W tej strefie zapraszamy czytelników tak zwane artystyczne dusze po książki z kategorii Sztuka. Polecamy szereg publikacji o sztuce i jej historii,ciekawostki i portfolia artystów, eseje, albumy, książki o malarstwie, rzeźbiarstwie, architekturze oraz histoii fotografii. Biografie ciekawych artystów, książki i powieści przedstawiające fascynujące losy malarzy i osób uwiecznianych na obrazach. W tym dziale tylko ksiązki ze sztuka w tle.
An illustrated history of Renn Sport Porsches, from 550 RS to 992 GT3 RS. Aerodynamics, lightweight construction, power, and balance: RS models from Porsche are always the sharpest upgrade on this side of the racetrack. For more than 50 years, Porsche 911s of every generation have borne the RS abbreviation, which stands for Renn Sport ("sport racing").Models with this designation dominate motor sports, inspire purists, push amateur racing drivers to their limits, and are simply a lot of fun. Professional automotive journalists Constantin Bergander and Fabian Hoberg—in cooperation with Porsche—provide a unique insight into the fastest chapter of Porsche history. Starting with the 550 RS and 1500 RS, through the now-iconic first 911 RS, to the 992 GT3 RS—which as a prototype offers a preview of the next generation of high-performance 911s—you’ll find every version of the 911 with an RS logo on the rear.This book tells the RS story of the Porsche 911, from the famous "ducktail" to the elaborate drag reduction system, from thin sheet metal bodies to carbon fiber doors, from the 2.7-liter naturally aspirated engine to the 4.0-liter high-revving unit with rigid valve train. The complete story of the RS is told with • more than 280 full-color photographs; • quotes from the engineers, designers, and other professionals who created and built the RS; • behind-the-scenes info on the whys and hows of RS development; and • a detailed data section with full technical specifications for every RS model.The highly informative text, detailed technical data, and emotional and evocative photos by expert photographer Peter Besser document a very special piece of Porsche history.
City lights and cherry trees
The woodblock prints of Tokyo that captured Europe's imagination
Utagawa Hiroshige (1797–1858) was one of the last great artists in the ukiyo-e tradition. Literally meaning “pictures of the floating world,” ukiyo-e was a particular genre of art that flourished between the 17th and 19th centuries and came to characterize the Western world’s visual idea of Japan. In many ways images of hedonism, ukiyo-e scenes often represented the bright lights and attractions of Edo (modern-day Tokyo): beautiful women, actors and wrestlers, city life, and spectacular landscapes.
Though he captured a variety of subjects, Hiroshige was most famous for landscapes, with a final masterpiece series known as “One Hundred Famous Views of Edo” (1856–1858), which depicted various scenes of the city through the seasons, from bustling shopping streets to splendid cherry orchards.
This reprint is made from one of the finest complete original sets of woodblock prints belonging to the Ota Memorial Museum of Art in Tokyo. It pairs each of the 120 illustrations with a description, allowing readers to immerse themselves in these beautiful, vibrant vistas that became paradigms of Japonisme and inspired Impressionist, Post-Impressionist and Art Nouveau artists alike, from Vincent van Gogh to James McNeill Whistler.
Sentence Structures
The architectural treatises which shaped our world
If you’ve ever wondered what goes through architects’ minds when they design buildings, you’ll be happy to know that there’s no shortage of brilliant reading material to satisfy your curiosity. Wading through the archives at your local library may prove fruitful to your endeavor, but it won’t give you the instant gratification that Architectural Theory will.
This book brings together all of the most important and influential essays about architecture written since the Renaissance, copiously illustrated and neatly organized chronologically by country. From Alberti and Palladio to Le Corbusier and Koolhaas, the best treatises by architecture’s greatest masters are gathered here, each accompanied by an essay discussing its historical context and significance. This is the all-in-one, must-have book for anyone interested in what architects have to say about their craft.
The comprehensive overview that will help transform even the most uninformed novices into well-informed connoisseurs!
The End Was Nigh
Awesome apocalyptic visions of the 16th century
The Book of Miracles first surfaced several ago and is one of the most spectacular discoveries in the field of Renaissance art. The near-complete illustrated manuscript, created in Augsburg around 1550, is composed of 169 pages of large-format illustrations in gouache and watercolor, depicting wondrous and often eerie phenomena.
