W tej strefie zapraszamy czytelników tak zwane artystyczne dusze po książki z kategorii Sztuka. Polecamy szereg publikacji o sztuce i jej historii,ciekawostki i portfolia artystów, eseje, albumy, książki o malarstwie, rzeźbiarstwie, architekturze oraz histoii fotografii. Biografie ciekawych artystów, książki i powieści przedstawiające fascynujące losy malarzy i osób uwiecznianych na obrazach. W tym dziale tylko ksiązki ze sztuka w tle.
"Życie jest darem" opowiada o tym, kim był Stanisław Sojka (Soyka) - wybitny muzyk, kompozytor i wokalista, którego twórczość od ponad czterech dekad porusza kolejne pokolenia słuchaczy.Kim był człowiek stojący za takimi utworami jak "Tolerancja" czy "Cud niepamięci"? Artystą pełnym pasji, ale też człowiekiem głębokiej wiary, poszukującym własnej drogi i podejmującym odważne życiowe decyzje.Anna Gębalska przedstawia historię Stanisława Sojki (Soyki) - od dzieciństwa na Śląsku, przez jazzowe początki i występy na największych scenach, po osobiste doświadczenia, które wpłynęły na jego życie i twórczość. Ważną częścią tej opowieści są wypowiedzi samego artysty, uzupełnione wspomnieniami jego rodziny, przyjaciół i współpracowników oraz znanych postaci polskiej kultury, m.in . Urszuli Kasprzak, Justyny Steczkowskiej, Józefa Skrzeka, Włodzimierza Nahornego i Muńka Staszczyka.
Tytuł przewrotny, bo autor, wybitny brytyjski krytyk dizajnu, nie tylko o Bauhausie pisze: A jak autentyk, B jak Bauhaus, C jak cztery kółka - i tak aż do końca alfabetu. To subiektywny, wycinkowy, ale jednocześnie fascynujący portret przedmiotów, z których powstał (i nadal powstaje!) nowoczesny świat. Deyan Sudjic, Director Emeritus Design Museum w Londynie, w kilkudziesięciu niedługich rozdziałach z równą swadą pisze o architekturze, jak i o grach komputerowych na przykładzie serii Grand Theft Auto; zajmuje się tematami bardzo rozległymi (film, moda, funkcjonalizm), ale skupia się również na drobiazgach, które wszyscy dobrze znamy z codziennego życia. Nie przestaje zadawać pytań i dociekać natury otaczających nas wytworów współczesności: czym jest autentyczność, a czym podróbka? Dlaczego niedoskonały przedmiot może być bardziej wartościowy niż jego perfekcyjnie dopracowany odpowiednik? Dlaczego ornament jest sprawą śmiertelnie poważną? Dociekliwość, iście angielskie poczucie humoru i autoironia to cechy charakterystyczne twórczości Sudjica, B jak Bauhaus zaś to książka, której nie sposób odłożyć na półkę.
Traktat malarski Ars de omnibus coloribus z około 1425 roku, w szczegółowym opracowaniu Jacka Tomaszewskiego, w dwóch wersjach językowych – po łacinie i w tłumaczeniu na język polski, dokonanym przez ks. Bartosza Leszkiewicza. Traktat jest łączony z postacią Jana z Dobrej, używającego także nazwiska Oszkowski, który był profesorem medycyny, dziekanem i rektorem Akademii Krakowskiej. Szlachcic herbu Ślepowron, urodzony około 1400 roku w Oszkowicach koło Łowicza – zamożnej „starożytnej osadzie” z kościołem parafialnym istniejącym już w XIV wieku, zapisał się na Akademię Krakowską w 1419. Według Marii Kowalczyk traktat malarski Ars de omnibus coloribus powstał „w środowisku iluminatorów krakowskich”. Nie podejmując dyskusji na temat tego, czy traktat był autorstwa Jana z Dobrej, czy powstał na jego zlecenie, czy też należał jedynie do zgromadzonych przez niego rękopisów, trzeba podkreślić, że jest to jedyny oryginalny zachowany traktat z XV wieku z Polski.
