W tej strefie zapraszamy czytelników tak zwane artystyczne dusze po książki z kategorii Sztuka. Polecamy szereg publikacji o sztuce i jej historii,ciekawostki i portfolia artystów, eseje, albumy, książki o malarstwie, rzeźbiarstwie, architekturze oraz histoii fotografii. Biografie ciekawych artystów, książki i powieści przedstawiające fascynujące losy malarzy i osób uwiecznianych na obrazach. W tym dziale tylko ksiązki ze sztuka w tle.
Autor podejmuje rozważania nad tym, dlaczego nauczyliśmy się rozmawiać o dziełach sztuki, skupiając się na problemach pozostających niejako obok nich. Przedstawia genezę zjawisk kulturowych, które sprawiły, że tak chętnie czytamy wywiady z artystami i bardziej interesują nas prywatne rozmowy twórców niż ich utwory.
Znane i lubiane polskie piosenki dla dzieci.
Te teksty, przekazywane z pokolenia na pokolenie, są powtarzane przez wszystkich: zarówno przez dorosłych, jak i przez dzieci.
Śpiewanie piosenek jest doskonałą okazją do wspólnej zabawy, która pogłębia i buduje więzi, rozwija dziecięcą wyobraźnię, ćwiczy pamięć i stymuluje rozwój mowy. Dzięki zawartym w nich rymom dziecko uczy się łączyć sylaby, a potem tworzyć z nich słowa, kształtuje wyczucie rytmu i słuch muzyczny.
Doskonała książka do zabawy i nauki – dla malucha, przedszkolaka oraz dla pierwszoklasisty, który zaczyna uczyć się czytać.
Czemu służyć ma sztuka w miejscach zbrodni i śmierci, co czyni lub uczynić może artysta dla pamięci o ofiarach i pamięci żyjących, wreszcie jak przy jej udziale kształtuje się „krajobraz po zbrodniach” Europy drugiej połowy wieku XX, a także nowego stulecia? Czy sztuka przynieść może katharsis, wzbudzić uczucia trwogi i współczucia, spowodować narastanie empatii wobec losu wielkich, grupowych podmiotów wojennych tragedii? Czy dzieła sztuki zdołają poprzez artystyczny ład i kreatywną ekspresję wyciszyć poczucie porażającego okrucieństwa, bezsensu i chaosu, doprowadzić do uspokojenia, oczyszczenia uczuć? Na te pytania odpowiedzieć może przede wszystkim indywidualny odbiorca owe dzieła w miejscach zbrodni postrzegający zgodnie ze swymi psychicznymi potrzebami i estetyczną wrażliwością. Zebrane w książce przykłady i analizy, gdy spotkają się z osobistymi doznaniami czytelników, mogą ich wspomóc w doświadczaniu dzieł sztuki upamiętniającej cywilne ofiary drugiej wojny światowej i w poszukiwaniu odpowiedzi na egzystencjalne pytania o moc sztuki i współczującej pamięci.
Od chwili zakończenia drugiej wojny światowej Europa wznosi nieprzerwanie pomniki i różnorodne znaki pamięci dla swych żołnierzy i bojowników, a także cywilnych ofiar – tych wszystkich, których z jakichkolwiek powodów uznano za wrogich niemieckiej władzy, niejednokrotnie z tej racji, że byli patriotami lub elitą swego narodu.
Inspiracją dla książki była refleksja nad wielkimi, masowymi zbrodniami popełnionymi na cywilnej ludności, a poświęcona jest w głównej mierze tym, których mordowano nie za to, co uczynili lub mogliby przeciwko najeźdźcom uczynić – ale za to, czym byli – wedle narodowości, etnicznego pochodzenia, wyznawanej wiary, odmienności orientacji seksualnej czy piętna choroby psychicznej lub kalectwa.
(ze wstępu)
Książka powstała we współpracy z Marianem Turskim.
Pierwsza edycja nigdy dotąd niepublikowanego szkicownika Piotra Michałowskiego – najwybitniejszego malarza polskiego romantyzmu.
Po raz pierwszy prezentujemy szkicownik genialnego malarza oraz bohatera walki narodowowyzwoleńczej Piotra Michałowskiego, opatrzony wyczerpującym komentarzem krytycznym Elżbiety Wichrowskiej oraz Jana K. Ostrowskiego, wybitnych znawców jego artystycznych dokonań.
Pomiędzy powstaniem a emigracją składa się z dwóch części: przejmującej opowieści o malarzu i jego czasach oraz szkicownika artysty. Album ten, będący oryginalnym rodzajem dziennika intymnego, w sposób nowoczesny prezentuje psychologiczną głębię i niezwykłe komplikacje sytuacji życiowej autora rzuconego w wir zawieruchy dziejowej. Powstawał on w podkrakowskim Podgórzu na początku 1832 roku, tuż po klęsce powstania listopadowego, a przed udaniem się Michałowskiego na emigrację.
