W tej strefie zapraszamy czytelników tak zwane artystyczne dusze po książki z kategorii Sztuka. Polecamy szereg publikacji o sztuce i jej historii,ciekawostki i portfolia artystów, eseje, albumy, książki o malarstwie, rzeźbiarstwie, architekturze oraz histoii fotografii. Biografie ciekawych artystów, książki i powieści przedstawiające fascynujące losy malarzy i osób uwiecznianych na obrazach. W tym dziale tylko ksiązki ze sztuka w tle.
Edward Hopper (1882–1967) is something of an American success story, if only his success had come swifter. At the age of 40, he was a failing artist who struggled to sell a single painting. As he approached 80, Time magazine featured him on its cover. Today, half a century after his death, Hopper is considered a giant of modern expression, with an uncanny, unforgettable, and utterly distinct sense for mood and place.
Much of Hopper's work excavates modern city experience. In canvas after canvas, he depicts diners, cafes, shopfronts, street lights, gas stations, rail stations, and hotel rooms. The scenes are marked by vivid color juxtapositions and stark, theatrical lighting, as well as by harshly contoured figures, who appear at once part of, and alien to, their surroundings. The ambiance throughout his repertoire is of an eerie disquiet, alienation, loneliness and psychological tension, although his rural or coastal scenes can offer a counterpoint of tranquility or optimism.
This book presents key works from Hopper's œuvre to introduce a key player not only in American art history but also in the American psyche.
An encounter with Gerhard Richter, the German artist who widened horizons in the relationship between painting and reality. From early photographic paintings, along with his famous RAF cycle, to late abstract paintings, experiencing Richter’s work always offers us the unexpected and unseen. Where he once set out to liberate the medium from ideological ballast, today, faced with the overwhelming presence of digital images, he shows us the unsurpassed impact and intensity of painting. A definitive introduction to one of the greatest artists of our time spanning not only his entire career, but also 50 years of cultural, economic, and political events.
Get ready to quake in fear with this revised and expanded edition of our history of horror cinema. This chilling volume packs 640 pages full with the finest slashers, ghosts, zombies, cannibals, and more, curating the very creepiest screen creations from the flickering spooks of the 1920s to the special-effect terrors of the 21st century.
Across 10 illustrated chapters, the compendium gets under the skin of some of horror’s favorite figures and themes, whether the vampire, the haunted house, the female killer, or the werewolf. Each classic device is explored in aesthetic and historical terms, probing horror’s manipulation of archetypal human fears as much as socially and culturally specific anxieties.
A subsequent Top 50 movies section brings readers up close and trembling with 50 horror showpieces, from black-and-white classics like Dr Jekyll and Mr Hyde and Godzilla to Rosemary’s Baby, The Wicker Man, The Shining, The Blair Witch Project, and much, much more. Throughout, the book’s featured images include movie posters, set designs, film stills, and on-set shots.
Immerse yourself in the rich shades and textures of Tiziano Vecellio (c. 1490–1576), commonly known as Titian, and the figurehead of 16th-century Venetian painting. With his bold approach to form and startling, opulent colors, Titian worked with a number of prestigious commissions and left behind an astonishing repertoire of portraits, mythological scenes, altarpieces, and landscapes that remains one of the most important legacies of Renaissance art.
This dependable artist introduction traces Titian’s complete career and its trailblazing influence on successive generations of artists, from Diego Velázquez to van Dyck. From the rippling sensuality of Venus of Urbino (c. 1538) to the airborne dynamism of Bacchus and Ariadne (1520–1523), all the major works are here, charting the artist’s stylistic experimentation over time as well as his consistent and unique ability to work across genres and to bring a defining new level of emotional and spiritual aspect to his subjects.
