W tej strefie zapraszamy czytelników tak zwane artystyczne dusze po książki z kategorii Sztuka. Polecamy szereg publikacji o sztuce i jej historii,ciekawostki i portfolia artystów, eseje, albumy, książki o malarstwie, rzeźbiarstwie, architekturze oraz histoii fotografii. Biografie ciekawych artystów, książki i powieści przedstawiające fascynujące losy malarzy i osób uwiecznianych na obrazach. W tym dziale tylko ksiązki ze sztuka w tle.
Angelika Kauffmann to artystka wyłamująca się z konwencjonalnych ram XVIII-wiecznej sztuki, która zbudowała własną, niezwykłą drogę twórczą w świecie zdominowanym przez mężczyzn. Pochodząca z artystycznej rodziny, również była obdarzona wyjątkowym talentem i stała się jedną z pierwszych kobiet, które zdobyły międzynarodowe uznanie. Kauffmann to mistrzyni wielogatunkowej kompozycji, artystka, która potrafiła przekształcić malarstwo w subtelną opowieść o ludzkich emocjach. W jej dziełach klasycyzm splata się z romantyczną wrażliwością, a precyzyjne portrety i sceny historyczne tworzą hipnotyzujący krajobraz intelektualnej i artystycznej wyobraźni. Każde płótno to nie tylko obraz to manifest kobiecej siły, talentu i determinacji.Choć początkowo napotykała liczne bariery środowiskowe i kulturowe, stała się ikoną artystycznej rewolty. Jej dzieła to opowieść o kobiecie, która odważyła się być kimś więcej niż tylko córką, żoną czy modelką. Album to wielowarstwowa podróż przez życie i dzieło tej niezwykłej artystki. Autor, doktor historii sztuki Sławomir Cendrowski, odsłania zarówno znane, jak i zapomniane oblicza malarki. Książka dokumentuje spuściznę twórczyni, która odważyła się stworzyć wizję sztuki przekraczającą granice płci, konwencji i epoki.
Caspar David Friedrich, pochodzący z pomorskiej, niemieckiej rodziny artysta, naznaczony osobistymi traumami i duchowymi poszukiwaniami, stworzył malarstwo, które stało się filozoficzną medytacją o ludzkiej egzystencji. Ten mistrz romantycznej kontemplacji potrafił przekształcić swoje obrazy w duchową podróż. W jego dziełach realizm splata się z metafizyczną wrażliwością, a krajobraz staje się lustrem ludzkiej duszy. Samotne sylwetki wpatrzone w bezkres horyzontu, mgły, skały i bezgraniczne przestrzenie tworzą hipnotyzujący obraz kondycji człowieka braku znaczenia wobec wielkości świata i jednoczesnego pragnienia zrozumienia absolutu. Jego płótna to nie tylko malarstwo, ale także prawdziwa medytacja namalowana farbami, opowieść o samotności, poszukiwaniu sensu i duchowej wędrówce. Album to wielowarstwowa podróż przez życie i dzieło tego niezwykłego artysty. Autorka, historyczka sztuki Luba Ristujczina, prowadzi czytelnika przez zawiłe ścieżki twórczości Friedricha, odsłaniając zarówno znane, jak i zapomniane oblicza malarza. Książka dokumentuje spuściznę twórcy, który stworzył elektryzującą wizję sztuki, wykraczającą daleko poza ramy malarstwa, dotykającą najgłębszych wymiarów ludzkiej egzystencji.
