W tej strefie zapraszamy czytelników tak zwane artystyczne dusze po książki z kategorii Sztuka. Polecamy szereg publikacji o sztuce i jej historii,ciekawostki i portfolia artystów, eseje, albumy, książki o malarstwie, rzeźbiarstwie, architekturze oraz histoii fotografii. Biografie ciekawych artystów, książki i powieści przedstawiające fascynujące losy malarzy i osób uwiecznianych na obrazach. W tym dziale tylko ksiązki ze sztuka w tle.
Kim była Marianna Orańska królewna, skandalistka, filantropka, niezależna kobieta w czasach, gdy nie było to łatwe? W tej opowieści podążamy jej śladami od pałaców Berlina i Hagi, przez rzymskie ogrody i sudeckie lasy, aż po dzikie stoki Śnieżnika. Jej życie pełne dramatów, pasji, buntu i miłości to historia kobiety, która nie chciała być tylko tłem dla wielkiej polityki. Władczyni pałaców i szlaków, matka, przedsiębiorczyni i mecenaska. Oto Marianna: kobieta, która nie dała się zamknąć w żadnym ze schematów.
Krótka historia sztuki to nowe, całkowicie innowacyjne wprowadzenie do tematu sztuk pięknych. Skonstruowana w prosty sposób książka omawia ponad 100 najważniejszych dzieł sztuki od rysunków naskalnych w Lascaux po współczesne instalacje i łączy je z najważniejszymi kierunkami, tematami i technikami w malarstwie i rzeźbie. Zwarta w treści i bogato ilustrowana, książka wyjaśnia jak, dlaczego i kiedy następowały zmiany w sztuce, kto te zmiany wprowadzał, na czym polegały, gdzie wszystko to się działo i jakie niosło konsekwencje. Autorka, unikając artystycznego żargonu, w sposób przystępny i zrozumiały opisuje dzieje sztuk plastycznych na przestrzeni wieków. Susie Hodge jest historykiem sztuki, historykiem i artystką. Jest autorką wielu książek, a wśród nich: 50 Art Ideas, How to Survive Modern Art, Why Your Five Year Old Could Not Have Done That: Modern Art Explained oraz 50 Art Nouveau Works of Art You Should Know.
Reprodukowane w tysiącach egzemplarzy dzieła Jana Matejki od ponad 100 lat kształtują naszą wyobraźnię historyczną. To artysta, którego nazwisko zna każdy Polak. Tę wyjątkową pozycję Matejko osiągnął już za życia, w wieku zaledwie 26 lat, kiedy jeden z krytyków po obejrzeniu Kazania Skargi okrzyknął go malarzem polskiej historii. Od tego czasu życie artysty upływało pod znakiem pracy nad kolejnymi wielkoformatowymi obrazami mającymi apelować do sumień rodaków lub wzniecać w nich narodową dumę. Ale historyczny nurt twórczości nie wyczerpuje opowieści o dorobku Matejki. Stworzył on również wiele mniejszych prac, opierając się na anegdotach zaczerpniętych z kronik. Był znakomitym portrecistą, twórcą nowatorskich polichromii do wnętrza kościoła Mariackiego, a także pedagogiem, nauczycielem najwybitniejszych malarzy kolejnego pokolenia.
This revised edition of design-world darling Jessica Hische's career-spanning art book offers a fascinating inside look at her work in progress, featuring highlights from her most exciting recent projects and new tips for lettering with digital tools.
In Progress is an inspiring and informative book that showcases the creative prowess and technical expertise behind artist, author, and type designer Jessica Hische's distinctive lettering and typography styles. In explanatory captions throughout these pages, Hische guides readers through the phases of each hand-lettered project—for major clients such as Wes Anderson, NPR, Nike, and more—from gathering inspiration and sketching out rough ideas to revising and refining final designs.
With this new edition, readers have the chance to:
Revisit the beloved artist’s sketchbook.
Follow the evolution of her process over the arc of her career.
Learn more about how Hische has integrated digital tools into her practice.
Discover more ways to be creative and improve one’s own work.
