W tej strefie zapraszamy czytelników tak zwane artystyczne dusze po książki z kategorii Sztuka. Polecamy szereg publikacji o sztuce i jej historii,ciekawostki i portfolia artystów, eseje, albumy, książki o malarstwie, rzeźbiarstwie, architekturze oraz histoii fotografii. Biografie ciekawych artystów, książki i powieści przedstawiające fascynujące losy malarzy i osób uwiecznianych na obrazach. W tym dziale tylko ksiązki ze sztuka w tle.
The paintings of Albert Oehlen live by audacious strategies, by questioning the image and the rules of abstraction, and by an openness and beauty often reached through the unlikeliest of means.
In this expansive monograph, we meet the full range of Oehlen’s artistic thoughts and approaches: paintings that integrate mirrors, paintings that are executed strictly in primary colors or only in gray, heavily pixelated paintings produced with the help of one of the first personal computers. We find collaged fragments of garish poster ads on canvases that transforming screaming slogans into abstract elements, charcoal drawings the size of a wall, finger paintings, and paintings in which black treelike silhouettes contort themselves into a lexicon of abstract forms. Throughout, Oehlen transforms the conceptual into the compositional, at once invigorating and challenging the viewer.
Revising and updating TASCHEN’s previous Collector’s Edition, this revelatory survey explores Oehlen’s trajectory from his early days up to the present. It features more than 400 paintings as well as insightful commentaries and interviews, covering Oehlen’s different work stages and approaches. Roberto Ohrt’s essay takes us back to the special vibe of the early 1980s where Oehlen worked alongside Kippenberger, Büttner, and others, part of a scene that painted quickly and close to the pulse of time. Oehlen discusses his computer paintings with John Corbett, and follows up on his more recent work, his thoughts on art, and his day in the studio in a lengthy conversation with Alexander Klar. Together with a collection of shorter texts and statements, this brings us close to the ideas of an artist who has been dubbed “the most resourceful abstract painter alive.”
Fearlessly jump and fall into the world of Taylor Swift with this illustrated appreciation of music by Swiftian Theory co-founder Satu Hämeenaho-Fox.
This is the book for all Swifties of every era, and the perfect gift for the Taylor Swift fan in your life.
Get ready to deep dive into the story of Taylor’s life through her songwriting. Travel back to where it all began with her debut album Taylor Swift and journey through the eras, from the enchanting moments of Speak Now and 1989's red-heart sunglasses, to the cosy cardigan's of Folklore and bejewelled Midnights.
Including the musical influences and personal experiences that helped make Taylor the mastermind and icon she is, this book celebrates the inimitable talent of one of the world’s greatest songwriters, performers and cat lovers.
Covering her groundbreaking tours, fiercely loyal fans and inspiring position as a businesswoman, discover how Taylor uses her signature themes of girlhood, heartbreak and female friendship to master her craft, and how her genius for poignant lyrics and planting secret clues has developed her music into a whole universe for Swifties to explore.
Are you ready for it?
From the towering Sagrada Família to the shimmering, textured facade of Casa Batlló and the enchanting landscape of Park Güell, it’s easy to see why Antoni Gaudí (1852–1926) gained the epithet “God’s architect”. With fluid forms and mathematical precision, his work extols the wonder of natural creation: columns soar like tree trunks, window frames curve like flowering branches, and ceramic tiling shimmers like scaly, reptilian skin.
With this outstanding attention to natural detail, his inspirations from both neo-Gothic and Orientalist aesthetics, and a lifelong commitment to Catalan identity, Gaudí created a unique brand of the Modernista movement which transformed, and defines, Barcelona’s cityscape.
With seven of Gaudí’s projects listed as UNESCO World Heritage Sites, this book introduces the architect’s extraordinary vision and unique legacy, exploring the influences and the details which allow his buildings to impress, inspire, and amaze, one century after their construction.
Maria Antonietta Crippa is currently professor “straordinario” of History of Architecture at the Politecnico University in Milan, at the DiAP (Department of Architecture and Planning of the School of Architecture). Since the early 1980s, she has published widely on architecture and town planning.
Peter Gössel runs an agency for museum and exhibition design. For TASCHEN he published monographs on Julius Shulman, R. M. Schindler, John Lautner and Richard Neutra as well as several architecture titles in the Basic Art Series.
