W tej strefie zapraszamy czytelników tak zwane artystyczne dusze po książki z kategorii Sztuka. Polecamy szereg publikacji o sztuce i jej historii,ciekawostki i portfolia artystów, eseje, albumy, książki o malarstwie, rzeźbiarstwie, architekturze oraz histoii fotografii. Biografie ciekawych artystów, książki i powieści przedstawiające fascynujące losy malarzy i osób uwiecznianych na obrazach. W tym dziale tylko ksiązki ze sztuka w tle.
Anthony van Dyck to, obok Petera Paula Rubensa oraz Jacoba Jordaensa, jeden z najważniejszych przedstawicieli złotego wieku malarstwa flamandzkiego. Ten znakomity portrecista był jednym z najzdolniejszych i najlepszych uczniów Rubensa. Po opuszczeniu pracowni mistrza stworzył indywidualny styl, który wywarł ogromny wpływ na późniejsze malarstwo portretowe. Odpowiednio dobrana kolorystyka oraz tło sprawiały, że portrety nabierały bardziej majestatycznego i dystyngowanego charakteru, a przedstawione postacie dostojności i elegancji. Anthony van Dyck był mocno związany z angielskim dworem królewskim i jako nadworny malarz króla Karola I Stuarta otrzymał angielski tytuł szlachecki.
Francisco de Goya y Lucientes (1746-1828) to jeden z najważniejszych artystów hiszpańskich oraz jeden z najwybitniejszych twórców przełomu XVIII i XIX wieków. Był artystą niezwykle płodnym. Spod jego ręki wyszło przeszło dwa tysiące obrazów, grafik i rysunków. Najbardziej charakterystycznymi dziełami Goi są portrety, które powstały kiedy był nadwornym malarzem królewskim oraz seria tzw. czarnych obrazów, stworzonych po przebyciu ciężkiej choroby. Zakres poruszanych przez artystę tematów jest niezwykle szeroki. Obok wspomnianych wcześniej portretów, malował scenki rodzajowe, uprawiał malarstwo religijne, przedstawiał martwą naturę. Jednak to malarstwo historyczne, ukazujące tragizm, cierpienie, heroiczną walkę, nawiązującą do tragicznych wydarzeń w historii Hiszpanii, jest znakiem rozpoznawczym tego niezwykłego artysty.
Kiedy rano otwieram oczy, widzę film, książka zainspirowana pierwszą wystawą zorganizowaną przez Muzeum Sztuki Nowoczesnej w Warszawie (2008), to podróż do kraju, którego już nie ma, a który wytworzył najważniejszy w naszej części Europy mit sztuki radykalnej. Pokazuje związki kina amatorskiego - rozkwitającego w Socjalistycznej Federacyjnej Republice Jugosławii dzięki publicznemu mecenatowi ze sztukami wizualnymi i wzajemne oddziaływanie filmowców i artystów innych dziedzin.Usytuowanie na styku sztuki modernistycznej i strategii postkonceptualnych oraz postminimalistycznych, na styku dwóch światów: zachodniego kapitalizmu i wschodniego komunizmu generowało oryginalne, niepowtarzalne fenomeny artystyczne, niemogące się pojawić nigdzie poza Jugosławią i tamtym czasem. Książka opowiada o zjawiskach i osobowościach artystycznych przełomu lat 60. i 70., jej bohaterami są m.in. Goran Trbuljak, Tomislav Gotovac, Sanja Iveković, Dalibor Martinis czy Marina Abramović.
Zbiór tekstów teoretyków i praktyków performansu na temat genealogii tej dziedziny twórczości, kwestii dokumentacji, czasowości czy cielesności. To także zbliżenia na mało znane a fascynujące historie performansu w Japonii, Brazylii, Portugalii, dawnej Wschodniej Europie, w Polsce i w Rosji - tytułowe punkty styku.