The first major publication of Salgado’s Kuwaiti oil wells series
“We must remember that in the brutality of battle another such apocalypse is always just around the corner.” —Sebastião Salgado
In January and February 1991, as the United States-led coalition drove Iraqi forces out of Kuwait, Saddam Hussein’s troops retaliated with an inferno. At some 700 oil wells and an unspecified number of oil-filled low-lying areas they ignited vast, raging fires, creating one of the worst environmental disasters in living memory.
As the desperate efforts to contain and extinguish the conflagration progressed, Sebastião Salgado traveled to Kuwait to witness the crisis firsthand. The conditions were excruciating. The heat was so vicious that Salgado’s smallest lens warped. A journalist and another photographer were killed when a slick ignited as they crossed it. Sticking close to the firefighters, and with characteristic sensitivity to both human and environmental impact, Salgado captured the terrifying scale of this “huge theater the size of the planet”: the ravaged landscape; the sweltering temperatures; the air choking on charred sand and soot; the blistered remains of camels; the sand still littered with cluster bombs; and the flames and smoke soaring to the skies, blocking out the sunlight, dwarfing the oil-coated firefighters.
Salgado’s epic pictures first appeared in the New York Times Magazine in June 1991 and were subsequently awarded the Oskar Barnack Award, recognizing outstanding images on the relationship between man and the environment. Kuwait: A Desert on Fire is the first monograph of this astonishing series. Like Genesis, Exodus, and The Children, it is as much a major document of modern history as an extraordinary body of photographic work.
Discover every corner of Venice in this remarkable collection of spectacular colour photography that showcases Venice’s magical beauty and hidden gems, from the Piazzo San Marco to the island of Giudecca, the banks of the Grand Canal to the Arsenal district.
Venice is the ultimate showcase of the city’s bustling streets and canals. Every fascinating detail of the sprawling streets is revealed, from the splendor of its palaces, the beauty of its piazzettas, the romanticism of its bridges and canals, the delights of its gastronomy, the charm of its sestieri—the districts that make up the city of the Doges— and the wealth of its museums and its arts and crafts.
Presented in a pocket-sized landscape format and with captions explaining the story behind each photo, Venice is a stunning collection of images bringing to life the wonder of this historic European city.
Jest to książka o życiu Bronisławy Wilimowskiej (1906–2004), WIELKIEJ ARTYSTKI MALARKI współczesnego malarstwa XX wieku, którego była istotną i ważną częścią. Jest zbeletryzowaną opowieścią o Jej gruzińsko-polskim pochodzeniu, dzieciństwie i latach młodzieńczych spędzonych w Petersburgu i Paryżu, a następnie w Polsce, którą uważała za swoją JEDYNĄ Ojczyznę. Koniec swego życia spędziła w Rzymie pod opieką siostry i szwagra.
Książka jest też opowieścią o bliższej i dalszej rodzinie Artystki, Jej podróżach i działalności społecznej, a przede wszystkim o wystawach w kraju i zagranicą, jak i udziale w Powstaniu Warszawskim oraz odbudowie Polski po okupacji niemieckiej i drugiej wojnie światowej aż do obecnych przemian.
Prezentuje jednocześnie dokonania artystyczne poprzez liczne przede wszystkim pejzaże, kwiaty, tematykę powstańczą i wojenną oraz portrety i obrazy dokumentujące powojenną odbudowę Warszawy i Polski, utrwaloną na setkach płócien, barwnych akwarelach i czarno-białych rysunkach.
