W tej strefie zapraszamy czytelników tak zwane artystyczne dusze po książki z kategorii Sztuka. Polecamy szereg publikacji o sztuce i jej historii,ciekawostki i portfolia artystów, eseje, albumy, książki o malarstwie, rzeźbiarstwie, architekturze oraz histoii fotografii. Biografie ciekawych artystów, książki i powieści przedstawiające fascynujące losy malarzy i osób uwiecznianych na obrazach. W tym dziale tylko ksiązki ze sztuka w tle.
Czy chcesz ożywić zniszczony blat stołu, ustabilizować chwiejące się krzesło, odnowić złoconą ramę? W tej książce znajdziesz niezbędną wiedzę o tym, jak w stare meble tchnąć nowe życie. Zgromadzone w niej starannie sprawdzone informacje są przejrzystą i zwięzłą odpowiedzią na wiele problemów nurtujących osoby - zarówno początkujące, jak i zaawansowane - zajmujące się amatorsko konserwacją.
Książka zawiera opisane szczegółowo od początku do końca metody konserwacji: w jaki sposób naprawić typowe uszkodzenia, jak odnowić zniszczone powierzchnie, podane są instrukcje konserwacji krok po kroku - jak w przepisie kulinarnym oraz dokładny wykaz niezbędnych materiałów i narzędzi.
Książka jest przeznaczona dla entuzjastów starych przedmiotów, dla wszystkich tych, którzy podzielają miłość do antyków i używanych mebli, oraz tych, którzy pragną doskonalić praktyczne umiejętności konserwacji. Poczuj satysfakcję płynącą z pracy własnymi rękami, przywracając zniszczonym przedmiotom dawną świetność z wykorzystaniem starych metod i i współczesnych materiałów.
Julia de Bierre i James Bain Smith są założycielami Castle Workshop - znanego na całym świecie zespołu projektantów i dekoratorów, specjalizujących się w uzyskiwaniu stylowych efektów, konserwacji i postarzaniu mebli.
W publikacji zaprezentowano analizy kulturoznawcze wybranych spektakli adaptujących mity antyczne z kręgu kultury śródziemnomorskiej w obrębie estetyki postmodernizmu. Autorka podjęła pierwszą na rodzimym gruncie transdyscyplinarną analizę recepcji mitów we współczesnym teatrze polskim. Wybrała przykłady z twórczości czwórki polskich reżyserów teatralnych (Maja Kleczewska, Michał Zadara, Jan Klata, Antonina Grzegorzewska), w spektaklach których szczególnie wyraźnie i często można dostrzec inscenizację mitu. Porządkując obszar ich dokonań, autorka posłużyła się własną typologią i wyróżniła strategie ujmowania mitu przez poszczególnych twórców.
„Autorka pisze o trudnych kwestiach i złożonych problemach w sposób zwięzły i prosty (co nie znaczy upraszczający) [...] Jej praca nie tylko rzuca nowe światło na twórczość czwórki wybitnych reżyserów, dowodząc ich silnego zakorzenienia w najdawniejszej tradycji teatru i dramatu światowego, lecz także stanowi ważny przyczynek do badań nad relacjami sztuki/sztuki teatru i mitu. Analizy spektakli są szczegółowe, precyzyjne i nierzadko odkrywcze. Prowadzą do bardzo ciekawych wniosków i pobudzają do myślenia. Starannie dobrany materiał ilustracyjny dodatkowo je wzbogaca, dając odbiorcom pogląd na estetykę omawianych spektakli oraz na indywidualny styl twórców inscenizujących opowieści mityczne. Oryginalna typologia poszerza konteksty ich dokonań, powiązując je z szerszym zapleczem kulturowym”.