Łódź jest wyjątkowym miejscem, w którym tworzyli znakomici muzycy. To tu w latach 60. i 70. powstało wiele kultowych zespołów. Prawie każda z późniejszych gwiazd rozpoczynała karierę w zespołach młodzieżowych. W zespole ABC śpiewał brat Michaja Burano Kola Roni Kwiek. W 1962 roku w Łodzi wystąpił, pierwszy raz grając na perkusji w zespole z Tomaszowa Mazowieckiego, późniejszy znany piosenkarz Bogusław Mec. To dla niego przepiękną liryczną piosenkę Jej portret skomponował jeden z łódzkich muzyków Marian Siejka. W Łodzi uczyli się i grali: Marek Jackowski (jeden z twórców Maanamu), Zbyszek Frankowski (Rytmy, Śliwki, Vox Gentis, Quorum i The Bootels). Właśnie Frankowski wspólnie z Jackowskim stworzyli genialny duet gitarzystów Vox Gentis, który robił furorę na wielu estradach i zachwycił swoim niezwykłym występem w Piwnicy pod Baranami gwiazdę polskiej sceny Ewę Demarczyk.Z Łodzi pochodzą: Alicja Majewska, Andrzej Nebeski, Maciek Czaj, późniejsi świetni aktorzy: Jerzy Braszka i Krzysztof Majchrzak. To w łódzkich zespołach młodzieżowych: Dziwne Rzeczy, Ab Ovo i Grupa R szlifowali swój talent znakomici śpiewacy operowi europejskich scen: prof. Włodzimierz Zalewski, Kazimierz Kowalski, Jerzy Wolniak i Janusz Marciniak. To z Łodzi pochodzi saksofonista Kajtek Wojciechowski, który współpracował potem ze słynną ABBĄ. Łódzkim muzykiem jest także Peter Bart, czyli Piotr Bartczak, skrzypek nagrywający między innymi z Black Sabbath. W mieście nad Łódką powstały takie znane zespoły, jak: No To Co, Trubadurzy, Cykady, Ad Astra, Dziwne Rzeczy czy Pro Contra.Ta niezwykła książka zawiera historie ponad 80 łódzkich zespołów i mnóstwo unikatowych zdjęć pokazujących ciekawe, choć już odległe czasy.
Monografia dotyczy przede wszystkim dwóch obszarów osób ze spektrum autyzmu podczas terapii muzycznej oraz muzykoterapii (jej sposobów oddziaływania, form pracy i jej znaczenia w procesie terapeutycznym osób ze spektrum autyzmu). Książka zawiera dość obszerny opis teoretyczny dotyczący autyzmu (przyczyny, teorie etiologiczne, kryteria diagnostyczne i objawy oraz muzykoterapia). Z kolei część badawcza opisuje sylwetkę ośmiorga wspaniałych i wyjątkowych dzieci. Przedstawia ich relację z muzyką i terapeutą. Bycie razem w doświadczeniach muzycznych, wielość wspólnie przeżytych sytuacji sprawiają, że książka przybiera formę wspólnej muzycznej podróży, opartej na budowaniu partnerstwa, komunikacji i rozumienia siebie nawzajem. Książka adresowana jest do badaczy, praktyków pedagogów, psychologów, terapeutów, zajmujących się osobami z zaburzeniami ze spektrum autyzmu, muzykoterapeutów, arteterapeutów oraz rodziców czy opiekunów dzieci z autyzmem.
Hokusai's series depicting Mount Fuji is widely considered to be the pinnacle of his career. This beautiful boxed accordionfold edition comprises the full set of forty-six prints (the original thirty-six and ten more that were completed later) and features a luxurious silken binding along with a separate explanatory booklet. The book and booklet are packaged in an elegant slipcase. Devoted entirely to landscapes, Hokusai's series shows Mount Fuji from various viewpoints, framed in different ways. An indefatigable traveler who was passionate about nature, Hokusai explored every vantage point and season at the volcano. He presented it both as a solitary and majestic snow-capped peak and as a smaller object on a distant horizon. Hokusai also portrayed the mountain as an element in Japanese daily life and as an imposing force of nature that can be peaceful and beneficent, or ferocious and unforgiving. These impeccably reproduced prints invite readers to examine Hokusai's virtuosic use of color and composition, his talent for contrasting perspectives, and his interest in the dueling roles of man and nature. An exquisite objet d'art, this volume is the perfect vehicle for appreciating Hokusai's crowning achievement in all its lasting and subtle beauty.
