A gorgeous visual survey of the rose, exploring our enduring connection to one of nature’s most universally beloved flowers From a couture Dior gown and a rose-adorned Barbie to ancient mosaics and Victorian Valentine’s cards, this curated collection of more than 200 stunning images celebrates the world’s most iconic flower. Discover the extraordinary ways the universally beloved bloom has been depicted through time and across cultures, both within and beyond the garden. Featuring 220 exquisite images, The Rose Book reveals depictions as diverse as the plant’s own endless varieties – from wild ramblers to cultivated Hybrid Teas, botanical illustrations to fashion design, fragrance to film, fine art to photography. Works by figures such as Pierre-Joseph Redouté, Christian Dior, Georgia O’Keeffe, Irving Penn, Tiffany & Co., Alexander McQueen, Vincent van Gogh, and more are artfully paired to reveal intriguing juxtapositions. Captivating essays explore the horticultural history of the rose, the flower’s abundant presence in fashion, and the storied use of its scent in fragrance and perfume. The book also includes a rose glossary by Michael Marriott, and an epilogue by Shane Connolly. Whether as a symbol of beauty and love, a political and religious icon, or a beloved ornamental plant with countless cultivars, the rose has been an undeniable force in popular culture for millennia, from Ancient Greece to today.

The most comprehensive survey to date of contemporary video and moving-image art from the last decade Video has never been more prevalent in contemporary art than it is today. At a time when moving images have saturated daily life, artists continue to draw new possibilities from the medium. From live-action documentation to hand-drawn animation, participatory video-game technologies, and computer-generated imagery,Vitamin V: Video and the Moving Image in Contemporary Art presents over 850 images from more than 100 artists. Discover recent work by established names as well as rising stars in the contemporary art world, all nominated by a global panel of high-profile art-world figures. Richly illustrated with multiple examples of works by each artist, including stills and installation views,Vitamin V is the first book in Phaidon’s celebrated Vitamin series to focus on the moving image. An insightful essay by renowned scholar Erika Balsom surveys the history of video art from the 1960s until today.

A clever, quirky, and highly entertaining biography of the leading contemporary artist, Banks Banksy is a world-famous graffiti artist who secretly spray paints pictures on streets and walls while no one is watching. His works are often about politics, war, and other important things, but he also likes to paint rats. Rats scurry around and hide, often creating a bit of a stir, just like he does! Millions of people know his work but no one really knows who Bansky is – his true identity is a secret. Fausto Gilberti brings life, intrigue, and whimsy to the mysterious story of one of the most important contemporary artists of our time. Ages 4-7

Henri Matisse’s abstract cut-outs are used to teach colours in this innovative read-aloud board book Blue & Other Colours takes children through Henri Matisse’s colour palette, one artwork per page, beginning with blue and returning to it as a familiar refrain throughout. The variance of shapes, depth, and scale of the shapes on each page will keep readers engaged, while the text enriches the reading experience with relatable commentary that encourages conversation. Henri Matisse's innovative use of colour has inspired generations of artists. His cutouts – collages made from shapes cut from painted paper in a process he described as ‘painting with scissors’ – have become some of the most admired works of the last century. Through this groundbreaking book, readers will not only learn their colours, but also grow familiar with fine art. Each title in this must-own series of artful read-aloud board uses masterpieces by celebrated artists to teach one of the top early-learning concepts for toddlers. Each concept is explored playfully through a curated selection of beautifully reproduced artworks while the accompanying text enriches the experience with witty, conversational commentary and an ‘about the artist’ text. Companion books in this series feature the art of Pablo Picasso, Ellsworth Kelly, Alexander Calder, and Josef Albers. Age range: 1-3 years