The mesmerizing images deal with both biblical and folkloric tales, depicting stories from the Old Testament and Book of Revelation as well as events that took place in the immediate present of the manuscript’s author. From shooting stars to swarms of locusts, terrifying monsters to fatal floods, page after page hypnotizes with visions alternately dreadful, spectacular, and even apocalyptic.
This volume presents the revelatory Book of Miracles in a new, compact format, making this extraordinary document accessible to everyone. It comes with a translation of the manuscript texts and an essay that gives an introduction to the cultural and historical context of this unique Renaissance work.
Kreatywna kolorowanka z kodem QR związana z odgłosami dinozaurów to świetny projekt, który łączy artystyczną zabawę z technologią.
Po pokolorowaniu, dzieci mogą zeskanować kod QR smartfonem lub tabletem, aby usłyszeć odgłos odpowiedniego zwierzęcia. To doda element interakcji i zabawy.
Taka kolorowanka nie tylko rozwija umiejętności plastyczne, ale również zapewnia ciekawą interakcję z technologią, co czyni naukę o zwierzętach jeszcze bardziej angażującą i atrakcyjną dla dzieci!
Ilość stron: 24 + 60 naklejek
Format: 205x285 mm
Oprawa miękka
Rodan uznawany za najpotężniejszą rzekę Francji w połączeniu z Saoną zapewniał od najdawniejszych czasów najkrótszą drogę od Morza Śródziemnego do Europy Północnej, która ułatwiała przekaz cywilizacji rzymskiej, a potem chrześcijaństwa. Rola Rodanu jako jednej z kolebek cywilizacji miejskiej w Europie jest powszechnie uznawana, niemniej ta hipoteza nie znajduje wystarczającego potwierdzenia w opracowaniach dotyczących ewolucji form kształtowania przestrzeni miejskiej. Niniejsze studium stanowi niejako kontynuację rozpoczętych na obszarze langwedockim dociekań nad źródłami urbanistyki europejskiej. Skoncentrowanie uwagi na genezie przestrzeni zurbanizowanej wczesnego średniowiecza wynika z faktu, że jest to zakres analiz pomijanych przez historyków wobec braku źródeł pisanych, jak i wyników badań archeologicznych, które są możliwe w bardzo ograniczonym zakresie. W tej sytuacji okazuje się, że pomocne mogą stać się analizy stanowiące zasadniczy element warsztatu architekta urbanisty, czyli badania struktury przestrzennej oparte na dostępnych dokumentach natury planistycznej. Pojawiająca się w tytule informacja, że książka przedstawia refleksje architekta ma szczególne znaczenie, gdyż określa stosowane metody badawcze. Dolina Rodanu jest traktowana jako punkt odniesienia – jako reper, pozwalający w tak niezwykle złożonym organizmie, jakim jest Francja, wskazać obszar, którego najbardziej rozpoznawalnym elementem zarówno w przestrzeni, jak i formowaniu się państwa jest Rodan. Rzeka, która przez bez mała dziesięć stuleci stanowiła granicę między Francją a Cesarstwem Rzymskim. Uznano za niezbędne wykroczenie poza ten nawet niezbyt konkretnie wyznaczony obszar również poza granice dzisiejszej Francji zarówno w celach porównawczych, jak i w poszukiwaniu źródeł, a niekiedy przykładów oddziaływania zastosowanych tutaj sposobów zagospodarowania przestrzeni. Długo niedoceniana analiza morfologiczna może ułatwić i ukierunkować badania oparte na źródłach historycznych.