Seria Foto Retro powstała we współpracy z Narodowym Archiwum Cyfrowym. Siedem albumów opowiada obrazami historię kilkudziesięciu lat z dziejów stolicy. Narrację tworzą nieznane fotografie pozyskane ze zbiorów Narodowego Archiwum Cyfrowego. Zestaw w eleganckim etui.
Wyjątkowy zestaw pięciu minialbumów 'Beksiński' w eleganckim etui. Komplet ten to niepowtarzalna edycja bestsellerowych wydań albumowych zawierających dzieła Zdzisława Beksińskiego, z których dwa ukazały się jeszcze za życia i przy współpracy samego Mistrza. Kolekcja zawiera wybrane prace Beksińskiego z zakresu malarstwa, rysunku oraz grafiki komputerowej, pochodzących z archiwum Muzeum Historycznego w Sanoku oraz zbiorów prywatnych.
Embrace the world of innovative opportunities provided by prefabrication and modular construction, billed by many as the future of modern architecture.
Step into the new era of architecture and design with Prefab and Modular, a well-curated collection of prefabricated and modular housing as well as cultural and office buildings. This book explores the unlimited possibilities of prefabricated and modular construction, looks at its various applications, and locks into how these technologies have been used throughout the history of design.
Whether a design professional, a homeowner, or an architecture lover, Prefab and Modular inspires the reader to improve their practice through innovative solutions, and find a perfect house to be constructed in just a few days.
Autograf Etiudy C-dur jest częścią Ernest Schelling Collection w The Morgan Library & Museum w Nowym Jorku. Służył jako podstawa do wydania francuskiego opublikowanego przez Maurice’a Schlesingera. Etiuda C-dur wykracza poza konwencje gatunkowe, z których wyrosła, co powodowało na początku lat 30. XIX w. pełną zaskoczenia reakcję krytyków i słuchaczy. Utwór otwiera drogę do tego, co późniejsi kompozytorzy nazwą „etiudą koncertową”. Wydany rękopis jest jedynym autografem edycyjnym Etiudy przygotowanym przez Chopina. Dołączony komentarz źródłowy jest autorstwa prof. Jeffreya Kallberga.
Celem międzynarodowego projektu „Dzieła Chopina. Wydanie Faksymilowe” jest publikacja wszystkich dostępnych, rozsianych po całym świecie autografów dzieł Fryderyka Chopina w formie faksymiliów. Projekt realizowany jest od 2001 roku, a jego redaktorem naczelnym od samego początku jest prof. Zofia Chechlińska.
Największą wartością wydawanych edycji jest jak najdoskonalsze odwzorowanie graficzne manuskryptów w postaci współczesnych druków, dzięki czemu oryginalny tekst kompozycji Chopina może zostać udostępniony wykonawcom i naukowcom w celu jak najpełniejszego zrozumienia intencji kompozytora oraz weryfikacji wiedzy o źródłach.
Każdy tom zawiera dwie części: edycję faksymilową źródła muzycznego oraz komentarz naukowy w sześciu językach: polskim, angielskim, francuskim, niemieckim, hiszpańskim i japońskim. Komentarze zawierają najbardziej aktualne informacje na temat historii publikowanych rękopisów. Wartość tych unikalnych edycji dodatkowo podnoszą: estetyczny układ treści, twarda okładka i zabezpieczające pudełko.
Języki: Polski, Angielski, Francuski, Niemiecki, Hiszpański, Japoński
Dla każdego, kto chce rozpocząć przygodę z akwarelą. W książce znajdziesz 50 zachwycających motywów do namalowania według instrukcji krok po kroku - od szkicu, przez nałożenie barw, po dodanie szczegółów. Dodatkowo zamieszczono informacje dotyczące techniki malarskiej, pędzli, farb, sposobów mieszania kolorów oraz inne przydatne wskazówki i gotowe wzory do odrysowania. Wszystkie projekty można wykonać w ciągu 30 minut.
