W tej strefie proponujemy bardzo szeroką ofertę z dziedziny psychologii oraz dziedzin powiązanych: astronomii i astrofizyki, ekologii, filozofii, kultury, podróżnictwa, religii, socjologii, sztuki. Szczególnie polecamy z tej kategorii bestseller pt. Księga Urantii. Księga Urantii podaje jasną i zwięzłą integracją nauki, filozofii i religii. Ci, którzy ją czytali i zgłębiali, wierzą, że Księga Urantii może wnieść bardzo wiele wartości do religijnej i filozoficznej myśli ludzi tego świata.
Humanist photographer Willy Ronis's most iconic images of Paris are beautifully produced in this affordable volume.
Unparalleled in his ability to portray the Parisian joie de vivre, Willy Ronis captured sheer delight on the faces he photographed, from the Parisian gamin running with an oversized baguette to the cheerful Parisiennes behind the bakery counter, and from dancers in full swing at a summer festival to a gaggle of children in a bumper-car tangle. His images are iconic and varied, ranging from lovers embracing in front of the Eiffel Tower to monuments softened by gauzy fog to a determined factory worker protesting for her rights. The Parisian-born Ronis bought his first Rolleiflex camera in 1937 at the age of 27. He strolled the streets of his beloved city, training his camera on the working-class neighborhoods of Belleville and Ménilmontant, capturing the essence of everyday life in Paris. He memorialized the urban landscape--a lamp-lit bridge or the leafy horse chestnut trees bordering the Seine--and typical Parisians--in the metro, sunbathing on the Île de la Cité, or ice-skating in the park. This pocket volume of high-quality reproductions is a joyful tribute to Paris and the esteemed photographer's finest work.
For many of us, our sofa is our favourite piece of furniture. But nowadays, with living space increasingly limited, our sofa often plays more than one role in the home. It becomes a decorative centrepiece, allowing us to put our own stamp on our living space; it may extend a child's play area or double up as a bed.
As a result, we have become demanding about every aspect of design. We expect multifunctionality, originality in form, and materials that are practical and long-lasting. This generously illustrated volume celebrates the creativity of more than 160 designers and brings together the very best in sofa design from the 20th and 21st centuries.
As well as design icons by the likes of Josef Hoffmann, Eileen Gray, Le Corbusier and Arne Jacobsen, it showcases the most inventive creations of recent years from designers who continue to redefine and expand this field of design. With profiles arranged alphabetically by designer, the book comes complete with practical advice on buying a sofa and styling a living space, and includes a timeline of sofa design. This treasure trove of exciting creations and handy tips will appeal to anyone in search of inspiration for their own home, or with an interest in furniture design in general.
Algarve - dla niektórych nazwa bardzo znana, a dla tych, którzy po raz pierwszy wbierają się do Portugalii nie mówiąca zbyt wiele. W rzeczywistości gdyby Algarve odłączono od Portugalii nadal mogłoby istnieć. Algarve to niezwykły region w południowej Portugalii, który ma swoją własną historię, przemysł i jako jedyny oferuje aż 300 słonecznych dni w roku. W książce opisano podróż po Algarve, jego historię, przyrodę, geologiczne uwarunkowania a także złote klify, które przyciągają w to miejsce wszystkich kochających słońce i naturę. W ksiązce czytelnik znajdzie opis miast oraz wielu plaż Algarve.
Celem Seminarium Odnowy Życia w Chrystusie jest taka odnowa wiary, aby byc zdolnym w Duchu Świętym oddać życie dla jezusa, Jego Królestwa, dla dzieła Odkupienia. Jest ono propozycją spotkania z Bogiem. To najważniejsze co można zaproponować człowiekowi poszukującemu pogłębienia duchowości, pragnącemy ""więcej"".
