Muzyka polska po Szymanowskim to historia muzyki polskiej II połowy XX wieku, opowieść o tym, z jakimi trudnościami mierzyli się kompozytorzy od lat 40. do końca lat 90. Autor nierozerwalnie wiąże twórczość kompozytorską z wydarzeniami, które w tym czasie miały miejsce w Polsce i poza jej granicami. Pokazuje źródła powstawania utworów, sukcesy ich prawykonań oraz późniejsze losy. Ale przede wszystkim zagłębia się w samą istotę dzieł powstałych w tym czasie, analizując dogłębnie techniki kompozytorskie, inspiracje oraz dobór instrumentów i głosów.Całość książki podzielona została na 5 części, w których Autor analizuje muzykę na tle społeczno-kulturowych wstrząsów w międzywojennej Polsce, rolę Warszawskiej Jesieni, zdobywające popularność techniki kompozytorskie, rozważa kwestie tożsamości narodowej polskich kompozytorów i ich postmodernistyczne spojrzenie w przyszłość, a także charakteryzuje pokrótce instytucje pielęgnujące polską kulturę muzyczną, nowe technologie oraz możliwości kompozytorów w dzisiejszym świecie.I może byłaby to kolejna zwykła książka o historii muzyki polskiej, gdyby nie fakt, że napisał ją brytyjski muzykolog, kompozytor i dyrygent, profesor Cardiff University - Adrian Thomas. Czy angielski muzykolog jest w stanie prawidłowo odczytać zjawiska zachodzące w twórczości polskich kompozytorów? Czy potrafi odpowiednio wczuć się w otaczającą twórców rzeczywistość, rozpoznać charakterystyczne dla polskiego środowiska cechy i opisać rodzące się w nim zjawiska? Sprawdzić to można tylko, zagłębiając się w lekturę. Zwłaszcza że specjalnie dla polskich czytelników Autor wzbogacił oryginalne angielskie wydanie nową, dodatkową treścią.

Hubert de Givenchy był projektantem mody, który zmienił sposób, w jaki kobiety postrzegają siebie, swoje ciała, a także ubrania. Przez całe życie udało mu się zachować własny, charakterystyczny, a jednocześnie nowoczesny styl. Ubierał największe gwiazdy: Grace Kelly, Elisabeth Taylor, Jackie Kennedy, Audrey Hepburn czy Kendall Jenner. Wszystkie były zachwycone jego romantycznymi i wyrafinowanymi strojami.Bogato ilustrowana książka Givenchy. Historia kultowego domu mody prezentuje historię marki od jej powstania w 1952 roku po nowoczesne, ale ponadczasowe projekty ostatnich lat. Zobaczymy tu starannie wyselekcjonowane kolekcje, poznamy najważniejsze momenty z historii marki i zanurzymy się w olśniewający świat Givenchy.

Kolejny minialbum w serii Plakaty poświęcony jest twórczości Wojciecha Domagalskiego, grafika, malarza, projektanta graficznego i wykładowcy akademickiego.Domagalski ukończył z wyróżnieniem Wydział Grafiki Akademii Sztuk Pięknych w Warszawie, kilka lat później uzyskał stopień doktora na macierzystej uczelni. Jest autorem wystaw indywidualnych, uczestnikiem ponad stu wystaw zbiorowych oraz laureatem nagród przyznawanych w Polsce i za granicą - otrzymał m. in. Srebrny Medal na 26. i 28. Międzynarodowym Biennale Plakatu w Warszawie w latach 2018 i 2023.W swojej twórczości Domagalski komentuje otaczającą nas rzeczywistość w sposób ironiczny, okazując jednocześnie duże zrozumienie dla społecznych problemów. Jego plakaty, prezentujące pozornie pustą płaszczyznę, zaskakują oszczędnością treści i wielością skojarzeń.Wstęp i wybór prac do minialbumu przygotowała Dorota Folga-Januszewska. Książka zawiera wybrane przykłady z popularnych cykli plakatów: Polska w plakacie, Warszawa i ja czy Ja Cię Kielce.