Karol Czejarek
Czy plakat jest dziełem sztuki, a jego autor artystą? Jeśli tak, to co lub kto o tym decyduje? Chodzi o formę plakatu, jego estetykę, a może wykształcenie autora lub zdanie krytyków bądź marszandów? Czy plakat na wystawie to już dzieło sztuki czystej, czy tylko wizytująca muzeum sztuka ulicy? W jaki sposób polski plakat - będący swobodną, ekspresyjną formą graficzną, powiązaną z zachodnią sztuką nowoczesną i przekraczającą granice pomiędzy grafiką a malarstwem - zdobył tak znaczącą pozycję artystyczną w komunistycznej Polsce, gdzie sztuka podlegała cenzurze i propagandowym wytycznym partii? Katarzyna Matul zabiera nas w złożony i fascynujący świat wzajemnych powiązań i relacji pomiędzy sztuką a polityką, które rzucają nowe światło na fenomen artystyczny nazywany powszechnie "polską szkołą plakatu". Legitymizacja artystyczna plakatu w PRL to jej doktorat, obroniony w 2018 roku na Uniwersytecie w Lozannie. Jest pokłosiem badań Autorki w nieanalizowanych wcześniej archiwach publicznych i prywatnych oraz pierwszą w historiografii naukową analizą polskiego plakatu z punktu widzenia kilku uzupełniających się perspektyw: krytyki artystycznej, wystawiennictwa oraz szkolnictwa artystycznego w kontekście nowej konfiguracji przestrzeni politycznej PRL z jej ideologią, polityką kulturalną, gospodarką pozbawioną wolnego rynku, specyficzną sytuacją artstyczną oraz międzynarodowymi napięciami zimnowojennymi. * Praca Katarzyny Matul pozwala na stworzenie modelu badań nad plakatem nie tylko w Polsce, ale i poza jej granicami. prof. Philippe Kaenel, Uniwersytet w Lozannie Katarzyna Matul - historyczka sztuki, absolwentka Uniwersytetu Warszawskiego, była kuratorka Międzynarodowego Biennale Plakatu w Warszawie, stypendystka Swiss National Foundation, w 2018 roku na Uniwersytecie w Lozannie obroniła doktorat Legitymizacja artystyczna plakatu w PRL: praktyki, dyskursy i instytucje (1944-1968). Zajmuje się badaniem sztuki i projektowania graficznego po 1945 roku w perspektywie historii sztuki, historii społecznej i kulturowej oraz socjologii sztuki. Autorka książek: Jak to było możliwe? O powstawaniu Międzynarodowego Biennale Plakatu w Warszawie (Universitas, 2015), De la rsistance l'autonomie, L'affiche polonaise face au ralisme socialiste 1944-1954 o polskim plakacie socrealizmu (Szwajcarskie Wydawnictwa Akademickie Alphil, 2023) oraz Lgitimation artistique de l'affiche en Rpublique populaire de Pologne 1944-1968 (Presses universitaires de Rennes, 2025). Z "polską szkołą plakatu" kojarzonych jest wielu artystów, między innymi Tadeusz Trepkowski, Henryk Tomaszewski, Józef Mroszczak, Jan Lenica, Wojciech Fangor, Wojciech Zamecznik i Roman Cieślewicz. Status plakatu jako dzieła sztuki wydają się zgodnie potwierdzać zarówno eksperci, jak i laicy. Wystarczy przejrzeć liczne publikacje, albumy, artykuły prasowe i teksty w katalogach, w których często powracają słowa takie jak "sztuka" czy "dzieło sztuki". O nobilitacji tego środka ekspresji świadczą też niezliczone wystawy polskiego plakatu w kraju i za granicą. Ich zwieńczeniem były: organizacja Międzynarodowego Biennale Plakatu w Warszawie w 1966 roku oraz utworzenie dwa lata później Muzeum Plakatu w Wilanowie. Fragment książki
Polskie drewniane synagogi oraz amerykańska sztuka współczesna – wydawałoby się, że trudno o dwa bardziej odległe światy. Jednak to właśnie architektura nieistniejących już bóżnic z terenów dawnej Rzeczpospolitej zainspirowała abstrakcjonistę Franka Stellę do stworzenia słynnej serii reliefów „Polskie miasteczka”.
Publikacja "Frank Stella i synagogi dawnej Polski" pokazuje, jak do tego doszło. We wznowionej publikacji towarzyszącej wystawie z 2016 roku znajdują się m.in.: wywiad z architektką i badaczką drewnianych synagog Marią Piechotkową, artykuły ekspertów, w tym słynnego historyka sztuki współczesnej prof. Andrzeja Turowskiego oraz kuratora wystawy dr Artura Tanikowskiego. Znajdziemy tu również reprodukcje prac Franka Stelli, a także zdjęcia i rysunki przedwojennych drewnianych synagog.
