W tej strefie zapraszamy czytelników tak zwane artystyczne dusze po książki z kategorii Sztuka. Polecamy szereg publikacji o sztuce i jej historii,ciekawostki i portfolia artystów, eseje, albumy, książki o malarstwie, rzeźbiarstwie, architekturze oraz histoii fotografii. Biografie ciekawych artystów, książki i powieści przedstawiające fascynujące losy malarzy i osób uwiecznianych na obrazach. W tym dziale tylko ksiązki ze sztuka w tle.
Według legendy spotkali się na peronie kolejowym w Dartford. Obaj czekali na pociąg o 8.28 do Londynu. Jagger miał ze sobą płyty, a Richards gitarę. Tak powstał jeden z najważniejszych zespołów w historii rock and rolla. Mit jest piękny, ale prawdziwa opowieść okazuje się jeszcze ciekawsza Rich Cohen opowiada o kolejnych dekadach działalności grupy, skupia się jednak na pierwszych wspólnych koncertach i złotym okresie Jaggera i spółki, kiedy nagrali swoje najważniejsze płyty, począwszy od Beggars Banquet (1968) do Exile on Main Street (1972). W latach 90. magazyn Rolling Stone wysłał Cohena w trasę razem z zespołem. To dało mu dostęp do muzyków, z którymi przez lata nawiązał bliskie relacje. Efektem ich rozmów jest panoramiczna biografia, napisana żywym stylem i z ogromną pasją. Cohen nie stroni też od ujawniania swoich opinii na temat opisywanych zdarzeń. Tak, to książka o seksie, dragach i rock and rollu, ale też o miłości, ambicji, przyjaźni i satysfakcji. To świeże spojrzenie na wyjątkowy zespół, które odpowiada na pytanie: skąd bierze się długowieczność Stonesów? "Nikt nie umiałby opowiedzieć tej historii lepiej niż Cohen Ta książka dotyka samej istoty rock and rolla."New York Observer "Fantastyczna! Teksty Cohena rzucają na Stonesów nowe światło."The Wall Street Journal "Cohen umie pisać o tym, jak muzyka może zmienić świat."Pitchfork "Mistrzowska! O tym zespole napisano setki książek, ale ta zalicza się do najlepszych."Chicago Tribune
Historie opowiedziane przez Bettinę Bereś są informacjami bezcennymi, bo pochodzą bezpośrednio od córki, która była uczestniczką wielu opisanych wydarzeń. Jej subiektywne spojrzenie pozwala zajrzeć w głąb, poznać szczegóły niewidoczne dla oczu obserwatora zewnętrznego. Oprócz tego niektóre legendy związane z funkcjonowaniem Marii i Jerzego w świecie artystycznym zostają w książce zweryfikowane. Dodatkowo Bettina ma niezwykły dar opowiadania. Robi to w sposób szczery, bezpośredni, niepozbawiony humoru, jednocześnie nie pomijając faktów, które mogą być przykre czy wstydliwe. Ten sposób pisania sprawia, że uznani na kartach historii sztuki artyści, jakimi byli Maria Pinińska i Jerzy Bereś, stają się dla nas bliskimi osobami, z którymi czujemy bezpośrednią więź. Długo namawiałam Bettinę do spisania tych historii rodzinnych, gdyż jestem ich ogromną fanką. A teraz cieszę się, że dzięki tej publikacji zostały one ocalone na zawsze. dr hab. Iwona Demko Książka Bettiny Bereś jest dla historii sztuki niezwykle cenna, ponieważ z perspektywy córki dwojga osób artystycznych, wręcz ikonicznych dla sceny artystycznej PRL-u, pokazuje to, co nieoficjalne, prywatne i zakulisowe. Doskonale uzupełnia zatem stan badań o Marii Pinińskiej-Bereś i Jerzym Beresiu, informując o kontekstach, które nie zawsze możemy wyczytać z samych dzieł. prof. dr