Rysunki w szkicowniku ukazują sceny powstańcze, życie codzienne wygnańców i pejzaże. Widzimy dzięki nim, że Michałowski przerodził się z błyskotliwego rysownika salonowego w artystę nadzwyczaj poważnie podchodzącego do swego powołania, aby z czasem stać się najwybitniejszym malarzem polskiego romantyzmu.
Elżbieta Wichrowska – profesor nauk humanistycznych, historyk literatury i edytor, kierownik studiów doktoranckich na Wydziale Polonistyki Uniwersytetu Warszawskiego. Autorka książek dotyczących literatury i kultury XVIII i XIX wieku, a także edycji źródeł literackich oraz dokumentu osobistego (w tym dzienników i korespondencji Antoniego Ostrowskiego i osób należących do jego kręgu, m.in. Początki dziennika intymnego w Polsce na przełomie XVIII i XIX wieku. Antoni Ostrowski „Życie najlepszej żony opisane przez czułego męża dla kochanych dzieci”). Autorka powieści podejmujących wątki historyczne i sensacyjne.
Jan K. Ostrowski – emerytowany profesor Uniwersytetu Jagiellońskiego, dyrektor Zamku Królewskiego na Wawelu (od 1989) i prezes Polskiej Akademii Umiejętności (od 2018), jako potomek w piątym pokoleniu Antoniego Ostrowskiego – obecnego na kartach tej książki – jest w ten sposób związany rodzinnie z Piotrem Michałowskim, któremu poświęcił dwie książki (1985, 1988). Jest także inicjatorem i kierownikiem programu inwentaryzacji zabytków na Kresach Wschodnich, którego owocem jest 39 tomów opublikowanych w latach 1993-2018.
Rezydencja artystyczna nie zawsze kończy się spektakularnym wydarzeniem, na które można zaprosić publiczność. A przecież rezydentki i rezydenci mieszkają i tworzą w Warszawie dwa, trzy miesiące, czasem nawet pół roku. Pracujemy z nimi, codziennie ich spotykamy – chcemy także dać Wam szansę na spotkanie z nimi i ujawnić ich! Stąd pomysł na cykl portretów i magazyn pod tym samym tytułem – po prostu The Residents. W ramach projektu fotograficznego zainicjowanego przez kuratorkę U–jazdowskiego Mariannę Dobkowską i artystę Witka Orskiego polscy artyści i artystki pracujący w medium fotografii portretują rezydentki i rezydentów U–jazdowskiego. Portrety utrwalają szczególny moment rezydencji, a praca nad nimi jest też okazją do spotkania, wymiany, współpracy, nawiązania przyjaźni.
Pierwszy numer biuletynu The Residents prezentuje Nikitę Kadana, kolektyw Kem, Grazielę Kunsh, Linę Lapelyte, Melissę Tun Tun, którzy odwiedzili Warszawę i mieszkali w U–jazdowskim jesienią 2018. Autorką portretów jest Karolina Zajączkowska. Wywiady przeprowadził Alek Hudzik. Magazyn zaprojektował Krzysztof Bielecki.
Publikacja towarzyszy wystawie Artura Żmijewskiego 'Pracując" w Centrum Sztuki Współczesnej Zamek Ujazdowski (8 grudnia 2012 – 24 lutego 2013). Zawiera esej Karola Sienkiewicza „Bez scenariusza” oraz informacje na temat filmów artysty (m.in. "Demokracji" – filmowej serii dokumentującej przejawy politycznej aktywności w przestrzeni publicznej, "Moi sąsiedzi", "Na Ślepo" – filmu dokumentującego aktywność niewidomych, którzy malują obrazy – oraz "Mszy" – filmowego zapisu katolickiej mszy odegranej wiernie na scenie Teatru Dramatycznego w Warszawie
Architektura włoskiego renesansu i jej główni przedstawiciele (m.in. Filippo Brunelleschi i Leon Battista Alberti) przez kolejne wieki wpływali na stylearchitektoniczne w całej Europie i poza nią. Tom Italian Renaissance Architecture jest obszernym, dobrze udokumentowanym kompendium wiedzyo architekturze renesansowej. Bogato ilustrowany album zawiera zdjęcia, szkice i ilustracje uporządkowane wg regionów Włoch oraz glosariusz.autor: Marco Bussaglijęzyk: angielski
Praca, operująca bogatą bibliografią przedmiotu, posiada, dzięki respektowaniu i sumiennemu porządkowaniu istniejącego stanu badań, dużą wartość poznawczą. Koncept spojrzenia na różnorodne tradycje teatru muzycznego w optyce poetyki Arystotelesa nadaje pracy podwójny wymiar:będąc studium poetyki operowej, sytuowanej pomiędzy wyodrębnionymi przez filozofa rodzajami literackimi stanowi zarazem część historii recepcji myśli Stagiryty, przyczynek do jej poznania. książka jest znakomicie sproblematyzowana, o wyrazistej architektonice kompozycyjnej. Bogaty materiał źródłowy i zestaw komentarzy zostały w niej przedstawione w sposób uporządkowany w logicznym, sugestywnym wywodzie - pisze dr. hab. Iwona Puchalska.