Koniki i kurki na ceramicznych kaflach ręcznie malowanych rożkiem, abstrakcyjnie zdobione talerze, pręgowane patery, pasiaste wazony i inne charakterystyczne naczynia we wzory trochę naiwne, ale urzekające i nie do podrobienia. Ponadto ceramiczne okładziny ścienne w rozpoznawalnych barwach i o niezwykłych fakturach, a nawet całe kominki – to wszystko składa się na fenomen łysogórskiej „Kamionki”, której ojcem jest Bolesław Książek. Po latach cieszy się ona coraz większym zainteresowaniem, poszukiwana i kolekcjonowana, na aukcjach osiąga zawrotne ceny. Podobno, by docenić jej urok, trzeba do niej dojrzeć. Ale jak już się ją pokocha, to na całe życie. Tytułowy czarodziej – Bolesław Książek – jeden z najwybitniejszych polskich ceramików, był już znanym i cenionym artystą, kiedy uwiedziony niespotykaną magią małej miejscowości koło Tarnowa porzucił Kraków i swoje dotychczasowe życie. Łysa Góra stała się jego domem, a tamtejszy zakład ceramiczny – zawodową obsesją. Poświęcał „Kamionce” niemal każdą chwilę, a swojej pracy nie ograniczał jedynie do powierzonych mu obowiązków kierownika artystycznego: zajmował się również sprawami technicznymi, uczył, a czasem można go było spotkać z kubłem farby i pędzlem czy nawet z miotłą. W ciągu niemal 20 lat spędzonych w Spółdzielni Pracy Rękodzieła Ludowego i Artystycznego wykonał ponad 1600 wzorów naczyń użytkowych i dekoracyjnych, rzeźb ceramicznych, płyt okładzinowych oraz ceramiki architektonicznej. W swoje projekty wkładał serce, a jego prace ciągle zachwycają poziomem artystycznym i kunsztem wykonania. Dziś, 26 lat po śmierci mistrza, można je oglądać w najważniejszych polskich muzeach i galeriach na całym świecie. Dla miłośników historii polskiego wzornictwa ta bogato ilustrowana pozycja winna być lekturą prawdziwie satysfakcjonującą, dzięki której, biorąc do rąk wazon czy talerz z charakterystyczną zdobiną w postaci jelonków lub kogucików, rozpoznają, że to tylko jeden z etapów artystycznych poszukiwań Książka. Barbara Banaś, kuratorka, kustoszka Działu Ceramiki i Szkła Muzeum Narodowego we Wrocławiu Jeśli zachwycacie się łysogórskimi wyrobami, po lekturze książki Bożeny Kostuch nabierzecie także szacunku do ludzi, dzięki którym możecie z nimi obcować, poznacie okoliczności powstania spółdzielni „Kamionka”, źródła inspiracji Bolesława Książka i tajniki produkcji jego fascynujących dzieł. Poczujecie atmosferę czasów, w których zdarzyły się prawdziwe czary. I pamiętajcie, że wiele ryzykujecie lekturą, bo ceramika unikatowa i artystyczna to najczęściej nie jest miłość od pierwszego wejrzenia, ale gdy już chwyci za serce, to nie ma ucieczki. Katarzyna Jasiołek, autorka książki Asteroid i półkotapczan, założycielka bloga HeliotropVintage.pl Imponująca fantazja! Bolesław Książek stworzył wyrazisty styl łysogórskiej ceramiki, ale nieustannie zaskakiwał: patrząc na jego dzieła, można pomyśleć, że powstawały w wyobraźni różnych osób. Chciał, by radość, jaka towarzyszy mu podczas pracy, stawała się udziałem oglądających jego twórczość. Dziś te skarby cieszą jeszcze bardziej, bo mają wartość i artystyczną, i sentymentalną. Joanna Nojszewska, fanka ceramiki vintage, redaktorka w „Twoim Stylu” Na Czarodzieja z Łysej Góry czekaliśmy od dawna. Bożena Kostuch przybliża tego genialnego artystę, przedstawiając nieznane wcześniej fakty i ukazując jego twórczość w zupełnie nowym świetle. Jednak to coś więcej niż tylko biografia – to także szansa dla kolejnych pokoleń na odkrycie wspaniałości jego dzieł. Paweł Naszkiewicz, antykwariat Skupuje.com Bożena Kostuch – doktor historii sztuki, kustoszka w Muzeum Narodowym w Krakowie, znawczyni ceramiki XIX i XX wieku, autorka publikacji naukowych i popularyzatorskich. Jej najbardziej docenianą książką jest jest Kolor i blask. Ceramika architektoniczna oraz mozaiki w Krakowie i Małopolsce po 1945 roku wyróżniona w Konkursie na Wydarzenie Muzealne Roku SYBILLA 2015 w kategorii Publikacje oraz nagrodzona tytułem Krakowskiej Książki Kwietnia 2016.
