W XVI-wiecznej Antwerpii nazywano Pietera Bruegla starszego „drugim Boschem” z uwagi na elementy fantastyczne i satyryczny wydźwięk jego dzieł. Bruegel urodził się już po śmierci Boscha i artyści nigdy się nie spotkali, ale pojawiąjące się w jego obrazach iście piekielne krajobrazy, demony czy latające ryby świadczą o inspirowaniu się twórczością starszego mistrza. Bruegel jest jednak najbardziej znany ze scen chłopskich, często humorystycznych i pełnych anegdot, oraz z pejzaży, które w przejmujący sposób przywołują naturę i zmieniające się pory roku – malarz dyskretnie wplata w nie mądrościowe przesłanie. Równie wielkim artystą jest Bruegel jako rysownik, a powstające na bazie jego rysunków ryciny w oficynie słynnego drukarza Hieronymusa Cocka, chociażby autorstwa Pietera van der Heydena, to prawdziwe perły ówczesnej sztuki graficznej, przeżywającej rozkwit. Sztuka Bruegla, bogata w szczegóły, wydaje się utrwalać świat w miniaturze; będąc odbiciem wnikliwych obserwacji artysty, jego wiedzy na temat natury ludzkiej i moralności, obnaża za pomocą groteski ludzkie przywary. W prezentowanej monografii Larry Silver, wybitny historyk sztuki, znawca renesansu Północy, prowadzi nas przez zawiłości nasyconych symboliką dzieł Bruegla. Pozwala popatrzeć na nie oczyma jego rodaków, a także przez pryzmat historii Niderlandów, zwłaszcza kultury wizualnej tamtych czasów, ukazuje wpływ malarza na późniejszą sztukę flamandzką i holenderską. Album zawiera 355 kolorowych ilustracji przedstawiających wszystkie zachowane obrazy Bruegla, dużą część jego twórczości graficznej oraz reprezentatywne dzieła artystów jemu współczesnych i jego naśladowców. O autorze: Larry Silver jest emerytowanym profesorem historii sztuki, wykładał na Uniwersytecie Pensylwanii w Filadelfii w latach 1997–2017, a także w Berkeley i Northwestern. Specjalizuje się w malarstwie i grafice Europy Północnej, zwłaszcza Niemiec i Holandii, epoki renesansu i reformacji, a także w zakresie historii sztuki żydowskiej. Jest autorem m.in. monografii nt. Massysa, Boscha, Dürera, Bruegla, Rembrandta oraz Rubensa i Velasqueza. Był kuratorem wielu wystaw muzealnych poświęconych grafice holenderskiej w XVI wieku.

Nauka rysowania to świetna zabawa! Przekonajcie się, że ziemniak może być początkiem niedźwiedzia, wiewiórki, leniwca, ślimaka czy nawet krokodyla! Dzięki książce ponad 60 ziemniaków o różnych kształtach zmienicie w zabawne zwierzaki, i to zaledwie w parę chwil!risz Agócs - węgierska ilustratorka. Studiowała antropologię kultury i etnografię, po czym zupełnie zmieniła obraną drogę i zaczęła robić to, co lubiła od zawsze - malować i rysować, zwłaszcza dla dzieci. Jej przezabawne książki "Nauka rysowania. Zacznij od ziemniaczka" oraz "Jeszcze więcej nauki rysowania. Zacznij od ziemniaczka" zachęciły tysiące dzieci i dorosłych do sięgnięcia po kredki i ołówki. Więcej o autorce na jej stronie.Powyższy opis pochodzi od wydawcy.