"Książka autorstwa Michała Kudłacza podejmuje bardzo ważny temat badawczy, jakim jest gospodarowanie zasobami miasta, przy czym słusznie traktuje zasoby bardzo szeroko, wychodząc z założenia, że najcenniejszym zasobem miasta jest społeczność, która je zamieszkuje, utożsamia się z nim i pragnie je ulepszać, poprawiając równocześnie jakość swojego życia. Sposób zaangażowania się tej społeczności w rozwój miasta w dużej mierze decyduje o sposobie zarządzania nim, a w konsekwencji - o gospodarowaniu zasobami materialnymi i niematerialnymi. Myśl ta jest wciąż stosunkowo nowa, jednak sformalizowana w postaci książki przestaje być myślą, a staje się obszarem dociekań naukowych, w dużej mierze interdyscyplinarnych". Prof. dr hab. Marek Bryx, fragment recenzji "Publikacja stanowi nowatorskie i przyczynkarskie spojrzenie na nowy paradygmat rozwoju tzw. gospodarki cyrkularnej rozpatrywanej z perspektywy miasta. Autor stara się skonstruować ogólny model, który nazywa miastem-ideą. Istotą modelu jest przejście do nowej fazy rozwoju, budowanej w oparciu o nowy system wartości i zasobów. Autor szuka też związków między tradycyjnym podejściem do rozwoju (czyli linearnym) a okrężnym. Podejmuje się też próby przeanalizowania miast pod względem pozycji na ścieżce rozwoju przyjaznej środowisku. W tym celu przeprowadza analizę porównawczą deklaratywnych polityk rozwoju (zapisanych w oficjalnych dokumentach) miast Krakowa i Wrocławia w odniesieniu do zarysowego modelu gospodarki okrężnej. Autor koncentruje swoją uwagę na kluczowych przemianach systemów miejskich w ujęciu historycznym i prospektywnym. [...] Zaletą pracy jest próba nieco innego zdefiniowania takich pojęć jak wartości i zasoby z punktu widzenia nowej okrężnej gospodarki miejskiej". Prof. dr hab. Tadeusz Markowski, fragment recenzji

W tej książce nie ma tanich, sensacyjnych treści, a merytoryczne odpowiedzi na pytania, obiektywne analizy przeszłych i aktualnych problemów Podhala i jego mieszkańców. Przede wszystkim jednak wyłania się z niej obraz człowieka realizującego swoją interdyscyplinarną pasję, której wspólnym mianownikiem jest kultura góralska. […] Myślę, że przebogata góralska tradycja, która przejawia się w muzyce, malarstwie, rzeźbie, ubiorze, gwarze i obyczajowości, znalazła swojego ambasadora w osobie mojego rozmówcy. Głęboki szacunek dla przodków i wierność tradycji nie przeszkodziły jego woli eksperymentowania, tworzenia nowych góralskich światów, bardziej przystawalnych do współczesnej rzeczywistości. Nie ustaje w swej drodze i choć – wydawałoby się – muzyka góralska jest w pewnym stopniu ograniczona; a to przez formę, a to przez policzalną liczbę utworów, lider kapeli Trebunie-Tutki odkrywa ją wciąż na nowo i udowadnia słuchaczom, jak bardzo jest uniwersalna i wieloaspektowa. Pozorna sprzeczność zawarta w czterech słowach: „opętany wolnością – spętany tradycją” w pełni określa charakter działań prekursora nowej muzyki góralskiej. Janusz Mika

Fotografia, która przez długi czas była uważana jedynie za narzędzie, z którego się korzysta, obecnie można podziwiać w galeriach i muzeach jako dzieło sztuki samo w sobie. Pojawia się w momencie rozkwitu wielkich metropolii, ekonomii monetarnej, industrializacji i demokracji. Była zatem z początku obrazem społeczeństwa kupieckiego, najlepiej potrafiła je udokumentować i aktualizować jego wartości. O ile jednak odpowiadała nowoczesnemu przemysłowemu społeczeństwu, to dziś ciężko jej spełnić wszystkie potrzeby społeczeństwa informacji, bazującemu na sieci cyfrowej. Fotografia jest więc przedmiotem tej książki: w swej różnorodności form, od dokumentu po sztukę współczesną, w swej historyczności: od jej początków w połowie XIX wieku, aż po stworzenie "sztuki fotograficznej", co pozwala autorowi na rozróżnienie "sztuki fotografii" od "fotografii artystów".