Z recenzji prof. dr hab. Anny Burzyńskiej (UJ)
Na początku tej książki jest chaos. Chaos jako sama Warszawa, czyli pełna problemów przestrzeń miejska, oraz chaos jako słowo-klucz, którego używamy, by ją krytykować. Demaskując pojęcie chaosu jako ideologiczny wytrych, a nawet rodzaj teorii spiskowej, autorka analizuje systemowe porządki, które skrywają się za pozornym chaosem Warszawy: od logiki przestrzennej globalizacji po nieudane projekty reform, od upadku kooperatyw ogrodniczych na Białołęce po kredyty we frankach i lokalny szowinizm, od przedwojennej akcji terenowej Starzyńskiego po legalistyczne fikcje reprywatyzacji. Czy warszawski chaos przestrzenny jest rzeczywiście ustawowo zaprogramowany? Co miało pierwotnie powstać w miejscu osiedla Derby na Białołęce? Kto nam ukradł konflikt o własność? Książka ta nie jest tylko systemową analizą najistotniejszych procesów, które ukształtowały przestrzeń Warszawy po 1990 roku. Jest również autoanalizą nas samych jako miejskiej wspólnoty, która żyjąc w mieście interpretuje jego przemiany.
Książka, będąca pierwszym tak obszernym studium polskiej architektury i urbanistyki „jutra”, prezentuje projekty z lat 60. i 70. XX wieku.
Wyjątkowe i niepublikowane wcześniej materiały archiwalne pokazują szeroki wybór znanych i zupełnie zapomnianych projektów, takich jak „miasta wstęgowe” Włodzimierza Gruszczyńskiego, futurologiczne jednostki mieszkalne Jana Głuszaka „Dagaramy”, Linearny System Ciągły Oskara Hansena, „zespoły wieżowo-mostowe” Wiesława Nowaka czy projekt „Terra X” Stefana Müllera.
Pismo poświęcone dramaturgii współczesnej i sztukom widowiskowym. Konsekwentnie, od pierwszego wydania DIALOGU w 1956 roku, każdy numer otwiera polski dramat lub scenariusz. W miesięczniku ukazują się także przekłady dramatów obcojęzycznych. Ambicją pisma jest publikowanie tekstów dramatycznych jeszcze przed ich premierą teatralną lub filmową. Eseistyka DIALOGU ma charakter interdyscyplinarny: teatr oglądany jest tu z socjologicznej, filozoficznej i antropologicznej perspektywy. Znaleźć tu można także poważne propozycje teoretycznoteatralne. Stosunkowo mało miejsca DIALOG poświęca współczesnemu życiu teatralnemu, choć nie stroni od doraźnej publicystyki i tekstów polemicznych (ulubioną formą stały się publikacje Rozmów – dyskusji przeprowadzanych w redakcji z udziałem zaproszonych gości). Zamykająca każdy numer Kronika poświęcona jest przede wszystkim teatralnej zagranicy, a zwłaszcza premierom nowych sztuk.
Przemysław Jasielski i Rainer Prohaska od 2015 roku realizują autorską koncepcję „nonsensownych technologii”, prezentując na wspólnych wystawach prace, które w ironiczny sposób łączą sztukę z naukami ścisłymi. W MOCAK-u pokażemy interaktywne obiekty i instalacje z lat 2009–2017.
W MOCAK-u pokażemy interaktywne obiekty i instalacje z lat 2009–2017. Łączy je pozorna funkcjonalność (na przykład pokazywanie czasu, wykonywanie fotografii), jednak działanie nie osiąga oczekiwanej wydajności. Intencją artystów nie jest zaproponowanie niezawodnych sprzętów przeznaczonych do masowej produkcji, lecz wskazanie ich użytkownikom możliwości kreatywnego podejścia do osiągnięć nauki i techniki.
'A great storyteller . . . you would be hard pushed to find a more knowledgeable or entertaining [guide]' Icon
'Such an interesting book . . . I cannot recommend it enough.' Lauren Laverne
In Dubai, a luxury apartment block is built in the shape of a giant iPod. In China, President Xi Jinping denounces the trend of constructing `bizarre' new buildings in wacky shapes and colours. In Cincinnati, celebrity architect Zaha Hadid is paid millions to design a single `iconic' structure - with the hope of single-handedly transforming the region's ailing fortunes. These incidents are all part of the same story: the rise of the age of spectacle.