Nawet to, co znane, może zaskoczyć. Odkryj dzieła sztuki pełne ukrytych znaczeń Rozmowy o najsłynniejszych krzyżach to nie tylko ogromna dawka wiedzy i podróż przez stulecia historii sztuki sakralnej, ale przede wszystkim zupełnie nowe spojrzenie na najważniejszy symbol chrześcijaństwa. Głoszona przez chrześcijan nauka o ukrzyżowanym Bogu poganom wydawała się niewyobrażalną głupotą i skandalem. Jak można za Zbawiciela świata uznawać przestępcę, którego władza Imperium Romanum skazała na najbardziej upokarzającą formę egzekucji? Mając na względzie to zastrzeżenie, artyści pierwszych wieków prawie w ogóle nie przedstawiali krzyża. Jednak od czwartego stulecia krucyfiks na stałe pojawił się i w sztuce, i w planach architektonicznych wznoszonych kościołów. Co było przyczyną takiej zmiany? Odpowiedź na to pytanie to według autora klucz do zrozumienia sztuki europejskiej. Eugeniusz Grzywacz SP łączy niezwykłe mistrzostwo narracji, dar wnikliwej obserwacji i umiejętność objaśniania dzieł sztuki na tle epoki, w której powstały – wszystko to sprawia, że opowieści o krucyfiksach Wita Stwosza, Michała Anioła czy Filippa Brunelleschiego czyta się jednym tchem. Porywająco skomentowane kolorowe ilustracje prowadzą czytelnika przez dzieje sztuki: od krzyża greckiego po współczesny. Podczas tej wyprawy autor uczy nas czytać i interpretować znaki ukryte w dziełach artystycznych. Eugeniusz Grzywacz SP - historyk sztuki i kulturoznawca. Długoletni nauczyciel dziejów sztuki i historii idei w Liceum Zakonu Pijarów w Krakowie, dyrektor Centrum Wiara i Kultura i Galerii na Krużgankach w Hebdowie. Rektor kościoła Przemienienia Pańskiego w Krakowie, gdzie prowadzi wykłady otwarte przybliżające słuchaczom sztukę sakralną.

Dwujęzyczny, polsko-angielski album towarzyszący wystawie „Śmiejąc się jednym, płacząc drugim okiem” to obszerna publikacja (312 stron), która stanowi wyjątkowy przewodnik po współczesnej sztuce Rumunii. Prezentuje wybór prac z kolekcji Ovidiu Şandora – jednej z najważniejszych prywatnych kolekcji sztuki współczesnej w Europie Środkowo-Wschodniej. Album zawiera teksty wprowadzające oraz eseje wybitnych autorów, takich jak Adriana Babeţi, Łukasz Galusek Kazimierz Jurczak, Jakub Kornhauser, Diana Marincu, Tom Sandqvist, Vladimir Tismăneanu, które analizują historię oraz współczesne oblicza rumuńskiej awangardy i sztuki po transformacji ustrojowej. Publikacja rzuca światło na kluczowe zjawiska artystyczne, od surrealizmu i dadaizmu po wpływ transformacji oraz rozwój instytucji artystycznych w Rumunii. Album jest nie tylko dokumentacją wystawy, ale także pogłębioną refleksją nad tożsamością, dziedzictwem i sztuką współczesną w kontekście Europy Środkowo-Wschodniej.

Krzysztof Cugowski, legendarny wokalista Budki Suflera w długiej i niezwykłej rozmowie z najbardziej rozpoznawalnym dziennikarzem muzycznym w Polsce – Markiem Sierockim. Wywiad rzeka zdradzi nieznane fakty z biografii rockmana: dzieciństwie w Lublinie, narodzinach pasji i pierwszych krokach w świecie bigbitu, a także o zainteresowaniach sportowych – boksie i kulturystyce. Wspomnienia i anegdoty dotyczące występów Budki Suflera w kraju i za granicą, opowieści o największych gwiazdach polskiej sceny muzycznej ostatniego półwiecza. A wszystko to z pierwszej ręki, bez cenzury i fałszywej skromności.