Zbiór tekstów Autocenzura i cenzura. Nowe ujęcia obejmuje niezwykle szeroko zakrojony obszar, dla którego hasłem wywoławczym jest pojęcie cenzury. Nie ogranicza się ono do kwestii instytucjonalnych i związanych z zakazami formalno-prawnymi, lecz opisuje złożone mechanizmy ekonomiczne, obyczajowe, społeczne i symboliczne, które regulują przepływ treści kultury ze względu na domyślne interesy jednostek, instytucji, społeczeństwa i państwa. Procesy te mają charakter zarówno uświadomiony, jak i nieświadomy; to drugie dotyczy zwłaszcza autocenzury, ciągle niedostatecznie rozpoznanej jako postawa i praktyka. W takim ujęciu cenzura - traktowana jako mechanizm negatywnie regulatywny o złożonym działaniu - staje się pojęciem centralnym dla kultury, wyznaczającym jej niechciane, niepożądane i wyparte obszary, ale także zmuszającym do namysłu nad granicami samego pojęcia, co jest szczególnie ważne w dzisiejszych sporach kulturowych.To szerokie podejście zostaje jeszcze wzmocnione w wyniku dominującej w tekstach perspektywy teoretycznej. Wykracza ona poza opis relacji władzy w duchu Foucaultowskim; autorki i autorzy sięgają przede wszystkim do teorii psychoanalitycznej oraz afektywnej, z jednej strony śledząc niejawny wymiar ingerencji i zaniechań o charakterze cenzorskim, z drugiej obserwując psychocielesne doświadczenie związane z takimi aktami.Z recenzji dr hab. Iwony Kurz, prof. UW

Książka to zbiór opowiadań, w których świat literacki miesza się w zaskakujący sposób ze światem realnym. Autor opisuje swoje rozmowy z nietuzinkowymi osobami, wśród których są pisarze i artyści, jak np. Kazimiera Iłłakowiczówna, Wisława Szymborska, Jerzy Andrzejewski, Józef Czapski, Jerzy Krzysztoń czy Andrzej Wajda. Ujawnia też kulisy spotkań z tak ważnymi postaciami polskiej historii, jak gen. Władysław Anders, Halina Zakrzewska, ps. Beda czy Stanisław Sosabowski, ps. Stasinek. Osoby znane i mniej znane, a nawet prawie już zapomniane pojawiają się tu w całkiem nowej odsłonie, widziane z osobistej perspektywy Autora. Niełatwe tematy i niecodzienne sytuacje łączą więc Wojciecha Wiśniewskiego z bohaterami jego opowiadań niezwykłymi ludźmi, a miejscem akcji bywa Warszawa, Londyn, Paryż, Kraków, Łódź, a nawet Bolesławiec, Pelplin i Brzeg.

Nieznana i zdumiewająca historiamatki Leonarda da Vinci.Opowieść, która rzuca nowe światłona dzieła jednego z największychtwórców renesansuCaterina jest wolna jak wiatr i jak wiatr nieokiełznana.Jeździ konno po dzikich stepach, słucha głosów drzew, zwierząti bogów. Jej przyszłość zdaje się przesądzona. Caterina niepodejrzewa, że przyjdzie jej opuścić niedostępne góry Kaukazu.Pewnego dnia zostaje gwałtownie wyrwana ze swojegoświata i wciągnięta w wielką historię -przeniesiona do serca renesansu, Florencji.Jej życie nabierze zupełnie nowego sensu. Pozna potężną miłość,a swoje dziecko pokocha bardziej niż własne życie. A ono pokochają w ten sam sposób. Caterina da mu wszystko, co dla niejnajważniejsze: nieskończoną miłość do życia, wolności i wszelkichstworzeń. Pokaże mu, czym jest piękno. A On to przyjmiei stanie się twórcą totalnym, człowiekiem, który nie należy dojednego narodu ani do jednej kultury, ale do całej ludzkości.Imię tego dziecka znamy wszyscy: Leonardo.Opowieść o największym umyśle wszech czasów, o matczynejmiłości, o początkach współczesnego świata, konfrontacjiZachodu i Wschodu. O Morzu Śródziemnym jako kolebce kultury,fascynującej mozaice ukazanej w przededniuodkrycia obu Ameryk.