Piet Oudolf. Twórca ogrodów to pierwsza monografia jednego z najważniejszych współczesnych projektantów ogrodów — holenderskiego mistrza naturalistycznych nasadzeń, który zmienił sposób myślenia o roślinach, sezonowości i krajobrazie.Ogrody Pieta Oudolfa nie są statycznymi kompozycjami. Żyją, zmieniają się wraz z porami roku, dojrzewają, przekwitają i zachwycają także wtedy, gdy tradycyjnie ogród uznaje się za „poza sezonem”. Byliny, trawy, faktury i kolory tworzą w nich wielowarstwowe, niemal malarskie krajobrazy — pełne ruchu, rytmu i emocji.Książka prowadzi czytelnika przez najważniejsze realizacje projektanta: od słynnej High Line w Nowym Jorku, przez Lurie Garden w Chicago, Vitra Campus w Niemczech, ogrody Hauser & Wirth, po projekty mniej znane, prywatne i kameralne. To nie tylko album z fotografiami gotowych ogrodów, lecz przede wszystkim wgląd w sposób myślenia i pracy twórcy.Szczególne miejsce zajmują tu szkice, rysunki i plany nasadzeń — wiele z nich publikowanych po raz pierwszy. To one pokazują, jak rodzi się ogród Oudolfa: od intuicji i obserwacji natury, przez kompozycję form, kolorów i struktur, po precyzyjny zapis roślinnej architektury. Wstęp autorstwa Cassiana Schmidta poprzedza eseje Rosie Atkins, Jonny’ego Bruce’a, Jamesa Cornera i Noela Kingsbury’ego, a także wywiad przeprowadzony przez Hansa Ulricha Obrista.Piet Oudolf. Twórca ogrodów to książka dla miłośników ogrodów, architektury krajobrazu, projektowania, sztuki i przyrody. Dla wszystkich, którzy chcą zobaczyć, jak ogród może stać się żywym dziełem — pięknym o każdej porze roku. Piet Oudolf to wpływowy holenderski projektant ogrodów i krajobrazów stojący na czele Bylinowej Nowej Fali, autor licznych książek o ogrodach i projektowaniu krajobrazów, m. in. Tworzę ogród naturalny, Ogrody przyszłości. Mieszka i pracuje w Hummelo, małej wiosce w Niderlandach, gdzie w 1982 roku wraz z żoną Anją założył szkółkę bylin i prywatny ogród. Od tego czasu ogród w Hummelo stał się znany z eksperymentalnego podejścia Pieta i Anji do projektowania nasadzeń. W swojej 40-letniej karierze Oudolf zdobył międzynarodowe uznanie jako praktyk-szkółkarz oraz projektant prywatnych ogrodów, parków i zieleni miejskiej na całym świecie. Jego dzieła można podziwiać w Niderlandach, w Wielkiej Brytanii, Irlandii, Niemczech, Szwecji i Stanach Zjednoczonych. Znajdują się wśród nich tak słynne miejsca jak High Line w Nowym Jorku, Lurie Garden w chicagowskim Millenium Park, ogrody Hauser & Wirth w Somerset i na Minorce, Ogród Rzeźby przy Muzeum Singera w Niderlandach oraz instalacje ogrodowe stworzone na Biennale Sztuki w Wenecji i dla galerii Serpentine.