hab. Marta Smolińska Wspaniale opisana historia kilku pokoleń niezwykłej rodziny, piórem artystki i córki wybitnych polskich artystów. Rozpięta między XIX i XXI wiekiem, jest cenną kroniką życia artystycznego w czasach PRL-u. Bettina Bereś kreśli jednocześnie galerię barwnych postaci, które ukształtowały autorkę, a następnie pokolenie jej dzieci. To biograficzna narracja, która odsłania przed czytelnikami i czytelniczkami zaskakujące kulisy powstawania prac, a jednocześnie dla nas wszystkich może być lekcją pielęgnowania najdrobniejszych wspomnień i historii. Książka jest dla mnie niezwykle bliska nie tylko ze względu na przyjaźń artystki z Cricoteką, ale też z perspektywy mieszkanki będącego kolejnym bohaterem książki osiedla zamieszkiwanego przez rodzinę Beresiów. Natalia Zarzecka Dyrektorka Ośrodka Dokumentacji Sztuki Tadeusza Kantora Cricoteka w Krakowie Bettina Bereś - artystka wizualna, malarka, hafciarka, ceramiczka, graficzka. Wraz z Martą Tarabułą założyła i prowadziła przez cztery lata jedną z pierwszych niekomercyjnych, prywatnych, niezależnych od władz PRL galerii, Galerię Zderzak. Współtworzyła galerię i stowarzyszenie Otwarta Pracownia. Wystąpiła z niego w 2019 roku. Aktywnie uczestniczy w życiu artystycznym, urządziła ponad czterdzieści wystaw indywidualnych często o znaczących tytułach: Obrazy w czasie zarazy (1995), Bez gruntu (2002), Wyprałam (2018), Nie wyglądaj przez cudze okno (2023). Uczestniczyła w wielu wystawach zbiorowych: Krzątaczki i Decydentki w Domu Norymberskim w Krakowie (2015 i 2018), Wieża Bab 2 w Galerii Białej w Lublinie (2021), Niech szyją! Współczesna rzeźba uszyta w Studio Cannaregio w Wenecji oraz w CSW w Toruniu (2022 i 2023). Jest autorką dwóch realizacji efemerycznych w ramach Land Art Festiwalu w Bubel-Granna nad Bugiem: Uczta w Bublu (2018) i Ogród wspomnień (2019). W 2015 roku założyła Wypożyczalnię obrazów, z której każdy może skorzystać, nie angażując środków finansowych.
Alfons Mucha (1860–1939) jest jednym z najważniejszych przedstawicieli stylu secesyjnego, a jego twórczość stała się symbolem przełomu XIX i XX wieku. Prace tego wybitnego czeskiego malarza i grafika charakteryzują się zmysłowymi liniami i ornamentami, bogactwem detali i subtelną kolorystyką. Wyidealizowane bohaterki jego dzieł przypominają niedostępne egzotyczne boginie, leśne rusałki lub senne zjawy. Mucha zdobył sławę dzięki swoim plakatom reklamowym, które wprowadziły nową estetykę do sztuki użytkowej i przyniosły mu międzynarodowe uznanie. Album ten jest wyjątkowym hołdem dla twórczości artysty, zawierającym fotografie jego najważniejszych dzieł, od plakatów i ilustracji po monumentalne malowidła i projekty dekoracyjne. Książka oferuje również wnikliwy wgląd w życie i twórczość Muchy.
Autorka, historyczka sztuki Luba Ristujczina, zdradza tajemnice biografii artysty, inspiracje, obsesje i tajniki warsztatu, a także analizuje wpływ jego twórczości na sztukę współczesną.
Album prezentuje wybór grafik Napoleona Ordy, XIX-wiecznego artysty, znanego przede wszystkim z malarstwa pejzażowego i rysunku. Jego prace stanowią bezcenny zapis historyczny, dokumentujący architekturę i krajobrazy dawnych Kresów Wschodnich, obecnych terenów Białorusi, Ukrainy, Litwy oraz Polski.