Grupa Team 10 East nigdy nie istniała. Książka powołuje to pojęcie jako konceptualne narzędzie pozwalające przeanalizować dokonania członków architektonicznej grupy Team 10 i ich towarzyszy podróży współpracowników z krajów socjalistycznych. Proponuje rewizjonizm w podejściu do kultury i polityki dawnych krajów socjalistycznych, stąd tytułowa formuła rewizjonistycznej architektury w realnym modernizmie.Autorzy i autorki tekstów patrzą na nowoczesną architekturę i na procesy modernizacyjne w Europie Środkowo-Wschodniej w perspektywie porównawczej, pokazując, jak reguły rządzące architekturą i urbanistyką były zawłaszczane, krytykowane i modyfikowane po obu stronach żelaznej kurtyny. Bohaterami tej bogato ilustrowanej publikacji są m.in. polscy architekci Jerzy Sołtan i Oskar Hansena, Węgier Charles Polónyi, a także architekci z dawnej Czechosłowacji i Jugosławii.
Wybitni polscy i zagraniczni krytycy i historycy sztuki mierzą się z twórczością jednego z najważniejszych polskich malarzy. Widzą ją na tle sztuki światowej lat 40. i 50., wychodząc poza polski kontekst kulturowy i historyczny. Pozwala to na próbę reinterpretacji tej bogatej i niebywale zróżnicowanej twórczości, która powstała w bardzo krótkim czasie, w bardzo niespokojnych czasach.
Historia sztuki zna wiele przykładów artystek z różnych powodów pominiętych, zapomnianych czy wypartych z jej głównego nurtu ta książka jest próbą przypomnienia jednej z nich. Maria Bartuszov (193696) była słowacką rzeźbiarką poszukującą nowego języka ekspresji w delikatnych, gipsowych formach. Jej sztuka jest zapisem potrzeby eksperymentu formalnego, który prowadzi rzeźbiarkę ku kształtom i procesom zachodzącym w naturze. Długo nieznana, Bartuszov została odkryta dla szerszej publiczności na wystawie Documenta 12 w 2007 roku, dziś jej prace są w prestiżowych kolekcjach sztuki współczesnej.
Zbiór tekstów polskich i zagranicznych badaczy, którzy na wiele sposobów analizują niezwykłe dzieło Zofii Rydet, wprowadzając polską fotografkę do międzynarodowego kanonu dwudziestowiecznej fotografii i sztuki. Zapis socjologiczny, zbiór zdjęć ludzi i zamieszkiwanych przez nich wnętrz, jest tu pokazany w kontekście fotografii niemieckiej i amerykańskiej, na szerszym tle polskiej fotografii socjologicznej lat 70. i 80. Jest interpretowany w swej materialności i zarazem poddawany refleksji teoretycznej. Pokazuje niezwykłą siłę fotografii jako sposobu patrzenia na świat oraz jako nieoczywistej metody jego archiwizowania.Tekstom towarzyszą obszerne wybory zdjęć Zofii Rydet ułożone przez Sebastiana Cichockiego, Sharon Lockhart i Krzysztofa Pijarskiego i za każdym razem będące innym, subiektywnym czytaniem ""Zapisu"". Osobną wkładkę stanowi niepublikowana dotąd makieta niewydanej nigdy książki Zofii Rydet pt. ""Wieś"" (1957-1961).
Książka w nowy sposób pokazuje sztukę powstającą od lat 50. do 70. XX wieku w Europie Wschodniej i Ameryce Łacińskiej, które połączył wówczas entuzjazm dla sztuki kinetycznej i op-artu.Była to pewnego rodzaju alternatywa dla północnoatlantyckiego mainstreamu: osi łączącej Paryż, Londyn oraz Nowy Jork i królujących tam kolejnych trendów, od abstrakcyjnego ekspresjonizmu, przez pop-art, minimalizm, aż po konceptualizm. W cieniu tych mód, w Warszawie, Budapeszcie, Zagrzebiu, Moskwie, Buenos Aires, Rio de Janeiro czy So Paulo, pojawiły się sieci praktyk artystycznych zogniskowanych wokół kwestii postępu, nauki i technologii, podboju przestrzeni kosmicznej, konstrukcji i zmysłowego odbioru dzieła sztuki, współtworzonego przez percepcję widza.