Pierwszy tom nowej serii Mistrzowie Polskiej Fotografii przedstawia postać Fortunaty Obrąpalskiej (1909-2004) - jednej z niewielu kobiet, które w XX wieku zapisały się trwale w historii polskiej fotografii. Jej pasja narodziła się w Wilnie - mieście, które przed wojną było fotograficznym królestwem Jana Bułhaka. Inspirująca znajomość z Bułhakiem, nawiązana w 1938 roku, zaważyła na piktorialnym charakterze wczesnych prac artystki, wpisujących się w nurt fotografii krajobrazowej.Po przeprowadzce do Poznania zaczęła tworzyć prace z pogranicza surrealizmu i abstrakcji. Jej słynny cykl Dyfuzja w cieczy z 1948 roku został doceniony za wyjątkowe połączenie walorów dokumentalnych i artystycznych. Eksperymentowała z technikami fotograficznymi, takimi jak pseudosolaryzacja czy bromografika, a jako członkini awangardowej grupy 4F+R brała udział w przełomowych wystawach.Album opracowany przez Monikę Kozień, kuratorkę pracującą w Muzeum Fotografii w Krakowie, prezentuje starannie wyselekcjonowany zbiór prac z najważniejszych etapów twórczości Obrąpalskiej.
Władysław Strzemiński (1893-1952) - wybitny polski malarz, konstruktywista, teoretyk sztuki, publicysta, autor różnych krojów czcionek, twórca tzw. unizmu. Przedstawiciel polskiej awangardy okresu międzywojennego, pod koniec lat 20-tych XX wieku wraz z żoną Katarzyną Kobro stworzyli grupę artystyczną "a.r.", po II Wojnie światowej współtworzył Państwową Wyższą Szkołę Sztuk Plastycznych w Łodzi, wkrótce został jednak zwolniony, gdyż nie chciał dołączyć do panującego w stalinizmie realizmu socjalistycznego w malarstwie. Jego postać przybliżył Andrzej Wajda w swoim ostatnim filmie pod tytułem Powidoki" (tytuł jak słynny cykl obrazów tzw. solarystycznych Strzemińskiego; malował nie widoki słońca, a jego powidoki) Dodajmy, że ten na wskroś niezależny twórca w czasie I wojny światowej służąc jako saper stracił w 1916 roku rękę, nogę i widzenie w jednym oku. Mimo to tworzył, pisał, wykładał... Niezwykła postać.Napisana w latach 1948-49 Teoria widzenia przedstawia nam w zasadzie zarys historii widzenia w malarstwie od epoki człowieka pierwotnego po czasy współczesne. A czymże jest widzenie? Oddajmy głos malarzowi, który we wstępie pisze: Naszego widzenia nie otrzymaliśmy w postaci gotowej i niezmiennej. Ok nasze ukształtowało się w wyniku długiej ewolucji biologicznej od form mniej doskonałych do tego, co teraz. Lecz widzenie to nie tylko bierny odbiór doznań wzrokowych. Otrzymane doznania poddajemy analizie myślowej, konfrontujemy z odpowiadającymi im odcinkami rzeczywistości, wyjaśniamy sens powstałych stąd wzajemnych związków i przyczyn: jakie doznania i co mówi o obiektywnie istniejącym świecie. Istnieje więc nie tylko bierny, fizjologiczny odbiór doznań wzrokowych, lecz obok niego czynna poznawcza praca naszego intelektu. Istnieje wzajemny wpływ myśli na widzenie i widzenia na myśl
Ta książka to wyjątkowa kolekcja najbardziej niezwykłych prac Kerby'ego Rosanesa - jednego z najoryginalniejszych współczesnych ilustratorów. Poznaj ikoniczne ilustracje wybrane z bestsellerowych książek artysty z ostatnich dziesięciu lat oraz odkryj trzy zupełnie nowe, niepublikowane wcześniej prace. Kolekcjonerska edycja przypadnie do gustu wszystkim czytelniczkom i czytelnikom - zarówno tym, którzy dopiero poznają świat Kerby'ego, jak i jego wiernym fankom i fanom. Autor ten zdobył globalne uznanie ilustratorek i ilustratorów, a jego dzieła sprzedały się na świecie w imponującym nakładzie ponad dwóch milionów egzemplarzy. Chwyć za ulubione kredki, uwolnij wyobraźnię i ożyw te niezwykłe, misterne rysunki własnymi barwami!