Sztuk mistrzowie 2

Andrzej Kozieł, Angelus Silesius, Bernhard Rosa i Michael Willmann, czyli sztuka i mistyka na Śląsku w czasach baroku, B5, s. 560, opr. miękka ze skrzydełkami, cena 129 zł, 9788322938119Angelus Silesius, Bernhard Rosa i Michael Willmann, czyli sztuka i mistyka na Śląsku w czasach baroku to podróż w epokę, gdy Śląsk stanowił centrum duchowej i artystycznej Europy. Kluczową rolę w opowieści odgrywają trzy postacie, które wyznaczały kierunki rozwoju swoich czasów: Angelus Silesius (Johannes Scheffler) protestant nawrócony na katolicyzm, lekarz, mistyk i poeta, którego pisma inspirowały wiele pokoleń artystów (jego utwory tłumaczył Adam Mickiewicz); Bernhard Rosa opat klasztoru w Krzeszowie, który przez sztukę umacniał ludową wiarę; oraz Michael Willmann nazywany śląskim Rembrandtem malarz, którego monumentalne dzieła na trwałe wpisały się w sztukę nie tylko Śląska. Efektem ich wyjątkowej w skali europejskiej współpracy było połączenie elementów doświadczenia mistycznego z różnymi formami masowej pobożności o kontrreformacyjnym charakterze. Co ważne, wszystkie te formy były ściśle połączone z wykorzystaniem dewocyjnych dzieł sztuki (obrazów, rzeźb, grafik), projektowanych głównie przez Willmanna. Stały się one jednymi z najpopularniejszych przedstawień w kulturze religijnej Śląska aż do końca XVIII wieku i dzisiaj możemy je śmiało uznać za ewenement w europejskim baroku.Książka Andrzeja Kozieła to pierwsze całościowe opracowanie relacji między sztuką a mistyką w XVII wieku, które ożywia zapomnianą nieco potęgę śląskiej sztuki barokowej.

Alfredo Tradigo potrafił skwapliwie wyszukać wśród dzieł sztuki silnie przemawiające perły, tworząc cudowny poemat, który daje nam poczucie, jakbyśmy się znaleźli w galerii z niecodzienną ekspozycją. Dzięki jego zwięzłym, ale mądrym komentarzom odkrywamy postać Maryi opisaną w tysiącach odcieni nie tylko przez Biblię lub teksty apokryficzne, ale także za pomocą przekazu artystycznego wszystkich czasów. Dokładnie tak jak w muzeum, również tutaj każda stronica daje nam jakąś cząstkę piękna, która pomaga zatrzymać się w kontemplacji i poznać Matkę Jezusa. Każda miniatura, każdy fresk, każda rzeźba, każde malowidło na płótnie lub desce kreśli profile kobiet, które skrywają, a zarazem odsłaniają coś z tej wyjątkowej Niewiasty. Ten zilustrowany znakomitymi reprodukcjami fotograficznymi album został podzielony na dwie części. W pierwszej najpierw mamy ekskurs o obliczach kobiet Pierwszego Testamentu, a następnie historię Maryi, od narodzin aż po wydarzenia związane z Jej brzemiennością. Drugą część albumu otwiera tajemnicza alchemia, jaka się wytworzyła w łonie Maryi, pozwalając przejść od pierwszego nakazu słuchania słowa do zasadniczego dla Nowego Testamentu „widzenia”. Narodziny oddane w kamieniu i przy użyciu farb umożliwiają nam „widzenie” niewidzialnego Boga. Nam, którym nie została dana łaska bycia naocznymi świadkami, dzięki ludzkiemu geniuszowi i poetyce sztuki możemy zobaczyć coś, co widziały oczy Maryi, Józefa i uczniów. O autorze: Alfredo Tradigo, ur. w 1955 r. w Mediolanie, dziennikarz, pisarz i badacz ikonografii chrześcijańskiej, doktor w zakresie historii sztuki specjalizujący się w badaniach nad ikoną rosyjską. Krytyk sztuki w renomowanych włoskich wydawnictwach (Rusconi, Rizzoli, San Paolo), współpracownik „Famiglia Cristiana” i „L’Osservatore Romano”. Autor książek, m.in. leksykonu Icone e santi d’Oriente przetłumaczonego na kilka języków (wyd. pol. Ikony i święci prawosławni, Arkady, Warszawa 2011), studium nt. ikonografii i duchowości Ukrzyżowanego L’Uomo della Croce. Una storia per immagini (wyd. pol. Człowiek Krzyża. Historia w obrazach, Jedność, Kielce 2014) oraz Icone e volti d’Oriente. Teologia della bellezza e della luce (wyd. pol. Ikony. Teologia piękna i światła, Wydawnictwo „Jedność”, Kielce 2022). Autor nagrodzonych zbiorów wierszy. Prowadzi również swój blog Controcorrente na stronie www.alfredotradigo.it.

