy, inspiracje i estetyka – od olśniewających jedwabi dawnych imperiów aż po współczesne stroje sportowe wykonane z futurystycznych materiałów. Książka prowadzi przez kolejne epoki, pokazując, że odzież nie tylko pełniła funkcję osobistej ekspresji, lecz była także potężnym narzędziem wyrażania zmian społecznych, form artystycznych i nowych idei. Na kartach tej bogato ilustrowanej książki ożywają wielcy projektanci, przełomowe kolekcje, radykalne ruchy oraz światowe stolice mody. Zdjęciom przedstawiającym najbardziej typowe i ikoniczne projekty towarzyszą teksty międzynarodowego zespołu ekspertów pod kierunkiem Marnie Fogg. Czytelne osie czasu przedstawiają natomiast najważniejsze wydarzenia oraz wpływy kształtujące styl kolejnych dekad. Niezależnie od tego, czy jesteś studentem projektowania, miłośnikiem haute couture czy po prostu cenisz kunszt tego, co nosimy, ten starannie opracowany graficznie i merytorycznie przewodnik po historii mody będzie inspirującym uzupełnieniem Twojej biblioteczki. Nowe wydanie zawiera zaktualizowane i uzupełnione treści na temat mody ostatnich dekad
Prawo w sztuce, sztuka w prawie to interdyscyplinarna publikacja ukazująca związki między prawem a sztuką. Powstała w ramach serii wydawniczej Szkoły Doktorskiej Nauk Społecznych Uniwersytetu Jagiellońskiego i stanowi efekt dwuletniego seminarium projektowego pod opieką prof. Jerzego Stelmacha.Książka jest owocem pracy jedenastu doktorantów specjalizujących się w różnych gałęziach prawa, którzy podjęli się analizy wybranych zagadnień prawnych związanych ze sztuką z perspektywy swoich dziedzin badawczych.Pierwsza część pracy koncentruje się na dogmatycznej analizie regulacji dotyczących tworzenia i obrotu dziełami sztuki ("sztuka w prawie") i dostarcza szczegółowych informacji przydatnych w praktyce prawniczej. Druga część obejmuje zaś refleksję nad prawem z metaperspektywy. Ukazuje je jako intelektualny wytwór ludzkiego umysłu i analizuje jego formułowanie oraz interpretację jako proces twórczy ("prawo w sztuce").Niniejsza publikacja została sfinansowana ze środków Szkoły Doktorskiej Nauk Społecznych w ramach Programu Strategicznego Inicjatywa Doskonałości w Uniwersytecie Jagiellońskim
Krzysztof Pleśniarowicz przygląda się "dramatyzacji ballady" - procesowi dialogiczności i wielogłosowości poezji Józefa Czechowicza, stanowiącemu drogę do dramatu. Znajdziemy tu analizę utworów dramatycznych poety powstałych w ostatnich latach jego życia jako konsekwencja tego procesu oraz dążenie do moralitetu współczesnego, pogodzenia estetycznego z etycznym. Autor dzieli dramaty Czechowicza na subiektywne i epickie, a w swoistej "balladyzacji dramatu" dostrzega przyczyny niepowodzeń tych utworów na scenie oraz uzasadnienie ich sukcesów w radiowym "teatrze wyobraźni". Omawia ponadto dwie prapremiery teatralne dramatów Czechowicza: Czasu jutrzennego w inscenizacji Wilama Horzycy (1939) oraz Niegodnego i godnych w realizacji Tadeusza Kantora (1945).To bardzo dobra książka dla znawców polskiej poezji pierwszej połowy XX wieku oraz miłośników dramatu i teatru. Oryginalna, konsekwentnie skomponowana, uważna i rzetelna, cechująca się wrażliwością na detale. Potrzebna zarówno do poszerzenia naszej wiedzy o twórczości Józefa Czechowicza, jak i do dyskusji o wartościowaniu w literaturze współczesnej w wymiarze szerszym niż tylko poetycki.Z recenzji dr. hab. Jana Wolskiego, prof. URKrzysztof Pleśniarowicz - profesor zwyczajny na Uniwersytecie Jagiellońskim, założyciel i kierownik Katedry Kultury Współczesnej UJ, współtwórca Instytutu Kultury UJ. W latach 1994-2000 dyrektor Cricoteki - Ośrodka Dokumentacji Sztuki Tadeusza Kantora; w latach 2008-2016 prodziekan Wydziału Zarządzania i Komunikacji Społecznej UJ. Autor, współautor i redaktor trzydziestu siedmiu książek z historii i teorii literatury oraz teatru, opublikowanych w Polsce, Wielkiej Brytanii, Rumunii i na Węgrzech, a także ponad dwustu artykułów i recenzji w dwunastu językach.