Architektura nowoczesna to fascynująca sztuka, która przyczynia się do kreowania otaczającej nas rzeczywistości. Dzięki genialnym pomysłom współczesnych projektantów powstają budynki nie tylko funkcjonalne, ale także i piękne. Zakrzywione wieże, powyginane dachy i pofałdowane elewacje sprawiają wrażenie, jakby niektóre obiekty przeczyły prawom grawitacji. Budowle te stanowią niezbity dowód na to, że wyobraźnia człowieka jest niczym nieograniczona. Ta książka to świetny przewodnik po niezwykłych obiektach z całego świata. Znajdziecie tu najwspanialsze drapacze chmur, największe mosty, ekskluzywne hotele, muzea, teatry, opery, sale koncertowe, a także wielkie stadiony. Dzięki tej publikacji poznacie historię tych wspaniałych budowli, a także nacieszycie oczy pięknymi fotografiami.
The rollicking autobiography of the iconic guitarist who took thrash metal behemoths Megadeth from the edge of collapse to their highest peak before departing to Japan for the joy of J-Pop.
“The story of how he got where he is is fascinating. The Megadeth years have been well documented, but there’s so much more to Marty Friedman’s story and it’s well worth reading about in Dreaming Japanese.” —Decibel Magazine
Marty Friedman’s upbringing was as atypical as his career. Growing up in a Jewish household in Maryland, the son of an NSA executive, he lacked motivation until he accidentally discovered the guitar and immediately found his calling. Enjoying a hazy adolescence overflowing with partying, music, and teen antics, he achieved local stardom in Deuce, then burst onto the national scene by pioneering a radically new style of playing, bringing attention to the guitar aficionado label, Shrapnel Records. Acclaim didn’t breed success or money, but undeterred, Friedman moved to California, and after attempts to join Madonna, KISS, and Ozzy Osbourne, finally scored a gig in Megadeth at a time when the band members were just recovering from the verge of self-destruction, and Marty was in and out of homelessness.
Friedman is the most revered guitarist to play in any Megadeth lineup. During his ten years, his exotic, innovating style helped define the sound of their biggest albums, and while it elevated him to guitar hero status with all the accompanying perks, it came at a significant cost. As the only clean and sober member, Friedman vividly recalls the triumphs and trials of each album cycle and more, bringing to light previously undisclosed personal feelings surrounding the circumstances that forced the band into hiding in the midst of the Countdown to Extinction Tour and the brutal effort it took to get the band back up and running. His profound and complicated relationship with frontman Dave Mustaine was symbolic of the band’s insane dynamic, and Marty poignantly and generously shares his experiences within the band’s inner sanctum during the highs, lows, and daily routines.
But Dreaming Japanese is far more than a memoir about Friedman’s multi-Platinum years in Megadeth. The riveting narrative captures his relentless perseverance as he struggles to start again from nothing. Spontaneously leaving his home in the US and feeling lost in the middle of Tokyo, with few connections or concrete plans, the story traces his journey to acclimate and assimilate into the inner core of an alien society, language and culture, almost like a double agent spy. In fascinating detail and clarity, Marty shares how he gradually made inroads into the Japanese entertainment industry, becoming a household name and fixture on mainstream television and earning respect as a highly influential solo artist. Dreaming Japanese follows the wildly entertaining, inspiring, and above all, unprecedented path of a rock and roll guitar player who took the biggest risk, leaving worldwide success to start over from scratch in a country, culture and society far from his own, ultimately becoming an official ambassador of Japan.