Kalendarz prezentujący znane i cenione dzieła Jerzego Nowosielskiego.13-kartkowy kalendarz pionowy, spiralowany, o wymiarach 297 420 mm, drukowany na matowym kredowym papierze, o gramaturze 170 gsm.

Canadian-born Agnes Martin was one of the pre-eminent painters of the second half of the twentieth century, whose work has had a significant influence both on artists of her own time and for subsequent generations. A contemporary of the abstract expressionists though often identified with minimalism, Martin was of the few woman artists who came to prominence in the predominately masculine art world of the late 1950s and 1960s, and became a particularly important role model for younger women artists. This groundbreaking survey provides an overview of Martin’s career, from lesser-known early experimental works through her striped and grided grey paintings and use of colour in various formats, to a group of her final works that reintroduce bold forms. A selection of drawings and watercolours is also included. With essays by leading scholars that give a context for Martin’s work – her life, relationship with other artists, the influence of South Asian philosophy – alongside focused shorter pieces on particular paintings, the book will appeal to art students, academics and all those interested in abstract art. Presenting new research, and beautifully designed, the book is also an opportunity to introduce the life and work of Agnes Martin to those unfamiliar with her oeuvre. Please note that we cannot ship to the following countries due to licensing restrictions: United States and Canada

"Dzięki zastosowaniu podejścia interdyscyplinarnego niniejsza monografia tworzy niezmiernie potrzebną platformę wymiany poglądów między teoretykami i praktykami zajmującymi się zagadnieniem ochrony zabytków i opieki nad nimi z perspektywy różnych obszarów badawczych nauki prawa i innych nauk in genere. Ten właśnie element stanowi o unikatowej roli i miejscu publikacji na tle innych prac naukowych. W ramach wspomnianej interdyscyplinarności nie jest zatem możliwe ani celowe dążenie do kompletności ujęcia tematu, zwłaszcza w kontekście doraźnych i wielotorowych reakcji na nieprzewidziane sytuacje kryzysowe, do których należą konflikty zbrojne. Należy jednak z całą mocą podkreślić, że w literaturze poświęconej zagadnieniom systemu ochrony zabytków udało się już wypracować względnie spójny katalog instrumentów, również instytucji i narzędzi prawnych, dlatego ważnym zadaniem badawczym recenzowanej monografii było poszukiwanie i zaproponowanie adekwatnych mechanizmów identyfikujących zagrożenia i zapobiegających im w trakcie pokoju i w czasie wojny. Tak pojmowany zamysł został w pełni zrealizowany, a dzięki trafności wniosków formułowanych w poszczególnych artykułach oraz czytelnemu wywodowi okazuje się on bardzo przekonujący. Adekwatnie do interdyscyplinarnego podejścia autorów przyjęta metodologia badań pozostaje mocno zróżnicowana, przy czym prawie zawsze punktem wyjścia do rozważań jest zastosowanie metody formalno-dogmatycznej, gdyż to właśnie obowiązujące przepisy prawne stanowią element referencyjny diagnozy i oceny zagrożeń ochrony zabytków zaobserwowanych w procesie stosowania prawa".dr hab. Renata Kusiak-Winter, adiunkt w Instytucie Nauk Administracyjnych Wydziału Prawa, Administracji i Ekonomii Uniwersytetu Wrocławskiego

