W tej strefie zapraszamy czytelników tak zwane artystyczne dusze po książki z kategorii Sztuka. Polecamy szereg publikacji o sztuce i jej historii,ciekawostki i portfolia artystów, eseje, albumy, książki o malarstwie, rzeźbiarstwie, architekturze oraz histoii fotografii. Biografie ciekawych artystów, książki i powieści przedstawiające fascynujące losy malarzy i osób uwiecznianych na obrazach. W tym dziale tylko ksiązki ze sztuka w tle.
Krótka historia sztuki to nowe, całkowicie innowacyjne wprowadzenie do tematu sztuk pięknych. Skonstruowana w prosty sposób książka omawia ponad 100 najważniejszych dzieł sztuki od rysunków naskalnych w Lascaux po współczesne instalacje i łączy je z najważniejszymi kierunkami, tematami i technikami w malarstwie i rzeźbie.
Zwarta w treści i bogato ilustrowana, książka wyjaśnia jak, dlaczego i kiedy następowały zmiany w sztuce, kto te zmiany wprowadzał, na czym polegały, gdzie wszystko to się działo i jakie niosło konsekwencje. Autorka, unikając artystycznego żargonu, w sposób przystępny i zrozumiały opisuje dzieje sztuk plastycznych na przestrzeni wieków.
W Musée d’Orsay znajduje się najwspanialsza kolekcja dziewiętnastowiecznej sztuki francuskiej – obrazy Maneta, Moneta, Renoira, Degasa, van Gogha, Bonnarda, także Cabanela i Moreau. To stosunkowo niedawno powstałe muzeum ma w swych zbiorach prace z lat 1848–1914, ukazujące całość artystycznych zjawisk epoki, ich różnorodność tematyczną i formalną. Książkę rozpoczyna omówienie sztuki akademickiej, pozwalające nam poznać twórczość takich malarzy, jak Bougureau i Gerome, którzy długo ignorowani, obecnie cieszą się coraz większym zainteresowaniem. Wśród ob razów wpisujących się w nurt realizmu zachwycają Kobiety zbierające kłosy Millta i Portret matki amerykańskiego artysty Whistlera. Następnie zaprezentowane zostało malarstwo wielkich impresjonistów, stanowiące najsłynniejszą część zbiorów Musee d’Orsay, między innymi Bal w Moulin de la Galette Renoira, Kobiety w ogrodzie Moneta, Kołyska Morisot, Kościół w Auvers-sur-Oise van Gogha, a także impresjonistyczne obrazy artystów po chodzących spoza Francji. Wśród dzieł późniejszych re produkowanych w książce warto zwrócić uwagę na ekspresyjne prace Muncha, oniryczne kompozycje Redona czy wreszcie tajemnicze dzieła „ Celnika” Rousseau. Dziewięćdziesiąt sześć esejów poświęconych arcydziełom z kolekcji Musee d’Orsay cechuje rzetelna wiedza i ogromny entuzjazm autora – Roberta Rosenbluma. Czy tematem jest malarstwo Courbeta, czy Bonnarda profesor Rosenblum z niezwykłą wnikliwością ukazu je nam szczegóły, ukryte znaczenia i niespodziewane związki pomiędzy sztuką nowatorów a ich artystycznym otoczeniem. Książka zawiera 827 reprodukcji oraz 22 powiększenia fragmentów obrazów i jest jedyną publikacją tak wyczerpująco prezentującą zbiory Musee d’ Orsay.
Zastanawiałeś się kiedyś, jakie to uczucie, kiedy widok Twoich fotografii krajobrazu wzbudza westchnienia podziwu i zazdrości? "To naprawdę TY zrobiłeś te zdjęcia?!" Oczywiście, aby je stworzyć,, trzeba mieć mnóstwo szczęścia i miesiącami studiować fotografikę... albo znaleźć mistrza, który podzieli się swoimi tajemnicami. Takim kimś jest Scott Kelby, uznany na świecie ekspert. W swoich książkach tłumaczy, w jaki sposób przygotować sprzęt, jak zaplanować sesję, zdradzi sekrety postprodukcji. Co więcej, jeśli kiedyś napotkasz na jakieś problemy, szybko pomoże Ci je rozwiązać. Dzięki naukom mistrza Twoje zdjęcia staną się zachwycające, pełne piękna, emocji - niezapomniane. Jeśli marzysz o nauce u prawdziwego mistrza fotografii krajobrazu, artysty i znawcy, jesteś u celu!