Niniejszy album prezentuje wybrane dzieła Franciszka Maśluszczaka (ur. 1948) - malarza, rysownika, grafika, absolwenta ASP w Warszawie, wykładowcy na Politechnice Warszawskiej. Autora ilustracji książkowych oraz prasowych (m.in. dla "Rzeczpospolitej"). Laureata wielu konkursów, w tym Nagrody Miasta Stołecznego Warszawy oraz Nagrody im. Witolda Hulewicza za całokształt twórczości. Jego malarstwo zaliczane jest do ekspresjonizmu metaforycznego.
Czesław Wierusz-Kowalski (1882–1984) był polskim malarzem związanym ze szkołą monachijską, synem znanego artysty Alfreda Wierusza-Kowalskiego. Urodził się w Monachium – tam studiował architekturę, później kształcił się w tamtejszej Akademii Sztuk Pięknych, a następnie naukę kontynuował w Paryżu. Przez wiele lat mieszkał i tworzył na Litwie. W 1920 roku brał udział w wojnie polsko-bolszewickiej, podczas II wojny światowej uczestniczył w tajnym nauczaniu, był łącznikiem w konspiracji i pełnił funkcję tajnego konserwatora zabytków. Od 1945 roku do śmierci mieszkał w Polsce. Twórczość Czesława Wierusza-Kowalskiego to w znakomitej większości pejzaże i portrety, w których artysta łączył zainteresowanie kolorem i światłem. Potrafił on nadawać swoim obrazom wyjątkowy nastrój, nie tracąc przy tym uważności wobec natury i człowieka.
Wyjątkowy zestaw sześciu minialbumów Beksiński w eleganckim etui. Komplet ten to niepowtarzalna edycja bestsellerowych wydań albumowych zawierających dzieła Zdzisława Beksińskiego, z których dwa ukazały się jeszcze za życia i przy współpracy samego Mistrza. Kolekcja zawiera wybrane prace Beksińskiego z zakresu malarstwa, rysunku oraz grafiki komputerowej, pochodzących z archiwum Muzeum Historycznego w Sanoku oraz zbiorów prywatnych.
Najsłynniejsza i najpopularniejsza książka o sztuce, wydana na świecie w łącznym nakładzie ponad 7 milionów egzemplarzy i przetłumaczona na ponad 30 języków. O sztuce jest najpopularniejszą na świecie i niezwykle cenioną książką poświęconą zagadnieniom sztuki. Trudno znaleźć dzieło, które równie dobrze wprowadzałoby do tego tematu, poczynając od malarstwa jaskiniowego, a kończąc na eksperymentalnej sztuce współczesnej. Wszyscy jego czytelnicy uważają Gombricha za prawdziwego mistrza, który łączy wiedzę i mądrość z niepowtarzalnym darem przekazywania wielkiej miłości do opisywanych przez siebie dzieł sztuki. Książka ta zawdzięcza swoją popularność szczerości i prostocie przekazu, a także doskonałemu stylowi pisarskiemu autora. Jak mówi on sam, jego celem było „wprowadzenie jasnego porządku w bogactwo nazwisk, okresów i stylów, które zapełniają strony dzieł bardziej ambitnych”, i pokazanie dziejów sztuki jako procesu nieustannego splatania się i przeobrażania tradycji, który sprawia, iż każde dzieło odwołuje się do przeszłości, a jednocześnie wytycza przyszłość, jako żywego łańcucha, który łączy nasze czasy z epoką piramid. Ta edycja oparta jest na szesnastym wydaniu brytyjskim, poprawionym, poszerzonym i wzbogaconym o nowe opracowanie graficzne. Dzieło to będzie z pewnością nie tylko powszechnie czytane, ale wpłynie także na nasz sposób myślenia. Gombrich pisze stylem gawędziarskim i bezpośrednim. Przekazuje swoją wiedzę w sposób doskonale zrozumiały dla odbiorców zorientowanych w tej dziedzinie, a jednak ma zawsze coś nowego do powiedzenia na każdy temat. Znakomicie potrafi naświetlić atmosferę każdego