Over the last fifty years, there has been a revolution in how our cities operate. In The Age of Spectacle, Tom Dyckhoff tells the story of how architecture became obsessed with the flashy, the monumental and the ostentatious - and how we all have to live with the consequences. Exploring cityscapes from New York to Beijing, and from Bilbao to Portsmouth, Dyckhoff shows that we are not just witnessing a new kind of building: we are living through a fundamental transformation in how our urban spaces work. The corporate explosion of the last few decades has fundamentally shifted the relationship between architects, politicians and cities' inhabitants, fostering innovative new kinds of engineering and design, but also facilitating ill-conceived vanity projects and commercial power-grabs.
Timely, passionate and bursting with new ideas, The Age of Spectacle is both an examination of how twenty-first century cities work, and a manifesto for a radically new kind of urbanism. Our cities, Dyckhoff shows, can thrive in the age of spectacle - but only if they engage us not just with dazzling structures, but by responding to the needs of the people who inhabit them.
'Engaging . . . The "iconic" building is the most obvious architectural phenomenon of our age yet, somehow, no one has quite done what Tom Dyckhoff does with The Age of Spectacle, which is to tell its story clearly and plainly.' Rowan Moore, Observer
'First class. Finally, a book that nails the iconic movement - Tom Dyckhoff's The Age of Spectacle is the book that I wish I had written.' Simon Jenkins
'Unusually accessible [and] well argued.' Evening Standard
NOTE: You are purchasing a standalone product; MyArtsLab does not come packaged with this content. If you would like to purchase both the physical text and MyArtsLab, search for 0134377451 / 9780134377452 A World of Art plus MyArtsLab for Art Appreciation - Access Card Package, 8/ePackage consists of:* 0134081803 / 9780134081809 A World of Art, 8/e* 0134376846 / 9780134376844 MyArtsLab for Art Appreciation without Pearson eText Valuepack Access CardMyArtsLab should only be purchased when required by an instructor.For courses in Art AppreciationFoster critical thinking and visual literacy in the Art Appreciation course.A World of Art fosters the critical thinking and visual literacy skills students need to understand art from around the globe. Noted author and educator Henry Sayre teaches students how to ask the right questions about the visual world that surrounds us, and to then respond meaningfully to the complexity of that world. New to the eighth edition, seven thematic chapters help students better identify and understand major themes of art-such as "the cycle of life" and "the body, gender, and identity"-that transcend different eras and regions.Also available with MyArtsLab (R)MyArtsLab for the Art Appreciation course extends learning online to engage students and improve results. Media resources with assignments bring concepts to life, and offer students opportunities to practice applying what they've learned. Please note: this version of MyArtsLab does not include an eText.A World of Art, Eighth Edition is also available via REVEL (TM), an immersive learning experience designed for the way today's students read, think, and learn.
A richer, more kaleidoscopic account of the history of photography Incorporating the latest research and international uses of photography, Photography: A Cultural History, 4/e surveys the history of photography in such a way that students can gauge the medium's multifold developments and see the historical and cultural contexts in which photographers lived and worked. Mary Marien's comprehensive survey shows how photography has sharpened, if not altered forever, our perception of the world. It provides a unique focus on contemporary photo-based work and electronic media. The book was written to introduce students to photography, requiring no previous technical knowledge of photography. The fourth edition has been revised to include new material and to expand topics that have received recent scholarly and public attention. Material on the history of photography in China, ranging from the nineteenth century to the present, has been added throughout the new edition. For the first time, adopting instructors may receive access to a PowerPoint set containing many images from the book.
