W tej strefie zapraszamy czytelników tak zwane artystyczne dusze po książki z kategorii Sztuka. Polecamy szereg publikacji o sztuce i jej historii,ciekawostki i portfolia artystów, eseje, albumy, książki o malarstwie, rzeźbiarstwie, architekturze oraz histoii fotografii. Biografie ciekawych artystów, książki i powieści przedstawiające fascynujące losy malarzy i osób uwiecznianych na obrazach. W tym dziale tylko ksiązki ze sztuka w tle.
Książka Katarzyny Matul poświęcona I Międzynarodowemu Biennale Plakatu, które miało miejsce w Warszawie w 1966, roku jest interesującą monografią wydarzenia. Biennale, mając wielkie znaczenie dla środowiska polskich plakacistów, wpisywało się w szerszą politykę kulturalną Polski okresu późnego Gomułki. Odwilż już odeszła, a zbliżał się rok 1968. Polska szkoła plakatu, o której wiele mówiono, stała się wówczas materiałem eksportowym polskiej kultury. Ona też otwierała drogi i umożliwiała kontakty polskich artystów z czołówką twórców na świecie. Tak powstało Biennale Plakatu, takie były jego początki. O tym wszystkim z precyzją badacza i pasją historyka sztuki opowiada autorka.prof. dr hab. Andrzej TurowskiKatarzyna Matul - historyczka sztuki, absolwentka historii sztuki Uniwersytetu Warszawskiego, była kuratorka Międzynarodowego Biennale Plakatu w Warszawie, stypendystka Swiss National Science Foundation (SNSF). W 2018 roku na Uniwersytecie w Lozannie obroniła doktorat Legitymizacja artystyczna plakatu w PRL: praktyki, dyskursy i instytucje 1944-1968. Zajmuje się badaniem sztuki i projektowania graficznego w perspektywie historii sztuki, historii społecznej i kulturowej oraz socjologii sztuki. Autorka książek: Jak to było możliwe? O powstawaniu Międzynarodowego Biennale Plakatu w Warszawie (Universitas, 2015, wyd. 1), De la rsistance l'autonomie. L'affiche polonaise face au ralisme socialiste, 1944-1954 (Alphil, 2023) o polskim plakacie socrealizmu oraz Legitymizacja artystyczna plakatu w PRL 1944-1968 (Universitas, 2025), która ukazała się również po francusku nakładem Presses universitaires de Rennes (2025).
Bogato ilustrowana książka przedstawia najważniejsze dzieła sztuki, prezentowane w największych galeriach i muzeach świata, reprodukowane w licznych publikacjach i periodykach, często wykorzystywane też na okładkach powieści.Czytelnik prowadzony jest przez epoki, style i nurty, zilustrowane najważniejszymi dziełami malarstwa, rzeźby, sztuki konceptualnej i performance'u.Obszerne kompendium wiedzy o historii sztuki światowej.Ponad 1 100 kolorowych ilustracji najwybitniejszych dzieł sztuki.Omówienie wszystkich najważniejszych dziedzin w sztukach plastycznych, od malarstwa i rzeźby po sztukę konceptualną.Przejrzyste opracowanie osi czasu, które ułatwiają orientację w chronologii zjawisk artystycznych.Atrakcyjna szata graficzna.WYDANIE ZAKTUALIZOWANE
Autor książki zwraca uwagę na obecność oraz istotność ojczyzn magicznych (nowy termin w humanistyce zaproponowany przez niego) we współczesnym zachodnim kinie i literaturze. Dzieła wpisujące się w tę tendencję są przykładem dowartościowania autorskiego własnego miejsca, postrzeganego subiektywnie, przy jednoczesnym nacisku na tworzenie osobistego mitu, korzystającego z genius loci, w oparciu o pozaracjonalny (w rozumieniu zachodnim) pierwiastek magiczny. Ojczyzny magiczne są w książce omawiane przez pryzmat trzech wyróżników: magii, etniczności i mitu. W publikacji analizowane są dzieła z dorobku ośmiu autorów: Susanny Clarke, Jana Jakuba Kolskiego, Orhana Pamuka, Ceydy Torun, Ailo Gaupa, Emira Kusturicy, Pavola Baraba i Tomma