„My Walk” – opowieść o podróży i fotografiachTomasz Gudzowaty i jego wizja świataTomasz Gudzowaty to uznany polski fotografik, który swoimi pracami opowiada o wyjątkowych momentach życia i ludzkich doświadczeniach. W albumie „My Walk” autor dzieli się siedmioletnią podróżą, która nie tylko zmieniła jego spojrzenie na świat, ale i pozwoliła na uchwycenie esencji ludzkich emocji. Fotografie w książce są osobistą historią artysty, który podkreśla, że każda opowiedziana historia jest także częścią jego własnych przeżyć. To nie tylko zbiór zdjęć, ale także introspekcyjna refleksja nad życiem. Przygoda zapisana w kadrachAlbum „My Walk” to zapis mniejszych i większych przygód, które Tomasz Gudzowaty przeżył w trakcie swojej wędrówki przez życie i fotografię. Zdjęcia są efektem spotkań, rozmów i chwil spędzonych z bohaterami jego opowieści. Każdy kadr niesie ze sobą emocje i historię, które pozostają z widzem na długo.Ta podróż fotograficzna to przykład na to, jak pasja i zaangażowanie mogą stać się mostem między różnymi światami. Fotografia jako osobista narracja„My Walk” to album, w którym fotografia staje się środkiem wyrażania emocji i osobistych refleksji.Autor podkreśla, że każda z jego prac jest nie tylko obserwacją rzeczywistości, ale także częścią jego własnej historii. Z aparatem w ręku Gudzowaty towarzyszył swoim bohaterom, dokumentując ich losy i dzieląc się własnymi doświadczeniami. To dzieło, które ukazuje, jak blisko fotografia może być powiązana z ludzkim życiem. Album „My Walk” – siedmioletnia podróż Tomasza GudzowategoHistoria zapisana w siedmiu latachTomasz Gudzowaty przez siedem lat tworzył opowieść, która stała się treścią albumu „My Walk”. To historia pełna różnorodnych doświadczeń, spotkań i refleksji. Zdjęcia wykonane w tym okresie pokazują, jak zmieniała się perspektywa artysty i jakie wartości były dla niego najważniejsze. Ta wyjątkowa publikacja to nie tylko dokumentacja podróży, ale także zapis wewnętrznego rozwoju fotografa. Krajobrazy, ludzie i emocjeFotografie w „My Walk” ukazują różnorodność świata, od surowych krajobrazów po intymne portrety ludzi. Tomasz Gudzowaty oddaje piękno chwil, które często mijamy w codziennym pośpiechu. Jego zdjęcia to pełne emocji obrazy, które skłaniają do zatrzymania się i refleksji. W każdej fotografii widać wrażliwość artysty oraz jego umiejętność uchwycenia ulotnych momentów. Spotkania, które kształtują człowieka„My Walk” to także hołd dla ludzi, których Tomasz Gudzowaty spotkał na swojej drodze. Autor podkreśla, że każde spotkanie było dla niego ważnym doświadczeniem, które wpłynęło na jego spojrzenie na życie i twórczość. Fotografie przedstawiają nie tylko bohaterów, ale także relacje, które z nimi nawiązał. Dzięki temu album jest niezwykle osobisty i autentyczny. „My Walk” jako wyraz artystycznej dojrzałościFotografia jako sztuka narracjiAlbum „My Walk” to dowód na to, że fotografia może być formą opowiadania historii. Tomasz Gudzowaty w mistrzowski sposób łączy obrazy z emocjami, tworząc dzieło, które jest jednocześnie piękne i głęboko poruszające. To album, który pokazuje, jak ważna jest wrażliwość i umiejętność obserwacji w pracy fotografa. Każdy kadr to opowieść, która zostaje z widzem na długo. Refleksja nad sensem podróży„My Walk” to nie tylko dokumentacja fotograficzna, ale również refleksja nad podróżą – zarówno fizyczną, jak i duchową. Tomasz Gudzowaty dzieli się swoimi przemyśleniami na temat życia, relacji z ludźmi i znaczenia pasji. Album inspiruje do zastanowienia się nad własną drogą i tym, co jest naprawdę ważne w życiu.To dzieło, które łączy piękno obrazu z głębią treści. Artysta w roli narratoraW „My Walk” Tomasz Gudzowaty występuje nie tylko jako fotograf, ale także jako narrator, który prowadzi widza przez swoje doświadczenia. Jego zdjęcia są pełne autentyczności, a jednocześnie przemyślane w każdym detalu. Artysta zaprasza odbiorców do wspólnej podróży, dzieląc się tym, co dla niego najważniejsze. To album, który pokazuje, że sztuka może być zarówno osobista, jak i uniwersalna. 