Vincent van Gogh to artysta, który przemienił cierpienie w niezwykłe piękno, przekształcając swoją burzliwą egzystencję w legendę sztuki, która na zawsze zmieniła oblicze malarstwa europejskiego. Pochodzący z niezamożnej rodziny, zmagający się z niepowodzeniami zawodowymi i osobistymi stworzył niepowtarzalny świat wizualny. Van Gogh przemienił malarstwo w elektryzujący spektakl uczuć i wrażeń. W jego dziełach ogniste kolory i dynamiczne pociągnięcia pędzla tworzą hipnotyzujący krajobraz ludzkich emocji. Każde płótno to nie tylko obraz to intymny dziennik zmagań artysty z samym sobą, ze światem, z własnymi pragnieniami. Choć za życia był odrzucany przez krytyków i sprzedał zaledwie jeden obraz, szybko stał się ikoną artystycznej rewolty, twórcą skazanym na wieczne poszukiwanie własnej drogi. Jego dzieła to manifest indywidualności, opowieść o człowieku, który widział świat innymi oczami. Album to wielowarstwowa podróż przez życie i dzieło tego niezwykłego artysty. Autorka, krytyczka sztuki Agnieszka Kijas, prowadzi czytelnika przez zawiłe ścieżki twórczości Van Gogha, odsłaniając zarówno znane, jak i oblicza malarza. Książka dokumentuje spuściznę twórcy, który odważył się stworzyć własną wizję sztuki, która przetrwała znacznie dłużej niż jego krótkie, naznaczone cierpieniem życie.
Józef Chełmoński to artysta, który potrafił uchwycić duszę polskiej prowincji, przemienić zwykłą wiejską scenę w realistyczny obraz ludzkiego losu. Pochodzący z drobnoszlacheckiej rodziny, początkowo zmagający się z trudnościami ekonomicznymi, stworzył własny, niepowtarzalny świat wizualny, który na zawsze zmienił oblicze polskiego malarstwa.Chełmoński to mistrz realizmu, artysta, który potrafił przekształcić malarstwo w opowieść o życiu polskiej wsi. W jego dziełach rzeczywistość splata się z poetycką wrażliwością, a naturalistyczne sceny wiejskie stają się metaforą ludzkiej egzystencji. Ostre, precyzyjne oko artysty łączy się z głęboką empatią każdy obraz to nie tylko portret krajobrazu, ale i także polskiej duszy.Choć początkowo był niedoceniany przez krytyków z wielkomiejskich salonów, szybko stał się jednym z najważniejszych malarzy swojej epoki. Jego płótna to nie tylko dokumentacja rzeczywistości, ale prawdziwa opowieść o Polsce jej naturze, tradycji i ludziach.Album to wielowarstwowa podróż przez życie i dzieło tego niezwykłego artysty. Autorka, historyczka sztuki Luba Ristujczina, prowadzi czytelnika przez zawiłe ścieżki twórczości Chełmońskiego, odsłaniając zarówno znane, jak i zapomniane oblicza malarza. Książka dokumentuje spuściznę twórcy, który odważył się pokazać wieś taką, jaką naprawdę była surową, piękną i głęboko autentyczną.
To nadal magia, nawet jeśli się odkryje, na czym polega. Sir Terry Pratchett „Pokazać świat Dysku Terry’ego Pratchetta” prowadzi czytelników za kulisy zadziwiającej współpracy Terry’ego Pratchetta i artysty Paula Kidby’ego. Demonstruje, w jaki sposób Dysk został powołany do wizualnego życia – od najwcześniejszych szkiców do ostatecznych arcydzieł – i jak Terry i Paul reagowali na zjawiska kultury popularnej, wplatając je w dyskowy krajobraz. Co prawda Terry był niekwestionowanym źródłem pomysłów, ale przez trzy dekady to Paul dzięki artystycznej sile wyrazu przenosił ludzi, miejsca i kawałki lodożerczego bagażu z wiecznie płodnej wyobraźni Terry’ego do naszego świata. „Pokazać świat Dysku” prezentuje również obrazy, których nie mogliśmy zobaczyć – wczesne projekty okładek wielkich