Macie dziesięć minut. Naprawdę. Tylko te dziesięć minut. W przerwie na lunch musicie coś zjeść. Musicie dojechać gdzieś na spotkanie. Zadzwonić do kogoś. Wykąpać dzieci. Jest mnóstwo rzeczy do zrobienia i zawsze za mało czasu! Ale kiedy już jesteście po lunchu, po spotkaniu, w którym nie wiedzieć czemu braliście udział, a dzieci macie już czyste i pachnące... Wzięliście głęboki oddech, zdołaliście na chwilę usiąść w skupieniu? może na całe dziesięć minut? Może nawet pomyśleliście w tym czasie o swoim scenariuszu? Pamiętacie jeszcze? Wasz scenariusz? Ta piękna historia, opowiadana obrazami, której końca wypatrujecie od tak dawna. Albo może od początku? Ta sama, która non stop Was dręczy po każdej wizycie w kinie, kiedy to myślicie: Ja też potrafię, dam radę!. Jedna z najsłynniejszych wykładowczyń scenariopisarstwa w Hollywood, Pilar Alessandra, pokazuje wszystkim, którzy kiedykolwiek marzyli o napisaniu scenariusza do filmu lub serialu, jak to zrobić, nie rzucając przy tym swojej dotychczasowej pracy. Ta przejrzysta i prosta publikacja zawiera ponad sześćdziesiąt dziesięciominutowych narzędzi scenariopisarskich. Nowe wydanie zostało wzbogacone o porady strukturalne, zaktualizowane wskazówki dotyczące seriali telewizyjnych oraz prezentacji scenariusza. Pilar Alessandra jest autorką programu nauczania scenariopisarstwa On the Page, gospodarzem popularnego podcastu o tym samym tytule oraz autorką pierwszego wydania bestsellerowej książki Scenariusz w przerwie na kawę. Kariera Pilar zaczęła się w Dream-Works SKG, gdzie pracowała jako analityk historii filmowych. W 2001 roku otworzyła własne studio pisarskie On the Page w Los Angeles. Jej uczniowie i klienci sprzedali swoje scenariusze największym wytwórniom filmowym i współtworzyli takie seriale jak Żywe trupy, Zagubieni, Homeland czy Głowa rodziny.
Książka jest próbą ukazania na wybranych przykładach,
w jaki sposób, w jakich okolicznościach
i w jakim celu pojawiają się w operze postaci ludzi
pióra oraz ich sztuka. Zaprezentowani bohaterowie-
poeci są bardzo różni pod względem charakteru
scenicznego, nurtu literackiego, który reprezentują,
oraz funkcji, jaką pełnią w obrębie świata przedstawionego
– celem pracy jest bowiem, poprzez konfrontację
jak najbardziej odmiennych przykładów,
naszkicowanie modelu operowej „historii literatury”,
obejmującej zmienne wyobrażenia, stereotypy
i fantazmaty poetyckości odzwierciedlone w dziełach
teatru muzycznego.
Dr hab. Iwona Puchalska, prof. UJ
Pracownik Katedry Komparatystyki Literackiej Wydziału
Polonistyki UJ. Zajmuje się związkami muzyki
i literatury, operą i teatrem muzycznym, problemami
adaptacji, zjawiskiem improwizacji oraz uwarunkowaniami
recepcji utworów muzycznych i literackich. Autorka
m.in. książek: Sztuka adaptacji. Literatura romantyczna
w operze dziewiętnastowiecznej (Universitas, Kraków
2004), Improwizacja poetycka w kulturze polskiej
XIX wieku na tle europejskim (Wydawnictwo UJ, Kraków
2013), Muzyka w okolicznościach lirycznych. Zapisy słuchania
w poezji polskiej XX i XXI wieku (Księgarnia Akademicka,
Kraków 2017) oraz Przy Mickiewiczu (Wydawnictwo
UJ, Kraków 2019).