Projekt 51 składa się z 179 grafik wykonanych w technice linorytu zainspirowanych 51 rozdziałem ŻYCIA, INSTRUKCJI OBSŁUGI Georgesa Pereca w przekładzie Wawrzyńca Brzozowskiego. Moją uwagę od samego początku przykuł jedyny w swoim rodzaju rozdział LI zawierający 179 zdań pogrupowanych w 18 akapitach po 10 w każdym, za wyjątkiem ostatniego, gdzie tych zdań w akapicie jest tylko 9. Jest to swoisty spis treści, skrót, powtórzenie, obraz w obrazie, w którym Perec cytuje sam siebie. a wokół długi orszak wszystkich tych postaci, niosących swą przeszłość, historię, legendy. I to właśnie one zajęły moją uwagę na długi czas lektury i pracy nad tymi grafikami. Projekt przeszedł wiele zmian formalnych i koncepcyjnych, jedyne czego byłem pewien od samego początku to że prace będą wykonany w technice linorytu.Pio Kaliński
Rówieśnicy: Alina Szapocznikow urodzona w 1926 roku, Andrzej Wróblewski i Andrzej Wajda w 1927. Rzeźbiarka, malarz i filmowiec. Obdarzeni wielkimi talentami, a zarazem w młodości obciążeni bagażem wojennych przeżyć i strat. Szapocznikow, pochodząca rodziny żydowskiej, przeszła przez obozy koncentracyjne. Wróblewski widział śmierć ojca, przy próbie jego zatrzymania przez gestapo. Ojciec Wajdy, polski oficer, zginął w Katyniu. Wszyscy troje wcześnie weszli w życie twórcze. Wszyscy w swej sztuce obcowali ze śmiercią, której byli świadkami i która naznaczyła ich twórczą wyobraźnię. Młodo zmarły Wróblewski pozostawił serię obrazów rozstrzelań, które miały być "tak przykre, jak zapach trupa". Pod ich wrażeniem Wajda, jego kolega z krakowskiej ASP, zrezygnował z malarstwa na rzecz filmu. W 1957 roku zrobił Kanał - najbardziej tragiczny obraz Powstania Warszawskiego. Szapocznikow z wielką determinacją mierzyła się w sztuce ze swoją śmiertelną chorobą. Anda Rottenberg wychwyciła wspólnotę losów tego tragicznego, wielkiego pokolenia. Ta książka jest tej wspólnoty zapisem.Maria Poprzęcka
Publikacja Dwory i Pałace Mazowsza. Powiat grójecki stanowi pierwszy tom serii poświęconej rezydencjom regionu i nawiązuje do portalu internetowego Dwory i Pałace Polski (www.dipp.info.pl). Zawiera opisy 64 dworów i pałaców – wraz z informacjami na temat ich architektury, dziejów, dawnych właścicieli oraz obecnego stanu zachowania. Przewodnik wzbogacają fotografie – zarówno współczesne, jak i archiwalne – które nadają publikacji wymiar dokumentacyjny. To nie tylko kompendium wiedzy dla pasjonatów historii, lecz także zaproszenie do odkrywania miejsc, które współtworzą kulturowy krajobraz Mazowsza.
O AUTORCE:
Nina Herzberg-Zielezińska – kulturoznawczyni, absolwentka Wydziału Filologii Uniwersytetu Gdańskiego. Właścicielka i redaktorka portalu Dwory i Pałace Polski, pasjonatka i popularyzatorka wiedzy o zabytkach rezydencjalnych. Współautorka e-booków promujących Pomorze. Swoją przygodę z tematyką dworów i pałaców rozpoczęła od pracy magisterskiej poświęconej rezydencjom powiatu wejherowskiego. Od tamtej pory konsekwentnie dokumentuje obiekty z całej Polski, wierząc, że każde z tych miejsc ma swoją niepowtarzalną historię wartą ocalenia.
Kim była Marianna Orańska królewna, skandalistka, filantropka, niezależna kobieta w czasach, gdy nie było to łatwe? W tej opowieści podążamy jej śladami od pałaców Berlina i Hagi, przez rzymskie ogrody i sudeckie lasy, aż po dzikie stoki Śnieżnika. Jej życie pełne dramatów, pasji, buntu i miłości to historia kobiety, która nie chciała być tylko tłem dla wielkiej polityki. Władczyni pałaców i szlaków, matka, przedsiębiorczyni i mecenaska. Oto Marianna: kobieta, która nie dała się zamknąć w żadnym ze schematów.