Nareszcie jest - książka podsumowująca zeszłoroczną edycję ""Warszawy w budowie"". Zawiera opisy wszystkich elementów wchodzących w skład pilotażowej edycji festiwalu z 2009 roku - wystaw, paneli dyskusyjnych, projektów w przestrzeni miejskiej, łącznie z zapisem popularnych sesji Departamentu Propozycji. Ta bogato ilustrowana, zaprojektowana przez Ludovica Ballanda i Ivana Weissa publikacja, stanowi trzeci tom w serii wydawniczej sygnowanej przez Muzeum Sztuki Nowoczesnej w Warszawie.
Kiedy rano otwieram oczy, widzę film"", książka zainspirowana pierwszą wystawą zorganizowaną przez Muzeum Sztuki Nowoczesnej w Warszawie (2008), to podróż do kraju, którego już nie ma, a który wytworzył najważniejszy w naszej części Europy mit sztuki radykalnej. Pokazuje związki kina amatorskiego - rozkwitającego w Socjalistycznej Federacyjnej Republice Jugosławii dzięki publicznemu mecenatowi - ze sztukami wizualnymi i wzajemne oddziaływanie filmowców i artystów innych dziedzin.Usytuowanie na styku sztuki modernistycznej i strategii postkonceptualnych oraz postminimalistycznych, na styku dwóch światów: zachodniego kapitalizmu i wschodniego komunizmu generowało oryginalne, niepowtarzalne fenomeny artystyczne, niemogące się pojawić nigdzie poza Jugosławią i tamtym czasem. Książka opowiada o zjawiskach i osobowościach artystycznych przełomu lat 60. i 70., jej bohaterami są m.in. Goran Trbuljak, Tomislav Gotovac, Sanja Iveković, Dalibor Martinis czy Marina Abramović.
A world of floating symbols
For Marc Chagall (1887–1985), painting was an intricate tapestry of dreams, tales, and traditions. His instantly recognizable visual language carved out a unique early 20th-century niche, often identified as one of the earliest expressions of psychic experience.
Chagall’s canvases are characterized by loose brushwork, deep colors, a particular fondness for blue, and a repertoire of recurring tropes including musicians, roosters, rooftops, flowers, and floating lovers. For all their ethereal charms, his compositions were often rich and complex in their references. They wove together not only colors and forms, but also his Jewish roots with his present encounters in Paris, markers of faith with gestures of love and symbols of hope with testimonies of trauma.
Across scenes of birth, love, marriage, and death, this dependable artist introduction explores the many versions of Chagall’s rich vocabulary. From visions of his native Vitebsk in modern-day Belarus to images of the Eiffel Tower, we explore the unique aesthetic of one of the most readily identifiable modern masters and one of the most influential Jewish artists of all time.
Nieźle się zapowiadało to lekkie, pełne humoru wspomnienia Jana Suzina o początkach Telewizji Polskiej, ludziach, którzy ją tworzyli i czasach, w jakich się rozwijała. Autor opisuje pierwsze robione na żywo czarno-białe audycje emitowane z legendarnego studia na placu Powstańców i ich pełnych entuzjazmu twórców. Przywołuje największe telewizyjne postacie: Adama Hanuszkiewicza, Xymenę Zaniewską, Kalinę Jędrusik, Krystynę Loskę, Bogumiłę Wander, Edytę Wojtczak i wiele, wiele innych.Jan Suzin jest jednym z najsłynniejszych i najbardziej lubianych polskich prezenterów i lektorów. Jego charakterystyczny niski, aksamitny głos przez lata towarzyszył milionom telewidzów. Autor trafił do TVP w 1955 r. z konkursu na spikera telewizyjnego. Przeszedł ostrą selekcję, m.in. udzielając Hanuszkiewiczowi, błyskotliwej odpowiedzi, gdy ten podczas egzaminu poprosił znienacka o wypełnienie dziury w programie. Mam dla państwa dobrą wiadomość zagaił wówczas ze spokojem Jan Suzin. Telewizja właśnie sprowadziła z Paryża całą serię filmów dla dorosłych, które już od jutra nadawane będą w późnych godzinach nocnych.Książka pełna jest faktów i ciekawych anegdot ilustrowanych archiwalnymi fotografiami i rysunkami autora. Będzie świetną lekturą dla wszystkich, którzy chcą wiedzieć, jak robiło się prawdziwą telewizję.