Wyobraź sobie co byłoby, gdyby obywatele mogli inicjować i realizować wielkie wizje urbanistyczne zupełnie oddolnie? I gdyby dysponowali środkami, by swoje plany skutecznie wdrażać i chronić? Czy byłoby to zagrożeniem, czy nową szansą dla planowania miast? Jak stworzyć narzędzie, które pozwalałoby zrzeszać koalicjantów, budować trwałe relacje z lokalnymi władzami publicznymi, współdecydować o wydatkowaniu miejskich środków? Dzisiaj każda grupa kombinuje, jak może: zawiązując nieformalne porozumienia, podpisując listy intencyjne, odwołując się do lokalnych partnerstw i inicjatyw. Czy możliwe jest jednak wprowadzenie współzarządzania jako narzędzia urbanistycznego?Od zapowiedzi podważenia powszechnie panującego przekonania, przez szczegółową analizę przypadku, do prawdziwego spotkania z bohaterami, autentycznymi twórcami Szlaku, Artur Jerzy Filip zamienia na ogół nudnawą dla nieprofesjonalnego czytelnika pracę naukową w trzymającą w napięciu lekturę na pograniczu literatury faktu i fascynującej wizji.Profesor Konrad Kucza-Kuczyński, Wydział Architektury Politechniki Warszawskiej (fragment recenzji)
Mój futuryzm to wielogatunkowa opowieść, z której wyłania się nie tyle Roman Jakobson wybitny uczony, ile Roman Jakobson współtowarzysz poetów futurystów (Majakowskiego, Kruczonycha, Chlebnikowa), zaprzyjaźniony z rosyjską elitą humanistyczną (Trubieckim, Tynianowem, Szkłowskim) i całą bodaj rosyjską oraz czeską pierwszą awangardą artystyczną i naukową aktywną w latach przed pierwszą wojną światową i rewolucją październikową i tuż potem, trafnie nazwanych "epoką udziwnienia".Wielostronny portret Jakobsona i jego generacji tworzą rozmowy, które przeprowadził z "teoretykiem pozarozumowym" w końcu lat siedemdziesiątych szwedzki slawista BengtJangfeldt, szkice samego Jakobsona o futuryzmie i dadaizmie, listy, także miłosne, adresowane do Elsy Triolet, juwenilne wiersze, zarówno serio, jak i seriokomiczne, a także fragmenty prozy, przekłady, dedykacje. Prowadzone w dialogu wspomnienia Jakobsona, którym Jangfeldt nadał ostatecznie formę autobiograficznej gawędy, oraz jego wczesne, różnogatunkowe utwory stanowią także fascynujacy obraz epoki rozpoczynającej humanistykę nowoczesną.
Lektura wraz opracowaniem to znakomita pomoc i inspiracja dla uczniów oraz nauczycieli. Tekst opatrzono wskazówkami interpretacyjnymi i hasłami ułatwiającymi nawigację po książce – dzięki nim łatwo znaleźć potrzebny w trakcie omawiania lektury fragment, zgromadzić materiały do wypracowań i ustnych wypowiedzi, zapamiętać najważniejsze informacje i utrwalić znajomość lektury. Zamieszczone na końcu książki opracowanie podporządkowano podstawie programowej. Zawiera ono ciekawy biogram autora, streszczenie, mapę mentalną, najważniejsze zagadnienia omawiane na lekcjach, a także wiele inspirujących informacji, podpowiedzi i zadań, dzięki którym czytanie lektury staje się twórczą przygodą.
Do poznania świata przez media, wymykające się twardym regułom komunikacji, potrzeba nowego języka. Jacek Dąbała taki proponuje. Krótkie eseje fleszowo-jak sekwencje serwisu informacyjnego- rozświetlają wybrane wątki. Autorskie stanowisko w każdym przypadku uruchamia to, co najważniejsze- myślenie i krytykę. Warto przeczytać. (Robert Cieślak, profesor, medioznawca, UW)Jacek Dąbała jest profesorem zwyczajnym, pisarzem, scenarzystą i byłym dziennikarzem radiowo-telewizyjnym. Kieruje Katedrą Warsztatu Medialnego i Aksjologii w Instytucie Dziennikarstwa i Komunikacji Społecznej KUL. Jako ekspert stale komentuje i analizuje problematykę związaną z mediami, komunikowaniem, filmem i literaturą. Jest współscenarzystą jednego z najpopularniejszych polskich filmów ??Młode wilki. Wykłada też na UKSW w Warszawie. Jako pisarz opublikował dziesięć powieści (m.in. Telemaniak, Pieszczochy losu, Złodziej twarzy, Diabelska przypadłość, Ryzykowny pomysł i Największa przyjemność świata) i jeden dramat (Mechanizm). Jego książki naukowe ukazują się w Polsce i za granicą (np. Horyzonty komunikacji medialnej, Tajemnica i suspens w sztuce pisania. W kręgu retoryki dziennikarskiej i dramaturgii medialnej, Warsztatowo-aksjologiczne mechanizmy tworzenia telewizji, Mystery and Suspense in Creative Writing, Media i dziennikarstwo. Aksjologia ? warsztat ? tożsamość, Creative Paths to Television Journalism). Jest członkiem Polskiej Akademii Nauk, Stowarzyszenia Pisarzy Polskich, Polskiej Akademii Filmowej, Polskiego Towarzystwa Komunikacji Społecznej i Polskiego Towarzystwa Komunikacji Medycznej.