Krótka historia sztuki to nowe, całkowicie innowacyjne wprowadzenie do tematu sztuk pięknych. Skonstruowana w prosty sposób książka omawia ponad 100 najważniejszych dzieł sztuki od rysunków naskalnych w Lascaux po współczesne instalacje i łączy je z najważniejszymi kierunkami, tematami i technikami w malarstwie i rzeźbie. Zwarta w treści i bogato ilustrowana, książka wyjaśnia jak, dlaczego i kiedy następowały zmiany w sztuce, kto te zmiany wprowadzał, na czym polegały, gdzie wszystko to się działo i jakie niosło konsekwencje. Autorka, unikając artystycznego żargonu, w sposób przystępny i zrozumiały opisuje dzieje sztuk plastycznych na przestrzeni wieków. Susie Hodge jest historykiem sztuki, historykiem i artystką. Jest autorką wielu książek, a wśród nich: 50 Art Ideas, How to Survive Modern Art, Why Your Five Year Old Could Not Have Done That: Modern Art Explained oraz 50 Art Nouveau Works of Art You Should Know.
Reprodukowane w tysiącach egzemplarzy dzieła Jana Matejki od ponad 100 lat kształtują naszą wyobraźnię historyczną. To artysta, którego nazwisko zna każdy Polak. Tę wyjątkową pozycję Matejko osiągnął już za życia, w wieku zaledwie 26 lat, kiedy jeden z krytyków po obejrzeniu Kazania Skargi okrzyknął go malarzem polskiej historii. Od tego czasu życie artysty upływało pod znakiem pracy nad kolejnymi wielkoformatowymi obrazami mającymi apelować do sumień rodaków lub wzniecać w nich narodową dumę. Ale historyczny nurt twórczości nie wyczerpuje opowieści o dorobku Matejki. Stworzył on również wiele mniejszych prac, opierając się na anegdotach zaczerpniętych z kronik. Był znakomitym portrecistą, twórcą nowatorskich polichromii do wnętrza kościoła Mariackiego, a także pedagogiem, nauczycielem najwybitniejszych malarzy kolejnego pokolenia.
Jest to książka o życiu Bronisławy Wilimowskiej (1906–2004), WIELKIEJ ARTYSTKI MALARKI współczesnego malarstwa XX wieku, którego była istotną i ważną częścią. Jest zbeletryzowaną opowieścią o Jej gruzińsko-polskim pochodzeniu, dzieciństwie i latach młodzieńczych spędzonych w Petersburgu i Paryżu, a następnie w Polsce, którą uważała za swoją JEDYNĄ Ojczyznę. Koniec swego życia spędziła w Rzymie pod opieką siostry i szwagra.
Książka jest też opowieścią o bliższej i dalszej rodzinie Artystki, Jej podróżach i działalności społecznej, a przede wszystkim o wystawach w kraju i zagranicą, jak i udziale w Powstaniu Warszawskim oraz odbudowie Polski po okupacji niemieckiej i drugiej wojnie światowej aż do obecnych przemian.
Prezentuje jednocześnie dokonania artystyczne poprzez liczne przede wszystkim pejzaże, kwiaty, tematykę powstańczą i wojenną oraz portrety i obrazy dokumentujące powojenną odbudowę Warszawy i Polski, utrwaloną na setkach płócien, barwnych akwarelach i czarno-białych rysunkach.