Moore'a. Wybór szerokiej palety nazwisk i dzieł pozwala na obszerną i różnorodną prezentację tego, czym jest we współczesnej kulturze ojczyzna magiczna.Książka Mateusza Żebrowskiego przypomina czytelnikom zapomniane lub ujawnia zgoła nieznane im obszary znaczeń, które stanowią podstawy istnienia różnych kultur. Pozwala, dzięki erudycyjnej i wnikliwej eksplikacji Autora, lepiej zrozumieć zawarty w nich kod antropologiczny, mitologiczny i magiczny. Jestem przekonana, że rozprawa Mateusza Żebrowskiego stanie się dla kulturoznawców cennym przewodnikiem po wyobrażonych ojczyznach magicznych oraz pasjonującą lekturą dla czytelników i widzów zainteresowanych literackimi i filmowymi miejscami, w których pojawienie się magii sugeruje istnienie porządku innego niż tylko realistyczny i zdroworozsądkowy.z recenzji prof. dr hab. Grażyny StachównyMateusz Żebrowski kulturoznawca, filmoznawca, krytyk filmowy. Wraz z Martą Chylińską prowadzi popularnego wideobloga o tematyce filmowej - Drugi Seans. W ramach Drugiego Seansu współprowadzi "Nadzieje polskiego kina" - cykl spotkań z młodymi polskimi reżyserami, często przed pełnometrażowym debiutem. Dwukrotny stypendysta ministra kultury w dziedzinie film z projektami: "Młoda szkoła" (o polskich reżyserach debiutujących po 2015 roku) oraz "Takie piękne kino się urodziło" (o dokumencie autobiograficznym w polskim kinie XXI wieku). Regularnie publikuje w "Czasie Kultury", miesięczniku "Kino" i na portalu Filmweb.
O albumie: Obrazy Szczecina / Szczecin w obrazach to wyjątkowy album ikonograficzny, który przez pryzmat malarstwa, rysunku i grafiki opowiada historię Szczecina - miasta o burzliwej przeszłości, kształtowanej przez Wikingów, Gryfów Pomorskich, Szwedów, Prusaków i Polaków. Książka zebrała setki dzieł - od renesansowych rycin (m.in. Georga Brauna, Fransa Hogenberga, Matthusa Meriana Starszego) po XIX- i XX-wieczne obrazy, litografie i akwarele (np. Augusta Ludwiga Mosta, Wilhelma Loeillota, Tadeusza Nartowskiego). To pierwsze tak kompleksowe opracowanie wizualne poświęcone Szczecinowi, które łączy walory artystyczne z historyczną dokumentacją.Co wyróżnia ten album?Ponad 500 lat historii w obrazach: Od najstarszych panoram Szczecina (XVI-XVII w.) po współczesne interpretacje miasta.Unikalne zbiory: Ryciny, mapy, akwaforty, oleje, akwarele i litografie z muzeów polskich i zagranicznych (m.in. Muzeum Narodowe w Szczecinie, Pomorskie Muzeum Krajowe w Greifswaldzie, Kupferstichkabinett w Berlinie, Nationalmuseum w Sztokholmie).Trójjęzyczna edycja: Teksty w języku polskim, niemieckim i angielskim, co czyni album dostępnym dla międzynarodowych czytelników i badaczy.Kontekst historyczny: Każde dzieło opatrzone jest opisem i komentarzem, który sytuuje je w epoce, stylu artystycznym i wydarzeniach historycznych (np. wojna trzydziestoletnia, oblężenie Szczecina, rozwój portu).Wysoka jakość wydania: Albumowy format, papier kredowy, staranna reprodukcja kolorów - idealny dla kolekcjonerów i miłośników sztuki.Dla kogo?Kolekcjonerzy i miłośnicy sztuki (zwłaszcza grafiki, malarstwa i rysunku).Historycy, archiwiści, badacze dziedzictwa kulturowego (album to cenne źródło ikonograficzne).Mieszkańcy Szczecina i turyści - dla tych, którzy chcą odkryć miasto na nowo przez pryzmat sztuki.Nauczyciele i studenci (historia sztuki, historia Polski, regionalistyka).Ciekawostki:Najstarsze przedstawienia Szczecina (np. widok z lotu ptaka Petrusa Bertiusa z 1632 r. lub Matthusa Meriana Starszego z 1652 r.) pokazują średniowieczne mury, zamek i port - kluczowe elementy, które ukształtowały tożsamość miasta.