100 najbardziej reprezentatywnych dzieł, pochodzących z licznych kolekcji Muzeów Watykańskich - stanowią serce tego wspaniałego albumu. Zaprezentowane tutaj arcydzieła są uważane za emblematyczne, uniwersalne i stanowiące o tożsamości tych muzeów. Wśród nich zwiedzający znajduje eksponaty z Muzeum Egipskiego jak i Muzeum Etruskiego; rzeźby z części zwanej Nowym Skrzydłem jak i z Dziedzińca Oktagonalnego; mozaiki z Muzeum Sztuki Antycznej oraz sarkofagi z Muzeum Chrześcijańskiego; freski Rafaela i Michała Anioła, obrazy z Pinakoteki oraz dzieła z Kolekcji Sztuki Współczesnej; artefakty zgromadzone w Muzeum Etnologicznym a także powozy papieskie; na dodatek inskrypcje, arrasy i mapy geograficzne.Prezentowane dzieła sztuki są wspaniale zobrazowane przez piękne kolorowe ilustracje, ukazujące zarówno perspektywę jak i detale. Wszystko to dzięki najwyższej jakości kampanii fotograficznej zrealizowanej specjalnie dla tego dzieła.Powstałe dzieło, stawia sobie za cel, by za pośrednictwem 100 dzieł przekazać to piękno, które jest nośnikiem wiedzy, harmonii i duchowości.Książka wydana w najwyższej jakości edytorskiej może służyć jako przewodnik, ale także jako wyjątkowa pamiątka.
Angela Nguyen jest ilustratorką znaną ze słodkich obrazków, zwłaszcza ilustracji przedstawiających zwierzątka, które są bardzo dynamiczne, sympatyczne i zabawnie się je rysuje. A jeśli w dodatku wyglądają uroczo, to zawsze poprawiają nam humor. Autorka przedstawiając swoje ulubione stworzonka, uczy przyszłych artystów, jak je rysować. Idąc za jej wskazówkami, będziecie mogli sami stworzyć ilustracje zwierzaków domowych, gospodarskich, leśnych i wodnych! Nieważne, czy dopiero zaczynacie przygodę z rysowaniem, czy już wychodzi Wam to lepiej niż innym. Nie traćcie czasu - wybierzcie się w tę uroczą podróż i naukę rysowania słodkich zwierzaków, do której zaprasza autorka.
Kolejny minialbum w serii Plakaty poświęcony jest twórczości jednego z najsłynniejszych twórców polskiej szkoły plakatu – Jana Młodożeńca. Na dorobek artysty składają się nie tylko plakaty, lecz także okładki i ilustracje książkowe przygotowywane na zlecenie wielu polskich wydawnictw. Młodożeniec jest autorem licznych plakatów filmowych („Czekając na życie”, „Pojedynek na szosie”), teatralnych („Indyk”, „Wdowy”) i baletowych („Trójkątny kapelusz”, „Cztery temperamenty”). Jego charakterystyczny styl opierał się na bogatej kolorystyce, grubej kresce oraz stosowaniu ręcznie wykonanego liternictwa.
Szesnasty już minialbum w serii o znanych polskich plakacistach prezentuje twórczość Sławomira Iwańskiego, artysty związanego z Akademią Sztuk Pięknych w Łodzi oraz Łódzką Szkołą Filmową. Jego minimalistyczne prace wyróżniają się niebanalnymi układami typograficznymi i dużym nasyceniem barw. Iwański, zainspirowany dokonaniami Władysława Strzemińskiego, postulującego tzw. myślenie wzrokiem, tak komponuje litery i słowa na swoich plakatach, aby przybierały konkretne kształty – dobry przykład stosowanej techniki stanowią lenonki powstałe z liter na plakacie Hommage a John Lennon. Artysta wystawiał swoje prace w Polsce i za granicą, był wielokrotnie nagradzany, m.in. na katowickim i rzeszowskim Biennale Plakatu Polskiego (1997, 2005). Wstęp i wybór prac do książki przygotował Zdzisław Schubert.