Praktyczny podręcznik do nauki kaligrafii z bestsellerowej serii Sztuka rysowania. Przeznaczony zarówno dla początkujących, jak i bardziej zaawansowanych wielbicieli pięknego pisania. Omawia między innymi: - podstawowe materiały i narzędzia do kaligrafowania i iluminowania (rodzaje papieru, pióra, stalówki, pędzle, atramenty, gwasze) - techniki pisania i rysowania liter wraz ze wskazówkami dotyczącymi przyborów, przygotowania papieru, rozplanowania arkusza czy odległości między literami - ponad 50 różnych krojów pisma wraz z ilustracjami prezentującymi kolejne etapy pracy krok po kroku. Dzięki tej książce poznasz tajniki liternictwa, a karty ćwiczeń pozwolą przejść od teorii do praktyki.
Pin-up travels the long road from barracks wall to high art
Since TASCHEN released The Great American Pin-up, international interest in this distinctly American art form has increased exponentially. Paintings by leading artists such as Alberto Vargas, George Petty, and Gil Elvgren that sold for $ 2,000 in 1996 are going for $ 200,000 and more today. Pin-up—drawings, paintings, and pastels of an idealized female face and figure intended for public display—was produced between 1920 and 1970 for calendars, magazine covers, and centerfolds. The majority of original paintings were discarded by publishers and calendar companies after printing, making the surviving art that much more precious.
This attractively priced edition showcases the top 10 names in the game. Each chapter opens with a reproduction of an original calendar or magazine cover by that artist. The reproduction quality of the paintings, pastels, and preparatory sketches that follow—largely sourced from the original art—invites the viewer to trace the brushstrokes, while the exquisite period calendars, vintage prints, and original model photos document the artists’ creative process. Much of these ephemera were photographed on-site at the historic Brown & Bigelow Company, home to the world’s largest archive of vintage pin-up calendars.
Behind the scenes of Nic Roeg’s 1976 sci-fi masterpiece starring David Bowie
First advertised as a “mind-stretching experience,” Nicolas Roeg’s 1976 The Man Who Fell to Earth stunned the cinema world. A tour-de-force of science fiction as art form, the movie brought not only hallucinatory visuals and a haunting exploration of contemporary alienation, but also glam-rock legend David Bowie in his lead role debut as paranoid alien Newton.
Based on Walter Tevis’s 1963 sci-fi fable of the same title, The Man Who Fell to Earth follows alien Newton from his arrival on earth in search of water; his transition to wealthy entrepreneur, leveraging the advanced technologies of his native planet; his sexual awakening with the young Mary-Lou; and then the discovery of his alien identity, his imprisonment, abandonment, and descent into alcoholism. Throughout, Roeg coaxed a beguiling performance from his cast, presenting not only Bowie in ethereal space-traveler glory, but also pitch-perfect supporting performances from Candy Clark, Rip Torn, and Buck Henry.
TASCHEN’s The Man Who Fell to Earth presents a plenitude of stills and behind-the-scenes images by unit photographer David James, including numerous shots of Bowie at his playful and ambiguous best. A fresh introductory essay explores the shooting of the film and its lasting impact, drawing upon an exclusive interview with David James, who brings first-hand insights into the making of this sci-fi masterwork.
Meet the full range of Julian Schnabel’s work
Julian Schnabel makes art out of life, finding his materials in the fabric of the everyday. He uses broken plates as an improbable picture ground; he paints on velvet, market stall covers, army tarps, kabuki theater backdrops, and boxing ring floors, found surfaces that lend their own rich history to the artist’s exploration. A figurehead for the return of painting after his overnight success with a first New York solo show in 1979, he has since worked in a wide variety of media: making sculptures that transpose his pictorial forms into space as raw, seemingly time-worn artifacts; directing award-winning movies that paint portraits of artists and other subtly heroic figures; and even building his own dream of a Venetian palace in New York. “I want my life to be in my work, crushed into my painting like a pressed car. If it’s not, my work is just some stuff,” Schnabel has said, and this urgency permeates his oeuvre no matter what means or media the artist chooses.
Now available in a popular edition, the complete range of Schnabel’s work is portrayed in unprecedented depth in this TASCHEN monograph, made in dialog with the artist. The texts were contributed by friends and collaborators: Laurie Anderson draws an intimate portrait of Schnabel; in three essays by curators and art historians, Éric de Chassey discusses the paintings, Bonnie Clearwater the sculpture, and Max Hollein the site-specific work; Donatien Grau writes on the Palazzo Chupi, the artist’s extravagant home in New York’s West Village; while the novelist Daniel Kehlmann explores his cinematic oeuvre. This edition allows you to study the surfaces and artistic gestures and actions, offering the most generous opportunity to experience Schnabel’s art outside of meeting it in person.