Jego zdjęcia zna cały świat. Czołg pod kinem Moskwa z Czasem apokalipsy to fotograficzna ikona stanu wojennego. Zdjęcie zrobione z dystansem i sercem. Przez chłopaka z aparatem i brytyjskim paszportem, który przyjechał tu w 1973 roku. Przez zauroczonego Polską dziennikarza, relacjonującego dla świata wydarzenia zza żelaznej kurtyny. „Obserwowałem rewolucje w Pradze, Berlinie i na Węgrzech. Ale moje serce pozostało w Gdańsku” – wspomina udział w sierpniowym strajku w stoczni. Dla „Newsweeka”, „Time’a”, „Spiegla” fotografował powstanie „Solidarności”, pierwszą wizytę Papieża, stan wojenny i upadek komuny. Wszystko z zawodowym dystansem, ale coraz większym uczuciem. W jego wspomnieniach tamtych wydarzeń jest tylko to drugie. Przyprawione ogromną dawką angielskiego sarkazmu z nutką polskiej nostalgii. Nowe wydanie bestsellerowej książki z 2012 roku zostało poszerzone o teksty sięgające czasów współczesnych oraz wzbogacone o kilkadziesiąt nowych, do tej pory niepublikowanych fotografii. Autobiografia fotografa i fotoreportera, którego zdjęcia stały się ikoniczne – utrwaliły obraz przełomowych wydarzeń historycznych, który trafił do masowej świadomości. Książka szczera, zadziorna, dowcipna, ale i pełna czułości dla kraju i ludzi, których poznał i których – ze wzajemnością – pokochał. Chris Niedenthal urodził się w Londynie i tam wychował w polskiej rodzinie. Mieszka w Polsce od prawie 50 lat. Pierwszy aparat fotograficzny – Kodak Starmite – dostał w nagrodę w wieku jedenastu lat. Do Polski przyjechał w 1973 roku. Po kilku latach w roli wolnego strzelca został zatrudniony jako korespondent „Newsweeka” w Polsce. Pierwszy materiał fotograficzny przedstawiał „nielegalne” i prowizoryczne kościoły, tworzone pomimo zakazu władz państwowych. W 1978 był pierwszym fotoreporterem, który po wybraniu Karola Wojtyły na papieża przyjechał do Wadowic. Podczas pielgrzymki papieża do ojczyzny zrobił zdjęcie, które trafiło na okładkę „Newsweeka” – sfotografował na Jasnej Górze Jana Pawła II trzymającego na rękach małą zapłakaną dziewczynkę w czerwonej chusteczce. Wraz z angielskim dziennikarzem Michaelem Dobbsem był pierwszym zagranicznym fotoreporterem wpuszczonym do Stoczni Gdańskiej podczas strajku w 1980 roku. Laureat nagrody World Press Photo w 1986 za portret sekretarza generalnego węgierskiego KC Jánosa Kádára, który trafił na okładkę „Time’a”. W 2013 roku został odznaczony Krzyżem Oficerskim Orderu Odrodzenia Polski „za wybitne zasługi we wspieraniu przemian demokratycznych w Polsce, za dawanie świadectwa prawdzie o sytuacji w Polsce w czasie stanu wojennego, za osiągnięcia w działalności dziennikarskiej”.