Gustav Mahler(1860-1911) - kompozytor i dyrygent przełomu XIX i XX wieku, jedna z najbardziej fascynujących postaci późnego romantyzmu. Jego twórczość, początkowo przyjmowana z rezerwą, z czasem zdobyła uznanie i dziś należy do najważniejszych punktów odniesienia w repertuarze symfonicznym. Mahler rozwijał język muzyczny na styku tradycji i nowoczesności, łącząc rozbudowaną orkiestrację z intensywną, często skrajną ekspresją. W jego utworach spotykają się elementy natury, codzienności i refleksji egzystencjalnej, tworząc wielowymiarowe i pełne napięć struktury dźwiękowe. Choć za życia ceniono go przede wszystkim jako dyrygenta, komponowanie pozostawało dla niego sprawą najważniejszą. Nazywał siebie "wakacyjnym kompozytorem", tworzył głównie w krótkich przerwach od obowiązków zawodowych. Pozostawił po sobie stosunkowo niewielki, lecz niezwykle znaczący dorobek. Dziś jego muzyka postrzegana jest jako jedno z kluczowych ogniw prowadzących ku nowoczesnej wrażliwości.
Zbiór opracowań na skrzypce i fortepian zawiera wybrane utwory Piotra Czajkowskiego, dostosowane do potrzeb średnio-zaawansowanych wykonawców. Ta publikacja to wyjątkowa okazja, by zanurzyć się w romantycznym klimacie muzyki tego wybitnego kompozytora. Zróżnicowany repertuar, od lirycznych melodii po taneczne rytmy, pozwala rozwijać technikę i wrażliwość muzyczną.To zbiór, który nie tylko wzbogaca repertuar, ale również stanowi inspirację dla muzyków ceniących piękno klasycznych kompozycji.
Książka dr Magdaleny Worłowskiej jest nowatorskim przedstawieniem tytułowego zagadnienia, wypełniającym dotkliwy brak w polskiej dyskusji publicznej i na polskim rynku książki.To pierwsze tego typu opracowanie w polskiej literaturze, wprowadzające samo pojęcie sztuki ekologicznie zaangażowanej.Autorka analizuje szereg dzieł, postaw twórczych i wydarzeń (plenery, sympozja) od lat 60. do 80., osadzając je w szerokim kontekście degradacji środowiska w dobie PRL i artystycznych reakcji na ten proces.Książka ma więc szansę stworzyć ramy problemowe dla współczesnej dyskusji o zagadnieniach związanych z ochroną środowiska. Trzecia pozycja w serii wydawniczej Nowe Historie Sztuki współtworzonej przez Akademię Sztuk Pięknych w Warszawie oraz Muzeum Sztuki Nowoczesnej w Warszawie.Seria wprowadza nowe perspektywy badawcze do historii sztuki polskiej XX i XXI wieku. Wspiera rozwijanie badań podstawowych oraz rewizję utrwalonych narracji historycznych poprzez uwzględnienie nowych ośrodków, postaci, dzieł czy obszarów tematycznych.
Jest to pierwsza w języku polskim publikacja opisująca wpływ rozwoju technologii na kształt estetyczny i formalny teatrów telewizji. Zawiera w części pierwszej: krótki rys historyczny zmian estetyki w kontekście pojawiania się nowych technologii. W części drugiej: analizy wybranych tytułów z historii Teatru Telewizji pokazujące, jak technika telewizyjna kształtowała ich formę. Na część trzecią składają się unikatowe rozmowy przeprowadzone przez autora z twórcami telewizyjnymi, m.in. Jerzym Antczakiem, Janem Englertem i Agnieszką Holland, na temat ewolucji formy teatrów telewizji.Zachęcamy do pobrania darmowego materiału promocyjnego
Album The Art of Polish Craft: A Collector’s Edition poświęcony jest polskiemu rzemiosłu artystycznemu i stworzony z myślą o kolekcjonerach oraz miłośnikach tradycyjnej sztuki użytkowej. Album może służyć jako elegancki prezent dla klientów zainteresowanych inwestycjami w sztukę, być zmaterializowaną postacią prywatnego hobby i zarazem odzwierciedleniem rosnącego potencjału polskiej sztuki i designu jako lokaty kapitału. Jednocześnie może pokazywać wielowymiarowe podejście marki do zagadnienia kreowania lifestyle’u poziomu premium i odzwierciedlać znajomość światowych trendów poprzez zwrócenie uwagi na istotną rolę inwestycji w sztukę i design jako nieodłącznych elementów luksusowego stylu życia.Publikacja zawierać będzie nie tylko starannie wyselekcjonowane obiekty, ubrane w elegancką oprawę graficzną, ale również szczegółowe opisy historii, tradycji oraz technik rzemieślniczych charakterystycznych dla Polski. Dzięki temu czytelnik zyska szerokie spojrzenie na bogactwo polskiego dziedzictwa artystycznego oraz kontekst, w jakim powstają prezentowane dzieła.Album zostanie podzielony na sekcje tematyczne poświęcone poszczególnym dziedzinom rzemiosła, takim jak ceramika, szkło, drewno, metal oraz tekstylia – wszystkie opatrzone rzetelnym wprowadzeniem do historii i tradycji. W każdej z nich zaprezentujemy prace wybitnych artystów, których twórczość jest przykładem mistrzostwa i oryginalności. Każdy artysta będzie pokazany wraz z wybranymi obiektami sztuki, tworząc kompleksowy obraz współczesnego polskiego rzemiosła artystycznego.
