Kolejna publikacja w cyklu o plakacie i formach graficznych przedstawia twórczość Lexa Drewinskiego, związanego z polskim i niemieckim środowiskiem artystyczno-akademickim. Drewinski uzyskał z wyróżnieniem tytuł magistra w pracowni Waldemara Świerzego w poznańskiej Państwowej Wyższej Szkole Sztuk Plastycznych. Przez lata był związany z niemiecką Fachhochschule Potsdam (19922017), obecnie z Akademią Sztuki w Szczecinie. Prace Drewinskiego wystawiano m.in. w Berlinie, Londynie, Sztokholmie, Barcelonie, Meksyku i Quito oraz wielokrotnie nagradzano w kraju i za granicą. Jego plakaty z jednej strony charakteryzują się prostotą formy i oszczędnością koloru, z drugiej zaś zawierają silny przekaz dotyczący aktualnych problemów społecznych. Wstęp i wybór reprodukcji do książki przygotował Zdzisław Schubert.

Ten podręcznik jest skierowany do projektantów mody, krawców oraz wszystkich osób zainteresowanych możliwościami kreatywnego wykorzystania tekstyliów.Książka pomoże w idealnym doborze materiału do sylwetki, wskaże sposoby jego układania się oraz metody poprawienia jego właściwości. W encyklopedii znajdują się praktyczne informacje na temat: tkanin, dzianin, włóknin, skór, futer, laminatów, folii, koronek, siatek, dekoracji pasmanteryjnych oraz taśm spełniających różne funkcje.Opisy poszczególnych materiałów ułożono według roli, jaką odgrywają w tworzeniu różnych form odzieży. Każdemu z haseł towarzyszą fotografie próbek oraz zdjęcia gotowych ubiorów.Tabele na końcu książki podsumowują zawarte w niej wiadomości. Korzystanie z nich pozwoli szybko sprawdzić, jakie właściwości ma dany materiał, z jakich włókien jest wytwarzany, jakie ma zalety, a jakie wady, ile waży oraz do jakich celów można go zastosować.Wydanie 2. zmienione i uaktualnione 2021