Michelangelo Caravaggio (1571-1610) - jeden z największych włoskich mistrzów. Łatwo rozpoznawalny dzięki nowatorskiemu realizmowi, rewolucyjnemu wykorzystaniu światłocienia i niespotykanej dotąd w malarstwie religijnym ekspresji. Album pokazuje dorobek artysty z nowej perspektywy - poprzez całostronicowe zbliżenia fragmentów wybranych dzieł. Detale te przedstawiono w dziewięciu grupach tematycznych, m. in. martwe natury, pięć zmysłów czy wymowne gesty. Oryginalny i przystępnym językiem napisany tekst przybliża najważniejsze dzieła artysty: Głowa Meduzy, Judyta odcinająca głowę Holofernesowi, Dawid z głową Goliata, Bachus czy Wróżenie z ręki.
W tej fascynującej książce przyglądamy się z bliska dziełom jednego z najwybitniejszych malarzy niderlandzkich, Jana van Eycka. Prezentowane detale jego obrazów koncentrują się wokół kilku tematów, takich jak przyroda, architektura, życie codzienne, tkaniny, przedmioty ze szkła, biżuteria i lustra, a także portrety.Autorzy, Maximiliaan P.J. Martens i Annick Born, rozpoczynają swoją opowieść od krótkiej biografii malarza i wprowadzenia do jego techniki malowania farbami olejnymi na desce, a następnie wyjaśniają znaczenie poszczególnych detali, pokazując, w jaki sposób ten XV-wieczny malarz uzyskiwał tak nowatorskie rezultaty. Książka Van Eyck. Zbliżenia odkrywa tajemnicę niezwykłego talentu artysty, którego obrazy charakteryzuje uderzający wręcz realizm. Jest to niespotykane dotąd spojrzenie na dzieła tego słynnego mistrza.
Contatti artistici polacco-italiani 1944-1980. Cinema – Teatro e il secondo dei due volumi che raccolgono gli atti del convegno organizzato a Roma nel 2023 da Istituto Polacco degli Studi sull’Arte del Mondo, Istituto Polacco di Roma e Accademia Polacca delle Scienze, in collaborazione con il Dipartimento di Studi Europei, Americani e Interculturali (DSEAI) della Sapienza Universita di Roma e la Fondazione Romana J.S. Umiastowska. Il primo volume, Contatti artistici polacco-italiani 1944–1980. Anni ’40 – Architettura – Arti visive, e uscito come numero annuale 23 della rivista World Art Studies (2023). Nel secondo volume sono affrontate alcune tematiche relative ai rapporti polacco-italiani nell’ambito di cinema e teatro. Dal 1948 al 1956 furono proiettati sugli schermi cinematografici polacchi piu di venti lungometraggi neorealisti, tra cui sei film di Vittorio de Sica. Invece, la presenza del cinema polacco in Italia risale al successo ottenuto da Kanał (I dannati di Varsavia) di Andrzej Wajda, che e stato presentato al Festival di Cannes del 1957. Nell’epoca della grande sovversione del cinema moderno, che la Scuola Polacca, la prima importante scuola cinematografica del dopoguerra dopo il neorealismo italiano, precede di qualche anno, il cinema polacco sembra far parte a sé. La critica italiana dell’epoca cerco di interpretare il “fenomeno polacco” tramite i film di Andrzej Wajda, Andrzej Munk, Jerzy Kawalerowicz, Wojciech Jerzy Has, Kazimierz Kutz, Janusz Morgenstern e Stanislaw Rozewicz. In Polonia i film di Vittorio de Sica, Federico Fellini, Luchino Visconti e Giuseppe De Santis divennero fonte di ispirazione per artisti grafici del manifesto tra cui Tadeusz Gronowski, Henryk Tomaszewski, Jan Lenica, Waldemar Świerzy o Franciszek Starowieyski. La scuola italiana del neorealismo si incontro con la scuola polacca del manifesto. Gli artisti del manifesto utilzzavano un’ampia gamma di tecniche – pittura, disegno, fotografia, collage – ispirandosi a molti stili, dal cubismo al surrealismo, dall’astrazione geometrica alla op art e alla pop art. L’importanza dei contatti polacco-italiani nel teatro e testimoniata dall’attivita di 3 artisti polacchi e delle rispettive compagnie. Cricot 2 di Tadeusz Kantor, il