Ta książka jest unikatowym podręcznikiem, w którym znajdziesz tajniki tworzenia najlepszych zdjęć krajobrazowych. Opisano tu prawdziwe sekrety warsztatu, sprawdzone techniki i triki profesjonalistów. Omówiono szerokie spektrum tematów, włączając kwestie potrzebnego sprzętu, ustawień aparatu fotograficznego i późniejszego edytowania zdjęć. Dowiesz się, jak fotografować o świcie i w nocy, jak uwieczniać strumienie i wodospady, jak poradzić sobie ze zdjęciami nocnego nieba, Drogi Mlecznej i kapitalnych panoram. Docenisz, że podręcznik jest pozbawiony zbędnej teorii, jest za to naszpikowany praktycznymi, kluczowymi w chwili robienia zdjęcia wskazówkami. Układ książki maksymalnie ułatwia szybkie odnalezienie potrzebnego zagadnienia: na jednej stronie omówiono tylko jeden temat!
W tej książce znajdziesz:
zasady planowania, prowadzenia sesji i postprodukcji zdjęć krajobrazowych
porady dotyczące ustawień najlepszych dla fotografii pejzażowych
specjalne dla pejzaży metody ustawiania ostrości aparatu
techniki fotografowania z długim czasem naświetlania
bezcenne wskazówki dotyczące wyboru potrzebnego sprzętu
Mistrz fotografii? Zrobi piękny pejzaż każdym aparatem!
O autorze
Scott Kelby w 2009 roku po raz piąty z rzędu otrzymał tytuł najlepszego autora książki informatycznej, przyznawanej przez amerykańskie Nielsen BookScan.
Scott Kelby jest redaktorem naczelnym pisma Photoshop User, przewodniczącym stowarzyszenia NAPP, skupiającego profesjonalnych użytkowników Photoshopa, dyrektorem szkoleniowym seminarium Adobe Photoshop Seminar Tour i jednym z najlepszych instruktorów tego programu w Ameryce. Jest współgospodarzem cotygodniowego talk-show na żywo dla fotografów The Grid oraz wykładowcą, nauczającym fotografii cyfrowej na warsztatach i seminariach organizowanych na całym świecie
Kelby jest również wielokrotnie nagradzanym autorem bestsellerowych książek; imponująca lista opracowanych przez niego tytułów sięga ponad 60 pozycji -- wiele z nich przyniosło mu światową sławę i zapewniło pierwsze miejsce na liście najpoczytniejszych autorów książek komputerowych na świecie. Poruszana w nich tematyka dotyczy przede wszystkim Photoshopa, edycji fotografii cyfrowych oraz nowoczesnych technologii związanych m.in. z przetwarzaniem obrazu.
Autorka przełożyła traktat znanego rosyjskiego malarza ikon i rysownika Josifa Władimirowa, napisany w związku z reformami patriarchy Nikona, postulujący ujednolicenie wzorów ruskich ikon z greckimi oraz wprowadzenie w życie postanowień Soboru 100 Rozdziałów nadzoru nad malarzami ikon przez duchownych i godnego sposobu handlu ikonami. Praca zawiera obszerną interpretację autorki, która obala stereotyp o prozachodniej orientacji artystycznej Josifa Władimirowa i dowodzi, że reprezentował on nurt bizantynizujący, ale w oparciu o rodzimą tradycję.
Niezwykły, bogato ilustrowany album ukazujący życie i twórczość Wojciecha Sadleya (ur. 1932), profesora warszawskiej Akademii Sztuk Pięknych. Niesie on wiedzę o jednym z czołowych polskich artystów, któremu udało się zainteresować swoimi pracami największe galerie i muzea na świecie. Jest to podróż przez ponad 80 lat życia artysty, śladem jego pasji, twórczości i wystaw, uzupełniona o klarowne wypowiedzi o sztuce i teksty krytyków. Twórca, na przełomie lat 50. i 60. XX w., m.in. wraz z Magdaleną Abakanowicz był współautorem światowego sukcesu polskiej tkaniny eksperymentalnej - fenomenu, który do dziś jest analizowany i przywoływany przez badaczy.
Książka jest wyjątkowo wartościowa, bo powstała na podstawie prywatnego archiwum artysty, licznych z nim rozmów oraz w oparciu o dogłębną kwerendę archiwalną.
Most commonly associated with the birth of the Impressionist movement in mid-19th-century Paris, Edgar Degas (1834–1917) in fact defied easy categorization and instead developed a unique style, strongly influenced by Old Masters, the body in motion, and everyday urban life.