Kto to był Erwin Axer? Tytuł książki nawiązuje do tekstu Kto to jest Erwin Axer z 1975 roku autorstwa Jerzego Koeniga. Po latach zasadne okazało się powtórzenie tego pytania, ponieważ życie i twórczość Erwina Axera wymagają dalszych badań i analiz, a niektóre znane wątki jego biografii - nowego spojrzenia. Pytanie to towarzyszyło nam przez cały rok 2017, gdy z inicjatywy trzech instytucji: Instytutu Teatralnego im. Zbigniewa Raszewskiego, Teatru Narodowego i Teatru Współczesnego odbył się szereg wydarzeń upamiętniających stulecie urodzin artysty: trzy wystawy (Erwin Axer. Stulecie urodzin w Galerii Kordegarda zorganizowana przez Narodowe Centrum Kultury; Oddech. Erwin Axer i Warszawa teatralna 1956-1966 współorganizowana przez Dom Spotkań z Historią; Erwin Axer (1917?2012) - wystawa wirtualna na platformie Google Art & Culture), trzy książki (Notatki z pracy, Polsko-niemieckie ćwiczenia pamięci, Rozmowy z Erwinem Axerem), dwa wieczory publicznego czytania tekstów Axera, lektura fragmentów Ćwiczeń pamięci w wykonaniu Jana Englerta na antenie radiowej Dwójki, dodatek specjalny „Tygodnika Powszechnego”, liczne rozmowy o Axerze w audycjach radiowych i telewizyjnych.Tytułowe pytanie posłużyło również jako punkt wyjścia ogólnopolskiej konferencji naukowej zorganizowanej w dniach 20?21 października 2017 roku przez Wydział Wiedzy o Teatrze Akademii Teatralnej im. Aleksandra Zelwerowicza i Instytut Teatralny im. Zbigniewa Raszewskiego w Warszawie. Przy tej okazji badaczki i badacze z różnych ośrodków stworzyli portret wielokrotny Axera - człowieka i twórcy. W założeniu książka obejmuje z jednej strony wątki z biografii Erwina Axera, uważnego świadka historii XX wieku - z drugiej, koncentruje się na głównych polach jego zawodowej aktywności: reżyserii, kierowaniu teatrem, pisarstwie. Poruszone tematy objęły okres dzieciństwa i wczesnej młodości Axera we Lwowie, studia w Państwowym Instytucie Sztuki Teatralnej w Warszawie, czas drugiej wojny światowej. Szczególnie uważnie przyglądamy się nie dość znanym pracom zagranicznym Axera - począwszy od wystawienia Wesela w Stanach Zjednoczonych przez realizacje w Związku Radzieckim aż po późne prace w Austrii i RFN. Wreszcie próbowaliśmy przemyśleć sferę jego duchowego rozwoju, świadomości intelektualnej, kształtowania się światopoglądu. Teatru nie tworzy się w pojedynkę - dlatego jeden z bloków tematycznych dotyczy najbliższych współpracowników Axera - Jerzego Kreczmara, Ewy Starowieyskiej, Zofii Mrozowskiej, Tadeusza Łomnickiego.Mamy świadomość, że wątki w biografii Axera skupione na relacjach z innymi osobami (pisarzami, reżyserami, scenografami, aktorami, studentami i krytykami) wymagają dalszych prac. Podobnie jak skomplikowane relacje Axera, członka PZPR, z komunistyczną władzą i partyjnym aparatem. Poruszyliśmy te wątki w książce, ale w świetle odsłaniania kolejnych archiwów - pozostaje jeszcze wiele do zbadania.Tak samo wymaga opracowania wieloletnia praca Axera jako pedagoga na Wydziale Reżyserii Państwowej Wyższej Szkoły Teatralnej w Warszawie. Również z powyższych powodów zdecydowaliśmy się opublikować wspomnienia studentów i współpracowników Axera oraz efekt benedyktyńskiej pracy Zenona Andrzejewskiego, który opracował biogramy rodziny Axerów - począwszy od dziadka reżysera. Ta książka jest również efektem zdumienia. Długie i bogate życie Erwina Axera nie stało się przedmiotem wielu badań. Na półce możemy postawić tylko biografię Elżbiety Baniewicz i monograficzny zeszyt „Notatnika Teatralnego”. Poza tym w czasopismach i książkach zostały opublikowane nieliczne ważne artykuły, m.in. Marty Fik, Joanny Krakowskiej, Elżbiety Matyni, Elżbiety Wysińskiej czy Jerzego Koeniga. Mamy nadzieję, że książka przybliży do pewnego stopnia życie, osobę i dzieło Erwina Axera. Pytanie „kto to był Erwin Axer?” pozostaje bowiem otwarte.

A luxurious collection of the best recipes from the world's leading Italian cookbook - with all new photography and design First published in 1950, Il Cucchiaio d'Argento, or its English-language offspring The Silver Spoon, is the ultimate compilation of traditional home-cooking Italian dishes. In this all-new luxurious book, The Silver Spoon Classic features 170 of the very best-of-the-best recipes from Italy's incredibly diverse regions. Carefully selected from Phaidon's Silver Spoon cookbooks, which have sold more than one million copies worldwide, this new collection features exquisite photography of the dishes, is replete with elegant double ribbons for easy reference, and a sumptuous design and package, which makes for an ideal gift or keepsake for the amateur and serious chef. With dishes for all tastes and seasons, The Silver Spoon Classic is the definitive guide to preparing the most important, authentic, and delicious Italian recipes.

„Marcin Mroszczak. Plakaty” to już dwudziesty piąty minialbum w popularnej serii „Plakaty”, przedstawiający tym razem twórczość Marcina Mroszczaka, syna Józefa Mroszczaka, jednego z założycieli polskiej szkoły plakatu. Marcin Mroszczak studiował na Akademii Sztuk Pięknych w Warszawie, pracował w prestiżowych zagranicznych pracowniach designu, założył agencję reklamową Corporate Profiles. Projektuje plakaty filmowe i teatralne, scenografie teatralne, okładki książkowe – do jego najsłynniejszych realizacji należą m.in. „Hamlet” do sztuki Williama Szekspira, powstały we współpracy z Andrzejem Krauze, „Człowiek z marmuru” i „Człowiek z żelaza” do filmów Andrzeja Wajdy czy też plakat z okazji dwudziestej rocznicy wyborów 4 czerwca, zainspirowany szeryfem z plakatu Tomasza Sarneckiego „W samo południe. 4 czerwca 1989”. Wstęp i wybór reprodukcji do książki przygotowała Dorota Folga-Januszewska.