Prezentowany zbiór prac Napoleona Orda obejmuje rysunki i akwarele dokumentujące wędrówki artysty po ziemiach I Rzeczpospolitej – Kresów (dziś znajdujących się na terenach Litwy, Ukrainy i Białorusi), ale także Galicji i Księstwa Poznańskiego. Znalazły się w nim zarówno okazałe magnackie rezydencje, jak i nieco skromniejsze szlacheckie dworki, tworzące swoisty genius loci i świadczące o aspiracjach właścicieli. Uzupełniają je szkice przedstawiające zabytki Wilna, Grodna czy Kijowa oraz ważnych dla zbiorowej wyobraźni Polaków pamiątek historycznych. Wraz z ilustracjami przedstawiającymi małomiasteczkowe i wiejskie krajobrazy miejscowości o egzotycznie dziś brzmiących dla nas nazwach, z charakterystycznymi dla nich zabytkami architektury sakralnej i industrialnej często przybliżają bogaty i zróżnicowany kulturowo oraz wyznaniowo krajobraz dawnej Polski. W zestawie nie zabrakło szkiców budowli istniejących do dziś, choć znakomita większość nie przetrwała. Dzięki zachowanym archiwalnych fotografiom, dziełom plastycznym i literackim można jednak zrekonstruować nie tylko ich historię, ale także losy właścicieli oraz docenić dziedzictwo kulturowe Europy Środkowo-Wschodniej.
Impresjonizm to ruch artystyczny, który zrewolucjonizował sztukę drugiej połowy XIX wieku, wprowadzając nowy sposób postrzegania rzeczywistości. Dzieła jego mistrzów, takich jak Claude Monet, Edgar Degas, Pierre-Auguste Renoir i Camille Pissarro, charakteryzują się lekkimi, krótkimi pociągnięciami pędzla, tworzącymi dynamiczne, pełne życia i ruchu kompozycje. Zgromadzone w albumie reprodukcje oddają esencję tego, co stanowiło o wyjątkowości tego kierunku – ulotność chwili, gra światła i cienia, oraz subtelność kolorów. Główne tematy impresjonizmu obejmują pejzaże, sceny miejskie oraz portrety, a wszystkie te motywy łączy fascynacja zjawiskami atmosferycznymi i zmieniającym się światłem. Artystyczne eksperymenty malarzy koncentrowały się na uchwyceniu chwili, wrażeń i subiektywnych odczuć, co było radykalnym odejściem od dokładnych i szczegółowych przedstawień charakterystycznych dla wcześniejszych epok.
Sławomir Cendrowski jest doktorem nauk humanistycznych, specjalistą w zakresie historii sztuki i kultury, wykładowcą uniwersyteckim, redaktorem monografii i katalogów wystaw muzealnych. Zajmuje się także sztuką regionalną. Autor opublikował wiele artykułów z dziedziny malarstwa nowożytnego oraz mecenatu artystycznego. Jest też autorem albumów popularnonaukowych z dziedziny malarstwa.
Polski design to książka o historii tworzenia sztuki użytkowej od okresu formowania państwa polskiego do czasów współczesnych. Autorka w sposób analityczny przedstawia informacje na temat dziejów projektowania codziennych przedmiotów ułatwiających człowiekowi pracę i wypoczynek. Projekty powstały w efekcie działań designerów związanych z krajowym środowiskiem artystycznym lub zatrudnionych w instytucjach i zakładach tworzących rozpoznawalną w świecie polską markę. W przystępny sposób zostały opisane dziesiątki faktów i zjawisk, które zadecydowały o charakterze umeblowania w naszych domach i miejscach pracy, o wyglądzie i jakości rodzimych pojazdów, a nawet o popularności określonych rodzajów aparatów fotograficznych i kupowanych dzieciom jako prezent z okazji Pierwszej Komunii Świętej. Opowiedziane historie mogą zaciekawić zarówno studentów wzornictwa, jak i osoby zainteresowane kształtowaniem się trendów w polskim designie.
„Tom poświęcony komunikacji oralnej istotnie wzbogaca naszą wiedzę na temat dociekań nad historią komunikacji społecznej, prowadzonych nie tylko przez Autora, lecz także przez środowiska uczonych niemal na całym świecie. Włodzimierz Mich zapoznał nas z aktualnym stanem badań, z najciekawszą i najwartościowszą literaturą przedmiotu, często bardzo trudno dostępną. To, do czego udało mu się dotrzeć, potrafił właściwie wykorzystać, zinterpretować i poddać naukowej krytyce. Interdyscyplinarna perspektywa oglądu zjawisk komunikacyjnych w bardzo rozległych i zróżnicowanych kontekstach istotnie wzbogaca naszą wiedzę […]. Wysoko zatem oceniam pod względem merytorycznym imponujący efekt przedsięwzięcia Włodzimierza Micha, zwłaszcza że jego warsztat naukowy jest bogaty, innowacyjny i zgodny z przyjętymi standardami pracy naukowej. Zwraca też uwagę troska o język i jasność wywodu. Podejmując trudną i skomplikowaną tematykę, Autor nie epatuje naukowym żargonem, dzięki czemu książka jest zrozumiała dla średnio zaawansowanego czytelnika i stosunkowo szerokiego grona odbiorców”.