Album prezentuje dorobek artystyczny Kazimierza Manna (1910-1975) - absolwenta architektury na Uniwersytecie Lwowskim i malarstwa w wiedeńskiej Kunstgewerbeschule, przedwojennego kierownika atelier grafiki Polskiej Agencji Telegraficznej.Publikacja ukazuje trzy główne obszary jego twórczości: reklamę, projektowanie dekoracji wnętrz i wystaw oraz malarstwo i grafikę artystyczną, podkreślając zarówno jego wszechstronność, jak i spójność inspiracji, wśród których pojawiają się motywy ludowe, wizerunki kobiet oraz odniesienia do sztuki archaicznej Grecji. Całość została opatrzona wstępem autorstwa Anny Lebensztejn, kuratorki wystawy artysty w Kordegardzie.
Katalog towarzyszący wystawie Kordegardy poświęconej rysunkom Józefa Czapskiego i kolażom Grzegorza Kozery, stypendysty NCK. Zestawienie prac obu artystów tworzy ciekawy dialog między twórczością Czapskiego a jej współczesną interpretacją, inspirowaną jego wrażliwością artystyczną.
To, że powstałe na przestrzeni 40 lat sztuki to wybitne teksty nie trzeba przekonywać, ale w ten wyjątkowy wybór utworów rzuca nowe światło na dorobek autora. Roman Pawłowski-Felberg w posłowiu do drugiego tomu pisze, że: W kontekście dwóch pozostałych tomów () Inne historie wydają się zbiorem opowieści z pobocza wielkiej historii i mitologii. Ich bohaterami są zwierzęta z klasycznych bajek i figury z moralitetu: spotykamy tu Bogacza i Biedaka, Króla i Błazna, Świętych i Diabłów. Objawia się w nich sam Pan Bóg, odpoczywający w niebiosach po trudach stworzenia, i Jezus, podróżujący przez argentyńską pampę na osiołku. A jednak to tutaj zakodowane jest dramatopisarskie DNA Słobodzianka, pierwotne źródło, z którego czerpie energię cały jego teatralny świat. Autor przetwarza w Innych historiach różne konwencje literackie (od bajki po dramat historyczny), opowiadając znane opowieści z innej, nietypowej perspektywy i odnosząc je do współczesności. W tomie znalazły się następujące sztuki: Historia o biedaku i osiołku Pułapka Turlajgroszek Jaskółeczka Malambo Wiktoria Niedźwiedź Wojtek
Dora Maar jest utalentowaną fotografką, malarką i poetką, gdy poznaje Pabla Picassa - jednego z największych artystów XX wieku. Fascynacja szybko przeradza się w namiętny romans, który otwiera przed nią nowe możliwości twórcze, ale jednocześnie staje się źródłem bólu i wyrzeczeń.W cieniu wojny i okupacji Francji Dora coraz mocniej wikła się w relację z człowiekiem, który inspiruje ją i niszczy zarazem. Zmuszona do akceptowania jego zdrad, kaprysów i narastającej agresji, stopniowo traci samą siebie.To poruszająca opowieść o wielkiej namiętności, sztuce i cenie, jaką płaci się za bycie muzą geniusza. Louisa Treger w swojej powieści przywraca głos niezwykłej kobiecie, która przez lata pozostawała jedynie przypisem do życia i twórczości Picassa.