Karol Czejarek
Czy plakat jest dziełem sztuki, a jego autor artystą? Jeśli tak, to co lub kto o tym decyduje? Chodzi o formę plakatu, jego estetykę, a może wykształcenie autora lub zdanie krytyków bądź marszandów? Czy plakat na wystawie to już dzieło sztuki czystej, czy tylko wizytująca muzeum sztuka ulicy? W jaki sposób polski plakat - będący swobodną, ekspresyjną formą graficzną, powiązaną z zachodnią sztuką nowoczesną i przekraczającą granice pomiędzy grafiką a malarstwem - zdobył tak znaczącą pozycję artystyczną w komunistycznej Polsce, gdzie sztuka podlegała cenzurze i propagandowym wytycznym partii? Katarzyna Matul zabiera nas w złożony i fascynujący świat wzajemnych powiązań i relacji pomiędzy sztuką a polityką, które rzucają nowe światło na fenomen artystyczny nazywany powszechnie "polską szkołą plakatu". Legitymizacja artystyczna plakatu w PRL to jej doktorat, obroniony w 2018 roku na Uniwersytecie w Lozannie. Jest pokłosiem badań Autorki w nieanalizowanych wcześniej archiwach publicznych i prywatnych oraz pierwszą w historiografii naukową analizą polskiego plakatu z punktu widzenia kilku uzupełniających się perspektyw: krytyki artystycznej, wystawiennictwa oraz szkolnictwa artystycznego w kontekście nowej konfiguracji przestrzeni politycznej PRL z jej ideologią, polityką kulturalną, gospodarką pozbawioną wolnego rynku, specyficzną sytuacją artstyczną oraz międzynarodowymi napięciami zimnowojennymi. * Praca Katarzyny Matul pozwala na stworzenie modelu badań nad plakatem nie tylko w Polsce, ale i poza jej granicami. prof. Philippe Kaenel, Uniwersytet w Lozannie Katarzyna Matul - historyczka sztuki, absolwentka Uniwersytetu Warszawskiego, była kuratorka Międzynarodowego Biennale Plakatu w Warszawie, stypendystka Swiss National Foundation, w 2018 roku na Uniwersytecie w Lozannie obroniła doktorat Legitymizacja artystyczna plakatu w PRL: praktyki, dyskursy i instytucje (1944-1968). Zajmuje się badaniem sztuki i projektowania graficznego po 1945 roku w perspektywie historii sztuki, historii społecznej i kulturowej oraz socjologii sztuki. Autorka książek: Jak to było możliwe? O powstawaniu Międzynarodowego Biennale Plakatu w Warszawie (Universitas, 2015), De la rsistance l'autonomie, L'affiche polonaise face au ralisme socialiste 1944-1954 o polskim plakacie socrealizmu (Szwajcarskie Wydawnictwa Akademickie Alphil, 2023) oraz Lgitimation artistique de l'affiche en Rpublique populaire de Pologne 1944-1968 (Presses universitaires de Rennes, 2025). Z "polską szkołą plakatu" kojarzonych jest wielu artystów, między innymi Tadeusz Trepkowski, Henryk Tomaszewski, Józef Mroszczak, Jan Lenica, Wojciech Fangor, Wojciech Zamecznik i Roman Cieślewicz. Status plakatu jako dzieła sztuki wydają się zgodnie potwierdzać zarówno eksperci, jak i laicy. Wystarczy przejrzeć liczne publikacje, albumy, artykuły prasowe i teksty w katalogach, w których często powracają słowa takie jak "sztuka" czy "dzieło sztuki". O nobilitacji tego środka ekspresji świadczą też niezliczone wystawy polskiego plakatu w kraju i za granicą. Ich zwieńczeniem były: organizacja Międzynarodowego Biennale Plakatu w Warszawie w 1966 roku oraz utworzenie dwa lata później Muzeum Plakatu w Wilanowie. Fragment książki
Architektura nowoczesna to fascynująca sztuka, która przyczynia się do kreowania otaczającej nas rzeczywistości. Dzięki genialnym pomysłom współczesnych projektantów powstają budynki nie tylko funkcjonalne, ale także i piękne. Zakrzywione wieże, powyginane dachy i pofałdowane elewacje sprawiają wrażenie, jakby niektóre obiekty przeczyły prawom grawitacji. Budowle te stanowią niezbity dowód na to, że wyobraźnia człowieka jest niczym nieograniczona. Ta książka to świetny przewodnik po niezwykłych obiektach z całego świata. Znajdziecie tu najwspanialsze drapacze chmur, największe mosty, ekskluzywne hotele, muzea, teatry, opery, sale koncertowe, a także wielkie stadiony. Dzięki tej publikacji poznacie historię tych wspaniałych budowli, a także nacieszycie oczy pięknymi fotografiami.