Ekscentryczna Dora Maar, niezależna Victorine Meurent, tajemnicza Lisa del Giocondo czy twardo stąpająca po ziemi Catherine Bolnes – to tylko niektóre z kobiet kryjących się za dziełami wielkich mistrzów. Tamara Łempicka w czasach największej biedy za sprzedawane obrazy kupowała diamentowe bransoletki. Frida Kahlo nawet przykuta do wózka inwalidzkiego i dręczona bólem brała udział w manifestacjach politycznych. Emilie Flöge przez ponad dwadzieścia lat prowadziła zakład krawiecki, ubierając najzamożniejsze wiedenki. Gala Dali twardo kierowała karierą męża, rozkochiwała też w sobie przeróżnych artystów, często doprowadzając ich do szaleństwa. Antoinette de Wateville o względy i miłość Balthusa musiała rywalizować z własnym bratem, a zaledwie siedemnastoletnia Wally Neuzil dla Egona Schielego porzuciła pracę modelki u Gustawa Klimta. Małgorzata Czyńska udziela im głosu, ukazuje je już nie przez pryzmat ich związków z wielką sztuką, lecz jako osoby z krwi i kości, pełne obaw i emocji, żywe i zaskakująco prawdziwe. Choć pochodziły z różnych czasów, krajów i sfer, zostały uwiecznione na obrazach, które wywarły trwały wpływ na światową sztukę i przeniknęły do zbiorowej świadomości. Muzy wielkich artystów zachwycały nieprzeciętną urodą, imponowały odwagą, gorszyły bezwstydnością. Często były nie mniej fascynujące od płócien, na których je utrwalono. Małgorzata Czyńska (ur. 1975) – dziennikarka, pisarka, historyk sztuki, krytyk dizajnu i kuratorka wystaw, stypendystka Ministerstwa Kultury i Dziedzictwa Narodowego. Swoje pierwsze teksty publikowała w „Wysokich Obcasach”, z którymi współpracuje do dziś, pisuje również do magazynów wnętrzarskich i o sztuce. Ma na koncie dziewięć książek, w tym Kobro. Skok w przestrzeń (2016), za którą otrzymała Górnośląską Nagrodę Literacką „Juliusz” przyznawaną najlepszej książce polskiej, oraz Berezowską. Nagość dla wszystkich (2018) nominowaną do Nagrody im. prof. Jerzego Skowronka, honorowego wyróżnienia w dziedzinie historii i archiwistyki.
W relacji łączącej człowieka ze zwierzęciem jest coś prawdziwego, coś starego, coś mądrego i coś pięknego. I temu, kogo nigdy nie budził ostrożny dotyk pyska ani nie słyszał ogona uderzającego energicznie o nocny stolik, umknęło w życiu coś naprawdę cennego. Bo jak mówi indiańskie przysłowie, „Bóg stworzył ziemię, niebo i wodę, księżyc i słońce. Stworzył człowieka, ptaki i zwierzęta. Ale psa nie stworzył. Bo psa już miał”. Tor Age Bringsvard przekopał historię świata i literaturę ludową w poszukiwaniu śladów najlepszego przyjaciela człowieka. W tej książce o naturze psa i jego miejscu w naszym życiu Bringsvard przekazuje mity, legendy, baśnie, podania ludowe i mnóstwo zaskakujących ciekawostek dotyczących psów ze wszystkich miejsc i czasów, od mitologii greckiej do ludów Afryki, od religii i filozofii do kreskówek i filmów. Są tu opowieści o psach bogów i czarownic, historia opowiadana przez lud Nyanga w Kongo o tym, jak pies podarował człowiekowi ogień, legenda Inuitów o kobiecie, która poślubiła psa oraz saga o psie, który został królem. Są tu psy niebiańskie, baśniowe i piekielne, a także masa przykładów psiej mowy. Dzięki temu powstała arcyciekawa i bogato ilustrowana książka o wielowymiarowej historii kultury, ale przede wszystkim o przyjaźni. Tor Age Bringsvard (ur. 1939) jest norweskim pisarzem, dramaturgiem, redaktorem i tłumaczem. Być może najbardziej znany jest z twórczości fantastycznej, a wraz z wieloletnim partnerem Jonem Bingiem uważany jest za pierwszego norweskiego pisarza science fiction. Pisze zarówno dla dzieci, jak i dla dorosłych, jest także świetnym eseistą. Laureat wielu nagród literackich. Był tłumaczony na ponad 20 języków, a jego sztuki wystawiano w wielu krajach. Bringsvard uważa się za anarchistę. Mieszka w Holen, małej, tajemniczej wiosce na północ od Moss.