okresu w sztuce. O sztuce to lektura, która dostarcza intelektualnej i fizycznej rozkoszy. - prof. H.W. Janson, New York University, 1950. Moje myślenie o sztuce, tak jak większości historyków sztuki mojego pokolenia, zostało w dużej mierze ukształtowane przez Ernsta Gombricha. Miałem 15 lat, kiedy przeczytałem jego dzieło, i podobnie jak miliony innych czytelników, czułem, że ofiarowano mi mapę jakiegoś wielkiego terytorium i razem z nią podstawy do spenetrowania go głębiej bez strachu, że sobie nie poradzę. - Neil MacGregor, dyrektor National Gallery, Londyn, 1995. Podchodzę z ogromnym entuzjazmem do nowego wydania tego przełomowego dzieła, które tak bardzo pomogło zbliżyć ludzi i sztukę. (...) O sztuce Gombricha to książka, do której się wraca; w tym wydaniu można ją smakować jako dzieło klasyka. - J. Carter Brown, National Gallery of Art, Waszyngton, 1995. Trudno znaleźć inne dzieło, które by lepiej przybliżało ludzi – artystów, studentów i naukowców – do świata sztuki. O sztuce Gombricha to wspaniała opowieść, napisana przez wielkiego historyka, którego bezpośredniość, indywidualny styl i entuzjazm pozostają nieodmiennie zaraźliwe dla czytelnika. - Christopher Frayling, Royal College of Art, Londyn, 1995. O sztuce była pierwszą książką na ten temat, którą przeczytałam jako dziewiętnastoletnia studentka. Była dla mnie objawieniem i nie potrafiłam się od niej oderwać, bo otworzyła przede mną drzwi do największych osiągnięć ludzkiego ducha. Napisana z miłością i wielką erudycją, przejrzyście i z wielką przenikliwością, stanowi przełomowe dzieło w dziedzinie historii sztuki. - Bridget Riley, artystka, 1995. Mam wielki dług wdzięczności wobec Ernsta Gombricha. Jego historię sztuki przeczytałem w wieku piętnastu lat, z ciekawością i narastającym uzależnieniem. Ukorzeniła we mnie przeświadczenie o głównej roli sztuki w ludzkim doświadczeniu. Owo połączenie erudycji z osobistymi osądami zachęciło mnie do jak najdokładniejszego przyglądania się malarstwu i rzeźbie. Niedawno jeszcze raz przeczytałem tę książkę i znowu wywarła na mnie ogromne wrażenie. - Antony Gormley, rzeźbiarz (laureat Nagrody im. Turnera za rok 1994), 1995. Równanie: Wiedza + Oko; Rozwiązanie = Gombrich. - Henri Cartier-Bresson, fotografik, 1995.
Nowe, poszerzone wydanie kultowej biografii Moniki Śliwińskiej.Książka, która zapoczątkowała fascynację kobietami z obrazów.Kto wspierał Stanisława Wyspiańskiego, gdy był jeszcze nieznanym artystą? W czyim domu rozgrywało się towarzyskie życie Krakowa? Czyje twarze inspirowały najsłynniejsze obrazy młodopolskich malarzy? Odpowiedzi kryją się w historiach sióstr Pareńskich: Marii, Zofii i Elizy. Najsłynniejszych muz Młodej Polski.Monika Śliwińska przygląda się Marynie, nieszczęśliwej miłości Witolda Wojtkiewicza, związanej z zapomnianym pediatrą. Zosi, "towarzyszce pracy", a zarazem żonie Tadeusza Boya Żeleńskiego. Lizce, najczęściej portretowanej, dekadenckiej, tragicznie zmarłej.Losy Pareńskich są niczym kronika dokonań młodopolskich artystów spisana przez postacie stojące najbliżej - żony, partnerki, mecenaski. Wpływowe kobiety, które żyły w samym sercu krakowskiej bohemy, w cieniu wielkich wydarzeń epoki. Czas, by przemówiły.Biografia zawiera kolorowe reprodukcje słynnych dzieł sztuki, również tych mniej znanych, oraz niepublikowane dotąd materiały zebrane przez lata pracy autorki.