nienapisanych powieści. To wyjątkowe przedstawienie jednego z wielkich literackich związków twórczych, wypełnione nieznanymi dotychczas grafikami i ich prawdziwymi historiami. Paul Kidby znany jest jako ilustrator dzieł Terry’ego Pratchetta. Rozpoczął współpracę z Terrym w 1992 roku, a od 2002 projektował okładki do powieści o świecie Dysku. Ilustrował również liczne dyskowe publikacje, wśród nich „Sztukę świata Dysku”, bestsellerowego „Ostatniego bohatera”, „Terry Pratchett’s Discworld Imaginarium”, „The Ultimate Discworld Companion” oraz „Dobry omen” autorstwa Terry’ego Pratchetta i Neila Gaimana. W 2023 roku Paul zilustrował „Jak być czarownicą. Poradnik Tiffany Obolałej”. Terry Pratchett był twórcą bestsellerowego cyklu powieści o świecie Dysku, który otwierał wydany w 1983 roku „Kolor magii”. Łącznie napisał ponad pięćdziesiąt niezwykle popularnych książek, sprzedanych na całym świecie w ponad stu milionach egzemplarzy. Jego powieści były adaptowane przez twórców filmowych i teatralnych. Zdobył wiele nagród, w tym także Medal Carnegie. W 2009 roku otrzymał tytuł szlachecki za zasługi dla literatury, choć ironicznie zapewniał, że największą zasługą dla literatury było to, że zawsze unikał jej pisania.
Pod koniec życia, w 1977 roku, Roland Barthes (1915-1980), klasyk współczesnej francuskiej humanistyki (Mitologie, Fragmenty dyskursu miłosnego, Imperium znaków, Stopień zero pisania), zaczął po śmierci matki pisać książkę o fotografii. Osobistym motywem była próba odnalezienia "istoty" zmarłej Henriette Barthes w fotografiach, które po niej pozostały. Paradoksalnie autor odnajduje to, czego szuka, w zdjęciu matki z jej dzieciństwa, z okresu, w którym jej nie znał, przewrotnie zaś - zdjęcia tego czytelnikowi nie pokazuje, uważając, że byłoby dla niego banalne. Dowodzi to, jak subtelne rozważania i doświadczenia podjął w tej bardzo prywatnej książce o nowym zjawisku w sztuce, którego naturę stara się wyjaśnić (tytułowy chambre claire, dosł. "jasny pokój", nawiązuje w formie gry słów do chambre noire, "ciemnia", a zarazem chodzi odpowiednio o camera lucida i camera obscura). Inaczej niż malarstwo, fotografia ma u podłoża pewien niewymyślony fakt, mgnienie owego "to było", "zdjęcie" obrazu z rzeczywistości. Jako odmiana pamięci wprowadza w czas i cały dramat egzystencji. Barthes rozważa "zdjęcie" od strony studium, dociekliwości, analizy, i punctum, owego "ukłucia", o jakie fotografia przyprawia widza. Czytelnik znajdzie w książce wiele takich puncta w zamieszczonych przez autora reprodukcjach klasycznych dzieł, które dodatkowo czynią z tych rozważań mały album, przyczynek do subiektywnej historii fotografii.
Niniejsza publikacja stanowi zbiór esejów dotyczących powszechnej edukacji muzycznej w Polsce, jej kształtu, uwarunkowań, przemian i kontekstów. Składają się nań teksty w większości publikowane na przestrzeni ponad dwudziestu lat (2002-2023), w niezbędnym zakresie zmienione i uaktualnione, uwzględniając zmiany systemu edukacji. Teksty te zostały dopełnione kilkoma nowymi ujęciami i w całości uporządkowane według wyróżnionych obszarów. Wszystkie traktują o występujących na gruncie systemu powszechnej edukacji muzycznej elementach, zagadnieniach i zjawiskach, które bądź mają charakter uniwersalny, bądź - jako pewne tendencje, wobec braku realnych zmian w założeniach, podstawach programowych i podręcznikach - mimo upływu lat wciąż pozostają składowymi tego systemu.Monografia składa się z pięciu rozdziałów...