Jerzy Kędziora to wybitny polski rzeźbiarz, znany przede wszystkim ze swoich niezwykłych rzeźb balansujących. Prace często zawieszone na cienkich linkach lub umieszczone na delikatnych podporach, wydają się być na granicy utraty równowagi, ale pozostają stabilne. Ten efekt osiągany jest dzięki precyzyjnym obliczeniom i zrozumieniu zasad fizyki. Rzeźby artysty często emanują poczuciem ruchu. Mimo że są nieruchome, ich dynamiczne pozy i sposób zawieszenia sprawiają wrażenie, że zaraz się poruszą. Ta iluzja ruchu dodaje jego pracom niezwykłej lekkości i żywotności. Jego prace często przedstawiają postacie ludzkie w różnych aktywnościach, takich jak taniec, akrobatyka czy codzienne czynności. Czasami jego rzeźby nawiązują do klasycznych motywów mitologicznych, sportowych lub historycznych, nadając im nowoczesny kontekst. Sztuka Jerzego Kędziory to unikalne połączenie estetyki, inżynierii i fizyki, które nie tylko zachwyca widza, ale także prowokuje do zastanowienia się nad prawami rządzącymi naszym światem. Jego rzeźby balansujące to nie tylko wyzwanie dla grawitacji, ale także dla percepcji i wyobraźni, czyniąc jego twórczość wyjątkowym zjawiskiem na współczesnej scenie artystycznej. Album w wydaniu miniaturowym.

Publikacja stanowi bogaty zbiór pomysłów na oryginalne, nowoczesne i prawdziwie twórcze działania plastyczne wspierające wszechstronny rozwój dzieci. Zawiera inspirujące propozycje adresowane głównie do nauczycieli przedszkola, edukacji wczesnoszkolnej, świetlic szkolnych i plastyki oraz pedagogów specjalnych, terapeutów pedagogicznych, arteterapeutów, wychowawców, instruktorów zajęć plastycznych i rodziców. Znajdą oni w książce:pomysły na zabawy plastyczne dla dzieci od lat 2propozycje prac plastycznych z podziałem na cztery pory rokuaktywności uwalniające naturalną ekspresję twórczą i prowadzące do poznania różnych form wyrazu artystycznegoprzykłady tradycyjnych, nowoczesnych, eksperymentalnych i mieszanych technik plastycznychprojekty, które można zrealizować przy pomocy ogólnodostępnych, zwyczajnych i niedrogich lub pozyskanych z recyklingu plastycznego materiałów i przyborówzadania dostosowane do rzeczywistych możliwości i naturalnych faz rozwoju plastycznego dzieci.Zawarte w książce treści zgodne są z podstawą programową nauczania plastyki w przedszkolu i w szkole podstawowej, również dla uczniów z niepełnosprawnościami.

Global icon. Songwriting sensation. Fashion phenomenon. Welcome to the Taylor-verse. Through stunning photographs that explore key outfits from her style evolution alongside expert analysis, Icons of Style pays homage to the artist whose every outfit tells a tale. From country boots to bejewelled body suits, explore the wardrobe of the girl-next-door-turned-superstar, who connects with fans the world over with her ever-evolving attire, eye-catching looks and signature pieces. Taylor’s relatability, integrity and sartorial storytelling mean this fearless fashion queen will never go out of style.