Czego potrzeba artystce - poza talentem oczywiście? Virginia Woolf w słynnym eseju Własny pokój odpowiadała bez wahania: przestrzeni do pracy, stabilności finansowej i wolności dysponowania swoim czasem. O ile jednak pisarce zwykle wystarczały biurko, papier i atrament, o tyle malarka czy rzeźbiarka potrzebowała miejsca, światła, narzędzi. Własnej pracowni.Na przełomie XIX i XX wieku nie dało się być poważną artystką bez odpowiedniego atelier. To tam powstawały dzieła, to tam zaglądali klienci, kolekcjonerzy czy dziennikarze. A gdy brakowało pieniędzy na opłacanie dwóch czynszów, miejsce pracy zamieniało się również w mieszkanie. Karolina Dzimira-Zarzycka opowiada o pracowniach trzynastu polskich artystek - między innymi Anny Bilińskiej, Olgi Boznańskiej czy Marii Dulębianki - a obok ich historii szkicuje szerszy portret epoki i opowiada o różnych aspektach pracy twórczej. Dzieli się także anegdotami i mało znanymi historiami - od zwierzyńca w pracowni Rosy Bonheur pod Paryżem, przez urocze atelier rzeźbiarskie Harriet Hosmer w Rzymie, aż po pełne przepychu siedziby Vilmy Lwoff-Parlaghy w Berlinie i Nowym Jorku.To opowieść o trudnościach, z jakimi w patriarchalnym świecie borykały się kobiety, które chciały tworzyć, ale także o emancypacji i sile artystycznej niezależności.Lubię patrzeć na fotografie artystek w ich pracowniach. Te zdjęcia wiele mówią o możliwościach i warunkach pracy twórczej, o sytuacji ekonomicznej, o gorsecie obyczajowym, o estetyce i upodobaniach. Karolina Dzimira-Zarzycka jest wspaniałą przewodniczką po pracowniach przełomu XIX i XX wieku. Poznajemy warsztat pracy malarek, rzeźbiarek, kopistek. Ich potrzeby i marzenia skonfrontowane z realiami epoki. Portret artystki w pracowni to zawsze opowieść o emancypacji.Małgorzata CzyńskaAleż to trudne: oderwać się od tej książki. Wyjść z pracowni artystek, kiedy przed chwilą siedziało się wśród sztalug, blejtramów i pędzli. Czuło zapach terpentyny. Bo tak Karolina Dzimira-Zarzycka pisze. Ze szczegółów tka losy swoich bohaterek. Jest skrupulatna, cierpliwa. Pełna pasji. Trzeba jej podziękować: w końcu możemy zajrzeć tam, gdzie każde dzieło się zaczyna.Angelika KuźniakKtóż by nie chciał odwiedzić artystycznego atelier z przełomu XIX i XX wieku i doświadczyć romantycznego spotkania z miejscem pełnym sztuki? Właśnie w taką wyjątkową podróż zabiera nas Karolina Dzimira-Zarzycka, dobitnie pokazując, że dla artystek zdobycie wymarzonej przestrzeni stanowiło duże wyzwanie, a warunki ich ciężkiej pracy były na ogół dalekie od ideału. To barwna, bogata w źródła i anegdoty opowieść o konkretnych pracowniach, ale przede wszystkim o świetnych twórczyniach - zdeterminowanych i odważnych, które za realizację marzeń płaciły często wysoką, niesprawiedliwą cenę.Justyna Stasiek-Harabin
Publikacja stanowi pełne opracowanie kolekcji graficznej Jana Ponętowskiego. Jej dogłębna analiza zarówno jako całości, jak i poszczególnych części daje wgląd w ogólniejsze, a wciąż niedostatecznie zbadane procesy tworzenia, porządkowania i rozumienia kolekcji grafiki w Europie schyłku XVI wieku.Autorka przybliża biografię Jana Ponętowskiego, która nie doczekała się dotąd kompleksowego opracowania, oraz analizuje jego kolekcję, będącą cennym źródłem do poznania ówczesnych praktyk kolekcjonerskich. Dwuczęściowy katalog wprowadza zaś do obiegu naukowego informacje o wielu rzadkich lub dotąd nieznanych kompozycjach oraz stanach dzieł graficznych słynnych rytowników i wydawców, takich jak Philips Galle, Hendrick Goltzius, Antonio Lafreri, Gerard de Jode, Hieronymus Cock i Volcxken Diericx czy przedstawiciele rodzin Sadelerów, Collaertów i Wierixów.Publikacja w 3 woluminach.******Jan Ponętowskis Collection of Prints in the Jagiellonian Library in CracowThe publication is a full study of Jan Ponętowskis graphic collection. Its in-depth analysis both as a whole and its particular parts provides insight into more general, and still under-researched, processes of creating, organizing and understanding the collection of graphics in Europe at the end of the 16th century.The author presents the biography of Jan Ponętowski, which has not yet been comprehensively developed, and analyses his collection - a valuable source to learn about the collectible practices of that time. The two-part catalogue introduces into the scientific circulation information about many rare or so far unknown compositions and the state of graphic works of famous engravers and editors such as Philips Galle, Hendrick Goltzius, Antonio Lafreri, Gerard de Jode, Hieronymus Cock and Volcxken Diericx, or the representatives of the Sadeler, Collaert and Wierix families.