Przewodnik po tym, jak artyści wymyślają świat na nowo.Wybierzcie się z Willem Gompertzem - redaktorem działu sztuki w BBC i prawdopodobnie pierwszym na świecie komikiem stand-upowym specjalizującym się w historii sztuki - na oszałamiającą wycieczkę, która na zawsze zmieni wasz sposób patrzenia na sztukę nowoczesną. O liliach wodnych Moneta i słonecznikach van Gogha, o puszkach zupy Warhola i marynowanym rekinie Hirsta - posłuchajcie opowieści towarzyszących arcydziełom, poznajcie artystów bez koturnów i odkryjcie prawdziwą magię sztuki.Dowiecie się, że: Sztuka konceptualna to nie są bzdury Picasso jest geniuszem (ale możliwe, że Czanne jest lepszy) Pollock wcale nie jest nudny Pisuar zmienił bieg sztuki A pięciolatek naprawdę by tego nie potrafiłTa ożywcza, zuchwała i całkiem prosta książka przebija się przez pretensjonalny artystyczny język i stawia podstawowe pytania, które wstydziliście się zadać. Po jej przeczytaniu podczas następnej wizyty w galerii sztuki czy muzeum będziecie trochę mniej onieśmieleni i o wiele bardziej zaintrygowani. Will Gompertz jest najlepszym nauczycielem, jakiego mieliście. - "Guardian"
Henry Moore (1898–1986) is one of Britain's most famous modern sculptors, who redefined what monumental art could be. By moving away from traditional commemorative forms toward organic, abstract shapes, he explored the relationship between human figures and the natural world, and transformed the landscape of public sculpture in the post-war period.This introduction offers an incisive look at the life and work of Moore. It follows his development as an artist who was endlessly curious about the visual world around him and whose commitment to exploring form and material created powerfully affecting works that are deeply connected to universal human experiences. His passion for sharing his pioneering vision with the public created a legacy for modern sculpture that continues to shape how we encounter art in our everyday environment.
Bareja chciał tworzyć komedie o zwykłych ludziach i codziennych sytuacjach, a stał się – ze względu na czasy, w których przyszło mu tworzyć – mistrzem ostrej satyry i wnikliwym dokumentalistą życia w PRL. Dziś wiele osób posługuje się tzw. bareizmami, jednak Stanisław Tym, współscenarzysta trzech jego filmów, podkreślał, że Bareja nie dokumentował absurdów, ale cały system, który był jednym wielkim absurdem. Znienawidzony przez władzę i uwielbiany przez widzów – nie pozostał etatowym biernym „chłopcem do bicia”, lecz tworzył karykatury adwersarzy w fabule swoich filmów. Zyskał status twórcy kultowych komedii, które bronią się do dziś i wciąż zaskakują celnością obserwacji.
Najnowsza biografia Barei pióra Macieja Replewicza, cenionego znawcy twórczości kultowego reżysera, przynosi wiele nowych ujęć, zawiera niepublikowane dotąd zdjęcia oraz materiały. Należą do nich m.in. wielogodzinne rozmowy autora z filmowcami, rodziną i znajomymi bohatera, przeprowadzone w latach 2008–2026. Autor ponadto odkrył kilka nieznanych filmowych epizodów Stanisława Barei u innych reżyserów. Odnalazł także osoby, które zainspirowały reżysera i „użyczyły” swoich nazwisk filmowym postaciom.