Laboratorium di Jerzy Grotowski e il teatro di Józef Szajna. Cricot 2 si esibi per la prima volta in Italia con La gallinella acquatica di Stanisław Ignacy Witkiewicz rappresentata alla Galleria Nazionale d’Arte Moderna di Roma nel 1969. Gli spettacoli erano accompagnati da manifesti e testi che definivano l’attivita artistica di Kantor (come il Manifesto del Teatro Zero, 1967). Lo spettacolo La classe morta (1975) e poi Wielopole, Wielopole (1980), realizzato in Italia, conferirono al regista una posizione di rilievo nel teatro mondiale. Il Teatro Laboratorium di Jerzy Grotowski fece la sua prima apparizione in Italia nel 1967, presentando lo spettacolo Il principe costante nell’ambito del Festival dei Due Mondi di Spoleto. Il fondamentale testo teorico di Grotowski Per un teatro povero (1968) fu pubblicato in italiano gia nel 1970. Alla fine di settembre 1975 ebbero luogo numerose repliche di Apocalypsis cum Figuris. Nel 1965, il I Festival Internazionale di Teatro di Firenze invito il Teatr Ludowy di Cracovia/Nowa Huta con una piece di Tadeusz Hołuj, Puste pole (Campo deserto), con la regia e la scenografia di Józef Szajna. Nel 1974 la X Rassegna Internazionale dei Teatri Stabili di Firenze si apri con la produzione Dante di Jozef Szajna, realizzata dal Teatro Studio di Varsavia. Tutti questi eventi sono una testimonianza della vivacita dei contatti italo-polacchi bilaterali: l’approfondimento di questi contatti e stato il fulcro della conferenza e dei due volumi di studi che ne sono il proseguimento.
Contatti artistici polacco-italiani 1944–1980. Anni ’40 – Architettura – Arti visive il primo dei due volumi in cui sono stati raccolti gli atti del convegno organizzato a Roma nel 2023 da Istituto Polacco degli Studi sull’Arte del Mondo, Istituto Polacco di Roma e Accademia Polacca delle Scienze, in collaborazione con il Dipartimento di Studi Europei, Americani e Interculturali (DSEAI) della Sapienza Universita di Roma e la Fondazione Romana J.S. Umiastowska. Il periodo che interessava il convegno e che questa pubblicazione abbraccia e quello che intercorre tra il 1944 e il 1980. La data iniziale e legata alla battaglia di Montecassino combattuta a maggio dal 2 Corpo d’Armata, con a capo il generale Władyslaw Anders, giunto in Italia l’anno precedente. Fra i suoi soldati c’era un gruppo di artisti che avevano intrapreso gli studi all’Accademia di Belle Arti di Roma. Gli “artisti di Anders”, come anche i registi e gli attori del Teatro Drammatico del 2 Corpo, fondarono nella capitale italiana un circolo artistico che continuo a esistere finché il Secondo Corpo non fu trasferito in Gran Bretagna. Fra gli artisti che si erano stabiliti in Italia si distinsero Michał Waszyński (regista di un film sui soldati del Secondo Corpo d’Armata, La grande strada, girato a Roma nel 1946) e il pittore Józef Jarema (fondatore dell’Art Club di Roma nel 1945). L’inizio delle relazioni culturali tra le nuove autorita polacche e italiane risale al 1946, quando al Museo Nazionale di Varsavia fu inaugurata la mostra Arte contemporanea italiana. Tra le opere esposte vi erano quaranta dipinti di pittori famosi come Felice Casorati, Giorgio de Chirico, Filippo de Pisis, Renato Guttuso, Giorgio Morandi, Gabriele Mucchi, Gino Severini e Giulio Turcato. Il deterioramento della situazione politica durante la Guerra Fredda fece si che una mostra di pittura polacca in Italia non poté avere luogo; tuttavia nel 1949 fu inaugurata una mostra di stampe polacche a Milano, Roma e Torino. Negli anni Cinquanta e Sessanta artisti di spicco come Tadeusz Kulisiewicz, Mieczysław Wejman, Maria Jarema e Henryk Stażewski raccolsero successi alla Biennale di Venezia e numerose mostre di pittura e grafica polacca. Di particolare