Przejmująca biografia znakomitej aktorki i szlachetnego Człowieka.Fascynujący portret jednej z najwybitniejszych polskich aktorek teatralnych i filmowych, znanej z wielu znaczących ról, a zarazem osoby wyjątkowo oddanej innym, szczególnie chorym i niepełnosprawnym, dla których założyła Fundację "Mimo Wszystko" i działa w niej jako Pierwsza Wolontariuszka. Była żoną nieżyjącego już Wiesława Dymnego, legendarnego współtwórcy Piwnicy pod Baranami. Życie nie szczędziło jej ani wspaniałych chwil i wielkich wzruszeń, ani tragicznych doświadczeń. Jej zmaganie zahartowały ją i nauczyły nie tylko cenić życie, ale i służyć innym, słabszym, bezbronnym.Książka Elżbiety Baniewicz pozwala poznać życie prywatne i karierę aktorki, ale też przyjrzeć się, jak kształtowała się jej szlachetna postawa wobec innych, co zaowocowało stworzeniem Fundacji "Mimo Wszystko" i cyklem telewizyjnych przejmujących programów telewizyjnych Spotkajmy się.Niezwykła droga kariery, wielkie postaci teatru i filmu, które ją kształtowały; dramatyczne życie i umiejętne dążenie do odnalezienia harmonii i sensu w służeniu innym - to ANNA DYMNA.Książka - bardzo bogato ilustrowana - daje też doskonały obraz epoki: najlepszych lat polskiego teatru i jego wybitnego ośrodka, jakim od lat jest Stary Teatr w Krakowie (z którym przez całe zawodowe życie jest związana) oraz Teatru Telewizji, dzięki któremu do dziś możemy oglądać wybitne role Anny Dymnej.Elżbieta Baniewicz, absolwentka UW i PWST w Warszawie, jest autorką . monografii o Kazimierzu Kutzu i Januszu Gajosie (wydana przez Marginesy w tej samej serii co Dymna biografia pt. Gajos otrzymała w 2013 roku "Pióro Fredry"). Pracuje w miesięczniku "Twórczość".
Arkadiusz Wojnarowski - absolwent podyplomowych studiów producenckich w Szkole Filmowej w Łodzi, doktor w dziedzinie nauk humanistycznych. Wykładał produkcję i scenariopisarstwo w PWSFTviT w Łodzi i na Uniwersytecie Wrocławskim. Obecnie współpracuje z UAM w Poznaniu i z Uniwersytetem Dolnośląskim DSW we Wrocławiu. Prawnik i producent filmowy ("Droga na drugą stronę", "Bella Mia"). W 2009 r. opublikował "Prawne i finansowe podstawy europejskiej koprodukcji filmowej". Wydał dwie monografie z cyklu Jak Zostać Scenarzystą Filmowym: "Rynek i źródła finansowania scenariuszy filmowych w Polsce" oraz "Scenopisarskie aplikacje i programy", a także obszerne opracowanie pt. "Współczesny scenariusz filmowy. Odmiany, formaty, programy". Jego książki i filmy są do nabycia m. in. na tej stronie . Autor jest członkiem Europejskiej Akademii Filmowej i Stowarzyszenia Filmowców Polskich, a także fundatorem (2002) i prezesem Dolnośląskiego Zespołu Filmowego. Ekspert Dolnośląskiego Centrum Filmowego oraz Regionalnego Programu Operacyjnego Urzędu Marszałkowskiego Województwa Dolnośląskiego w dziedzinie Kultura i Turystyka. Konsultant prawny ds. umów filmowych i ds. zrównoważonej produkcji filmowej (green filming), a w latach 2024-2025 został zaprzysiężony przy piętnastu sądach okręgowych w Polsce, w tym w Warszawie, Łodzi, Katowicach i Krakowie, na biegłego sądowego w dziedzinie scenariopisarstwa, produkcji, dystrybucji filmowej, a także prawa autorskiego i własności intelektualnej.