Winslow Homer, amerykański malarz, grafik i rysownik, znany jest głównie ze swoich realistycznych dzieł, które często przedstawiają sceny z życia na wsi, morskie pejzaże oraz ludzi w ich codziennych sytuacjach. Jego prace, wyjątkowe ze względu na mistrzostwo w oddawaniu światła, kolorów i atmosfery, są niezwykle prawdziwe i emocjonalnie bogate.W twórczości Winslowa Homera można dostrzec wpływy romantyzmu i realizmu - to właśnie realistyczne podejście do tematów oraz umiejętność przedstawiania wrażeń sprawiają, że jego dzieła wciąż pozostają inspiracją dla wielu artystów i miłośników sztuki na całym świecie. W albumie przedstawione są najważniejsze dzieła takie jak Breezing Up, The Fog Warning, czy Home, Sweet Home.

Henri Rousseau (1844-1910) to francuski malarz, który zdobył uznanie jako przedstawiciel sztuki naif lub prymitywistycznej. Jego dzieła charakteryzują się naiwną stylizacją, płaskimi formami i jaskrawymi kolorami. Rousseau często malował pejzaże i sceny z dżungli, chociaż sam nigdy nie podróżował do takich miejsc. Pomimo braku formalnego szkolenia artystycznego, jego prace zdobyły uznanie w środowisku artystycznym, a dzisiaj są uważane za ważny element historii sztuki modernistycznej.

W czasach masowej fotografii i internetu sens rysowania architektury, krajobrazu czy wnętrz nie jest oczywisty. Bronię rysunku, bronię szkicowania, choć przyznaję, że korzyści odnosi przede wszystkim sam rysujący. (…) To, co wydawało się znane, widziane wielokrotnie, rozpoznawalne lub nawet banalne, w procesie rysowania przekształca się, można rzec – odsłania się, czy raczej jest odsłaniane. To tak, jak z myśleniem: gdy chcemy sprecyzować i wypowiedzieć myśl, to już nie jest to ta sama myśl. Rysuje się, aby zobaczyć, celem i środkiem rysunku jest widzenie… Fragment Wstępu Książka Janusza Sepioła należy do bardzo rzadkich wydawnictw, w których autor posługuje się jednocześnie tekstem i własnym rysunkiem. Użyte w tytule określenie „szkice architektoniczne” nie jest w tym wypadku metaforą. Praca stanowi swoiste itinerarium – zapis wrażeń i refleksji z miejsc rozsianych pomiędzy dwiema artystycznymi metropoliami: Lwowem i Krakowem. Tytuły poszczególnych rozdziałów to w ogromnej większości nazwy miejscowości, ale równie dobrze mogłyby to być nazwiska postaci, których te teksty dotyczą. Niemal za każdym razem pojawia się jakaś biografia: projektanta, mecenasa, badacza. To opowieści o budowlach, miejscach i ludziach. Ich wybór nie podlega jakimś sztywnym kryteriom; motywem scalającym jest narracja o artystycznym oddziaływaniu środowiska lwowskiego (Wydziału Architektury Politechniki Lwowskiej) na obszar zachodniej Galicji w II połowie XIX i I połowie XX wieku. Książka jest galerią obiektów nieco mniej znanych, mniej spopularyzowanych, skupia się na architekturze „drugiego rzutu” bądź też architekturze mniejszych ośrodków, ukazując je na tle budownictwa w swej większości anonimowego: drewnianych kościołów, cerkwi, synagog, tworzących unikalny krajobraz kulturowy tej części Europy. Wydawnictwo w znacznej części dotyczy bezpośrednio kultury Krakowa. Na jego stronach pojawiają się działający tu, a potem migrujący do Lwowa architekci tacy jak Teodor Talowski, Jan Sas-Zubrzycki, Adolf Szyszko-Bohusz czy pochodzący z Lwowa, a działający w Krakowie i na Podhalu Zbigniew Kupiec, bądź też pochodzący z Krakowa a działający w Rzeszowie Mateusz Tekielski. Są także znani krakowscy historycy sztuki, jak profesorowie Edward Dutkiewicz czy Józef T. Frazik. W tym sensie można ją zaliczyć do cracovianów. Książka nie jest w żadnej mierze krajoznawczym przewodnikiem ani akademickim skryptem czy podręcznikiem. Zachowuje wartość niespiesznej, nieco erudycyjnej gawędy i stanowi zapis fascynacji różnorodnością architektonicznych form, szkół, nurtów i mód. W jakimś sensie uczy, jak patrzeć na architekturę, a z pewnością jest przykładem gasnącej tradycji odręcznego, „wrażeniowego” rysowania architektury i to w przeróżnych technikach: od akwareli po węgiel. Tworzy bardzo osobisty i zaskakująco nowatorski obraz architektonicznego dziedzictwa tej części Europy Środkowej. Janusz Sepioł, ur. 1955 w Gorlicach. Absolwent Politechniki Krakowskiej i Uniwersytetu Jagiellońskiego, architekt, historyk sztuki, urbanista. Architekt Województwa Krakowskiego, w latach 2002–2004 Marszałek Małopolski, senator VII i VIII kadencji, obecnie Główny Architekt Rzeszowa. Wyróżniony Medalem Honorowym SARP, Złotą Odznaką Izby Architektów RP oraz samorządową Nagrodą im. J. Regulskiego. Autor kilku książek eseistycznych (m.in. Architekci i historia, Dyptyk włoski, Praca nad krajobrazem, Historia jednego domu), współautor i redaktor wielu wydawnictw fachowych (m.in. „Przestrzeń życia Polaków” [raport], Form Follows Freedom, „Puls Polskiej Architektury”, „Architektura Rzeszowa”) oraz jednej ilustrowanej książki dla dzieci (Sierściaki i inne).