importanza fu lo scambio di mostre: a Varsavia nel 1968 ebbe luogo una presentazione della Pittura italiana. Pittori italiani come Renato Guttuso ed Emilio Vedova influenzarono gli artisti polacchi attraverso mostre a Varsavia e Poznań. La prima Biennale del Manifesto in Europa (1966) e la fondazione del Museo del Manifesto (1968) ebbero in Italia una grande risonanza. Per quanto riguarda i contatti artistici fra la Polonia e l’estero, l’Ufficio Centrale per le Esposizioni Artistiche (CBWA) oggi Galleria Nazionale d’Arte Moderna Zachęta di Varsavia conserva la documentazione su decine di mostre e centinaia di nomi di artisti polacchi e italiani che hanno esposto in gallerie e musei in Polonia e in Italia, tra cui la Galleria Foksal di Varsavia, il Museo d’Arte di Łódź, il Museo Nazionale e il CBWA di Varsavia, la Galleria Arturo Schwarz di Milano e il Palazzo delle Esposizioni di Roma. Due straordinari eventi artistici chiudono il periodo delle relazioni polacco-italiane del dopoguerra. Il primo e la mostra Avanguardia polacca, 1910-1978: S. I. Witkiewicz, costruttivismo, artisti contemporanei al Palazzo delle Esposizioni di Roma nel gennaio 1979. Contemporaneamente e sempre nello stesso luogo, fu inaugurata un’altra importante mostra polacca: Le opere di Tadeusz Kantor; Pittori di Cricot 2. Questi eventi testimoniavano – nonostante la divisione nell’Europa dell’epoca – la vivacita dei contatti reciproci che contribuirono al rafforzamento degli scambi tra i teatri d’avanguardia come il Cricot 2 di Tadeusz Kantor, il Laboratorium di Jerzy Grotowski, la compagnia di Józef Szajna, e le compagnie italiane che parteciparono al Festival del Teatro Aperto di Breslavia.
Człowiek uwikłany jest w kulturę, w której się urodził i wychował. Kultura wpływa na jego tożsamość, na jego obraz świata i postawę wobec innych. Jest to zależność, którą często odkrywa dopiero w momencie zetknięcia się z inną kulturą, a jedną z przyczyn takiego styku jest migracja. Z tym tematem zmierzyły się współczesne artystki multimedialne pochodzące z Azji, m.in. Mona Hatoum, Sigalit Landau, Shirin Neshat, Almagul Menlibaeva, Yang Yue-Qing, Kim Sooja, Mori Mariko, Takano Aya, Fiona Tan i wiele innych. Każda z nich pod wpływem nowej sytuacji życiowej sięgnęła do swojej kultury materialnej i niematerialnej, czerpiąc z nich inspiracje. Dzięki ich twórczości możemy nie tylko obcować z niezwykle interesującą w formie i treści sztuką, lecz także spotkać się, dotknąć, poczuć i spróbować zrozumieć ich dziedzictwo kulturowe. Publikacja podzielona została na dwie części. Pierwsza zatytułowana „Artystki a tożsamość kulturowa” analizuje wybrane dzieła poszczególnych twórczyń w kontekście ich poszukiwań własnej drogi artystycznej. Druga, zatytułowana „Inspiracje”, przybliża klika motywów, będących często „cytatami kultury”, wybijających się znacząco w sztuce współczesnej Chin i Japonii. Ukazuje rodzaje nawiązań do dziedzictwa kulturowego oraz współczesne estetyki dominujące w sztuce Dalekiego Wschodu.
Ilustrowana biografia jednej z największych artystek w dziejach świata.Frida Kahlo to nie tylko ból i niepokój. Artystka chciała być w zgodzie ze swoją bezkompromisową osobowością i żyć pełnią życia. Jej malarstwo to krew i cierpienie, ale także zabawa i kolor. Była wojowniczką, która bez wahania stawiała czoło światu, namiętną kobietą, która nie godziła się na życie w cieniu swojej wielkiej miłości, Diego Rivery, i walczyła o spełnienie swoich marzeń. Frida chciała przeżywać intensywnie zarówno nieszczęścia, jak i radości, które przynosił jej los. I właśnie w tym uporze tkwiła jej prawdziwa siła.Ta książka to inspirowany przeżyciami ikonicznej meksykańskiej malarki przepiękny i barwny spacer przez jej życie i dzieło.