A reissue of the classic and much-loved collection of 500 witty images of dogs by legendary Magnum photographer Elliott Erwitt A dog-lover’s dream, DogDogs presents the largest selection ever published of Elliott Erwitt’s images of our beloved canine companions. This delightful volume features 500 photographs – of Poodles at dog shows, of Golden Retrievers fetching sticks in the park, of Highland Terriers jumping in the air for joy, and hundreds of other images of dogs walking, being carried, or otherwise enjoying life – all printed full-bleed in arresting duotone. Also included in this gem of a book is a captivating essay by British writer P.G. Wodehouse, an admirer of Erwitt’s work and a keen dog-owner himself.

Discover 25 of the most recognizable design styles through 150 residential interiors from the world’s leading designers From Coastal to Contemporary, Maximal to Mediterranean, Tailored to Textured, this inspirational lookbook guides beginners and enthusiasts alike through the most timeless interior design styles of the last century. Learn to identify and understand each style like an expert through introductory texts describing key tenets and featured real-world examples by today’s best contemporary designers, such as Studio Shamshiri, Laura Gonzalez, and Vincenzo De Cotiis. Whether in a Manhattan skyscraper, along the coasts of Italy, or in the tropics of Bali, the rooms in this curated global collection offer a masterclass in how to navigate interior decor today. An insightful introduction by design editor Asad Syrkett explores the meaning and recent history of interior style, and a visual directory in the back of the book allows readers to see and make connections between different styles.

Styl, szyk i elegancja - trudno sobie wyobrazić, że tak można określić modę kobiecą w ponurej rzeczywistości PRL. A jednak. Do rewolucji w ubiorze przyczynił się założony w 1957 roku w Łodzi dom mody Telimena, który szybko zaczął wyznaczać trendy na polskich ulicach.Ubrania Telimeny były pożądane przez niemal wszystkie Polki: nie tylko zwykłe kobiety, ale także aktorki, piosenkarki, prezenterki. To właśnie łódzkie przedsiębiorstwo przygotowało kreację dla Wisławy Szymborskiej na uroczystość wręczenia Nagrody Nobla. Za kulisy pokazów mody i do wzorcowni wpadały gwiazdy estrady i telewizji, aby wybrać lub uszyć dla siebie coś niepowtarzalnego. Reszcie klientek musiały wystarczyć wizyty w salonach firmowych Telimeny, rozsianych po całym kraju.Jej sukces krył się w użyciu materiałów najwyższej jakości oraz pracy wybitnych krawcowych i projektantek, które śledziły paryskie trendy, by później zaadaptować je do rodzimych upodobań, warunków pogodowych i dostępnych tkanin. Telimena ubierała jednak nie tylko Polki - szyła także odzież na eksport i organizowała prestiżowe rewie, reklamując nasz kraj w wielu zakątkach świata.Jak przedsiębiorstwo odbierała prasa? Kiedy i dlaczego nastąpił w nim wielki przewrót? Co takiego się stało, że Telimena przestała wyznaczać trendy?W książce Katarzyny Jasiołek zajrzymy pod podszewkę słynnego łódzkiego domu mody, by prześledzić jego narodziny i rozwój, przyjrzeć się pożądanym przez dekady strojom oraz poznać historię ludzi stojących za jego sukcesem.Wzięłam udział w pokazie mody Telimeny - i byłam zachwycona. Nareszcie pojawiło się coś eleganckiego i modnego, atrakcyjnego i do włożenia. Były to znakomite propozycje dla dorosłych kobiet - klienta idealnego, bo już zarabia i chce się podobać. Książka Katarzyny Jasiołek odtwarza ten ważny fragment historii polskiej mody z okresu PRL.Barbara Hoff, projektantka mody, założycielka legendarnego HofflanduPiękna, ale smutna historia domu mody Telimena, daleka od paryskich ekstrawagancji. Trudno być Paryżem Wschodu, jeśli codziennie trwa walka o guziki, o skrawek materiału. Choć dziś mamy problem raczej z nadmiarem niż z deficytem, książka Katarzyny Jasiołek ocala część naszej kulturowej tożsamości. Piękna to pamiątka po świecie, który przestał istnieć.Magdalena Kacalak, szefowa działu mody w "Wysokich Obcasach Extra"Nie da się dziś mówić o polskiej modzie, nie uwzględniając jej przeszłości. A ta w wielu aspektach pozostaje nie tyle tajemnicza, ile ukryta głęboko w archiwach czy ludzkiej pamięci. Książka Katarzyny Jasiołek jest nieoceniona dla wszystkich, którzy interesują się modą oraz chcą się nią zajmować zawodowo. Telimena - co kryje się pod nazwą, którą być może pamiętamy z szaf naszych mam czy babć? Jak firma funkcjonowała w niełatwych dla biznesu czasach? I jakim cudem w pewnym momencie miała własną agencję modelek? Lektura tej książki przyniesie odpowiedzi na wiele pytań i zostawi nas z solidną porcją wiedzy o przeszłości. Na mojej półce będzie prawdziwym skarbem.Harel, autorka najstarszego w Polsce bloga o modzie, autorka i podcasterka "Vogue Polska"Katarzyna Jasiołek z detektywistyczną wnikliwością, poczuciem humoru i czułością dla materii uzupełnia braki w warszawocentrycznej historii mody PRL, wprowadza nowe dramatis personae i przypomina ważne kolekcje. Opisując fenomen Telimeny, pokazuje, że nasza modowa historia jest zróżnicowana i niezwykła i powinna być źródłem dumy, nie zaś kompleksów wobec idealizowanego Zachodu.Karolina Sulej, reporterka, badaczka mody