Tomasz Gudzowaty swoją twórczością zwraca uwagę na potrzebę ochrony dzikiej natury. Dzięki swoim zdjęciom przypomina o harmonii, która może istnieć między człowiekiem a światem przyrody.Album „Following Wild Trails” jest tego doskonałym przykładem – nie tylko ukazuje piękno naszej planety, ale i inspiruje do działań na rzecz jej zachowania. Fotograf pełni w ten sposób rolę ambasadora przyrody, której głos wciąż jest zbyt słabo słyszalny. Międzynarodowe uznanie i prestiżTwórczość Tomasza Gudzowatego zdobyła uznanie na całym świecie.Liczne nagrody, w tym prestiżowa World Press Photo, świadczą o wysokim poziomie artystycznym jego fotografii.Jego prace były publikowane w najbardziej prestiżowych magazynach i wystawiane w galeriach na całym świecie. Dzięki takim albumom jak „Following Wild Trails”, artysta umacnia swoją pozycję jako jednego z najwybitniejszych współczesnych fotografów. Fotografia jako forma sztukiFotografie Tomasza Gudzowatego przekraczają granice dokumentacji, stając się formą sztuki.Jego wyjątkowe podejście do tematu i techniki sprawiają, że każde zdjęcie to opowieść pełna emocji i znaczeń.W albumie „Following Wild Trails” artysta nie tylko ukazuje piękno natury, ale i zaprasza do głębszego spojrzenia na relację człowieka ze światem przyrody. To wyjątkowe dzieło, które na długo pozostaje w pamięci każdego odbiorcy. 

Krzysztof Medyna, nestor polskiego jazzu, urodził się 18 kwietnia 1949 roku w Jeleniej Górze. Wychowywał się w rodzinie o wieloletnich tradycjach muzycznych. Jego dziadek, Aleksander Szwarc, był przedwojennym dyrygentem Reprezentacyjnej Orkiestry Wojska Polskiego. Matka studiowała pianistykę w Konserwatorium Muzycznym w Warszawie (dziś: Uniwersytet Muzyczny im. Fryderyka Chopina). W latach siedemdziesiątych był członkiem m.in. Quidam Jazz Quartet oraz współzałożycielem grupy Breakwater. W tym czasie był także kierownikiem zespołu akompaniującego Jerzemu Połomskiemu na trasach w Polsce, Czechosłowacji, NRD i Związku Radzieckim. Do USA wyjechał w styczniu 1982 roku, gdzie jako profesjonalny saksofonista nawiązał współpracę z hermetycznym środowiskiem jazzowym Nowego Jorku. W lutym 2007 roku wraz z kwintetem Komeda Project wziął udział w nagraniu płyty Crazy Girl. W 2009 roku koncertował wspólnie z wybitnym polsko-amerykańskim pianistą jazzowym Adamem Makowiczem.

UWIELBIANA, POŻĄDANA I SAMOTNA. PORYWAJĄCA BIOGRAFIA LEGENDARNEJ DIWYByła jedną z najbardziej pożądanych kobiet swoich czasów. Jej zachwycające arie operowe rzucały na kolana tłumy.Jaka jest prawda?Ukochana primadonna, schodząc ze sceny, stawała się porywcza i wybuchowa. Z wyrachowaniem zdradzała męża. Los nie pozostawał jej dłużny. Arystoteles Onassis - najbogatszy wówczas człowiek na świecie - zmusił Callas do ukrywania ciąży, a później dziecka, które zmarło kilka dni po porodzie. Wreszcie porzucił ją dla Jacqueline Kennedy. Życie Callas to opowieść o wzlotach i upadkach. O licznych skandalach, samotności i odrzuceniu. O złotej erze opery, triumfach na legendarnych scenach La Scali i Metropolitan Opera oraz o współpracy z największymi artystami epoki.