Kolejny minialbum popularnej serii Plakaty, współtworzonej z Akademią Sztuk Pięknych, poświęcony został osobie Stanisława Wieczorka (ur. 1943 r.) – wszechstronnego artysty: malarza, rysownika, grafika, scenografa i projektanta. Od początku swojej pracy twórczej związany jest z warszawskim oddziałem wspomnianej ASP, gdzie wielokrotnie pełnił funkcję prodziekana i dziekana Wydziału Grafiki. Był także kierownikiem artystycznym w Wydawnictwach Artystyczno-Graficznych (1969–1975) i dyrektorem artystycznym dwumiesięcznika „Projekt” (1984–1992). Wielokrotnie doceniany i wyróżniany, m.in. nagrodą Ministra Kultury i Sztuki oraz Honorową Odznaką „Zasłużony dla Kultury Polskiej”, prezentował swoje prace na licznych wystawach zarówno w Polsce, jak i za granicą.

Paul Peter Rubens jest jednym z najbardziej znanych przedstawicieli malarstwa flamandzkiego na świecie. Jego niesamowity talent, pracowitość, zmysł dyplomacji i organizacji zapewniły mu sławę, uznanie oraz bogactwo jeszcze za życia. Malarstwo Rubensa zachwycało już w czasach, kiedy tworzył, obecnie jego twórczość olśniewa ze zdwojoną siłą, inspirując kolejne pokolenia artystów. Wielość tematów czerpanych z motywów biblijnych i mitologii oraz obfitość kształtów i kolorów są charakterystyczne dla twórczości tego niezwykłego artysty. Rubens gościł na wszystkich dworach europejskich, odbywając podróże dyplomatyczne, które zaowocowały wieloma znakomitymi portretami, m.in. Ludwika XIII, Anny Austriaczki czy Filipa IV Habsburga. Artysta stworzył w swoim domu w Antwerpii nowoczesną pracownię, w której przebywali tak znani malarze jak Antoon van Dyck czy Jan Brueghel.

Lwów nowoczesny to pierwszy tak obszerny album poświęcony zupełnie nieznanemu obliczu międzywojennego modernizmu znad Pełtwi. Na przeszło 150 współczesnych fotografiach, przygotowanych specjalnie na potrzeby tego wydawnictwa, zaprezentowano ikoniczne realizacje polskich, ukraińskich i żydowskich architektów: budynki hoteli, banków, biur, sklepów, kin, kamienic, willi, ale również obiektów sakralnych, teatrów, szpitali i szkół. Uzupełnieniem wydawnictwa są często publikowane po raz pierwszy archiwalne zdjęcia i plany pochodzące z polskich i ukraińskich zbiorów.Lwów, mimo konsekwencji I wojny światowej i wielkiego kryzysu gospodarczego z 1929 roku, prężnie i dynamicznie się rozwijał, stawiając na modernizację i kreatywność. Miasto wyróżniało się jako siedziba cenionej Politechniki Lwowskiej kuźni architektury i ważnego ośrodka kształcenia inżynierów, konstruktorów i planistów. Działający tu twórcy interesowali się koncepcjami innych modernistów w Europie i przede wszystkim w Stanach Zjednoczonych, co nie oznaczało ich bezrefleksyjnego naśladownictwa.Przedwojenny Lwów inspirował i zajmował istotne miejsce na mapie nie tylko II Rzeczypospolitej, ale także całej Nowej Europy. Zrealizowano tu wiele wybitnych dzieł modernizmu, które wyznaczały nowe kierunki rozwoju miasta. Architektoniczna nowoczesność stała się częścią lwowskiego genius loci, dawała nowy impuls i co najważniejsze, nie była skierowana przeciw tradycji miasta o wielowiekowej i wielonarodowej historii.