Album prezentuje piękno i niepowtarzalny klimat polskich Bieszczadów widzianych zza obiektywu fotografików - Agnieszki i Włodka Bilińskich. To świat pełen spokoju, ciszy i harmonii z naturą. Impresje bieszczadzkie to połączenie obrazu i estetycznych wrażeń: lasów pachnących żywicą, górskich szczytów otulonych mgłami, wznoszącymi się niczym tajemnicze zasłony, myśli malowanych w odcieniach złota, czerwieni i brązu, szumu wiatru w koronach drzew, śpiewu ptaków, czy głębokiej ciszy. Bieszczadzkie impresje to także szerokie przestrzenie nieba, które w nocy stają się ogromnym, gwiaździstym oceanem. Oglądając te piękne fotografie, łatwo poczuć, że bieszczadzki czas płynie inaczej, spokojniej, w rytmie natury, zapraszając do kontemplacji i refleksji.

Pakiet „Przeboje PRL” to niezwykła podróż w czasy, gdy polska muzyka rozrywkowa rozbrzmiewała na prywatkach i festiwalach, a cenzura próbowała ją kontrolować. Sławomir Koper i Marek Sierocki odkrywają kulisy powstawania największych hitów i zdradzają tajemnice legendarnych zespołów – od Czerwonych Gitar po Perfect. Niepublikowane wywiady, anegdoty i ciekawostki o ikonach lat 60., 70. i 80. sprawiają, że ta nostalgiczna opowieść to gratka dla każdego fana polskiej muzyki!

Sprawdź, jak przy użyciu najprostszych materiałów i przyborów uzyskać fascynujące iluzje optyczne - stworzyć nieprawdopodobne kształty, niezwykłe linie i zaskakujące efekty 3D. Naucz się też rysować ilustracje, które w zależności od perspektywy obserwatora mogą przedstawiać różne obiekty. Dzięki czytelnym instrukcjom krok po kroku opanujesz umiejętności pozwalające na wykonanie wyjątkowych ilustracji. Dużym, wyraźnym rysunkom towarzyszy czytelny opis. Gwiazdki przy każdym projekcie oznaczają stopień trudności i pozwalają dobrać zadanie na właściwym poziomie oraz rozwijać warsztat. Rysuj i zaskocz otoczenie!