Książka Kino Marka Hłaski, której pierwsze wydanie ukazało się dwie dekady temu, wciąż pozostaje jedną z nielicznych monografii poświęconych adaptacjom (adaptacja to wyjątkowo umowny termin) filmowym książek Marka Hłaski. W roku 2004 była w gruncie rzeczy pierwszą i długo jedyną publikacją dotyczącą jak mówi tytuł Kina Marka Hłaski. Tekst został dobrze przyjęty przez znaczących filmoznawców, takich jak m.in. Ewelina Nurczyńska-Fidelska czy Andrzej Gwoźdź.W monografii piszę, generalnie, o trzech książkach i filmach na ich podstawie nakręconych. Trzech ekranizowanych tytułach, bo właśnie te trzy obrazy w mojej opinii są najważniejsze. Będą to: Pętla (1957), reż. Wojciech J. Has, Ósmy dzień tygodnia (1958) reż. Aleksander Ford i Baza ludzi umarłych (1959), według opowiadania Następny do raju, reż. Czesław Petelski. Kto przeczytał te książki i obejrzał te filmy, długo ich nie zapomni. Jakkolwiek filmów na podstawie prozy Hłaski jest więcej o czym też piszę i co sygnalizuję w książce. Z Wprowadzenia do drugiego wydania
Bydgoszcz w secesyjnej ramie.
Secesja w Bydgoszczy to pierwsza publikacja prezentująca architektoniczne dziedzictwo secesji w tym mieście. To nie tylko album pełen pięknych zdjęć kamienic i detali, ale także opowieść o tym, jak ten wyjątkowy styl wpisał się w krajobraz Bydgoszczy na przełomie XIX i XX wieku.
Zebrane tu fotografie, rysunki i opisy pozwalają lepiej przyjrzeć się fasadom, balkonowym ornamentom, witrażom czy wykończeniu wnętrz – wszystkiemu, co składa się na bogaty język secesji. Styl ten, choć zrodzony ponad sto lat temu, wciąż zachwyca swoją finezją i kunsztem, a w bydgoskim wydaniu nabiera szczególnego uroku.
Secesja w Bydgoszczy to swoiste zaproszenie do spaceru ulicami miasta i odkrywania na nowo tego, co często mamy tuż przed oczami – a czego na co dzień być może nie zauważamy.
To książka dla tych, którzy lubią patrzeć w górę, zatrzymać się przy ciekawej kamienicy i przyjrzeć się jej detalom.
„Budownictwo drzewne i wyroby z drzewa w dawnej Polsce” to reprint wyjątkowej encyklopedii Zygmunta Glogera poświęconej drewnianemu budownictwu dawnej Rzeczypospolitej. Autor przedstawia bogaty świat cerkwi, kościołów, dworów, chat, dzwonnic oraz dawnych wyrobów z drewna z terenów Podlasia, Mazowsza, Litwy, Żmudzi, Galicji i wielu innych regionów.
Publikacja zawiera około 550 ilustracji, rycin i fotografii, dokumentujących obiekty, z których wiele nie przetrwało do naszych czasów. Prace nad encyklopedią przerwała śmierć autora, dlatego dzieło kończy się na literze „L”.
To bezcenne źródło wiedzy historycznej i etnograficznej.
Książka przedstawia dzieje sztuki obrazu w Serbii od średniowiecza po współczesność, ukazując kulturowe, ideologiczne oraz polityczne uwarunkowania jej rozwoju. Autorka śledzi przemiany serbskiej twórczości wizualnej - od okresu dominacji wzorców bizantyjskich, przez proces okcydentalizacji/europeizacji twórczości estetycznej w XVIII i XIX wieku, po awangardowe eksperymenty artystyczno-ideologiczne dwudziestolecia międzywojennego. Publikacja omawia również współczesne, współbieżne z globalnymi trendami, formy oddziaływania za pomocą sztuki na przestrzeń publiczną. Perspektywę badawczą określają kulturowe studia wizualne, zwłaszcza zaś koncepcje pozwalające interpretować twórczość artystyczną jako przestrzeń komunikacji społecznej oraz praktykę tożsamościową.The (Not Only) Self-Portrait of the Serbs. On the Art of Painting in Serbia and Its Cultural ContextsThe book presents the history of the art of painting in Serbia from the Middle Ages until the present, showing the cultural, ideological, and political conditions of its development. The author follows the transformations of the Serbian visual output - from the period of domination of the Byzantine standards, through the process of occidentalization/Europeanization aesthetic production in the 18th and 19th centuries, to the avant-garde artistic ideological experiments of the interwar period. She also discusses the contemporary - concurrent with the global trends - forms of using art to influence the public. The research perspective is determined by the visual studies, in particular the concepts allowing the interpretation of the artistic output as a space for social communication and identity practice.