***W realiach europejskich, więc także w Polsce, trudno wyobrazić sobie produkcję filmu, który powstaje wysiłkiem organizacyjnym i finansowym tylko jednego podmiotu producenckiego. Zgodnie z tytułem w "Koprodukcji filmowej w Polsce..." autor przedstawia to zagadnienie w odniesieniu do rynku polskiego, opisując koprodukcję filmową zarówno w najbardziej kojarzonym układzie międzynarodowym, jak i układzie wewnętrznym, układzie koprodukcji krajowej. Na początku książki możemy zaznajomić się z analizą europejskich zasad i regulacji dotyczących koprodukcji międzynarodowych. W krótkim zarysie dostajemy kilka przykładów historycznych z XX wieku oraz podsumowanie zawarte w Konwencji Rady Europy z 2017 roku. W tej części pojawiają się także przykłady międzynarodowych koprodukcji filmowych z udziałem Polski. Dalej głównym wątkiem staje się koprodukcja krajowa, która zdominowała rynek. Dużo miejsca przy tej okazji zajmuje prezentacja Regionalnych Funduszy Filmowych. W alfabetycznym porządku dostajemy tutaj mniej lub bardziej szczegółowe opisy regulaminów, form działania, niesienia pomocy przy produkcji ze strony kolejnych regionalnych komisji. Sporo miejsca zajmuje także instytucja zachęt Polskiego Instytutu Sztuki Filmowej, które ze swej istoty mają wspierać finansowanie koprodukcji filmowych. Bardzo ważne miejsce w książce zajmuje opis odpowiedzi producentów, odpowiadających na pytania ankiety dotyczącej koprodukcji. Dostrzegam wartość książki szczególnie dla początkujących producentów filmowych, dla których może być źródłem skondensowanej wiedzy i ostrzeżeniem przed niebezpieczeństwami, jakie mogą się pojawiać w koprodukcjach filmowych, tych międzynarodowych, jak i tych krajowych.dr Marek Rudnicki (Wydział Organizacji Sztuki Filmowej PWSFTviT im. Leona Schillera w Łodzi)
Publikacja jest poświęcona współczesnym środkom narracji wizualnej, stosowanym w filmie, telewizji i internecie. Objaśnia migotliwe z natury i często ulotne środki ekspresji, których celem jest wywołanie u widza określonych znaczeń lub pożądanych emocji. Wpisuje się w nowo tworzony transdyscyplinarny obszar nauki i wiedzy określany mianem lingwistyki obrazu. Publikacja jest skierowana do szerokiego kręgu odbiorców. Po pierwsze, może być użyteczna dla tych wszystkich ludzi nauki, którzy prowadzą badania z zakresu medioznawstwa i komunikacji społecznej, antropologii kulturowej, nauki o obrazie oraz narratologii. Po drugie, może być przydatna dla studentów kierunków humanistycznych i społecznych, którzy - z uwagi na dokonujące się na naszych oczach przejście z komunikacji werbalno-typograficznej do komunikacji werbalno-audiowizualnej - mierzą się z problemem poprawnego tworzenia i odbierania różnorakich form wizualnych wykorzystujących ruchomy obraz. Po trzecie w końcu, może służyć pomocą wszystkim tym, którzy pragną lepiej poznać naturę ruchomego obrazu filmowego i telewizyjnego, zrozumieć siłę jego oddziaływania (również negatywnego) i tym samym uodpornić się na jego wpływ (często manipulacyjny) w sposób, w jaki jest to możliwe w XXI stuleciu. Książka - choć formalnie jest publikacją naukową i ma charakter wykładu - stara się być pragmatyczna w treści. Pokazuje, na czym praktycznie polega sztuka opowiadania językiem filmowym. Przedstawia liczne techniki narracji filmowo-telewizyjnej do natychmiastowego zastosowania przy realizacji różnorakich form wizualnych. Omawiane zjawiska są prezentowane dwutorowo - za pomocą opisu słownego oraz materiału graficznego w postaci pojedynczych ilustracji lub ich sekwencji.