douard Manet (1832-1883) był jednym z najwybitniejszych malarzy XIX wieku, którego twórczość stanowi pomost pomiędzy realizmem a impresjonizmem, a jego obrazy wywoływały często kontrowersje, co sprawiło, że stał się postacią niezwykle ważną w historii sztuki. Manet wykorzystywał nowatorskie podejście do koloru i światła, a jego malarstwo cechowało się wyraźnym konturowaniem postaci. Jako jeden z pierwszych artystów zaczął stosować płaskie, nasycone kolory, unikając nadmiernego modelowania form. Jego styl był wyrazisty i często nieco surowy, co nadawało jego dziełom współczesny, dynamiczny charakter. W swojej twórczości poruszał różnorodne tematy, najczęściej przedstawiał życie codzienne, malował portrety, martwą naturę i sceny z życia paryskiej wyższej klasy. Odwoływał się także do historycznych i mitologicznych motywów, interpretowanych w sposób nowoczesny i niekiedy kontrowersyjny. Najbardziej znane obrazy Maneta to "Śniadanie na trawie" i "Olympia", które wywołały skandal wśród publiczności, z powodu ich bezpośredniości, odrzucenia tradycyjnych norm estetycznych i przedstawiania kobiet w sposób, który nie był uznawany za stosowny. Manet był artystą, który nie bał się wyzwań. łamał konwencje estetyczne, za co był mocno krytykowany, stając się przyczynkiem do dalszych przemian w sztuce i kształtowania się nowoczesnego malarstwa.

Książka Szczepana Kutrowskiego, artysty rzeźbiarza, pedagoga, socjologa, badacza kultury, jest obrazem jego doświadczeń artystycznych i badawczych w kontekście kondycji człowieka i warunków, jakie dają mu możliwość samorealizacji lub nie. Poszukiwania teoretyczne Autora w powiązaniu z jego pracą artystyczną tworzą swoisty punkt spojrzenia na sztukę oraz jej wymiar społeczny, edukacyjny w wymiarze kondycji człowieka i jego samodzielności doświadczania świata przez pryzmat sztuki. Kształt sztuki jest obrazem emocjonalnym autorów prac, na który nakładają się emocje odbiorców. Sztuka jest autonomiczna, ale jednocześnie uwikłana w rzeczywistość jej po-wstania i rzeczywistość jej odbiorców. Niektóre wątki dotyczące sztuki i jej codzienności poruszone w pracy Autor ocenia bardzo krytycznie, do czego ma prawo. Skłania czytelnika do własnej oceny zjawisk społeczno-artystycznych, do refleksji, do której zmusza sztuka. [...] Książka jest pisana językiem rymowanym, ironicznym w niektórych jej fragmentach, co jest intrygujące dla czytelnika, który podejmuje dialog z Autorem. Fragment recenzji prof. dr hab. Urszuli Szuścik