Okno na przeszłość. Szkice z historii wizualnej, t.2 jest wartościowym i potrzebnym wydawnictwem na naszym rynku książek naukowych. Co ciekawe i ważne, nie jest pierwszą publkikacją w tym zakresie, gdyz stanowi kontynuacje tomu wydanego w 2014 r., zatytułowanego identycznie, zredagowanego samodzielnie przez Dorotę Skotarczak. Została włączona do serii wydawniczej "Histtoria w Mediach", prowadzonej przez Jacka Szymalę, której wcześniejszy etap wyznacza tom Film a historia. Szkice z dziejow wizualnych. Książka znacząco poszerzy repertuar publikacji na temat historii wizualnej. dr hab. Jacek Nowakowski, prof. UAM

Piotr Michałowski malarz i rysownik, najwybitniejszy przedstawiciel romantyzmu w polskiej sztuce. W malarstwie znany z uwieczniania scen batalistycznych i przedstawień koni, tym razem pokazany został od strony rysunkowej. Artysta zwykle nie rozstawał się ze swoim szkicownikiem, który towarzyszył mu w okresie studenckim, jak również podczas późniejszych podróży w sumie pozostawił po sobie ponad 1000 szkiców. Album, który słowem wstępnym opatrzyła znawczyni twórczości Michałowskiego, historyk sztuki Anna Zeńczak, zawiera najciekawsze rysunki artysty.

Stefan Norblin, właśc. Juliusz Stefan Norblin de la Gourdaine (18921952), praprawnuk Jeana Pierre'a Norblina, francuskiego malarza przełomu XVIII i XIX wieku. Ten niezwykle utalentowany i wszechstronny artysta, nazywany malarzem maharadży, w okresie międzywojennym odnosił w Polsce ogromne sukcesy zarówno jako grafik i projektant. Po wybuchu II wojny światowej opuścił ojczyznę i przedostał się do Iraku, gdzie malował portrety rodziny królewskiej. Jednak kariera malarska artysty rozkwitła dopiero w Indiach, przynosząc mu sławę i prestiż. Stworzył tam niezwykłe malowidła w pałacach maharadży i rezydencjach arystokracji. Czerpał motywy z religii hinduskiej, lecz nadawał im nowoczesną formę o bogatych kolorach i z wieloma elementami dekoracyjnymi, łącząc przy tym europejską secesję z indyjskimi tradycjami.

Often imitated but never equaled, Jan van Eyck (c. 1390-1441) left an indelible impression on Renaissance art and paved the way for future realist painters. With its unprecedented precision and masterful use of color, Arnolfini Double Portrait, depicting the wedding of a young couple, is testament to the mastery of the Flemish painter and leader of the Early Netherlandish school. Van Eyck painted both secular and religious subject matter, emphasizing a naturalism and realism that moved seamlessly between 15th-century everyday life and poetic, heavenly settings. Working with oil paint, he innovated the medium, allowing for great intensity and depth of color. Trace the artist’s impressive oeuvre in this hardcover survey of his work, including altarpieces, religious figures, and commissioned portraits. Featuring enlarged details and close analyses of masterpieces like the Ghent Altarpiece, this publication also offers a chronology of van Eyck’s production, including the output of his workshop which continued even after his death.

It was an age of mighty heroes, misunderstood monsters, and complex villains. With the publication of Fantastic Four No. 1 in November 1961, comics giant Marvel inaugurated a transformative era in pop culture. Through the next two decades, the iconic Hulk, Spider-Man, Iron Man, and the X-Men leapt, darted, and towered through its pages. Captain America was resurrected from his 1940s deep-freeze and the Avengers became the World’s Greatest Super Heroes. Daredevil, Doctor Strange, and dozens more were added to the pantheon, each with their own rogues’ gallery of malevolent counterparts. Nearly 60 years later, these thrilling characters from the 1960s and ’70s are more popular than ever, fighting the good fight in comics, toy aisles, and blockbuster movies around the world. In The Marvel Age of Comics 1961–1978, legendary writer and editor Roy Thomas takes you to the heart of this seminal segment in comic history—an age of triumphant character and narrative innovation that reinvented the super hero genre. With more than 500 images and insider insights, the book traces the birth of champions who were both epic in their powers and grounded in a world that readers recognized as close to their own; relatable heroes with the same problems, struggles, and shortcomings as everyone else. By the ’70s, we see how the House of Ideas also elevated horror, sword and sorcery, and martial arts in its stable of titanic demigods, introducing iconic characters like Man-Thing, Conan, and Shang-Chi and proving that their brand of storytelling could succeed and flourish outside of the capes and tights. Behind it all, we get to know the extraordinary Marvel architects whose names are almost as familiar as the mortals (and immortals!) they brought to life—Stan “The Man” Lee, Jack “King” Kirby, and Steve Ditko, along with a roster of greats like John Romita, John Buscema, Marie Severin, Jim Steranko, and countless others. The result is a behind-the-scenes treasure trove and a jewel for any comic fan’s library, brimming with the innovation and energy of an invincible era for Marvel and its heroes alike.