Kobieta ze "słońcem w głosie". Wyjątkowo opowiedziana historia niezwykłej artystki.
"Jej otwarta i szczera radość była czymś unikatowym i wprost zaraźliwym. Nie przypadkiem sztandarowym utworem Ani stała się piosenka Tyle słońca w całym mieście. Ania całą sobą niosła aurę słońca", wspomina Halina Frąckowiak.
Kiedy Anna Jantar wychodziła na scenę, rozpromieniała swoim blaskiem wszystkich dookoła. Publiczność ją kochała. Z wzajemnością. Na jej koncerty przychodziły tłumy fanów, a ona czarowała ich swoim wdziękiem. Przyciągała do siebie ludzi.
Pełna pasji i miłości do muzyki. Nawet kiedy wydawać by się mogło, że osiągnęła już wszystko, a jej piosenki zostały docenione w kraju i za granicą, ona wciąż poszukiwała swojej muzycznej drogi.
Dziś dla wielu artystów stanowiłaby wzór do naśladowania: otwarta, serdeczna i towarzyska, a jednocześnie niezwykle pracowita i pełna pokory, konsekwentnie spełniała swoje marzenia.
Marcin Wilk stworzył biografię kompletną, dotarł do tych, którzy znali Annę Jantar najlepiej: jej rodziny, przyjaciół, artystów. Przewertował stosy dokumentów, listów i fotografii. Ale "Tyle słońca" to nie tylko historia Anny Jantar, to również niezwykle barwny obraz polskiej sceny muzycznej lat siedemdziesiątych, na której występowały prawdziwe gwiazdy: Maryla Rodowicz, Irena Jarocka, Halina Frąckowiak.
Książka "Polaków dzieje malowane" to efektowne połączenie albumu z malarstwem i popularnej książki historycznej. Ułożony chronologicznie zgodnie z sekwencją wydarzeń album, jest po prostu ciekawą książką pomagającą każdemu w poznaniu i zrozumieniu historii. 48 obrazów historycznych z wielu epok przedstawione zostało na kolorowych ilustracjach w dużym formacie, pozwalającym na dostrzeżenie najdrobniejszych szczegółów namalowanych postaci. Każdy z nich zostało szczegółowo opisany, przy czym niektóre bardzo istotne fragmenty obrazów wykadrowano, powiększono i dodatkowo skomentowano. Specjaliści w dziedzinie historii i historii sztuki szczegółowo omawiają detale stanowiące najciekawsze elementy poszczególnych obrazów. Napisane w ciekawy sposób i uzupełnione 655 ilustracjami i 65 mapami komentarze historyczne uznanych autorytetów w tej dziedzinie przenoszą czytelnika w atmosferę minionych epok, uwypuklają najważniejsze - związane z nimi - wydarzenia historyczne i ich znaczenie dla polskiej historii. Ilustracje do komentarza historycznego pochodzą z okresu jak najbliższego opisywanemu wydarzeniu, aby czytelnik miał okazję porównać, na ile wiernie malarz odtworzył stroje, uzbrojenie, czy choćby rysy twarzy namalowanych postaci. W ten sposób prezentacja cennych dzieł sztuki polskiej staje się okazją do głębszego wejrzenia w historię naszego kraju.
An indispensable guide to the international history of illustrated images, from 1750 to the present day.
Illustration: A Concise History is a dynamic visual journey through the landscape of illustration that maps the evolution of the discipline from the industrial revolution to the post-digital age and showcases over 180 of its most iconic practitioners, including Laura Knight, Antonio Lopez, Käthe Kollwitz and Hayao Miyazaki. By contextualizing the subject within a framework of key political events, cultural innovations and technological advances, Andrew Hall redefines how we might think about illustration and the place that it has in our ever-evolving global network.