Druga część monumentalnego, trzytomowego dzieła Dobrochny Ratajczakowej Dzieje komedii polskiej. Niezwykła próba przywrócenia zepchniętemu na margines gatunkowi właściwego miejsca w dziejach naszej rodzimej literatury. Imponująca wiedza i erudycja autorki, wsparte rozległością lektur, pozwoliły jej na kreślenie wielkiego tła kulturowego, na którym pozycja komedii zmieniająca się w różnych epokach jest przez nią przedstawiana. Pozwala to przede wszystkim na zobaczenie i wydobycie oraz podkreślenie znaczenia komedii, jakie miała dla rozwoju nie tylko innych gatunków literackich, ale i innych sztuk. W tym przede wszystkim teatru, z którym komedia związała się najbardziej, wpływając na konwencje, styl gry i inscenizacji, a także przemieniając widownię. To zafascynowanie autorki gatunkiem wyrasta z przekonania, że to właśnie niedoceniania przez poważną literaturę komedia w swojej zmienności, otwartości, migotliwości jest jednym z najlepszych środków do uobecniania dziejowego, jak określa to, używając terminu Martina Heideggera. Autorka uważa, że to właśnie zdolność do przekształcenia i zmiany, przystosowania zadecydowała o trwałości komedii jako gatunku, powołując do życia niemożliwą do opanowania mozaikę tekstów. Dlatego nie tworzy jednej definicji. Uważa, że każda epoka i każda kultura inaczej wyznaczały jej kontur, który zmieniał się pod naciskiem różnych prądów, orientacji estetycznych, ideologii, nawet praktyk twórczych. Książka ma podwójną narrację: narracja linearna jako opowieść o dziejach gatunku poświęcona jest ogólnym prawidłom przebiegu procesu przemian komedii i składających się nań prądów; nie dążąc do syntezy czy kompletnej monografii przyjmuje postać opowiadania otwartego na uzupełnienia i dopowiedzenia, którymi są rozsypane opowiadania w opowiadaniu krótkie notatki, miniatury narracyjne, szkice, drobne okruchy historii, które można czytać w dowolnej konfiguracji. Autorka deklaruje: Konfrontacja obu narracji stanowi dla mnie istotny instrument opisu i rozumienia gatunku, pozwala dostrzec różnoczasowość każdej współczesności, wydobywa anomalie i ekscentryzmy. Składane razem obie narracje poświadczają rozchwiane, niemożliwe do uchwycenia i opisania dzieje gatunku, mówią o braku złudzenia, że da się dla komedii zbudować jakąkolwiek pełną wiedzę. Będzie to bowiem zawsze złożenie fragmentu potraktowanego jako całość i całości zszywanej z wielu fragmentów. Drugi tom Dziejów komedii polskiej obejmuje pierwszą fazę długiego okresu transformacji gatunkowej komedii od ostatnich lat przedrozbiorowych do odzyskania przez Polskę niepodległości. Rozpoczyna go zmierzch klasycystycznego modelu i poszukiwanie form odmiennych, jednoaktowych bądź komedii wychylonych ku farsie i bulwarowi, a wreszcie znajdujących oparcie w biedermeierze. Jest to wreszcie epoka Aleksandra Fredry, który choć marginalizowany, zdobył status Mistrza.

Performanse plastyczne Władysława Hasiora to pierwsza monografia w całości poświęcona perfomatywnej twórczości zakopiańskiego artysty. Autorka przygląda się w niej mniej znanym obszarom działalności Władysława Hasiora, analizując jego akcje efemeryczne, teatralizowane ceremonie odsłonięcia rzeźb i pomników, realizacje scenograficzne, wreszcie projekty partycypacyjne i aktywizujące publiczność. Podejmując próby zrekonstruowania kształtu wybranych performansów plastycznych badaczka odwołuje się do ich materialnych i niematerialnych śladów: zachowanych dokumentów fotograficznych, filmowych, nagranych i zapisanych komentarzy samego autora, artykułów prasowych oraz relacji widzow-uczestnikow. Z krytycznego i teoretycznego namysłu nad tymi archiwaliami wyłania się sylwetka twórcy wszechstronnego nie tylko rzeźbiarza i plastyka, ale przede wszystkim performera, reżysera zmysłowego teatru żywiołów, artysty wchodzącego w bezpośrednią interakcję z widzem i świadomego siły oddziaływania zdarzeń o charakterze efemerycznym, widowiskowym, ulotnym.Uczyłem się rzeźby, ale rzeczywiście w tej chwili pomieszałem konwencję malarską z rzeźbiarską i z tych dwóch dyscyplin uprawiam coś w rodzaju własnego teatru deklarował Władysław Hasior w jednym z programów publicystycznych. Mimo licznych prób konfrontowania twórczości artysty z teatralną optyką, nie podjęto jak dotąd tak obszernej i syntetycznej próby analizy jego dorobku w perspektywie performatywnej i interdyscyplinarnej. Książka Performanse plastyczne Władysława Hasiora wypełnia znaczącą lukę w badaniach nad twórczością artysty, jest także propozycją jej nowego ujęcia, wykorzystującego narzędzia i metodologie z zakresu performatyki, sztuki partycypacyjnej, współczesnych badań teatrologicznych i intermedialnych.