Hockney — Van Gogh: The Joy of Nature presents unique insights into the influences of two world-renowned artists. Nature has been a substantial theme for both David Hockney and Vincent van Gogh, one that draws their work together—Hockney’s Yorkshire landscapes are especially reminiscent of Vincent van Gogh’s Wheatfield with Crows and The Harvest—and now, for the first time, art lovers can study their pieces side by side. Presenting paintings, iPad drawings, and sketchbook reproductions, and including work both old and new, this book examines the ways in which both artists use formal elements to create their particular view of the world. An exclusive interview with Hockney and an essay by writer and art critic Hans den Hartog Jager provide a rich analysis of Van Gogh’s influence on Hockney.
Leonardo in Detail is also available in a compact portable edition!
Leonardo da Vinci is the archetypal universal man, a multi-talented genius who left an indelible mark on all the realms of art and knowledge he ventured into – painting, drawing and architecture, natural science, anatomy, mathematics, engineering and astronomy. His genius as a painter was reinforced by an analytical understanding of not only the human body but also nature and the physical laws of light. On the five-hundredth anniversary of Leonardo’s death in 1519, this book celebrates
the artist by highlighting thirty masterpieces, including the Annunciation, the Baptism of Christ, the Lady with an Ermine, the Mona Lisa, the Virgin of the Rocks and the Last Supper, as well as a selection of his finest drawings.
Accompanied by clear, concise commentary and arranged according to theme, enlargements of significant details from these works guide the reader in discovering this greatest exponent of Renaissance humanism.
Italian art historian Stefano Zuffi specializes in the period from the Renaissance to the Baroque. He has over sixty publications to his credit, notably on Dürer, Michelangelo, Rembrandt, Vermeer, Titian and Caravaggio.
Did you know that the Egyptians created the first synthetic color and used it to create the famous blue crown of Queen Nefertiti? Or that the noblest purple comes from a predatory sea snail? In the Roman Empire, hundreds of thousands of snails had to be sacrificed to produce a single ounce of dye. Throughout history, pigments have been made from deadly metals, poisonous minerals, urine, cow dung, and even crushed insects. From grinding down beetles and burning animal bones to alchemy and pure luck, Chromatopia reveals the origin stories behind over fifty of history’s most vivid color pigments.
Featuring informative and detailed color histories, a section on working with monochromatic color, and “recipes” for paint-making, Chromatopia provides color enthusiasts with an eclectic story of how synthetic colors came to be. Red lead, for example, was invented by the ancient Greeks by roasting white lead, and it became the dominant red in medieval painting.
Spanning from the ancient world to modern leaps in technology, and vibrantly illustrated throughout, this book will add a little chroma to anyone’s understanding of the history of colors.
Focusing on fifty diverse women artists, from Lavinia Fontana and Artemisia Gentileschi through Judy Chicago, Ana Mendieta and the Guerrilla Girls to Barbara Kruger, Cindy Sherman and Louise Bourgeois, this book equips the reader with a general understanding of the history of art by women, as well as an appreciation of its most outstanding figures. Traditionally women have been among art’s favoured objects of representation, while their contributions as art producers have been subordinated to those of men. This book documents women artists in context to offer readers an accessible but rich understanding of key female artists from the Baroque to the present day.
Surrealism was launched as a literary and artistic movement by French poet André Breton in 1924, and by the time of his death in 1966 had become one of the most popular art movements of the 20th century. Its very name has entered everyday usage as a synonym for bizarre. Taking the reader on a narrative journey through the history of Surrealism, this book is a digestible introduction to the movement’s key figures, their works and where to find them. Complete with a glossary of key terms and chronology, this addition to the Art Essentials series provides an indispensable resource for anyone interested in learning about this most influential of art phenomena.
In a world where artists place a premium on self-expression and innovation, obtuse intellectualism and outrage for outrage’s sake, this guide aims to decipher the bizarre and often intimidating phenomenon of ‘modern art’. Ranging across the widest variety of media, styles, subjects and intentions, Simon Morley offers seven different lenses through which to interpret twenty works of art, reflecting the impact of globalism and neuroscience. Without recourse to inflexible ‘readings’, he invites the reader to unlock the meanings of some of the world’s most intriguing and contested art.