Z recenzji prof. dr. hab. Jerzego Jastrzębskiego
Refleksja badawcza podjęta przez Autorkę może przyczynić się do przełamania wielu stereotypów myślowych, o które nietrudno w sytuacji braku usystematyzowanej wiedzy []. Określanie kierunków rozwoju twórczości rysunkowej osób niewidomych, ujawnienie indeksów (wzorców) w kreowaniu świata oraz ustalenie symptomów zwiastujących rozwój twórczości rysunkowej u dzieci i młodzieży niewidomej uznaję za nowatorskie i oryginalne []. Rzadko pojawiają się tego typu opracowania. Rzetelne, wielowarstwowe, ujęte całościowo i interdyscyplinarne, uniwersalne i dodałabym oryginalne w przedmiocie badań, uzupełniające i wypełniające luki w dotychczasowym dyskursie na-ukowym, służące praktyce. Elementem wyjątkowo wartościowym w kontekście praktyki edukacyjnej są analizy interpretacyjne i opisowe wytworów plastycznych badanych osób []. Z recenzji wydawniczej dr hab. Marty Uberman, prof. UR
Pierwsza polska wszechstronna biografia Elvisa Presleya, w całości oparta na relacjach osób, które znały go osobiście.
„Elvis Presley. Niezwykłe życie” to książka pokazująca nie tylko niezwykłe życie i karierę jednego z najsłynniejszych piosenkarzy świata, ale także jego prywatne zainteresowania, przekonania, poszukiwania duchowe i pasje. Napisana przez dziennikarkę, która od prawie trzydziestu pięciu lat jest związana z radiem i telewizją, gdzie prowadziła audycje muzyczne i podróżnicze, m.in. „Świat według BlondynkI” w Radiu ZET.
Książka będąca pierwszą polską kompletną i pogłębioną, a jednocześnie lekko napisaną biografią Elvisa Presleya pt. "ELVIS PRESLEY. Niezwykłe życie".
Osoby, które znały Elvisa osobiście, opowiadają o nim fascynujące historie. Niektóre są zabawne, inne wzruszające albo niesamowite. Elvis miał bliskie spotkania z UFO, czytał mnóstwo książek, miał fotograficzną pamięć i niezwykły talent muzyczny. Chciał zostać mnichem, miał magnetyczny wpływ na kobiety, był zawsze w ruchu, ciągle czegoś szukał i wymyślał coś nowego. Uwielbiał się śmiać i miał ogromne poczucie humoru. Pod wpływem impulsu rozdawał w prezencie samochody i biżuterię, wierzył w moc uzdrawiania i sam uleczył z nowotworu wokalistkę gospel.
Był młody, piękny, zmysłowy, miał wspaniały głos i stał się pierwszym młodzieżowym bohaterem wszech czasów.
Album pt. "Andrzej Lichota. Malarstwo" przedstawia najważniejsze prace współczesnego artysty malarza, rysownika, reżysera i rzeźbiarza.Prezentuje przede wszystkim dzieła malarskie - artysta tworzy w nurcie abstrakcji ekspresyjnej, do którego inspiracją są autentyczne przeżycia artysty. Istotnym elementem jego twórczości jest także rzeźba, pejzaż, struktury i fragmenty, ale także spotkania i miejsca oraz szeroko pojęte odwołanie się do archetypu. Artysta zrealizował takie cykle malarskie jak: Australia, Iran i La Gomera, Corrida. Album opatrzony wstępem autorstwa Urszuli Kozakowskiej-Zauchy, całości dopełnia projekt dra Michała Piekarskiego.