Można powiedzieć, że Monika Kwaśniewska-Mikuła tworzy artystyczne archiwum teatralnego #MeToo, nie tylko zbierając materiały, ale też wytwarzając je rozmowami i zapisem własnych obserwacji. To przepastne archiwum staje się w oczywisty sposób dla jego Autorki terenem eksploracji, ale też porządkowania, kategoryzowania i nazywania obiektów, a następnie poddawania ich analizie i problematyzowania w imię działań naprawczych.Z recenzji dr hab. Joanny Krakowskiej, prof. IS PANCelem książki nie jest jedynie archiwizacja skarg i przemocy w teatrze, lecz również wzmocnienie praktyk, metod i postaw, które mogą stanowić odpowiedź na problemy systemowe i nadużycia władzy. Kwaśniewska-Mikuła pisze o procesie przekształcenia negatywności w pozytywność - o pozostawaniu z problemami, konfliktami i traumą, ale jednocześnie o poszukiwaniu alternatywnego porządku.To książka pionierska, wprowadzająca do akademii nie tylko temat przemocy w teatrze, lecz także nowe metodologie, które pozwalają szerzej myśleć o sztukach performatywnych, dostarczając zarazem narzędzia do ich odbioru. #MeToo stanowi punkt wyjścia do innego pomyślenia o teatrze. Jest to fundamentalny gest dla przyszłości jego i całego środowiska z nim związanego.Z recenzji dr. hab. Piotra Morawskiego, prof. UWMonika Kwaśniewska-Mikuła - redaktorka "Didaskaliów. Gazety Teatralnej", adiunktka w Katedrze Teatru i Dramatu Uniwersytetu Jagiellońskiego. Autorka książek Od wstrętu do sublimacji. Teatr Krzysztofa Warlikowskiego w świetle teorii Julii Kristevej (2009), Pytanie o wspólnotę. Jerzy Grzegorzewski i Jan Klata (2016) oraz Między hierarchią a anarchią. Teatr - instytucja - krytyka (2019). Współredaktorka kilku książek, np.: Teatr brzydkich uczuć (2020), Autocenzura i cenzura. Nowe ujęcia (2024).
Dlaczego niektóre produkty wzornictwa przemysłowego odnoszą większy sukces i wywierają większy wpływ? W książce Arcydzieła wzornictwa czytelnik znajdzie osiemdziesiąt wyróżniających się projektów, od aparatu fotograficznego Polaroid Land i walkmana Sony po butelkę Coca-Coli® czy buty sportowe Converse All Stars. Pojawią się tu nazwiska projektantów tak różnorodnych, jak Le Corbusier, Alvar Aalto, Dieter Rams, Ron Arad i Philippe Starck. Zwrócona zostanie także uwaga na te elementy projektów, które wyróżniają je spośród innych, podobnych. Nie zabraknie wyjaśnienia, dlaczego próbę czasu przetrwały takie produkty jak agrafka Waltera Hunta z 1849 roku, innowacyjny kufer Louisa Vuittona czy zaspokajający najbardziej
wyrafinowane gusty estetyczne wazon René Lalique’a. Ta książka otworzy czytelnikowi oczy na wyjątkowe wartości tych nieśmiertelnych produktów, które stały się niezbędnym elementem naszego codziennego życia.
SUSIE HODGE jest autorką ponad osiemdziesięciu książek dla dorosłych
i dzieci, w tym How to Survive Modern Art (2010), The Great Artists (2010),
50 Art Ideas You Really Need to Know (2011) i Why Your Five-Year-Old Could
Not Have Done That: Modern Art Explained (2012). Jest historykiem sztuki
i wykłada historię sztuki i wzornictwa w licznych instytucjach naukowych
i edukacyjnych. Zamieszcza też artykuły w czasopismach i internecie i jest
zatrudniona w agencjach reklamowych Saatchi & Saatchi oraz JWT jako
autorka tekstów reklamowych.
Ten produkt jest zapowiedzią. Realizacja Twojego zamówienia ulegnie przez to wydłużeniu do czasu premiery tej pozycji. Czy chcesz dodać ten produkt do koszyka?