The elder scion of a wealthy family, Degas cofounded a series of exhibitions of “Impressionist” art, but soon disassociated himself from the group in pursuit of a more realist approach. His subjects centered on the teeming, noisy streets of Paris, as well as its leisure entertainments, such as horse racing, cabarets, and, most particularly, ballet. With often ambitious, off-kilter vantage points, his images of ballerinas numbered approximately 1,500 works, all deeply invested in the physicality and the discipline of dance.
Through illustrations of Foyer de la Danse (1872), Musicians in the Orchestra (1872), and many more, this book provides an essential overview of the artist who created a category all his own, a world of classical resonance, bold compositions, and an endless fascination with movement, which together produced some of the most striking and influential works of the era.
Ernst Ludwig Kirchner (1880–1938) is regarded as one of the key figures in 20th-century European art. A Modernist to his bones, he sent seismic waves through the art world with his hard-edged, intensely colored paintings and disseminated his ideas through Die Brücke art movement and the MUIM-Institut school of modernist painting, both of which he cofounded.
Kirchner’s work reconciled past and present through an Expressionist prism, reflecting the latest avant-garde ideas in art, while exploring traditional academic approaches and subjects. His works tackled social, moral, and emotional questions with a fierce intensity. Distorted perspectives, rough lines, and unusual colors were mainstays of his practice, as well as a recurring interest in capturing the human form, whether in frenetic city vistas such as Berlin Street Scene (1913) or in his famously decadent studio.
In this introductory book, we explore the stretch of Kirchner’s career through Germany and Switzerland, including his founding of Die Brücke, and his inclusion in the Nazis’ infamous “degenerate art” exhibition in 1937. Along the way, we’ll encounter vivid landscapes, stark nudes, intense urban settings, and, above all, a persistent emphasis on the emotional experience of painter and viewer.
Resisting interpretation or classification, Mark Rothko (1903–1970) was a prominent advocate for the artist’s consummate freedom of expression. Although identified as a key protagonist of the Abstract Expressionist movement, first formed in New York City, Rothko rejected the label and insisted instead on “a consummated experience between picture and onlooker.”
Following a repertoire of figurative works, Rothko developed his now iconic canvases of bold color blocks in red, yellow, ochre, maroon, black, or green. With these shimmering, pulsating color masses, Rothko stressed that he had not removed the human figure but rather put symbols or shapes in its place. These intense color forms contained all the tragedy of the human condition. At the same time, Rothko explicitly empowered the viewer in the expressive potential of his work. He believed “A picture lives by companionship, expanding and quickening in the eyes of the sensitive observer.”
From his early development through to his most famous color fields, this book introduces the intellect and influence of Rothko’s dramatic, intimate, and revolutionary work.
Publikacja dotyczy komunikacji wizualnej w mediach na przykładzie infografiki w prasie i Internecie. Na podstawie przykładów zaczerpniętych z miesięcznika „PRESS”, dwóch gazet codziennych – „Faktu” i „Gazety Wyborczej” – oraz z wybranych realizacji internetowych (dwóch czołowych portali internetowych i serwisu specjalizującego się w dziennikarstwie danych) autor zwraca uwagę m.in. na: ruchomość infografik, ewentualne przejawy manipulacji, błędy i odchylenia konstrukcyjne, efektywność przekazu, rodzaj grafiki, użyte środki wyrazu, wiarygodność, elementy budowy, a także powiązania między blokami i informacjami. Ocenia również spójność, wypełnianie podstawowych celów infografiki oraz zaspokajanie potrzeb informacyjnych odbiorcy z uwzględnieniem jego kompetencji wizualnych.
*
Książka może służyć jako podręcznik dla studentów dziennikarstwa i samych dziennikarzy zajmujących się przekazem wizualnym i tworzeniem infografik. [...] Analizy przykładów dobrych i nietrafionych infografik są jednym z bardziej znaczących atutów publikacji. [...] Monografia jest bogato ilustrowana przykładami infografik, przez co stanowi bardzo dobry materiał poglądowy, m.in. dla studentów i wykładowców dziennikarstwa oraz dziennikarzy chcących wzbogacić swój warsztat.
Z recenzji prof. dr. hab. Andrzeja Adamskiego
Ten produkt jest zapowiedzią. Realizacja Twojego zamówienia ulegnie przez to wydłużeniu do czasu premiery tej pozycji. Czy chcesz dodać ten produkt do koszyka?