Czego potrzeba artystce - poza talentem oczywiście? Virginia Woolf w słynnym eseju Własny pokój odpowiadała bez wahania: przestrzeni do pracy, stabilności finansowej i wolności dysponowania swoim czasem. O ile jednak pisarce zwykle wystarczały biurko, papier i atrament, o tyle malarka czy rzeźbiarka potrzebowała miejsca, światła, narzędzi. Własnej pracowni.Na przełomie XIX i XX wieku nie dało się być poważną artystką bez odpowiedniego atelier. To tam powstawały dzieła, to tam zaglądali klienci, kolekcjonerzy czy dziennikarze. A gdy brakowało pieniędzy na opłacanie dwóch czynszów, miejsce pracy zamieniało się również w mieszkanie. Karolina Dzimira-Zarzycka opowiada o pracowniach trzynastu polskich artystek - między innymi Anny Bilińskiej, Olgi Boznańskiej czy Marii Dulębianki - a obok ich historii szkicuje szerszy portret epoki i opowiada o różnych aspektach pracy twórczej. Dzieli się także anegdotami i mało znanymi historiami - od zwierzyńca w pracowni Rosy Bonheur pod Paryżem, przez urocze atelier rzeźbiarskie Harriet Hosmer w Rzymie, aż po pełne przepychu siedziby Vilmy Lwoff-Parlaghy w Berlinie i Nowym Jorku.To opowieść o trudnościach, z jakimi w patriarchalnym świecie borykały się kobiety, które chciały tworzyć, ale także o emancypacji i sile artystycznej niezależności.Lubię patrzeć na fotografie artystek w ich pracowniach. Te zdjęcia wiele mówią o możliwościach i warunkach pracy twórczej, o sytuacji ekonomicznej, o gorsecie obyczajowym, o estetyce i upodobaniach. Karolina Dzimira-Zarzycka jest wspaniałą przewodniczką po pracowniach przełomu XIX i XX wieku. Poznajemy warsztat pracy malarek, rzeźbiarek, kopistek. Ich potrzeby i marzenia skonfrontowane z realiami epoki. Portret artystki w pracowni to zawsze opowieść o emancypacji.Małgorzata CzyńskaAleż to trudne: oderwać się od tej książki. Wyjść z pracowni artystek, kiedy przed chwilą siedziało się wśród sztalug, blejtramów i pędzli. Czuło zapach terpentyny. Bo tak Karolina Dzimira-Zarzycka pisze. Ze szczegółów tka losy swoich bohaterek. Jest skrupulatna, cierpliwa. Pełna pasji. Trzeba jej podziękować: w końcu możemy zajrzeć tam, gdzie każde dzieło się zaczyna.Angelika KuźniakKtóż by nie chciał odwiedzić artystycznego atelier z przełomu XIX i XX wieku i doświadczyć romantycznego spotkania z miejscem pełnym sztuki? Właśnie w taką wyjątkową podróż zabiera nas Karolina Dzimira-Zarzycka, dobitnie pokazując, że dla artystek zdobycie wymarzonej przestrzeni stanowiło duże wyzwanie, a warunki ich ciężkiej pracy były na ogół dalekie od ideału. To barwna, bogata w źródła i anegdoty opowieść o konkretnych pracowniach, ale przede wszystkim o świetnych twórczyniach - zdeterminowanych i odważnych, które za realizację marzeń płaciły często wysoką, niesprawiedliwą cenę.Justyna Stasiek-Harabin
Publikacja stanowi pełne opracowanie kolekcji graficznej Jana Ponętowskiego. Jej dogłębna analiza zarówno jako całości, jak i poszczególnych części daje wgląd w ogólniejsze, a wciąż niedostatecznie zbadane procesy tworzenia, porządkowania i rozumienia kolekcji grafiki w Europie schyłku XVI wieku.Autorka przybliża biografię Jana Ponętowskiego, która nie doczekała się dotąd kompleksowego opracowania, oraz analizuje jego kolekcję, będącą cennym źródłem do poznania ówczesnych praktyk kolekcjonerskich. Dwuczęściowy katalog wprowadza zaś do obiegu naukowego informacje o wielu rzadkich lub dotąd nieznanych kompozycjach oraz stanach dzieł graficznych słynnych rytowników i wydawców, takich jak Philips Galle, Hendrick Goltzius, Antonio Lafreri, Gerard de Jode, Hieronymus Cock i Volcxken Diericx czy przedstawiciele rodzin Sadelerów, Collaertów i Wierixów.Publikacja w 3 woluminach.******Jan Ponętowskis Collection of Prints in the Jagiellonian Library in CracowThe publication is a full study of Jan Ponętowskis graphic collection. Its in-depth analysis both as a whole and its particular parts provides insight into more general, and still under-researched, processes of creating, organizing and understanding the collection of graphics in Europe at the end of the 16th century.The author presents the biography of Jan Ponętowski, which has not yet been comprehensively developed, and analyses his collection - a valuable source to learn about the collectible practices of that time. The two-part catalogue introduces into the scientific circulation information about many rare or so far unknown compositions and the state of graphic works of famous engravers and editors such as Philips Galle, Hendrick Goltzius, Antonio Lafreri, Gerard de Jode, Hieronymus Cock and Volcxken Diericx, or the representatives of the Sadeler, Collaert and Wierix families.