Wpatrując się w ikonę Trójcy Świętej Rublowa, możecie osiągnąć level master życia małżeńskiego Dlaczego ikona Rublowa symbolicznie przedstawiająca Trójcę Świętą od wieków uznawana jest za jedno z najbardziej tajemniczych i fascynujących dzieł sztuki? Ponieważ w kompozycji, kolorystyce i przedstawionych gestach oraz motywach artysta ukrył kilkadziesiąt symboli będących genialną opowieścią o miłości Boga do ludzi. A dla ks. Krzysztofa Porosło to punkt wyjścia do opowieści o miłości człowieka do człowieka – o narzeczeństwie i małżeństwie. Autor objaśnia symbolikę niezwykłej ikony, odnosząc ukryte w niej przesłanie do ludzkiej miłości. Przywołuje poruszające, a niekiedy zabawne przypadki wielu par, którym od lat towarzyszy jako kapłan, tłumaczy bliskie sercu papieża Franciszka idee zawarte w Amores laetitia – najważniejszym tekście papieża o miłości w rodzinie – a przy okazji zadaje nieoczywiste pytania, które na aktualne od wieków problemy małżeńskie rzucają zupełnie nowe światło. Ks. Krzysztof Porosło (ur. 1988) - doktor teologii dogmatycznej, wykładowca na Wydziale Teologicznym Uniwersytetu Papieskiego Jana Pawła II w Krakowie, centralny duszpasterz akademicki archidiecezji krakowskiej przy kolegiacie św. Anny w Krakowie. Autor i redaktor ponad 30 książek naukowych i popularnonaukowych. Nagrania jego konferencji i homilii można znaleźć na stronie www.baptysterium.pl.

Twórczość zmarłego pięć wieków temu brabanckiego mistrza od stuleci fascynuje krytyków i wielbicieli sztuki, inspiruje kolejne generacje twórców: malarzy, poetów, filmowców, a także filozofów i psychologów. W pełnej pasji opowieści autorka prezentuje artystę oraz jego dzieło na naszkicowanym z rozmachem tle przełomu średniowiecza i renesansu. Analizując słynne obrazy, prowadzi czytelnika przez gąszcz znaczeń, symboli, wizji i sennych koszmarów budujących potęgę wyobraźni Hieronima Boscha.

SZCZĘŚCIE I SMUTEK NOSZĄ BIEL. Wszystkie barwy kina - jak kolor wpływa na emocje to pierwsza część serii wydawniczej Kolory filmu, w której autorka zajmuje się analizą wybranych produkcji filmowych w kontekście barwy użytej jako swoisty kod znaczeń. Kod ten − choć nie zawsze w pełni przez odbiorcę uświadamiany - pozwala na intuicyjne odczuwanie nastroju filmu oraz rozpoznanie charakteru i sposobu działania bohaterów. Kolejna część serii będzie dotyczyć analizy kolorystycznej współczesnych seriali. Przedmiotem publikacji są: • kolory tęczy oraz czarny i biały − ich znaczenie historyczne oraz współczesne, werbalizowane językiem i obrazem; • emocje, działania i osobowość wyrażane poprzez barwy w kontekście kulturowym i społecznym; • technologiczne możliwości realizowania materiałów kolorowych (krótki zarys); • analiza kolorystyczna twórczości czterech reżyserek i sześciu reżyserów, reprezentujących współczesną kinematografię amerykańską, których twórczość jest nagradzana na festiwalach filmowych (głównie oscarowych); • barwa jako zjawisko komunikacyjne.

Artist book wydany przy okazji wystawy indywidualnej Rafała Bujnowskiego w Zachęcie Narodowej Galerii Sztuki w Warszawie. Esej wstępny oraz wywiad z artystą, oba autorstwa kuratorki wystawy, Marii Brewińskiej, uzupełniają reprodukcje prac prezentowanych w Zachęcie. Po wydrukowaniu publikacja została poddana procesowi postarzania o 50 lat w specjalnej komorze klimatycznej, podobnie jak seria abstrakcyjnych tond powstałych na wystawę.