„W otchłań” – autobiografia Geezera Butlera, legendarnego basisty Black Sabbath, to szansa poznania gigantów z Birmingham z zupełnie nowej strony. Historia widziana oczami, jak niesłusznie przyjęło się uważać, „najspokojniejszego” z członków tej formacji. Geezer Butler szczerze opisuje swoje dzieciństwo spędzone w siedmioosobowej rodzinie robotniczej bytującej w zniszczonym przez Luftwaffe powojennym Birmingham. Dowiemy się, dlaczego nie skończył jako księgowy oraz skąd wzięło się jego rozczarowanie zinstytucjonalizowaną religią oraz podziałami klasowymi. Basista przeprowadza czytelnika poprzez lata działalności Black Sabbath: od trudnych początków zespołu grającego ciężkiego bluesa, liczne zawirowania personalne prowadzące do zmian w składzie i samym brzmieniu, poprzez pozbawione luksusów trasy po brudnych i zatęchłych klubach Londynu, Niemiec czy Francji. Czytelnik ma również możliwość wgłębienia się w późniejsze lata istnienia Black Sabbath, napiętnowane starciami z okradającymi muzyków managerami, wyniszczającymi używkami i kryzysami twórczymi. Dzięki Butlerowi dowiadujemy się również, w jaki sposób jego pozbawiony złudzeń światopogląd wpłynął na kształt tekstów zespołu Black Sabbath.
„W otchłań” ukazuje losy jednego z najbardziej ekscytujących zespołów rockowych, nie oszczędzając po drodze nikogo i niczego.
Wyprawa przez zekranizowany kraj i filmy, które go kreują.Którędy przebiega granica rzeczywistości i fikcji? Czy w Ameryce można ją dostrzec, wyznaczyć? Kto tu kogo okłamuje? Czy to Hollywood wciska Ameryce kit? A może Ameryka jest zmyśleniem, które Hollywood ekranizuje? "Żeby żyć, opowiadamy sobie historie" - napisała Joan Didion. W Ameryce, bardziej niż gdzie indziej, historie opowiada się na ekranie. Żeby żyć, Ameryka karmi się swoim kinem. You are what you eat.Sprawczości amerykańskiego mitu Maciej Jarkowiec przyglądał się w dwóch poprzednich książkach:Powrócę jako piorun. Krótka historia Dzikiego Zachodu iRewolwer obok Biblii. W co wierzy Ameryka. WNa bulwarach czyhają potwory ponownie podąża tym tropem.Za pomocą reportażu, eseju, legendy, zapisków z podróży, wspomnień i anegdot snuje fascynującą, osobistą opowieść o sekretnym Hollywood: o wydarzeniach za kulisami największego przemysłu filmowego świata, które ukształtowały naszą zbiorową wyobraźnię. Hollywood okazuje się kluczem do zrozumienia USA i jego miejsca we współczesnym świecie - jako Imperium, kolosa na glinianych nogach i kraju, w którym prezydentami zostają aktorzy grający w podrzędnych westernach i biznesmeni o szemranej reputacji.
Nasuwa się pytanie: czy można poprzez dźwięki wyrazić teologiczną treść? Moim celem jest rozstrzygnięcie tej kwestii na przykładzie wyżej wymienionego utworu. Dzięki podwójnemu wykształceniu mogę ukazać to dzieło w jego właściwej optyce łączącej elementy teologii i muzyki, czyli przedstawić Bacha nie tylko jako kompozytora, ale także jako teologa.
Zasadniczy problem poruszany w niniejszej pracy można ująć następująco: jaka relacja istnieje pomiędzy słowem a muzyką w Pasji według św. Jana J.S. Bacha? Mówiąc jeszcze bardziej ściśle: jaką funkcję spełniają dźwięki w teologicznej warstwie tego utworu? Pytanie to ma charakter interdyscyplinarny, ponieważ dotyczy znajomości dwóch dziedzin naukowych.