The legend of Jean-Michel Basquiat is as strong as ever. Synonymous with 1980s New York, the artist first appeared in the late 1970s under the tag SAMO, spraying caustic comments and fragmented poems on the walls of the city. He appeared as part of a thriving underground scene of visual arts and graffiti, hip hop, post-punk, and DIY filmmaking, which met in a booming art world. As a painter with a strong personal voice, Basquiat soon broke into the established milieu, exhibiting in galleries around the world. Basquiat’s expressive style was based on raw figures and integrated words and phrases. His work is inspired by a pantheon of luminaries from jazz, boxing, and basketball, with references to arcane history and the politics of street life—so when asked about his subject matter, Basquiat answered “royalty, heroism and the streets.” In 1983 he started collaborating with the most famous of art stars, Andy Warhol, and in 1985 was on the cover of The New York Times Magazine. When Basquiat died at the age of 27, he had become one of the most successful artists of his time. First published in an XXL edition, this unprecedented insight into Basquiat’s art is now available in a compact, accessible volume in celebration of TASCHEN’s 40th anniversary. With pristine reproductions of his most seminal paintings, drawings, and notebook sketches, it offers vivid proximity to Basquiat’s intricate marks and scribbled words, further illuminated by an introduction to the artist from editor Hans Werner Holzwarth, as well as an essay on his themes and artistic development from curator and art historian Eleanor Nairne. Richly illustrated year-by-year chapter breaks follow the artist’s life and quote from his own statements and contemporary reviews to provide both personal background and historical context.

There is a star to tytuł trzeciej płyty Natalii Moskal. Album zawiera czternaście piosenek znanych m.in. z włoskich powojennych filmów – w nowych aranżacjach Jana Stokłosy. Całość wydano w formie książki, w której można przeczytać o procesie powstawania płyty i poznać genezę jej tajemniczego tytułu. Utwory zostały zaaranżowane na orkiestrę z wykorzystaniem m.in. akordeonu, wibrafonu i saksofonu. Album, który ukazał się 13 listopada, promowany jest przez słynny utwór Mambo Italiano, który śpiewali Betty Midler, Dean Martin i wielu innych artystów.

Badania nad prasą oficjalną wydawaną w PRL w ostatnich latach zamarły. Na rynku wydawniczym pojawiały się ledwie jeden-dwa tytuły na ten temat, raz na jakiś czas, a gazety czy tygodniki publikowane w tamtym okresie były zazwyczaj wdzięcznym tematem do obśmiewania lub ilustrowania innych książek. Nadszedł czas, aby to zmienić i przywrócić właściwe proporcje, gdyż w dobie radia i raczkującej telewizji to prasa stanowiła główne źródło kształtowania świadomości społeczeństwa PRL. Stanowiła również ogromny oręż władz w walce o rząd dusz Polaków, a skutki tamtego okresu odczuwamy do dziś.Prezentowany tom w tylko niewielkim stopniu wypełnił rozległa tematykę działalności prasy oficjalnej w PRL. Zdajemy sobie z tego sprawę, lecz uznajemy to za początek, nowe otwarcie w badaniach nad tą problematyką.