Pierwsza pełna biografia Franciszka Frączka (19082006) Słońcesława z Żołyni, najdłużej żyjącego Szukalszczyka, który będąc wiernym ideowym założeniom grupy, stworzył własny styl oparty na słowiańskości i ludowości. Książka profesora Tadeusza Zycha, historyka i miłośnika sztuki, poświęcona Franciszkowi Frączkowi (Słońcesławowi z Żołyni) członkowi Szczepu Rogate Serce, założonego w 1929 roku przez charyzmatycznego rzeźbiarza Stanisława Szukalskiego (Stacha z Warty) to wciągająca, osadzona w realiach historycznych opowieść o długim życiu i oryginalnej twórczości jednego z najważniejszych artystów Podkarpacia. Autor przywołuje wiele nieznanych źródeł, w tym niepublikowane dzienniki i zapiski Franciszka Frączka oraz listy jego przyjaciela Mariana Konarskiego (Marzyna z Krzeszowic). Tak często, jak to możliwe, oddaje głos swojemu bohaterowi, a liczne reprodukcje jego prac obrazów, rysunków, szkiców, projektów a także fotografie i dokumenty trafnie ilustrują kolejne fragmenty opowieści. Powstała książka wartościowa, potrzebna, inspirująca do podejmowania podobnych przedsięwzięć, poświęconych innym artystom i artystkom, ważnym nie tylko dla sztuki regionu. Choć Słońcesław był i pozostanie niepowtarzalny! [Dr hab. prof. UR Magdalena Rabizo-Birek] Drogi, którymi wędrował Franciszek Frączek z Żołyni, przebiegały między marzeniami i zróżnicowanymi wyborami artystycznymi a trudnościami życia oraz oczekiwaniami zaprzyjaźnionych z nim twórców. Pójdźmy wraz z artystą, próbując go zrozumieć jego kompromisy, a także decyzje twórcze i życiowe w poszukiwaniu prawdy i piękna. [Franciszek Maśluszczak] Tadeusz Zych - prof. dr hab., historyk, dyrektor Muzeum-Zamku Tarnowskich w Tarnobrzegu, pracownik Uniwersytetu Rzeszowskiego. Autor ponad stu artykułów i trzydziestu monografii Opublikował m.in.: On kochał Polskę. Listy Stanisława Szukalskiego do Mariana Konarskiego z lat 1950-1987 (2020), Mistrz drugiego planu. Artysta malarz Marian Ruzamski 1889-1945 (2022).
Claude Monet? Malarz nenufarów i katedry z Rouen.Ale czy tylko?Monet był także niestrudzonym podróżnikiem: przez ponad pół wieku przemierzał Europę, pragnąc uchwycić zmiany światła i krajobrazów, które studiował niemal obsesyjnie. I choć nie zawędrował na koniec świata, każda jego podróż okazywała się punktem zwrotnym w historii malarstwa.Ta książka to kolekcja niezwykłych pocztówek z podróży: ponad 300 obrazów "ubranych" w słowa Moneta, dzięki czemu i jedne, i drugie nabierają nowych znaczeń. Starannie wybranefragmenty listów i wypowiedzi artysty zdradzają nie tylko okoliczności powstania obrazów, ale też jego emocje i rozterki - a cień zapisany w słowach Moneta jeszcze dobitniej uwypukla olśniewające światło jego płócien.Moja pracownia? Nigdy nie miałem pracowni. [] - I ręką zatoczył szeroki łuk, pokazując mi mieniącą się złocistymi refleksami zachodzącego słońca Sekwanę. - Oto moja pracownia!Poznaj nieznane oblicze mistrza impresjonizmu -wędrowca w wiecznej pogoni za światłemAlbum wydany w stulecie śmierci artysty
Ten produkt jest zapowiedzią. Realizacja Twojego zamówienia ulegnie przez to wydłużeniu do czasu premiery tej pozycji. Czy chcesz dodać ten produkt do koszyka?