Pierwsze albumowe opracowanie twórczości Oskara Dawickiego jednego z najbardziej niezwykłych polskich artystów współczesnych. Z wykształcenia malarz, z praktyki performer i postkonceptualista, a z przekonania fatalista, stał się w ostatnich latach bohaterem biograficznej powieści (Łukasz Gorczyca, Łukasz Ronduda, W połowie puste, 2010), a przede wszystkim głośnego i nagradzanego filmu fabularnego Performer (reż. Łukasz Ronduda, Maciej Sobieszczański, 2015), w którym sam zagrał tytułową rolę. Książka jest pierwszą tak obszerną prezentacją dorobku Dawickiego. Oprócz fotograficznej dokumentacji prac i performansów prezentuje również fotosy z planu Performera, całość w efektownej, albumowej formie z wieloma całostronnicowymi i dwustronnicowymi zdjęciami. Autorski wstęp napisany przez artystę przydaje publikacji charakteru książki artystycznej, a właściwie kolejnego, niecodziennego performansu. Dodatkowo, wszystkie publikowane zdjęcia zostały opatrzone szczegółowymi objaśnieniami wprowadzającymi za kulisy twórczości Dawickiego.

Obrazy w niniejszej publikacji pochodzą z dłuższego cyklu kilkuset prac powstałych w latach 2016-2018 i zaprezentowanych na wystawie w galerii Raster w lutym-?marcu 2018. Wykonane zostały z wykorzystaniem papierowych reprodukcji i farb olejnych na płótnie. Wszystkie zreprodukowano w rzeczywistej wielkości.

Projekt graficzny: Michał Kaczyński Redakcja: Magdalena Kobus

Ten niezwykły album z cyklu „Muzeum Chińskiej Sztuki Ludowej” w przekładzie Małgorzaty Religi to unikalna próba przedstawienia sztuki chińskiego haftu miniaturowego, tradycyjnie zdobiącego poszewki na poduszki. Prezentacja haftowanych poszewek stanowi punkt wyjścia do objaśnienia kontekstów kulturowych leżących u podstaw chińskiej sztuki ludowej, a przede wszystkim głębokiego znaczenia wyszywanych na poduszkach obrazów, zawierających wyrafinowaną symbolikę, gry słowne czy nawet aluzje mitologiczne. Niniejsza praca zawiera też mnóstwo ciekawostek na temat tradycyjnych chińskich przekonań odnoszących się do snu. Nie brakuje tu wskazówek, w jakiej pozycji należy spać i jak ustawić łóżko, jakie godziny są według dawnych przekonań odpowiednimi porami na sen, czy też zawsze aktualnych i głębokich mądrości, takich jak chociażby ta: „[…] jeśli zapracowany człowiek zapada w drzemkę, może uśpić tylko oczy, ale nie jest w stanie uśpić umysłu. Jeśli zaś umysł nie śpi, gdy oczy śpią, to tak jakby się wcale nie spało. Najgorsze w tym jest to, że gdy jest już na krawędzi snu, nagle przypomina mu się, że czegoś nie zrobił, albo z kimś się nie spotkał i tak ciągle, bez końca”. Ogromnym atutem prezentowanego albumu są barwne, szczegółowe ilustracje przedstawiające omawiane hafty. To fascynująca podróż przez odniesienia kulturowe i antropologiczne, chiński folklor, a także sztukę wykonania samych haftów. Dr Małgorzata Religa – sinolog, kieruje Zakładem Sinologii na Wydziale Orientalistycznym Uniwersytetu Warszawskiego. Studiowała w Polsce i w Chinach. Jej zainteresowania naukowe dotyczą chińskich religii, literatury klasycznej i współczesnej oraz klasycznej myśli chińskiej. Jest autorką licznych przekładów poezji i prozy chińskiej, m.in. wierszy z epoki Tang zebranych w tomie „Księżyc nad Fuzhou”, Duo Duo, Jidi Majia, czy powieści „Ja, morderca”, „Wilczy totem”i opowiadań Yu Hua „Nie mam własnego imienia”.