Recenzja prof. dr hab. Larysa Novak-Kalyayeva, dr hab. Zbigniew Werra, prof. PK:Ze Wstępu: Aksjologiczne orientacje w filozofii człowieka to zbiór tekstów, w których wspólnym tematem jest świat osoby ludzkiej, relacje, które rozwija i wartości, dzięki którym kształtuje swoją osobową tożsamość. Żywię głęboką nadzieję, że to wartości wyznaczają stabilne punkty odniesienia dla rozwoju osobowości człowieka na możliwych poziomach i wymiarach ludzkiej egzystencji.Prócz zagadnień ogólnych proponowane refleksje wchodzą w obszar aksjologii pedagogicznej, edukacji aksjologicznej, czy wychowania ku wartościom. Niemniej jednak ogólniejsze horyzonty namysłu zakreśla filozofia człowieka. Nawiązuję w ten sposób do wcześniejszych publikacji w tym zakresie, a przede wszystkim do książki pt. Dlaczego taki jestem? Studia z filozofii człowieka.
Przedstawiona tu monografia jest pogłębioną analizą funkcjonowania Miejskiego Ośrodka Sportu i Rekreacji w Zabrzu w latach 1998-2003. Ta cezura czasowa nie jest bynajmniej przypadkowa. Jest to bowiem etap, w którym przedmiotowy MOSiR z typowego podmiotu funkcjonalnego, jakich wiele przy każdym Urzędzie Miejskim, szczególnie w wielkich podmiotach miejskich, zmienił swoją strukturę i stał się niezależnym podmiotem kreującym w znacznym stopniu i reżyserującym systematyczne działania zmierzające w kierunku szerzenia kultury fizycznej, rekreacji oraz sportu wyczynowego w skali miasta.
Zabrzański MOSiR przekształcił się w spółkę z ograniczoną odpowiedzialnością, której właścicielem stało się miasto Zabrze. Ale spółka ta działająca
w aspekcie ekonomicznym w obszarze prawa handlowego w znacznym stopniu przynosiła również dochody, czyli po części zarabiała na swoja statutową działalność. Na tym polegał zabrzański eksperyment, w którym autor był zresztą głęboko zaangażowany. O sukcesie eksperymentu świadczy sytuacja, że kolejne wielkie, ale również mniejsze miasta poszły drogą zabrzańskiego eksperymentu ekonomiczno-społecznego.