Although the fact may be surprising to some, landscape painting is positively thriving in the 21st century – indeed, the genre has arguably never felt as vital as it does today. Landscape Painting Now is the first book of its kind to take a global view of its subject, featuring more than eighty outstanding contemporary artists – both established and emerging – whose ages span seven decades and who hail from twenty-five different countries.
Bauhaus Imaginista marks the centennial anniversary of this fascinating and popular school of art, which championed the idea of artists working together as a community. The Bauhaus reconnected art with everyday life and was active in the fields of architecture, performance, design, and visual art. Founded by Walter Gropius, its faculty included such luminaries as Paul Klee, Wassily Kandinsky, Laészloé Moholy-Nagy, and Josef Albers.
Placing emphasis on the international dissemination and reception of the Bauhaus, this book expresses the Bauhaus’ influence, philosophy, and history beyond Germany. Rethinking the school from an international perspective, it sets its entanglements against a century of geopolitical change, as many of its artists fled World War II Germany.
Bauhaus Imaginista takes readers on a global visual tour of Bauhaus influence from art and design museums to campus galleries and art institutes in India, Japan, China, Russia, Brazil, Berlin, and the United States.
Bauhaus Goes West is the story of cultural and artistic exchange between Germany and the West over a period of seventy years. It presents a view of the influential Bauhaus school in relation to the wider modernist period, distinguishing between the received idea of the Bauhaus and the documented reality. Initially, the Bauhaus was seen as an educational experiment, only later was it recognized as a style and a movement.
Working from meticulous research, Alan Powers reexamines speculations about the reception and understanding of individuals connected with the Bauhaus school and what they ultimately achieved.
Looking in greater detail at the theory and practice of art, design, and architecture between the arts and crafts movement and modernism, this book challenges the assumption that the 1920s represented a void of reactionary conservatism. Bauhaus Goes West offers an opportunity to recover some of the overlooked aspects of avant-garde that ran parallel with the work of the Bauhaus, such as the film-making of Francis Brugui re and Len Lye, and the development of art instruction for children under Marion Richardson and the London County Council.
Prezentowana książka stanowi ciekawe wprowadzenie do współczesnego sposobu myślenia o wyobrażeniach spełnienia, szczęścia i doskonałości. Badaczka ukazuje obraz raju co najmniej dwojako, jako artystyczne wizualizacje w przekazach plastyki oraz jako wyobrażenie funkcjonujące w praktykach religijnych, w mistyce, w literaturze pięknej poświęconej miłości. Autorka z pasją wciąga czytelnika w toczącą się obecnie dyskusję na temat nowego rozumienia obrazu raju.
W publikacji zaprezentowano wyniki badań dotyczących demolowania oraz jego powiązań z procesem rewitalizacji miast. Autorzy zaproponowali oryginalną koncepcję teoretyczną, którą zweryfikowali podczas badań terenowych zrealizowanych w latach 2016-2017, w siedmiu europejskich miastach. Ustalili, że demolowanie - rozumiane jako wielowymiarowa forma transformacji, która zmienia strukturę przestrzenną miasta, jego układ urbanistyczny, zabudowę, gospodarkę, społeczność, kulturę, sztukę - występuje w miastach od początku ich istnienia oraz pojawia się okresowo. Czynniki inicjujące to zjawisko mogą być spowodowane siłami natury, działalnością człowieka lub dwoma tymi elementami jednocześnie bądź następcza. Rewitalizacja to sekwencja planowanych działań podejmowanych w celu ożywienia niesprawnych i zdegradowanych obszarów miasta. Demolowanie może być przyczyną rewitalizacji, jej narzędziem bądź skutkiem. Nowatorskie spojrzenie na rewitalizację z uwzględnieniem demolowania pozwala nie tylko na modyfikację istniejącej teorii tego procesu, lecz także na jej nowoczesne zastosowanie w praktyce planowania urbanistycznego i zarządzania miastami.
Thomas Gainsborough to jeden z najwybitniejszych angielskich portrecistów i pejzażystów XVIII wieku. Jego oparty na emocjach styl choć był przedmiotem krytyki innego wielkiego portrecisty owych czasów, sir Joshuy Reynoldsa zapewnił mu szczególne miejsce w świecie sztuki zdominowanej wówczas przez akademizm i szczere uznanie wśród angielskich odbiorców.
Ten produkt jest zapowiedzią. Realizacja Twojego zamówienia ulegnie przez to wydłużeniu do czasu premiery tej pozycji. Czy chcesz dodać ten produkt do koszyka?