NOTE: You are purchasing a standalone product; MyArtsLab does not come packaged with this content. If you would like to purchase both the physical text and MyArtsLab, search for ISBN-10: 0134127137 / ISBN-13: 9780134127132. That package includes ISBN-10: 0133843750 / ISBN-13: 9780133843750 and ISBN-10: 0133847896 / ISBN-13: 9780133847895.MyArtsLab should only be purchased when required by an instructor.For Art History Survey coursesThe most student-friendly, contextual, and inclusive art history survey text on the marketNow in its sixth edition, Art: A Brief History continues to balance formal analysis with contextual art history in order to engage a diverse student audience. Authors Marilyn Stokstad and Michael Cothren, both scholars as well as teachers, share a common vision that survey courses should be filled with as much enjoyment as learning, and that they should foster an enthusiastic, as well as an educated, public for the visual arts. By treating the visual arts as one component of a vibrant cultural landscape (which also includes politics, religion, economics, and more), Art: A Brief History helps students recognize and appreciate the central role that art and architecture have played in human history.Also available with MyArtsLab (R)MyArtsLab for the Art History Survey course extends learning online, engaging students and improving results. Media resources with assignments bring concepts to life, and offer students opportunities to practice applying what they've learned. And the Writing Space helps educators develop and assess concept mastery and critical thinking through writing, quickly and easily. Please note: this version of MyArtsLab does not include an eText.Art: A Brief History, Sixth Edition is also available via REVEL (TM), an immersive learning experience designed for the way today's students read, think, and learn.
Książka skupia się na macierzyństwie kobiet szczególnych, uwikłanych w różne skomplikowane sytuacje życiowe i wykorzenionych – pozbawionych wsparcia społecznego, socjalnego, psychicznego i edukacyjnego. Tom jest efektem przeprowadzonego projektu badawczego, którego celem było poznanie doświadczeń tych kobiet i uwrażliwienie na problemy, jakich doświadczają w sytuacji wypełniania codziennych obowiązków. Jednym z efektów projektu było przygotowanie etiud filmowych, których bohaterkami były objęte badaniami kobiety, i ich prezentacja zaproszonym na spotkanie gościom-widzom.
Muzyka HEIDRIKA to połączenie filmowej wrażliwości, akustycznego brzmienia klasycznych instrumentów i bezbłędnych kompozycji z poetycką warstwą liryczną. Debiutancki album \"Funeral\", który ukaże się na polskim rynku 16 marca 2018 roku, to zbiór przepięknych, ulotnych utworów, pełnych charakterystycznego dla Wysp Owczych - stamtąd pochodzi HEIDRIK - klimatu i równie typowego dla tego regionu świata liryzmu.
Pod latarnią
Jak lodu bryła
Dokąd, po co i jak
Dla ciebie staczam się
Wielki wyścig
Koty
To nie do wiary
Wspomnienia zmywa deszcz
Dziś cofnąć się nie mogę
Zobacz, gwiazda spadła już
Bonus:
Latarnik (utwór instrumentalny)
Flesz (utwór instrumentalny)
Surrealizm to nurt zapoczątkowany w drugiej dekadzie XX wieku, określany jako wyraz protestu artystów malarzy, np. Picassa, Dalego, poetów, takich jak np. Paul Eluard przeciw logicznemu porządkowi rzeczywistości, zakładający postrzeganie świata, które wymyka się wszelkim regułom i wprowadza odbiorcę w zamknięte nieznane dziedziny, gdzie nic nie przeszkadza rozwojowi ludzkiej wyobraźni.