WSTĘP
ROZDZIAŁ I
REKREACJA I KULTURA FIZYCZNA JAKO FORMA
ZAGOSPODAROWANIA CZASU WOLNEGO I POLITYKI SOCJALNEJ
ZABRZE A RUCH SPORTOWY
1.1 Czas wolny i rekreacja. Metodologia i socjalny
model sportu i rekreacji
1.2 Struktura pojęciowa kultury fizycznej
1.3 Miasto Zabrze - historia i współczesność
1.4 Sport i rekreacja w Zabrzu
ROZDZIAŁ II
MIEJSKI OŚRODEK SPORTU I REKREACJI W ZABRZU
FUNKCJA SOCJALNO-SPORTOWO-ZDROWOTNA
2.1 Powołanie i wstępny okres działalności MOSiR w Zabrzu
2.2 Podstawy prawno-organizacyjne działalności MOSiR w Zabrzu
ROZDZIAŁ III
DZIAŁALNOŚĆ ZABRZAŃSKIEGO MIEJSKIEGO
OŚRODKA SPORTU I REKREACJI W LATACH 1998-2000
WDROŻENIE EKONOMICZNO-SOCJALNEGO MODELU PODMIOTU
3.1 Innowacyjność ekonomiczna MOSiR Zabrze
3.2 Metodologia finansowania MOSiR Zabrze
na tle innych tego typu struktur w województwie śląskim
ROZDZIAŁ IV
MOSiR ZABRZE W LATACH 2001-2003
SOCJALNA FORMUŁA I INNOWACYJNE METODY DZIAŁANIA
4.1 MOSiR jako koordynator całokształtu ruchu
sportowego w mieście
4.2 Podmiotowość socjalna MOSiR Zabrze
4.3 Perspektywiczny, socjalny model MOSiR Zabrze
ZAKOŃCZENIE
STRESZCZENIE
SUMMARY
ZUSAMMENFASSUNG
BIBLIOGRAFIA
Nie tylko o fotografii to książka-spotkanie, a dokładnie trzydzieści sześć spotkań oraz godziny rozmów przeprowadzonych na przestrzeni czterech dekad. I choć to książka „nie tylko o fotografii”, to właśnie fenomen tego medium stanowi stały punkt odniesienia dla Jerzego Olka i jego rozmówców.
Zebrane w jednej publikacji teksty, sięgające lat siedemdziesiątych, dają unikatowy wgląd w dynamicznie zmieniającą się kondycję fotografii zarówno w sztuce, jak i życiu codziennym. Nie ma tu jednej słusznej perspektywy. Olek otwiera pole do dyskusji, podejmując rozmowy z przedstawicielami różnych obszarów życia kulturalnego i artystycznego. Otwarta forma Nie tylko o fotografii tworzy przestrzeń kolejnych spotkań i zaprasza czytelników do aktywnego udziału w rozpoczętej wymianie refleksji i doświadczeń.
To książka szczególnie ważna obecnie, ze względu na intensywność, z jaką fotografia kształtuje współczesną rzeczywistość wizualną. W czasach, gdy wytwarzanie obrazów nigdy nie było tak proste, spojrzenie na trudności, z jakimi fotografia musiała się zderzyć w minionych dekadach, może skłonić do zatrzymania się w pędzie nadprodukcji i do refleksji nad przyszłością tego medium.
Jerzy Olek -- artysta i teoretyk. Profesor SWPS Uniwersytetu Humanistycznospołecznego we Wrocławiu. Wcześniej profesor Uniwersytetu Artystycznego w Poznaniu i Akademii Sztuk Pięknych w Gdańsku. Członek redakcji: „European Photography”, „Projekt”, „Art Life”, „Arteon” i „Artluk”. Autor książek: Moja droga do bezwymiaru (2001), Umożliwianie niemożliwemu (2007), 7 od/za/słon iluzji (2013) i Zobaczyć idealne, czyli bezkresy kresek (2015). Animator ruchu fotografii ekspansywnej i medialnej (lata 70.) oraz fotografii elementarnej (lata 80.). Twórca Galerii „Foto-Medium-Art” we Wrocławiu (1977). Kurator międzynarodowych Fotokonferencji Wschód-Zachód „Europejska Wymiana” (pierwsza w 1989). Autor programów 20 Festiwali Nowej Sztuki „lAbiRynT”.