Prosta nauka rysowania krok po kroku!Książka zawiera 50 interesujących pomysłów na obrazki z dokładnymi instrukcjami rysowania. Każdy kolejny krok zaznaczony jest kolorem, co ułatwia śledzenie poszczególnych etapów tworzenia tych wspaniałych dzieł. Narysuj swoje ulubione zwierzęta, pojazdy i baśniowe przedmioty - z tą książką będzie to bardzo łatwe!Emily Fellah jest autorką książek dla dzieci, ilustratorką oraz bibliotekarką, która z pasją zachęca najmłodszych do czytania i tworzenia. Zaczynała karierę jako projektantka i dyplom z projektowania mody uzyskała na University of Westminster. Następnie przygotowała szereg warsztatów komiksowych oraz ilustratorskich dla szkół i innych instytucji w Wielkiej Brytanii i na świecie. Opracowała metodę rysowania postaci opartą na prostych kształtach, czego efektem jest książka "Uczę się rysować". Emily mieszka w Londynie.Powyższy opis pochodzi od wydawcy.
W niniejszym opracowaniu, stanowiącym pewnego rodzaju uzupełnienie refleksji podejmowanych przeze mnie w książce To tylko sztuczka. O samoświadomości kina i technikach deziluzyjnych we współczesnych filmach, zebrałam własne przekłady ośmiu artykułów lub rozdziałów monografii z zakresu badań nad autorefleksyjnością, synonimicznie w poszczególnych tekstach nazywaną metafikcyjnością, samoreferencyjnością, metalepsją czy - w moim ujęciu - deziluzją. Antologia, przez nieprzypadkowy dobór tłumaczonych tekstów, przedstawia zróżnicowane spojrzenia na problem samoświadomości w medium audiowizualnym (filmach, serialach telewizyjnych i streamingowych), ponieważ autorzy, których rozważania znalazły się w niniejszym zbiorze, prezentują w swoich teoriach postawy wywodzące się z rozmaitych dziedzin i metodologii humanistyki - z badań zarówno kognitywnych, formalistycznych, filozoficznych, jak i intermedialnych. "Antologia tekstów pt. Deziluzja w kinie, brawurowo przetłumaczona przez [] Adriannę Woroch, jest pozycja, na jaka czeka rodzime środowisko filmoznawcze od dawna. Tematyka iluzyjnego/deziluzyjnego i autoreferencyjnego charakteru kina oraz innych mediów audiowizualnych pozostaje przedmiotem żywego zainteresowania akademików w Polsce. Świetnie dobrane przez Autorkę kompendium ważkich tekstów spoza Polski pozwala zapoznać się czytelnikom z szerszymi kontekstami refleksyjnego charakteru mediów audiowizualnych (piszę "mediów", bo w tekstach pojawia się także telewizja oraz produkcje dedykowane platformom streamingowym). Co ważne, mamy tu do czynienia z propozycjami nastawionymi niekiedy polemicznie do klasycznych analiz filmów spod znaku mind games i puzzle movies (takich jak np. badania W. Bucklanda czy T. Elsaessera)". Z recenzji dr. hab. Sebastiana Jakuba Konefała, prof. UG Adrianna Woroch - doktor, adiunktka w Instytucie Filmu, Mediów i Sztuk Audiowizualnych Uniwersytetu Adama Mickiewicza, laureatka Diamentowego Grantu. Zajmuje się filmowym postmodernizmem, autorefleksyjnością w kinie i gatunkiem elevated genre. Autorka książki To tylko sztuczka. O samoświadomości kina i technikach deziluzyjnych we współczesnych filmach oraz jedynej jak dotąd na rynku polskim monografii poświęconej twórczości Paola Sorrentina Kicz i piękno w twórczości Paola Sorrentina.
Ten produkt jest zapowiedzią. Realizacja Twojego zamówienia ulegnie przez to wydłużeniu do czasu premiery tej pozycji. Czy chcesz dodać ten produkt do koszyka?