Już od czasu pierwszego wydania w 1998 roku podręcznik ten, przetłumaczony na wiele języków, kreśli kontury estetyki fotografii i pozwala na rozważania na temat jej statusu jako sztuki, rozpatrując nasuwające się pytania teoretyczne. Refleksja ta opiera się na analizie licznych dzieł fotograficznych oraz na definicji nowych pojęć opracowanych w świetle estetyki, filozofii i psychoanalizy. Dzieło omawia trzy ważne zagadnienia: Jakie związki z rzeczywistością utrzymuje fotografia? Na czym polega specyfika dzieła fotograficznego? Co sprawia, że fotografia znajduje się w sercu sztuki współczesnej lub też wręcz jest jej sercem? François Soulages jest profesorem uniwersyteckim (Université Paris 8, Institut National d’Histoire de l’Art), prezesem oraz założycielem RETINA.International (Recherches Esthétiques & Théorétiques sur les Images Nouvelles & Anciennes), organizacji zajmującej się badaniami estetycznymi i teoretycznymi nad obrazem, a także autorem licznych publikacji oraz współautorem prac zbiorowych.

The long-awaited debut collection of illustrations by Posuka Demizu, the up-and-coming manga artist Posuka Demizu is a rising star among manga artists whose new title, The Promised Neverland, created with co-author Kaiu Shirai, is currently running in the manga magazine Weekly Shonen Jump in Japan. The Promised Neverland Volume 1 will be released by Viz Media in October 2017 (Digital), and December 2017 (Print). This first collection of Posuka’s work features outstanding artworks from the career so far, along with new illustrations created especially for this edition. Readers will appreciate seeing Posuka's vibrant characters and compositions rendered in the characteristically precise style gathered together for the first time in a single volume.