The second half of this introductory volume follows on from the ten chapters charting the chronology of illustration to provide a more in-depth look at its specific commercial genres across eleven feature sections, each including mini-histories, practical career advice and biographies of inspirational practitioners who operated within the field.
Na progu przeszłości to wybór esejów Siegfrieda Kracauera (1889-1966), wybitnego filozofa fotografii i sztuki filmowej oraz myśliciela historycznego. Wybór obejmuje zarówno teksty o charakterze teoretycznym, jak i z obszaru krytyki artystycznej. Kracauer rozważa role fotografii we współczesnym mu świecie, analizuje problem relacji fotografii do świata przedstawionego, zastanawia się nad naturą fotografii i filmu jako mediów oraz nad złudzeniami, które fotografia tak łatwo wywołuje w odbiorcy. Eseje te cechuje precyzja i elegancja wywodu, wyczulenie na paradoksy, wnikliwość obserwacji. Kracauer nieomylnie wyławia społeczne i polityczne implikacje obrazów fotograficznych i ukazuje rozmaite pułapki, jakie czyhają na tę dziedzinę twórczości w nowoczesnym świecie. Zaprezentowane teksty stanowić będą nieodzowny punkt odniesienia dla wszystkich, którym bliska jest sztuka fotografii.
One of the key figures in the New York art world of the 1980s, Keith Haring (1958–1990) created a signature style that blended street art, graffiti, a Pop sensibility, and cartoon elements to unique, memorable effect. With thick black outlines, bright colors, and kinetic figures, his public (and occasionally illegal) interventions, sculptures, and works on canvas and paper have become instantly recognizable icons of 20th-century visual culture.From his first chalk drawings in the New York City subway stations, to his renowned “Radiant Baby” symbol, and his commissions for Swatch Watch and Absolut Vodka, Haring’s work was both emblematic of the manic work ethic of 1980s New York, yet distinctive for its social awareness. Belying their bright, playful aesthetics, his pieces often tackled intensely controversial socio-political issues, including racism, capitalism, religious fundamentalism, and the increasing impact of AIDS on New York’s gay community, the latter foreshadowing his own death from the disease in 1990.In this vivid introduction to Haring’s work, we explore the dynamic life and innovative spirit of this singular artist, who spent little more than a decade in the spotlight, but through the accessibility of his visual vocabulary and the strength of his political commitment became one of the most significant artists to emerge from New York’s vibrant, downtown community.
W okresie transformacji kasety wideo zawładnęły wyobraźnią Polaków. Podczas gdy pozbawione państwowego mecenatu kina pustoszały lub były przerabiane na sklepy i magazyny, wideo przeżywało prawdziwy rozkwit Polacy masowo kupowali magnetowidy, wypożyczalnie VHS powstawały na każdym rogu, a zakładane przez sprawnych przedsiębiorców firmy dystrybucyjne oferowały setki nowych filmów miesięcznie. W ciągu zaledwie kilku lat Polska stała się prawdziwą potęgą wideo nie tylko na tle innych państw byłego bloku wschodniego, ale także wielu krajów zachodnich. Elektroniczny bandyta to nostalgiczna podróż do czasów, kiedy polscy widzowie uwolnili się od jarzma zarówno cenzury, jak i arbitrów gustu, by masowo oglądać reglamentowane wcześniej filmy gatunkowe pochodzące ze zgniłego Zachodu. To także opowieść o czasach drapieżnej transformacji obejmującej wszystkie dziedziny życia, która z jednej strony dawała Polakom dostęp do nieznanych wcześniej doznań, ale z drugiej wymagała ukończenia przyspieszonego kursu kapitalizmu, który niejednokrotnie miał więcej wspólnego z gangsterką niż z dojrzałym biznesem.