Opowieści z końca świata nie są typową książką o podróżowaniu i życiu za granicą. To historia o życiu, jego zakrętach i… przeznaczeniu. I o tym, że szukając swojego miejsca na ziemi, możemy się dowiedzieć, że jedno takie miejsce nie istnieje.
Koniec świata to takie miejsce, w którym chciałoby się spędzić resztę życia. Ewelina Gac swój pierwszy krok w poszukiwaniach takiego miejsca postawiła kilka lat temu, kiedy wyjeżdżała na studencką wymianę do Turcji. To od niej wszystko się zaczęło.
Autorka bloga podróżniczego W poszukiwaniu końca świata. Zanim wyjechała do Turcji na studencką wymianę nie spodziewała się, że będzie studiować ekonomię w Grecji, sprzedawać lody w Stanach Zjednoczonych, studia skończy w czeskiej Pradze i zostanie księgową na Węgrzech.
Remember Britpop and the '90s through hundreds of its most striking images - with many seen here for the very first time.
Taken by renowned photographer Kevin Cummins, chief photographer at the NME for more than a decade, the images in this book explore the rise and fall of Cool Britannia and all that came with it.
Nostalgic, anarchic and featuring contributions from icons of the Britpop era including Noel Gallagher and Brett Anderson, While We Were Getting High is a seminal portrait of a decade like no other.
Philip III (1578-1621), so often dismissed in favor of Philip II and Philip IV, actually presided over an era of crucial artistic development in Spain. His reign was a time of cultural and political vitality for the Spanish monarchy, as the king and his court, having successfully maintained a peaceful foreign policy in Europe (the "Pax Hispanica"), ushered in a style of grandeur where fabulous gala celebrations, building campaigns, picture collecting, recreation and travel were the order of the day. Accordingly, the art of this period flourished, witnessing the birth of a naturalistic style that was variously reflected in a new attention to detail and spatiality in court portraiture, the thriving of still life, the humanizing of saints and the development of polychrome sculpture. Focusing on the careers of the mature El Greco and the young Velázquez, which bookend this exciting period of resurgent court culture, this volume also investigates the works of lesser-known but highly talented artists who exerted a critical influence on the development of Spanish painting. Essays by several noted scholars provide indispensable perspectives on the historical, literary, cultural and religious context in which these artists lived. The product of 20 years of research and illustrated with a sumptuousness befitting its subject, El Greco to Velázquez is sure to become a standard reference for enthusiasts of Spanish art.
Picasso's Drawings, 1890-1921, which accompanied an exhibition held at The Frick Collection from October 4, 2011 through January 8, 2012, and at The National Gallery of Art in February, 2012 follows the dazzling development of the artist's drawing practice from the precocious academic exercises of his youth to his renewal of classicism in his virtuoso output of the early 1920s. A selection of more than seventy works on paper, with extended entries, highlights his stylistic experiments and techniques during this roughly thirty-year period, which begins and ends in a classical mode and encompasses his most radical innovations. Discussions of Picasso's style, sources, and techniques demonstrate how drawing served as an essential means of invention and discovery for the artist.
An important reconsideration of landscape photography in 19th-century America, exploring crucial but neglected geographies, practitioners, and themes
Although pictures of the West have dominated our perception of 19th-century American landscape photography, many photographers were working in the eastern half of the United States during that period. Their pictures, with the exception of Civil War images, have received relatively scant attention. Redressing this imbalance is East of the Mississippi, the first book to focus exclusively on the arresting eastern photographs that helped shape America's national identity. Celebrating natural wonders such as Niagara Falls and the White Mountains as well as capturing a cultural landscape fundamentally altered by industrialization, these works also documented the impact of war, promoted tourism, and played a role in an emerging environmentalism.
Showcasing more than 180 photographs from 1839 to 1900 in a rich variety of media and formats-from daguerreotypes, salted paper prints, tintypes, cyanotypes, and albumen prints to stereo cards and photograph albums-this volume traces the evolution of eastern landscape photography and introduces the artists who explored this subject. Also considered are the dynamic ties with other media-for instance, between painters and photographers such as the Bierstadt and Moran brothers-and the distinctive development of landscape photography in America.