Fascynująca opowieść o sztuce dawnych mistrzówCo wspólnego z malarstwem ma włoskie słowo pentimento, oznaczające skruchę, żal i pokutę?Dlaczego drzewa i dachy w Widoku Delft Johannesa Vermeera są niebieskie?I co niegdyś nazywano majstersztykiem?Grażyna Bastek, historyczka sztuki od lat związana z Muzeum Narodowym w Warszawie, zabiera czytelników do średniowiecznych i nowożytnych pracowni malarskich. Tłumaczy zasady funkcjonowania dawnych warsztatów, opisuje, z jakich materiałów powstawały obrazy oraz procedury ich wytwarzania, a także opowiada o tym, jak dzieła dawnych mistrzów zmieniały się pod wpływem czasu i różnorodnych interwencji kolekcjonerów, muzealników oraz konserwatorów.Ilustrownik. Przewodnik po sztuce malarskiej to wyjątkowa, bogato ilustrowana pozycja przeznaczona zarówno dla tych, którzy dopiero rozpoczynają swoją przygodę z malarstwem dawnym i chcielibyzrozumieć jego aspekty technologiczne oraz artystyczną gramatykę, jak i dla zaawansowanych miłośników sztuki pragnących poszerzyć swoją wiedzę."Mówić o sztuce to sztuka sama w sobie - i Grażyna Bastek jest w niej znakomita. Jej "Ilustrownik" wbrew pozorom nie jest kolejnym słownikiem terminologicznym sztuk pięknych, tylko błyskotliwą, wielowątkową przechadzką po języku, którym przez stulecia obrosła zarówno sama technika tworzenia dzieł, jak i krytyka artystyczna. Przyda się w dyskusjach, przyda się we flircie i przy rozwiązywaniu krzyżówek. Przede wszystkim jednak "Ilustrownik" to znakomita lektura dla przyjemności poznawczej."Jacek Dehnel

Written by Director of Tate Maria Balshaw, this book is a powerful, timely and thought-provoking exploration of the transformative role of the museum – and of art – in society today. As the world adapts to the consequences of a global pandemic, museums continue to experience unprecedented disruption and change. At the same time, there is a growing debate and dissent over what museums are for, who they speak to and what the histories, objects and ideas they are tasked with holding reflect – all taking place within a public sphere that feels increasingly dynamic and volatile. ’Public institutions do not sit “outside” society, they are the barometer of time and place. How museums and galleries open themselves up to change and engage dissenting voices is not obvious or easy, but as a recent visitor said, “Art is an invitation to a conversation” – so perhaps our role might be to unlock that conversation.’ – Maria Balshaw Taking a wide-ranging and thought-provoking look at the roles and responsibilities of some of our most well-known and best-loved public institutions, Gathering of Strangers: Why Museums Matter explores the critical challenges and opportunities for the museum at this point in the twenty-first century. Moving from the historical origins of the gallery to important current debates taking place around art and public engagement, the climate emergency, race equality and decolonisation, and the value of the arts in education, this book sets out the role of art and artists in imagining and shaping our collective future. It is also a love letter to museums, from a sector leader who is at the forefront of the cultural conversation today. ‘Ambitious, generous and packed with ideas, this is a thrilling, thought-provoking invitation into the museum of the future, where both art and people are made welcome.’ – Olivia Laing Maria Balshaw is Director of Tate. Previously, she was Director of the Whitworth, University of Manchester; Director of Manchester City Galleries; and Director of Culture for Manchester City Council. She is also a member of the Women Leaders in Museums Network and a member of the Bizot group of leading global museums.

Created to accompany one of the most exciting exhibitions of 2020, this stunning paperback catalogue presents the full breadth of Muholi’s photographic and activist practice. Richly illustrated, it includes images from the key series Muholi has produced over the past twenty years, as well as never-before-published and recent works. The exhibition book also features six newly commissioned essays exploring their work, as well as a full glossary and chronology. Born in South Africa, Zanele Muholi came to prominence in the early 2000s with photographs that sought to envision black lesbian, gay, bisexual, trans, queer and intersex lives beyond deviance or victimhood. Muholi’s work challenges hetero-patriarchal ideologies and representations, presenting the participants in their photographs as confident and beautiful individuals bravely existing in the face of prejudice, intolerance and, frequently, violence. While Muholi’s intimate photographs of others launched their international career, their intense self-portraits solidified it. Sarah Allen is Assistant Curator at Tate Modern. Yasufumi Nakamori is Senior Curator, International Art at Tate Modern.