The essential reference on Salvador Dalí’s painted oeuvre
At the age of six, Salvador Dalí (1904–1989) wanted to be a cook. At the age of seven, he wanted to be Napoleon. “Since then,” he later said, “my ambition has steadily grown, and my megalomania with it. Now I want only to be Salvador Dalí, I have no greater wish.” Throughout his life, Dalí was out to become Dalí: that is, one of the most significant artists and eccentrics of the 20th century.
This weighty volume is the most complete study of Dalí’s painted works ever published. After years of research, Robert Descharnes and Gilles Néret located painted works by the master that had been inaccessible for years—so many, in fact, that almost half the featured illustrations appear in public for the first time in this book.
More than a catalogue raisonné, this book contextualizes Dalí’s oeuvre and its meanings by examining contemporary documents, from writings and drawings to material from other facets of his work, including ballet, cinema, fashion, advertising, and objets d’art. Without these crutches to support analysis, the paintings would simply be a series of many images.
The study is divided into two parts: the first examines Dalí’s beginnings as an unknown artist. We witness how the young Dalí deployed all the isms—Impressionism, Pointillism, Cubism, Fauvism, Purism and Futurism—with playful mastery, and how he would borrow from prevailing trends before ridiculing and abandoning them. The second part unveils the conclusions of Dalí’s lifelong inquiries, as well as the great legacy he left in works such as Tuna Fishing (1966/67) or Hallucinogenic Toreador (1970). It includes previously unpublished homages to Velázquez or Michelangelo, painted to the same end as the variations on past masters done by his contemporary, Picasso.
We discover how, motivated by the desire to tease out the secrets of great works and become a Velázquez of the mid-20th century, Dalí became Dalí.
Innovative, intimate architecture from China to Chile
Designing private residences has its own very special challenges and nuances for the architect. The scale may be more modest than public projects, the technical fittings less complex than an industrial site, but the preferences, requirements, and vision of particular personalities becomes priority. The delicate task is to translate all the emotive associations and practical requirements of “home” into a workable, constructed reality.
This publication rounds up 100 of the world’s most interesting and pioneering homes designed in the past two decades, featuring a host of talents both new and established, including John Pawson,Shigeru Ban, Tadao Ando, Zaha Hadid, Herzog & de Meuron, Daniel Libeskind, Alvaro Siza, and Peter Zumthor. Accommodating daily routines of eating, sleeping, and shelter, as well as offering the space for personal experience and relationships, this is architecture at its most elementary and its most intimate.
A photo tribute to our four-pawed friends
In celebration of the world’s favorite animal, we bring you over 400 photographs of or about dogs. With pictures from the 19th century to today, the collection includes works by Man Ray, Eric Fischl, Wolfgang Tillmans, Donna Ruskin, Fatima NeJame, Vincent Versace, and of course Elliott Erwitt and William Wegman. Together, their pictures, unique in style but united in canine affection, are testimony if ever there was one that dogs are not only best friends, but also pure photographic inspiration.
Forget #dogsofinstagram, this is real canine art, showing how the camera has been key witness to dogs in all their diversity, character, and friendship, from pensive pooch portraits to four-pawed action shots. As intellectually as it is visually stimulating, the book includes captivating essays tracing the presence of dogs in the history of photography and their relationship with humans across the decades.
The painterly gestures of personal feelings
Hailed as the first American-born art movement to have a worldwide influence, Abstract Expressionism denotes the non-representational use of paint as a means of personal expression. It emerged in America in the 1940s, with lead protagonists including Jackson Pollock, Philip Guston, Robert Motherwell, Mark Rothko, and Willem de Kooning.
Abstract Expressionism spawned many different stylistic tendencies but two particularly prominent sub-categories: action painting, exemplified by de Kooning and Pollock, and color field painting, made most famous by Rothko. Throughout, Abstract Expressionists strove to convey emotions and ideas through the making of marks, through forms, textures, shades, and the particular quality of brushstrokes. The movement favored large-scale canvases, and embraced the role of accident or chance.