To, z dużą dozą prawdopodobieństwa, najciekawsza cecha surrealistycznego malarstwa Rosińskiego - nie ma granic możliwości postrzegania, nie ma granic niepohamowanej wyobraźni, której efekty zaskakiwać muszą każdego odbiorcę. Surrealizm Rosińskiego to pogranicze jawy i marzeń sennych, fantazji, świadome stawianie na absurd, nonsens ale także pewną dozę brutalności, chęci zaszokowania widza, zmuszenia go do refleksji, do wyrażania własnych emocji i zajmowania stanowiska. - Adam Bronikowski
Poradnik FOTOGRAFOWANIE POLSKIEJ PRZYRODY adresowany jest do każdego, kto ceni przyrodę i lubi fotografować, niezależnie od poziomu wiedzy przyrodniczej i doświadczenia fotograficznego. Jego celem jest przedstawienie najbardziej interesujących i mających największy potencjał fotograficzny fenomenów polskiej przyrody: obiektów astronomicznych, zjawisk atmosferycznych, pojawów (stanów) krajobrazu, obiektów przyrody nieożywionej, siedlisk przyrodniczych oraz gatunków roślin, grzybów i zwierząt w ich najciekawszych fazach życia.
Jak grafik komunikuje się ze światem i po czym poznaje się udany projekt? Czym jest skala, co wyrażają pionowe linie i po co nam tyle różnych krojów pisma?
Natura tak nas zaprojektowała, że od najmłodszych lat tworzymy i eksperymentujemy, ozdabiając ściany pokoju, wymyślając własne wzory na okładki zeszytów i misterne ornamenty na marginesach notatek. Jak najpełniej wykorzystać potencjał tworzenia?
Chip Kidd, amerykański grafik i niezwykle ceniony projektant okładek, pokazuje, jak dzięki określonym barwom i kształtom wywołać u odbiorcy konkretne emocje i reakcje. Wyjaśnia, dlaczego znaki drogowe wyglądają właśnie tak oraz co sprawia, że niektóre okładki książek tak nas przyciągają i intrygują.
„Start” to mnóstwo wiedzy o teorii i praktyce pracy projektanta. Zawiera też 10 pomysłów na projekty do zrealizowania przez czytelników – w każdym wieku.
„Znakomite wprowadzenie do tematu. Zachwyca.” Milton Glaser, grafik, twórca logo „I love New York”
„Chciałbym móc przeczytać tę książkę, kiedy byłem dzieckiem.” Jeff Kiney, autor „Dziennika cwaniaczka”
Chip Kidd – amerykański grafik o statusie gwiazdy rocka i niezwykle ceniony projektant okładek – w przystępny sposób wyjaśnia tajniki projektowania, aby pokazać, jak najpełniej można wykorzystać swój potencjał tworzenia.
Wszystko, czego nie stworzyła natura, zostało zaprojektowane. Zobacz, jak to się robi!
W swojej kolejnej książce poświęconej sztuce baletowej J.S. Witkiewicz sięga do twórczości trzech wybitnych malarzy. W sposób dość nietypowy, bo na rycinach, pokazuje ich widzenie tańca. Książka składa się z 92 reprodukcji, którym towarzyszą obszerne opisy objaśniające, kto jest narysowany i w jakiej roli, a także kiedy i gdzie. Główną bohaterką zaś jest Anna Pawłowa, niedościgniona balerina baletu klasycznego.
Jak wyglądał polski wariant animowania i upowszechniania kultury filmowej w latach 30. XX wieku? Rodzimy ruch ożywienia kultury filmowej osiągnął wówczas swoją masę krytyczną przede wszystkim za sprawą warszawskiego Stowarzyszenia Miłośników Filmu Artystycznego „Start”. Ujmując „Start” jako przykład „kinofilii zaangażowanej” autor oferuje swoiste „bliskie czytanie” działalności organizacji, pogłębiające pierwsze skojarzenia z hasłami „filmu społecznie użytecznego” i walki z „branżą” oraz kilkoma czołowymi działaczami, wpływowymi po wojnie.
Autor proponuję spojrzeć na projekcje czy inne działania animatorskie nie jako na dodatek lub substytut twórczości filmowej — ale właśnie jako zagadnienie centralne. Przygląda się uwarunkowaniom środowiskowym, które stworzyły podbudowę dla powstania organizacji, oraz inspiracjom ideowym, które wpłynęły na politykę programową stowarzyszenia. Ponadto podejmuje próbę rekonstrukcji dynamiki rozwojowej stowarzyszenia, a także odnosi się do innych polskich inicjatyw z zakresu animowania kultury filmowej. Główny wywód uzupełnia wybór okołostartowych tekstów z epoki, które oddają poglądy lub stanowią źródło informacji na temat działań z zakresu animacji kultury filmowej.