Jerzy Jaworowski (1919-1975) wybitny grafik czasu PRL-u, projektant książek, ilustrator. Pracował głównie dla wydawnictwa Czytelnik, ale też PIW-u, Iskier, Więzi. Mało kto wiedział, że w zaciszu domowym tworzył rysunki prywatne i właśnie im poświęcona jest ta książka. Każdego dnia powstawała kolejna praca wykonywana jedną z autorskich technik na bazie tuszy rozcieńczanych acetonem. Pośmiertna wystawa, na której zaprezentowano tę twórczość, zachwyciła publiczność i krytykę. Z pracami Jaworowskiego wraca wiara w pierwszy fundament sztuki, którym jest rysunek. Rysunek będący najprostszym instrumentem twórczej wrażliwości, pierwszą definicją złożoną w języku sztuki i jednocześnie podstawą wszelkich studiów nad plastyką pisała Danuta Wróblewska. Na Henryku Tomaszewskim, bliskim przyjacielu Jaworowskiego, wrażenie zrobiły szybko, szeroko szkicowane, takie lecące przez powietrze figury tańczących. A także jakby znaki, jakby stemple. Szarość oraz czerń i biel. Jeden ruch ręki. Jestem podejrzliwy co do spontaniczności gestu. Sam u siebie sprawdzam, czy nie za łatwo idzie. Tu była spontaniczność, ale tak kontrolowana, jak u największych mistrzów, że ręka poza planowany tor nie zboczy ani na milimetr.
Heavily illustrated, this catalogue explores the role of the automobile as both object and subject in interwar France, a period of exceptional creativity, innovation, and turbulence. Expansive and interdisciplinary, Roaring illuminates the rich creative ecosystems that nourished this golden age oft French automotive design.
Accessible yet original, this comprehensive guide to Salvador Dalí contains over 400 colour reproductions and a unique selection of historical photographs. Dalí in 400 images explores the full range of one of the most significant Surrealist painters of the twentieth‐century. The exhaustive selection of works will reveal key masterpieces by perhaps the most famous of the Surrealists, as well as less familiar works including drawings and objects. Spanning the entire scope of the artist's career, this volume shows the complexity of the artist's vision from the early works inspired by Post‐Impressionism and his engagement with Cubism in the mid‐1920, his major Surrealist paintings of the 1930s, through the American years (1940s), the artist’s embracing of Classicism in the 1950s, with his return to Spain, and finally his reengagement with avant‐garde experimentation in the 1960s and beyond. The 400 reproductions of Dalí's work are complemented by a unique selection of historical photographs. Alive with images and information, this compact gem is is a must‐have for all art enthusiasts and connoisseurs.
Home Ancient India: living traditions
Ancient India: living traditions
£35.00
In stock
Quantity
Delivery
Returns and FAQs:
Skip to the end of the images gallery
Special Museum price
Skip to the beginning of the images gallery
About Product Information
Take a deeper look into the history, art and faith of India with the Ancient India: living tradition book – the beautifully illustrated official hardback from the British Museum’s major exhibition. This accessible and engaging volume offers a fresh perspective on Jainism, Buddhism and Hinduism, and how these living traditions shaped everyday life and creativity over two thousand years ago.
Through stunning imagery and expert storytelling, the book explores how sacred art evolved between 200 BCE and 600 CE – from early nature spirits to some of the first depictions of the Buddha, Jain teachers (jinas), and Hindu deities. You'll learn how these devotional images came to include familiar symbols, animal companions and intricate details still seen in religious art today.
It also shows how spiritual ideas and artistic traditions spread far beyond India, leaving a lasting influence across Central, East and Southeast Asia through sculpture, temple design and iconography.
Whether you're interested in religion, art or ancient history, the Ancient India: living traditions hardback book makes a thoughtful gift or a valuable addition to your own collection.
Ten produkt jest zapowiedzią. Realizacja Twojego zamówienia ulegnie przez to wydłużeniu do czasu premiery tej pozycji. Czy chcesz dodać ten produkt do koszyka?