Fragment książki, s. 8
Marek Skrukwa – adiunkt badawczo-dydaktyczny na Uniwersytecie Ignatianum w Krakowie, teolog, muzyk instrumentalista, badacz historii duchowości katolickiej i protestanckiej oraz semantyki języka muzycznego i pokrewieństwa sztuk, autor artykułów z pogranicza teologii i muzyki. Otrzymał tytuł doktora nauk teologicznych w Papieskiej Akademii Teologicznej w Krakowie (obecnie Uniwersytet Papieski Jana Pawła II). Wykładał w Karmelitańskim Instytucie Duchowości „Teresianum” w Krakowie, a obecnie w Karmelitańskim Instytucie Duchowości „Carmelitanum” w Warszawie. Ukończył także dwa kierunki studiów na Wydziale Instrumentalnym Akademii Muzycznej w Krakowie: kontrabas i violę da gamba. Prowadził zajęcia dydaktyczne w Międzyuczelnianym Instytucie Muzyki Kościelnej (Akademia Muzyczna/Uniwersytet Papieski Jana Pawła II) w Krakowie.
Jako muzyk instrumentalista bierze czynny udział w życiu koncertowym. Współpracuje z solistami i zespołami muzyki dawnej, m.in. Camerata Cracovia, The Flowery Plain Baroque Ensemble. Występował podczas Wieczorów Wawelskich, Muzycznych Wieczorów na Salwatorze oraz na festiwalach: Muzyka w Starym Krakowie, Festiwal Muzyki Dawnej w Starym Sączu, Międzynarodowy Festiwal Muzyki Dawnej im. Mikołaja z Radomia, Międzynarodowy Festiwal Muzyki Organowej i Kameralnej w Leżajsku, Międzynarodowa Dekada Muzyki Organowej, Chóralnej i Kameralnej w Cieszynie, VII Międzynarodowy Festiwal Muzyki Organowej i Kameralnej w Giewartowie, Karmelitańskie Spotkania z Muzyką Organową i Kameralną w Krakowie.
Koncert jako przestrzeń prezentacji dzieł muzycznych i sztuki wykonawczej na wzór wystaw muzealnych pozostaje jednym z najważniejszych kanałów rozpowszechniania, odbioru i kanonizacji nowej muzyki. Liczne w ostatnich latach eksperymenty z formą koncertu pokazują jednak, że ten wywodzący się z XIX wieku model muzycznej kreacji i recepcji nie satysfakcjonuje wielu artystów i odbiorców. Analizując wybrane projekty kuratorskie, autorka pracy bada, jak współcześni twórcy – muzycy, kompozytorzy, kuratorzy – zmieniają nie tylko formę koncertu, ale przede wszystkim jego funkcję: z miejsca prezentacji (arcy)dzieł i (re)produkcji kanonu w miejsce tworzenia krytycznej wiedzy i nowego doświadczenia.
Książka, łącząca elementy rozważań filozoficznych z opisem ważnego zjawiska popkultury, próbuje rozstrzygnąć paradoksy horroru w filmie, literaturze oraz najogólniej w życiu człowieka.
„Zwykle unikamy tego, co wywołuje stres – zauważa autor. – Nie sterczymy dla rozrywki w korkach samochodowych, nie uczestniczymy – jeśli nie musimy – w sekcjach zwłok. Dlaczego więc tak chętnie poddajemy się fikcjom, które nas przerażają?” Gwałtowne emocje, jakie wyzwala horror, są paradoksalnie nieuzasadnione: boimy się zwykle czegoś, co nie istnieje. Co więcej – mamy świadomość, że uczestniczymy w grze fikcji.
Horror – zdaniem Carrolla – jako gatunek literacki i filmowy, a także rodzaj estetyki, jest w gruncie rzeczy tworem schematycznym, a skuteczność pewnych jego konwencji i sposobów oddziaływania na ludzkie emocje – wykalkulowana i sprawdzona w praktyce. Dlatego niesamowite bądź krwawe opowieści, choć wywołują strach i poczucie dyskomfortu, przez wieki nie tracą na popularności.
Wystawa w Muzeum Sztuki Współczesnej w Krakowie MOCAK 12.04.2024 - 16.03.2025
Jedzenie w sztuce to 11. wystawa z flagowej serii MOCAK-u, w której konfrontowane są ważne obszary życia z refleksjami artystów. Wcześniej przyglądano się tematom takim jak: historia, sport, ekonomia, zbrodnia, gender, medycyna, ojczyzna, sztuka, natura, polityka, analizując zawarte w nich prawdy i związane z nimi manipulacje. Jedzenie w tym kontekście jest wyjątkowe, bo stoi u podstaw życia, przez co ma wpływ na wiele jego aspektów.