Spanning 1979-1987, The Fry Chronicles charts Stephen's arrival at Cambridge up to his thirtieth birthday.
'Heartbreaking, a delight, a lovely, comfy book' The Times
'Perfect prose and excruciating honesty. A grand reminiscence of college and theatre and comedyland in the 1980s, with tone-perfect anecdotes and genuine readerly excitement. What Fry does, essentially, is tell us who he really is. Above all else, a thoughtful book. And namedroppy too, and funny, and marbled with melancholy' Observer
'Arguably the greatest living Englishman' Independent on Sunday
'Extremely enjoyable' Sunday Times
'Fry's linguistic facility remains one of the Wildean wonders of the new media age. The patron saint of British intelligence' Daily Telegraph
Władysław Matlakowski z wykształcenia był lekarzem. Poświęcony swej pracy, nie zważając na własne zdrowie, opublikował ponad sto prac z zakresu medycyny. Przemęczony organizm miał obniżony próg odporności. Matlakowski zachorował na gruźlicę. Dla podratowania zdrowia postanowił zmienić klimat i wyjechał do Zakopanego. Tam rozpoczęła się jego wielka fascynacja miejscową kulturą. Naukowe zacięcie skłoniło go do napisania pracy poświęconej budownictwu podhalańskiemu, z ujęciem jego piękna oraz odrębności. Już pod koniec XIX wieku autor zauważył, że góralski folklor, w tym gwara, ulega zanikowi, a młodzi ludzie nie są zainteresowani podtrzymywaniem tradycji. Stąd, na końcu publikacji umieszczony jest mały słowniczek, tyczący się budownictwa. Autor ten był niewątpliwie postacią nieprzeciętną - łączył naukowe zacięcie z artystycznym talentem i wrażliwością. Przed upływającym czasem ocalił dla nas zagrody, chaty i pomieszczenia gospodarskie takimi, jakimi były na początku XX wieku. Choć po dziś dzień można wyróżnić styl zakopiański i jest widoczny w tamtejszej architekturze, to uległ on pewnym przeobrażeniom i uwspółcześnieniu. Matlakowski zaś ukazuje góralskie domy wykonane w całości z drewna, detale ciosane ręcznie, przy użyciu prostych narzędzi i wypracowanymi przez pokolenia technikami. Przeglądając karty jego prac chciałoby się chociaż na chwilę poczuć wszędobylski w Zakopanem zapach świeżego drewna i owczych skór, zasiąść przed kominkiem i posłuchać gawędy starego górala. To pamiątka po nieskomercjalizowanej zakopiańszczyźnie, którą warto obejrzeć i umieścić w swojej bibliotece. Z wielkim pietyzmem Matlakowski opisuje najpierw sposób budowania wsi, jej organizacji przestrzennej. Przechodzi potem do domostw, sposobów budowy chałup, rozplanowania pomieszczeń, aby finalnie zagłębić się w szczegóły techniczne, jak choćby sposób ciosania i łączenia belek, czy krycia dachu.
Swoje dzieło uzupełnił o Tablice stanowiące uzupełnienie, a jednocześnie będące samodzielną publikacją. Jest to zbór 23 litografii, na których przedstawiono plany zagród i chat, aż po architektoniczne detale.
Oba tomy reprintu zostały oprawione w grubą, brązową tekturę. Grzbiet książki wykonano z ozdobnego, brązowego papieru z fakturą przypominającą tkaninę.
Ten produkt jest zapowiedzią. Realizacja Twojego zamówienia ulegnie przez to wydłużeniu do czasu premiery tej pozycji. Czy chcesz dodać ten produkt do koszyka?