This beautifully illustrated volume offers an in-depth exploration of French painting from the mid-19th century to the early 20th century. Featuring several hundred of works, the book delves into the most significant movements and groups in French art during this period, including naturalism, realism, impressionism, postimpressionism, symbolism, and the Nabis. It showcases masterpieces by renowned artists such as Corot, Monet, Degas, Gauguin, Toulouse-Lautrec, Cézanne, Bonnard, and many others. Through detailed analyses and abundant visual examples, this work provides a comprehensive look at how these movements reflected and influenced French society and culture during a time of profound transformation.
This detailed volume chronicles the development of Spanish painting from the late Baroque period through the 19th and early 20th centuries. Featuring rich illustrations and in-depth analysis, it explores the diverse artistic movements that shaped Spain’s visual culture, including Romanticism, Realism, and Modernism. The book highlights the works of influential painters and the evolving themes that reflected Spain’s social, political, and cultural changes during this period. An essential resource for art lovers, historians, and students, this book offers a comprehensive view of Spanish art’s transformation across two and a half centuries.
This beautifully illustrated book offers an inspiring journey through the Metropolitan Museum of Art’s vast and diverse collection. Spanning thousands of years and cultures from around the world, it showcases masterpieces of painting, sculpture, decorative arts, and ancient artifacts. The volume provides insightful commentary on key works and highlights the museum’s role as a guardian of artistic heritage and a beacon for art lovers everywhere. Perfect for both casual readers and serious art enthusiasts, this book celebrates the rich history and cultural significance of one of the world’s greatest museums.
This richly illustrated volume explores the development of Art Nouveau in three dynamic cities—Glasgow, Amsterdam, and New York—during the late 19th and early 20th centuries. It highlights how this international artistic movement, characterized by organic lines, floral motifs, and innovative use of materials like iron, glass, and concrete, took on unique forms in each city. The book examines the distinctive architectural and decorative styles that emerged, reflecting local culture and creativity. Through detailed analysis and abundant visual examples, this work offers a comprehensive look at how Art Nouveau bridged tradition and modernity in these influential urban centers.
Discover the world of Pierre-Auguste Renoir, one of the most beloved Impressionist painters of all time. This beautifully illustrated book takes you on a journey through Renoir’s vibrant and emotive works, capturing the essence of light, color, and everyday life in 19th-century France. From lively portraits to serene landscapes, explore how Renoir’s unique style evolved and influenced the art world. Perfect for art lovers and anyone fascinated by Impressionism, this volume offers deep insights and stunning visuals celebrating Renoir’s enduring legacy.
Peter Paul Rubens (1577–1640) was a Flemish painter renowned for his exuberant Baroque style that emphasized movement, color, and sensuality. His prolific output includes altarpieces, portraits, landscapes, and historical paintings, many of which are celebrated for their dynamic compositions and vibrant energy.
This volume offers a curated selection of Rubens's most significant works, providing insights into his artistic evolution and the cultural context of his time. Through detailed analyses and high-quality reproductions, readers are invited to explore the depth and innovation of Rubens's vision.
An essential resource for art enthusiasts and scholars alike, this publication celebrates the legacy of an artist whose contributions continue to influence and inspire the world of art.
Rembrandt van Rijn (1606–1669) was one of the most influential artists of the Dutch Golden Age, renowned for his extraordinary ability to capture the human spirit with emotional depth and dramatic use of light and shadow. His work spans portraiture, biblical scenes, and everyday life, revealing a profound under
This expertly curated volume presents a selection of Rembrandt’s most important works, offering insight into his artistic evolution and the historical context in which he worked. Through high-quality reproductions and thoughtful commentary, readers are invited to engage with the richness and complexity of Rembrandt’s vision.
An essential resource for students, collectors, and anyone passionate about Baroque painting, this publication pays tribute to a master whose legacy continues to shape the world of art.
Ten produkt jest zapowiedzią. Realizacja Twojego zamówienia ulegnie przez to wydłużeniu do czasu premiery tej pozycji. Czy chcesz dodać ten produkt do koszyka?