Katalog pierwszej wystawy w nowym budynku MSN, a zarazem książka dyskutująca rolę i zadania muzeum sztuki współczesnej dzisiaj w Polsce i na świecie, w czasach niepokoju.O Wystawie niestałej. 4 x kolekcja MSN piszą kuratorzy tego pokazu, interpretując kolekcję MSN w przekonaniu, że dzieła sztuki i dialog między nimi otwierają pole do powstawania nowych znaczeń i pomagają opisywać nasz świat. Osie, na których zbudowana jest kolekcja oraz wystawa rozpinają się między zaangażowaniem i autonomią oraz sztuką popularną, bliską życia i sztuką o charakterze afektywnym, tworzącą swoje własne kosmosy i języki.O samej idei muzeum piszą zaproszeni autorzy wybitni naukowcy, krytyczki i kuratorki. Prof. Madina Tlostanova pyta o możliwość dekolonizacji postsocjalizmu, prof. Krzysztof Pomian wraca do tematu relacji sztuki nowoczesnej i demokracji, a Laura Raicovich pokazuje (na przykładach), jaką rolę mogą mieć instytucje sztuki w czasach głębokich kryzysów. Obrazu dopełniają dwie rozmowy Claire Bishop, Joanny Mytkowskiej i Jakuba Gawkowskiego o muzeologii radykalnej i wojnach kulturowych (w Polsce i w Stanach Zjednoczonych) oraz szwajcarskich akademików i kuratorów Frediego Fischli i Nielsa Olsena, którzy z Tomaszem Fudalą i Natalią Sielewicz rozmawiają o misji muzeów dzisiaj.

Przystępne i bogato ilustrowane kompendium wiedzy o zbiorach Muzeum dziełach sztuki, ale także archiwach, Parku Rzeźby na Bródnie, domu Hansenów w Szuminie, palmie Joanny Rajkowskiej czy amatorskich filmach zebranych w Archiwum Filmów Domowych. W ten świat wprowadzają krótkie eseje kuratorów MSN, a potem spotykamy bliżej 150 wybranych z kolekcji prac, opisanych i zinterpretowanych w formie jednostronicowych tekstów. Ten spacer po kolekcji przygotowali pracownicy Muzeum i zaproszeni autorzy.

„Obserwowałem pianistów przez trzy tygodnie, pełen podziwu i współczucia dokumentując to, przez co przechodzą w decydującym punkcie swojej kariery. Niektórzy do ostatniego momentu nie opuszczali garderoby i wybiegali z niej wprost na schody prowadzące na scenę. Inni, mimo że wyszli z pokoju na korytarz, zamykali oczy, jakby chcieli być niewidzialni. Kolejni mieli swoje amulety – spinki do mankietów czy wisiorki, których dotykali do ostatniej chwili przed występem, pocierając palcami, z nadzieją, że szczęśliwy talizman odda swoją moc. Kiedy stali już w załomie za otwartymi drzwiami, w mroku tuż przy schodach prowadzących na scenę, myślałem o ich drodze do tego miejsca – latach ćwiczeń, wyrzeczeń, decyzji o udziale w Konkursie, przejściu przez eliminacje – i że teraz jest ta chwila próby, moment wdechu w ciszy przed pojawieniem się muzyki. […] Byłem nadgorliwy w swoim zadaniu, rejestrowałem więcej, niż sam oczekiwałbym tego od siebie. Chciałem utrwalić wszystkich, którzy tworzą ten Konkurs, a często pozostają w cieniu. Moje ujęcia na bieżąco wysyłane były do mediów lub uzupełniały okołokonkursowe realizacje Instytutu. Zgrywałem je nocami, a od rana rejestrowałem kolejne. Kiedy Konkurs się zakończył, mogłem spokojnie wrócić do stworzonego materiału. Podczas selekcji ujęć dostrzegłem potencjał zatrzymanych kadrów, możliwość wyeksponowania punktu kulminacyjnego sytuacji czy gestu. Wtedy przyszedł mi do głowy pomysł stworzenia książki fotograficznej, w której mógłbym wtajemniczyć słuchaczy w obrazy i emocje rozgrywające się poza sceną”. Filip Dowjat