Jedzenie to zaspokajanie potrzeby fizjologicznej, znajdującej się u podstaw piramidy Maslowa, a równolegle – szeregu innych, wyższych potrzeb, psychicznych i społecznych, takich jak poczucie przynależności czy bezpieczeństwa. Pokarm jako nieodzowny warunek przetrwania ukształtował naszą cywilizację. Był zapłatą za pracę, a jego zdobywanie – motorem postępu. Jego poszukiwanie inicjowało wędrówki ludności i tym samym odkrywanie świata. Jego brak bywał zarzewiem konfliktów, przyczyniał się do zamieszek i rozlewu krwi. Jedzenie do dziś towarzyszy rytuałom i obrzędom, jest fundamentem każdej wspólnoty, kultury i religii.
Na wystawie zaprezentowane są prace 66 artystów z wielu krajów, w różnych mediach, takich jak malarstwo, fotografia, wideo, obiekt i instalacja. Jedzenie to czynność społeczna, podstawa tożsamości, a nawet narzędzie oporu. Współczesnych artystów niepokoi tak niedosyt, jak nadmiar żywności. W pierwszym przypadku głód, nierówność, kryzys humanitarny, degradacja społeczeństwa, upokorzenie, w drugim – konsumpcjonizm, marnotrawstwo, zdrowotne skutki źle zbilansowanej diety. Analizie został poddany zarówno eksponowany w sztuce od wieków estetyczny potencjał jedzenia, jak i jego aspekty etyczne i światopoglądowe.
Książka z tekstem równoległym polsko-angielskim.
Malarstwo barokowe na Śląsku to fenomen, który nie przestaje intrygować. Nasza nowa książka „Johann Jacob Eybelwieser młodszy. Wrocławski malarz doby baroku”, prezentuje światu sylwetkę Johanna Jacoba Eybelwiesera młodszego, uznawanego za jednego z czołowych i najpłodniejszych malarzy działających w osiemnastowiecznym Wrocławiu. Życie Eybelwiesera i organizacja jego warsztatu przypominają casus wielkiego mistrza wcześniejszego pokolenia — Michaela Willmanna, zwanego śląskim Rembrandtem.
Bycie artystą schyłku baroku wymagało nie tylko talentu artystycznego, ale też instynktu wytrawnego dyplomaty. Strategia rozwoju kariery artysty, świadomie budującego swoją pozycję we wrocławskim społeczeństwie, musiała uwzględniać lawirowanie między zleceniami od protestanckich mieszczan i wpływowych zakonów katolickich. Dzięki wielostronnej analizie warsztatu malarskiego i uwzględnieniu kontekstu komercyjnego możemy lepiej zrozumieć ekonomiczne aspekty produkcji artystycznej, w tym rzadko poruszane kwestie marketingu i marki osobistej.
Na kartach książki znajduje się ponad 260 ilustracji oraz klarownie usystematyzowany katalog 230 dzieł malarza powstałych od rozpoczęcia
samodzielnej kariery artystycznej w 1699 roku do śmierci w roku 1744. To także wnikliwe spojrzenie na twórczość mistrza — uwzględniające aspekty technologiczne i ikonograficzne, historię oraz okoliczności powstania dzieł, dzięki którym można wskazać ich miejsce w całym dorobku artysty.