This is a book about Edward Weston before he was Edward Weston―before he was the renowned modernist photographer we know so well. His early years in the field coincided exactly with the height of the Pictorialist movement in America, and while he was never a typical practitioner, he did make photographs that borrowed themes from paintings and other media, and experimented with soft-focused imagery that sometimes looks more like graphite drawings or inky dark prints than photographs. He would later disavow the gauzy, painterly experiments of his early years, claiming in his Daybooks that “even as I made the soft ‘artistic’ work … I would secretly admire sharp, clean, technically perfect photographs.”
Introducing rare surviving prints from the unplumbed holdings of the Lane Collection at the Museum of Fine Arts, Boston, this book offers new insights into Weston’s working methods and his evolution as a photographer. By taking a longer and more nuanced view of his early years, and by reinserting his first experiments back into the larger story of his artistic production, it reveals the variety of ways in which the paths he took as a young man led him to become the mature modernist master. Beautifully reproduced examples of Weston’s most important early work, essays explaining its place in his oeuvre and the history of photography, and a section dedicated to the variety of Weston’s early materials and techniques make this book a must-have resource.
Previously unpublished photographs and iconic portraits of musicians from the 1950s through the 1980s offer a new perspective on Doisneau's remarkable talent.
Master photographer Robert Doisneau's passion for the joyful energy inherent in the music world comes alive in images that cover the musical spectrum, from classical and jazz to be-bop to the roots of modern rap and alternative rock. With camera in hand, Doisneau crisscrossed Paris to capture intimate moments with star musicians such as Eartha Kitt in a jazz club, Django Reinhardt at home, and Yehudi Menuhin backstage, or with locals at a neighborhood dance or jamming in a brass band. His portraits were commissioned for stars from Juliette Gréco to Charles Aznavour to Claude François, and a new generation of musicians in the 1980s including Rita Mitsouko and Les Négresses Vertes.
This book--curated by the photographer's granddaughter to accompany an exhibition at the Philharmonie de Paris--includes more than one hundred photographs, many previously unpublished, that showcase the artist's mastery in editing, special effects, photomontage, collage, photo distortions, and splits.
In the 1930s the history of Japanese photography evolved in two very different directions: one toward documentary photography, the other favoring an experimental, or avant-garde, approach strongly influenced by Western Surrealism. This book explores these two strains of modern Japanese photography through the work of two remarkable figures: Hiroshi Hamaya and Kansuke Yamamoto.
Hiroshi Hamaya (1915–1999) was born and raised in Tokyo and, after an initial period of creative experimentation, turned his attention to recording traditional life and culture on the coast of the Sea of Japan. In 1940 he began photographing the New Year’s rituals in a remote village, which was published as Yukiguni (Snow country). He went on to record cultural changes in China, political protests in Japan, and landscapes around the world.
Kansuke Yamamoto (1914–1987) became fascinated by the innovative approaches in art and literature exemplified by such Western artists as Man Ray, René Magritte, and Yves Tanguy. He promoted Surrealist and avant-garde ideas in Japan through his poetry, paintings, sculptures, and photographs.
Along with essays by the book’s coeditors, Judith Keller and Amanda Maddox, are essays by Kotaro Iizawa, Ryuichi Kaneko, and Jonathan M. Reynolds, life chronologies, and a selection of poems by Yamamoto translated by John Solt. This book, which features more than one hundred images, accompanies an exhibition of the same name on view at the J. Paul Getty Museum from March 26 to August 25, 2013.
Ten produkt jest zapowiedzią. Realizacja Twojego zamówienia ulegnie przez to wydłużeniu do czasu premiery tej pozycji. Czy chcesz dodać ten produkt do koszyka?