"Aleksander Gierymski - zeszyt do kolorowania" to świetna propozycja dla osób, które cenią zarówno sztukę, jak i kreatywny relaks. W publikacji znalazły się 15 reprodukcji dzieł malarza oraz 14 szkiców, które można samodzielnie pokolorować.Każdej ilustracji towarzyszy oryginalne dzieło - dzięki temu można spróbować odtworzyć kolorystykę mistrza lub puścić wodze wyobraźni i stworzyć własną wersję klasyki.To nie tylko chwila spokoju przy kredkach czy mazakach, ale też wyjątkowa okazja, by jeszcze bliżej poznać styl i tematykę jednego z najważniejszych twórców polskiego realizmu. Idealne dla fanów kolorowanek, sztuki XIX wieku i każdego, kto lubi łączyć przyjemne z inspirującym.
Album opracowany przez Stefanię Krzysztofowicz-Kozakowską poświęcony jest twórczości Tadeusza Makowskiego (1882-1932), malarza, rysownika i grafika, jednego z czołowych reprezentantów sztuki polskiej XX wieku.Zainspirowany folklorem, zwykle uwieczniał mieszkańców wsi i otaczającą przyrodę, często podejmował też temat karnawału i teatru. Makowski zasłynął jednak przede wszystkim jako portrecista dzieci, które obdarzone subtelnymi rysami i melancholijnym spojrzeniem, z czasem zaczęły przybierać geometryczne kształty - trójkątów, walców i stożków. To interesujące połączenie realizmu z elementami kubizmu i ekspresjonizmu nadało twórczości Makowskiego nietuzinkowy charakter.Ten bogato ilustrowany album stanowi przegląd najważniejszych dzieł malarza z kolekcji muzealnych i prywatnych. Czytelnicy zobaczą w nim między innymi Kapelę dziecięcą Karnawał dzieci z chorągiewką oraz Dzieci z turoniem. To pozycja obowiązkowa dla wszystkich entuzjastów sztuki polskiej ubiegłego wieku.
Nowy minialbum w serii Rzeźba prezentuje najciekawsze prace Grzegorza Gwiazdy, utalentowanego rzeźbiarza młodego pokolenia.Gwiazda obronił dyplom magisterski w warszawskiej Akademii Sztuk Pięknych w pracowni Adama Myjaka, kilka lat później uzyskał stopień doktora. Przez kilkanaście lat pracował w Akademii Pedagogiki Specjalnej im. Marii Grzegorzewskiej w Warszawie, obecnie prowadzi Pracownię Rzeźby na macierzystej uczelni. Jego prace wystawiane są w Polsce i za granicą, m.in. w Galerii Promocyjnej w Warszawie i w Galerii Wspólnej w Bydgoszczy oraz w Madrycie, Barcelonie czy Positano, były też wielokrotnie nagradzane, w tym dwukrotnie na międzynarodowym konkursie sztuki figuratywnej Fundació de les Arts i els Artistes. Gwiazda zasłynął jako autor rzeźb antropomorficznych, a jego główną inspirację stanowią sztuka antyczna, surrealizm oraz symbolizm.Minialbum powstał we współpracy z Akademią Sztuk Pięknych w Warszawie.
Ten produkt jest zapowiedzią. Realizacja Twojego zamówienia ulegnie przez to wydłużeniu do czasu premiery tej pozycji. Czy chcesz dodać ten produkt do koszyka?