Mistrzynie to stworzony przez Dagmarę Budzbon-Szymańską zbiór esejów na temat życia i twórczości wybranych polskich artystek, pozwalający szerokiemu gronu wielbicieli sztuki poznać je i zrozumieć. To książka, do której może zajrzeć każdy - bez względu na to, jaką wiedzę z zakresu historii sztuki posiada - i w której każdy znajdzie dla siebie coś ciekawego. Autorka opowiada, kim były i są te fascynujące i odważne kobiety, które musiały stawiać czoła przeciwnościom losu, iść pod prąd panujących zasad, przebijać głową mur. Czym się kierowały, czego pragnęły i czego się obawiały?Poprzez ich dokonania i doświadczenia śledzimy historię sztuki polskiej i światowej od wieku XIX aż do lat najnowszych i przyglądamy się różnym aspektom twórczości artystek, a także ich podejściu do kwestii emancypacyjnych/feministycznych, macierzyństwa, walki z wszechpanującą maskulinizacją i patriarchatem świata artystycznego oraz łączenia sztuki z życiem rodzinnym.Mistrzynie to niezwykłą opowieść o roli kobiet na polskiej scenie artystycznej w ciągu ostatnich 200 lat, ukazująca sylwetki między innymi takich twórczyń jak Boznańska, Kobro, Jarema, Szapocznikow, Pągowska, Abakanowicz, Kozyra czy Bogacka.
Jest to przewodnik po czytaniu sztuk teatralnych i scenariuszy dla studentów i praktyków zarówno teatru, jak i literatury, raczej uzupełnia, niż zaprzecza lub powtarza, tradycyjne metody analizy literackiej egzemplarzy.
Tekst jest pełen narzędzi dla studentów i praktyków, z których mogą korzystać, badając fabułę, postać, temat, ekspozycję, wyobrażoną motywację /przeszkodę/ konflikt, teatralność i inne kluczowe elementy nadbudowy sztuki. Zawiera on instrukcje pozwalające odkryć, co dramaturg uważa za najistotniejsze elementy danej sztuki, umożliwiając tym samym interpretację opartą raczej na fundamentach sztuki niż na jej szczegółach.
Używając Hamleta jako przykładu, Ball zapewnia znaną bazę do zilustrowania technik czytania egzemplarza, jak również przykłady rodzajów błędnych interpretacji, których czytający mogą być ofiarami, ignorując rzemiosło dramaturga. Niezwykle przydatna dla tych, którzy chcą wystawić sztukę na scenie (aktorów, reżyserów, scenografów, specjalistów ds. produkcji). W przód i Wspak jest również doskonałym instruktażem pisania sztuk i scenariuszy, ponieważ struktury, które opisuje, są podstawowymi narzędziami dramatopisarza.
Kiedyś dwaj scenarzyści weszli do biura hollywoodzkiego producenta i wypowiedzieli trzy słowa: „Szczęki w kosmosie”. Te trzy słowa zapewniły im kontrakt na filmowy hit „Obcy – ósmy pasażer Nostromo”. Chwila ta zapisała się w mitologii Hollywood jako prezentacja idealna.
Umiejętność zaprezentowania projektu jest niezbędna w branży filmowej i telewizyjnej, przydaje się scenarzystom, reżyserom i producentom. Autor sam pracuje jako scenarzysta i reżyser, m.in. dla BBC i Channel 4, na koncie ma nagradzane w wielu krajach dokumenty i seriale telewizyjne. Czerpiąc z własnych doświadczeń filmowca i wykładowcy prowadzi czytelnika krok po kroku od koniecznych elementów dobrej prezentacji po zaawansowane umiejętności, pomocne w każdej sytuacji związanej z pitchingiem.
Charles Harris w przejrzysty sposób przedstawia wiele praktycznych metod przygotowania porywającej i przekonującej prezentacji. Na przykładach analizuje problemy, które mogą się pojawić w przypadku rozmaitych projektów i pokazuje jak sobie z nimi poradzić. Rozkłada także na czynniki pierwsze sam proces pitchingu oraz specyfikę spotkań branżowych i wyjaśnia jak zagwarantować, że zakończą się sukcesem.
Książka stanowi praktyczny podręcznik dla każdego filmowca, który chciałby nauczyć się zasad skutecznego pitchingu. Od czego zacząć? Jak stworzyć dobrą prezentację? Jak przedstawić siebie jako twórcę? Jakich błędów unikać? Jak nawiązać kontakt i zachowywać się na spotkaniu z producentem? A co zrobić potem w zależności od reakcji? Wszystko w przystępnej formie, z dużą ilością przykładów i ćwiczeń.
Ten produkt jest zapowiedzią. Realizacja Twojego zamówienia ulegnie przez to wydłużeniu do czasu premiery tej pozycji. Czy chcesz dodać ten produkt do koszyka?