Krótka historia sztuki współczesnej to nowe, innowacyjne wprowadzenie do tematu sztuki współczesnej. Skonstruowana w przejrzysty sposób książka przedstawia pięćdziesiąt najważniejszych dzieł od wczesnego modernizmu po sztukę najnowszą. Książka jest bogato ilustrowana i mimo kieszonkowego formatu w sposób wyczerpujący objaśnia dlaczego zaistniała sztuka nowoczesna, kto był jej prekursorem, gdzie rozwijała i rozwija się najżywiej. Zaprezentowano w niej wiele najznakomitszych prac, a także zaprezentowano techniki, którymi posługiwali się twórcy. Tłumacząc specjalistyczny żargon pozwala łatwiej zrozumieć sztukę, która powstawała od końca dziewiętnastego wieku do dnia dzisiejszego. Susie Hodge jest historykiem sztuki, historykiem i artystką. Jest autorką wielu książek, a wśród nich: 50 Art Ideas, How to Survive Modern Art, Why Your Five Year Old Could Not Have Done That: Modern Art Explained oraz 50 Art Nouveau Works of Art You Should Know oraz Krótka historia sztuki.
Książka Splątane obiekty. Przechwycenia artystyczno-literackie w niewspółmiernym świecie jest na gruncie polskim publikacją nowatorską, intelektualnie odważną, przy czym - jednoznacznie społecznie i politycznie zaangażowaną. Spotka się najprawdopodobniej z dużym oporem albo niezrozumieniem ze strony części tradycyjnie nastawionych odbiorców. Ale też może być, ze względu na bogactwo erudycyjnych odniesień, precyzję budowanego przez Annę Kałużę wywodu oraz klarowność silnie zeseizowanego języka, zachętą do niesztampowej, pogłębionej refleksji, a nawet rewizji utrwalanych społecznie, także w polskiej krytyce literackiej i krytyce sztuki, osądów i schematów myślenia.
Z recenzji dr. hab. Tomasza Cieślaka, prof. UŁ
Przechwycenia dziejące się w obszarze materii wcześniej czy później muszą doprowadzić nas do różnego rodzaju toksyczności, antropogenicznych zmian klimatu i środowiskowych mutacji. Im więcej pootwieranych kanałów gatunkowych i możliwych dostępów do rozmaitych pięter biologicznej rzeczywistości, tym bardziej realny staje się proces przenoszenia także tych elementów, które są niekorzystne dla (ludzkiego) życia. Przechwycenia dokonywane w tych zakresach są najczęściej konsekwencją katastrof ekologicznych (wycieków ropy, odpadów radioaktywnych i promieniotwórczych substancji, skażenia powietrza, zanieczyszczenia miast czy wyniszczenia przyrody) i dowodzą niezbicie, że zmiany środowiskowe są również zmianami kulturowo-estetycznymi. Nawet jeśli uszło to uwadze polityków, zależność tę na pewno zauważyli artyści i artystki, badacze i badaczki, którzy zaczęli zupełnie inaczej myśleć o swoich projektach.
Ze Wstępu
Anna Kałuża - dr hab., pracuje w Instytucie Literaturoznawstwa Uniwersytetu Śląskiego. Zajmuje się estetycznymi konsekwencjami przemian kulturowych i artystycznych, współczesną poezją i sztuką w ich wymiarach politycznych. Autorka książek: Wola odróżnienia. O modernistycznej poezji Jarosława Marka Rymkiewicza, Julii Hartwig, Witolda Wirpszy i Krystyny Miłobędzkiej (Kraków 2008), Bumerang. Szkice o polskiej poezji XX i XXI wieku (Wrocław 2010), Wielkie wygrane. Wspólne sprawy estetyki, krytyki i poezji (Mikołów 2011), Pod grą. Jak dziś znaczą wiersze, poetki i poeci? (Kraków 2015).
Ten produkt jest zapowiedzią. Realizacja Twojego zamówienia ulegnie przez to wydłużeniu do czasu premiery tej pozycji. Czy chcesz dodać ten produkt do koszyka?