Making stops in North and South America, Europe, Asia, Africa, and Australia, this edition rounds up some of today’s most exceptional and inspiring interiors across six continents. From rustic minimalism to urbane eclecticism, the selection celebrates a global spectrum of styles, united by authenticity, a love of detail, and a zest for individual expression that will never go out of fashion. Includes interiors in Argentina, Brazil, China, Cuba, Denmark, France, Germany, Greece, Indonesia, Italy, Japan, Kenya, Morocco, South Africa, Spain, Sweden, Turkey, the UK, the USA, and many more countries. With pictures by leading interior photographers including Xavier Béjot, Pieter Estersohn, Marina Faust, Reto Guntli, François Halard, HieplerBrunier, Ditte Isager, Nikolas Koenig, Ricardo Labougle, Eric Laignel, Åke Lindman, Thomas Loof, Jason Schmidt, Mark Seelen, René Stoeltie, Tim Street-Porter, Vincent Thibert, Simon Upton, Paul Warchol.

As special photographer on the sets and locations of Francis Ford Coppola’s The Godfather trilogy, Steve Schapiro had the remarkable experience of witnessing legendary actors giving some of their most memorable performances. Schapiro immortalized Marlon Brando, Al Pacino, Robert De Niro, James Caan, Robert Duvall, and Diane Keaton in photos that have since become iconic images, instantly recognizable and endlessly imitated. Gathered together in this book are Schapiro’s finest photographs from all three Godfather films, lovingly reproduced from the original negatives. With contextual essays and interviews covering the trilogy in its entirety, this book contains over 300 color and black-and-white images. Schapiro’s images take us behind the scenes of this epic and inimitable cinematic saga, revealing the director’s working process, capturing the moods and personalities involved, and providing insight into the making of movie history.

Ernst Haeckel (1834–1919) was a German-born biologist, naturalist, evolutionist, artist, philosopher, and doctor who spent his life researching flora and fauna from the highest mountaintops to the deepest ocean. A vociferous supporter and developer of Darwin’s theories of evolution, he denounced religious dogma, authored philosophical treatises, gained a doctorate in zoology, and coined scientific terms which have passed into common usage, including ecology, phylum, and stem cell. At the heart of Haeckel’s colossal legacy was the motivation not only to discover but also to explain. To do this, he created hundreds of detailed drawings, watercolors, and sketches of his findings which he published in successive volumes, including several marine organism collections and the majestic Kunstformen der Natur (Art Forms in Nature), which could serve as the cornerstone of Haeckel’s entire life project. Like a meticulous visual encyclopedia of living things, Haeckel’s work was as remarkable for its graphic precision and meticulous shading as for its understanding of organic evolution. From bats to the box jellyfish, lizards to lichen, and spider legs to sea anemones, Haeckel emphasized the essential symmetries and order of nature, and found biological beauty in even the most unlikely of creatures. In this book, we celebrate the scientific, artistic, and environmental importance of Haeckel’s work, with a collection of 300 of his finest prints from several of his most important tomes, including Die Radiolarien, Monographie der Medusen, Die Kalkschwämme, and Kunstformen der Natur. At a time when biodiversity is increasingly threatened by human activities, the book is at once a visual masterwork, an underwater exploration, and a vivid reminder of the precious variety of life.

The life of Antoni Gaudí (1852–1926) was full of complexity and contradictions. As a young man he joined the Catalonian nationalist movement and was critical of the church; toward the end of his life he devoted himself completely to the construction of one single spectacular church, La Sagrada Família. In his youth, he courted a glamorous social life and the demeanor of a dandy. By the time of his death in a tram accident on the streets of Barcelona, his clothes were so shabby that passersby assumed he was a beggar. Gaudí’s incomparable architecture channels much of this multifaceted intricacy. From the shimmering surface textures and skeletal forms of Casa Batlló to the Hispano-Arabic matrix of Casa Vicens, his work merged the influences of Orientalism, natural forms, new materials, and religious faith into a unique Modernista aesthetic. Today, his buildings enjoy global popularity and acclaim; his magnum opus, the Sagrada Família, is the most-visited monument in Spain and seven of his works are UNESCO World Heritage Sites. Packed full of expert texts and hundreds of full-color illustrations, including new photography, this book presents Gaudí’s complete oeuvre. Like a personal tour through Barcelona, we explore his residential, religious, and public projects. We see how the “Dante of architecture” was a builder in the truest sense of the word, crafting extraordinary constructions out of minute and mesmerizing details, transforming fantastical visions into realities on the city streets.