Wydana w twardej oprawie i bogato ilustrowana książka to świetny prezent nie tylko dla wielbicieli reżysera, ale i tych, którzy interesują się kinem i PRL-em, a bareizmów używają na co dzień, choćby nieświadomie.
Wyrusz w niezwykłą podróż przez 40 000 lat historii sztuki i odkryj ponad 300 fascynujących dzieł z całego świata!A to wszystko w wyjątkowym muzeum, które nie zna granic czasu ani przestrzeni. Młodzi miłośnicy sztuki znajdą w nim prehistoryczne malowidła naskalne, starożytne rzeźby, arcydzieła dawnych mistrzów i najważniejsze dzieła sztuki współczesnej. Każdy z prezentowanych eksponatów został dobrany tak, by opowiedzieć o przełomowych wydarzeniach historycznych, kulturowych i artystycznych oraz pokazać, że historia sztuki jest opowieścią o tysiącach lat wymiany pomysłów, inspiracji i kreatywności artystów z różnych miejsc i epok.Książkę zaprojektowano jak prawdziwe muzeum podzielone na galerie, sale i skrzydła. Czytelnicy mogą korzystać z rozkładanego planu i poznawać pasjonujące historie kryjące się za obrazami, rzeźbami, fotografiami, tkaninami czy innymi dziełami sztuki. Interaktywne odsyłacze pomagają dostrzec powiązania między epokami, kulturami i samymi twórcami, udowadniając, że ludzka wyobraźnia nie zna granic.Publikacja powstała we współpracy z międzynarodowym zespołem ekspertów i edukatorów odpowiedzialnych za światowy bestseller wydawnictwa Phaidon The Art Museum, który został entuzjastycznie przyjęty przez "The New York Times", "The Times", NPR, "Vogue".Wyjątkowe muzeum sztuki to bogato ilustrowana, przystępna i pełna inspirujących opowieści książka, która stanowi doskonałe wprowadzenie do historii sztuki dla dzieci w wieku 8-14 lat oraz wszystkich młodych odkrywców, którzy chcą nauczyć się patrzeć na świat oczami artystów. To także idealna pozycja dla nauczycieli, edukatorów i rodziców pasjonujących się sztuką.
Zajrzyj do pracowni Henriego Matisse'a i zainspiruj się jego największymi dziełami! Ta pięknie ilustrowana książka to idealny sposób na zapoznanie najmłodszych czytelników z twórczością niezwykłego artysty.Kiedy w zalanej promieniami słońca pracowni Henriego pojawia się uroczy królik Lapin, artysta próbuje go wygonić, obawiając się chaosu, jaki zwierzak mógłby spowodować. Ciekawski Lapin nie daje się jednak wyprosić i zagląda w różne zakamarki, wywołując szereg przedziwnych zdarzeń. Stare obrazy ożywają - tryskają kolorami i energią, co zachęca Henriego do twórczego sięgnięcia po wolność i wyobraźnię. Dodajmy, że psotnemu królikowi nie wystarcza samo oglądanie dzieł artystyMatisse i uciekający królik to wzruszająca opowieść, która przybliża dzieciom wyjątkową twórczość artysty, pokazując, że radość, kolor i ciekawość mogą zmienić sposób, w jaki postrzegamy świat.Książka jest przeznaczona dla dzieci w wieku od 4 do 8 lat.