With featured works from 20 key Abstract Expressionist artists, this book introduces the movement which shifted the center of art gravity from Paris to New York and remains for many the golden moment of American art.
Portrait of an Artist
A comprehensive chronicle of David Hockney’s life and work
Pop artist, painter of modern life, landscape painter, master of color, explorer of image and perception—for six decades, David Hockney has been known as an artist who always finds new ways of exploring the world and its representational possibilities. He has consistently created unforgettable images: works with graphic lines and integrated text in the Swinging Sixties in London; the famous swimming pool series as a representation of the 1970s California lifestyle; closely observed portraits and brightly colored, oversized landscapes after his eventual return to his native Yorkshire. In addition to drawings in which he transfers what he sees directly onto paper, there are multiperspective Polaroid collages that open up the space into a myriad of detailed views, and iPad drawings in which he captures light using a most modern medium—testaments to Hockney’s enduring delight in experimentation.
This special edition has been newly assembled from the two volumes of the David Hockney: A Bigger Book monograph to celebrate TASCHEN’s 40th anniversary. Hockney’s life and work is presented year by year as a dialogue between his works and voices from the time period, alongside reviews and reflections by the artist in a chronological text, supplemented by portrait photographs and exhibition views. Together they open up new perspectives, page after page, revealing how Hockney undertakes his artistic research, how his painting develops, and where he finds inspiration for his multifaceted work.
Maciej Hen, autor powieści takich jak ""Solfatara"" i ""Deutsch dla średnio zaawansowanych"", tym razem zwraca się ku swojej pasji muzycznej. Słuchaczem Beatlesów był od dziecka, pół wieku po rozpadzie zespołu manewruje wśród podobnych sobie fanatyków. Spotyka ludzi chorych na czwórkę z Liverpoolu, takich, którzy prowadzą dziesiątki zeszytów z danymi o zespole, chronologie muzyczne i filmowe, wreszcie bohaterów polskiej muzyki mocno zadłużonych od Beatlesów. Oprócz Lecha Janerki, muzyków (i menedżera!) zespołu Republika i kompozytorki Katarzyny Gaertner, spotkamy więc aktorkę Joannę Szczepkowską, niedawno zmarłego polityka Jana Lityńskiego czy pisarkę Sylwię Zientek. Laureaci ""Wielkiej gry"" z wiedzy o Beatlesach sąsiadują z nastolatkiem marzącym o karierze muzycznej, marynarzem, pracownikiem Telewizji Polskiej i fanami jeżdżącymi po świecie za prawie 79-letnim już Paulem McCartneyem.
Renaissance man in extremis
Michelangelo, in pursuit of the beautiful and sublime
Italian-born Michelangelo di Lodovico Buonarroti Simoni (1475 1564) was a tormented, prodigiously talented, and God-fearing Renaissance man. His manifold achievements in painting, sculpture, architecture, poetry, and engineering combined body, spirit, and God into visionary masterpieces that changed art history forever. Famed biographer Giorgio Vasari considered him the pinnacle of Renaissance achievement. His peers called him simply Il Divino ( the divine one ).
This book provides the essential introduction to Michelangelo with all the awe-inspiring masterpieces and none of the queues and crowds. With vivid illustration and accessible texts, we explore the artist s extraordinary figuration and celebrated style of terribilita (momentous grandeur), which allowed human and biblical drama to exist in compelling scale and fervor. Through the power hubs of Renaissance Italy, we take in his major commissions and phenomenal capacity for compositional schemes, whether the famous Medici library in Florence, or the extraordinary 500-square-meter ceiling (1508 1512) in the Vatican s Sistine Chapel.
From the towering David to the aching grief and faith of The Pieta and the vivid drama of the Sistine Chapel s Last Judgment, this is a succinct, dependable reference to a true giant of art history and to some of the most famous artworks in the world.
Ten produkt jest zapowiedzią. Realizacja Twojego zamówienia ulegnie przez to wydłużeniu do czasu premiery tej pozycji. Czy chcesz dodać ten produkt do koszyka?