Dołącz do Vincenta van Gogha w pełnej emocji pogoni za niesfornym psiakiem przez miejsca inspirowane najsłynniejszymi obrazami artysty. Ta pięknie ilustrowana książka to idealny sposób na zapoznanie najmłodszych czytelników ze wspaniałymi arcydziełami."Jak mam malować, skoro nie bywam w interesujących miejscach?" - zastanawia się Vincent van Gogh, nie mogąc znaleźć inspiracji do tworzenia nowych obrazów. Nagle podbiega do niego Słonko, psotny pies, i porywa pędzel artysty. Goniąc czworonożnego urwisa przez pole promiennie żółtych słoneczników, gwarną kafejkę, a nawet przez rzekę pod rozgwieżdżonym niebem, malarz zachwyca się pięknymi widokami. Wspólna przygoda Vincenta i psa kończy się beztroskim pluskiem. Artysta ma teraz mnóstwo nowych pomysłów - zamierza przedstawić na swoich obrazach barwny świat, który zobaczył dzięki niesfornemu czworonogowi.Wspaniałe ilustracje inspirowane najbardziej znanymi obrazami Vincenta van Gogha to wizualna uczta dla czytelników w każdym wieku, a także doskonały sposób na zapoznanie dzieci z twórczością artysty i rozwijanie ich kreatywności.Książka jest przeznaczona dla dzieci w wieku od 4 do 8 lat.
Amedeo Modigliani (1884–1920) – anioł o smutnym obliczu, malarz smukłych portretów i najbardziej zmysłowych aktów w dziejach sztuki. Romantyczny i przeklęty, żył w Paryżu wśród cyganerii Montmartre’u i Montparnasse’u, uzależniony od alkoholu i haszyszu. Zmarł w wieku trzydziestu pięciu lat, a dwa dni później jego partnerka – Jeanne Hébuterne – odebrała sobie życie.Malował szybko i z pasją, łącząc klasykę z awangardą – inspiracje sztuką afrykańską i egipską splatał z renesansową wizją człowieka. W epoce kubizmu, futuryzmu i deformacji pozostał wierny statycznej formie i ludzkiemu wizerunkowi, nierozpraszany tym, co działo się wokół. Ta niezależność, dzięki której jego prace nigdy nie wydają się przestarzałe, stanowi o jego wielkości.Niedoceniany za życia, dziś należy do najbardziej znanych i inspirujących malarzy wszech czasów.Sławomir Cendrowski jest doktorem nauk humanistycznych, specjalistą w zakresie historii sztuki i kultury, wykładowcą uniwersyteckim, redaktorem monografii i katalogów wystaw muzealnych. Zajmuje się także sztuką regionalną. Autor opublikował wiele artykułów z malarstwa nowożytnego oraz mecenatu artystycznego. Jest też autorem albumów popularnonaukowych z dziedziny malarstwa.
Niedoceniany za życia, dziś wciąż nie zajmuje należnego mu miejsca w panteonie mistrzów Odrodzenia. A przecież ten syn węgierskiego emigranta dorównał największym mistrzom Odrodzenia, a w niejednej dziedzinie ich przewyższył. Sam Rafael wieszał jego rysunki na ścianie swojej pracowni.Albrecht Dürer parał się wszystkim naraz – rysunkiem i malarstwem, grafiką i teorią sztuki – i w każdej z tych dziedzin sięgnął wyżyn. Jako pierwszy wprowadził do niemieckiego malarstwa nagość i sceny mitologiczne, zgłębiał tajniki anatomii i proporcji, a w niewielkich akwarelach – pejzażach, roślinach, zwierzętach – okazał się badaczem równie dociekliwym i niestrudzonym jak sam Leonardo.A wszystko to zdobył sam, pokonując przeszkody, o jakich jego włoscy koledzy nawet nie słyszeli. Zerwał z rodzinną tradycją rzemiosła i uparł się dowieść, że prawdziwy artysta jest podobny Stwórcy.Luba Ristujczina – historyczka sztuki, autorka licznych publikacji prezentujących malarstwo polskie i światowe. Miłośniczka wiedeńskiej secesji, twórczości Egona Schielego, literatury i kultury Bałkanów, pięknych książek, muzyki, zwłaszcza dawnej, oraz filmu. Mieszka w Bielsku-Białej.
Ten produkt jest zapowiedzią. Realizacja Twojego zamówienia ulegnie przez to wydłużeniu do czasu premiery tej pozycji. Czy chcesz dodać ten produkt do koszyka?
