W tej strefie zapraszamy czytelników tak zwane artystyczne dusze po książki z kategorii Sztuka. Polecamy szereg publikacji o sztuce i jej historii,ciekawostki i portfolia artystów, eseje, albumy, książki o malarstwie, rzeźbiarstwie, architekturze oraz histoii fotografii. Biografie ciekawych artystów, książki i powieści przedstawiające fascynujące losy malarzy i osób uwiecznianych na obrazach. W tym dziale tylko ksiązki ze sztuka w tle.
Album wszechstronnie prezentuje twórczość Artemizji Gentileschi, w tym wszystkie przypisane artystce dzieła, po raz pierwszy zgromadzone w jednym tomie. Na uwagę zasługuje ścisła metoda badań przyjęta przez autorów, wolna od instrumentalnych lub ideologicznych uwarunkowań, uwalniająca Artemizję od jednostronnych interpretacji jej obrazów w kluczu feministycznym i psychoanalitycznym. Autorzy dowiedli, że jest ona jedną z najwybitniejszych artystek w historii, wielką malarką epoki baroku. Świadoma swojego talentu malarskiego, okazała się również sprawną promotorką własnej twórczości, pozyskując mecenasów wśród ówczesnych władców, takich jak Ferdynand Medyceusz czy król Hiszpanii Filip IV, o czym świadczy kilka jej listów zamieszczonych w albumie. Poznajemy Artemizję jako kobietę oryginalną, może nawet nieco ekscentryczną, śledząc poszczególne etapy jej twórczości i mistrzowski warsztat malarski, a także rozległą tematykę jej dzieł. Zdumiewają wyszukane zainteresowania kulturalne artystki i wielkie przyjaźnie, m.in. z Galileuszem czy Michałem Aniołem młodszym, a także współczesne sensacyjne wątki odnajdywania i ratowania jej zaginionych obrazów. Wszystko to sprawia, że album może stać się ciekawą i inspirującą lekturą.Odbiorcy książki: miłośnicy sztuki, osoby zawodowo związane ze sztuką, historycy sztuki.Dlaczego warto przeczytać tę książkę: z uwagi na profesjonalną analizę dzieł artystki, uwzględniającą również twórczość współczesnych jej malarzy oraz bogactwo prezentowanych w albumie dzieł.
This new Vogue On title follows Versace's unique vision of femininity, from his enormously successful debut line in 1978, to his invention of the supermodel in the Nineties. This book is part of the successful series of branded fashion books with British Vogue with access to its unique archive of photographs and original illustrations.
Od Wielkiego wybuchu do Spotify
165 milionów lat temu narodził się rytm.
50 milionów lat temu pojawiła się muzyczna kultura śpiewających wielorybów.
40 tysięcy lat temu Homo sapiens stworzył pierwszy instrument.
Każdy jest muzykalny. Nasze serce bije w rytmie, a kroki wystukują takt. Muzyka jest zapisana w naszych palcach, krtani, a ponoć nawet w genach. Towarzyszy nam od początków naszego gatunku. A może dłużej?
Światowej sławy muzykolog Michael Spitzer zabiera czytelnika w wielką podróż przez dzieje muzyki – od kosmicznej muzyki sfer po sztuczną inteligencję, od pieśni Pigmejów po Bacha i Taylor Swift, od neum po platformy streamingowe.
W tej opowieści spotykają się wszyscy: tańczące papugi i Król Dawid z lirą. Bollywood i Beethoven. Adele, Gustav Mahler i Michael Jackson. Miles Davis i Eminem.
Dlaczego neandertalczycy byli ideałem muzykalności?
Czy to prawda, że gwiazdy drgają w takt muzyki?
Czy gust muzyczny jest zapisany w naszych genach?
I dlaczego to właśnie muzyka czyni nas ludźmi?
Która trafi w pierwszej kolejności na wydawnictwznak.pl i platformę b2b
Odkryj piękno, którego nie dostrzegają inni
Modernizm w Polsce to nie tylko monumentalne gmachy i ikony architektoniczne. Wszyscy znamy katowicki Spodek czy obserwatorium kosmiczne na Śnieżce. Mało kto zachwyca się jednak kunsztownymi wnętrzami Domu Technika w Gdańsku, kolorowymi freskami na dworcu autobusowym w Oleśnicy czy barwną mozaiką na fasadzie dawnej fabryki nici w Nowej Soli.
Jeszcze rzadziej dostrzegamy modernizm na osiedlach, placach i ulicach, które każdego dnia przemierzamy bez większego namysłu. Przez dziesięciolecia stał się tak powszechny i oczywisty, że niemal przestał być zauważany. A przecież współtworzy on krajobraz naszej codzienności.
Maciej Czarnecki, ceniony fotograf i miłośnik architektury, zabiera czytelnika w podróż mało znanym szlakiem polskiego modernizmu. Pokazuje go jednak nie jako zamknięty rozdział historii sztuki, lecz jako żywą opowieść o ambicjach, marzeniach i codzienności kolejnych pokoleń Polaków. Udowadnia, że to, co do tej pory wydawało się nam szare i nijakie, to świadectwo kreatywności w czasach niedoboru.
Turysta futurysta jest jednocześnie przewodnikiem, reportażem i lekcją czułej obserwacji. To książka, która nauczy cię patrzeć uważniej i dostrzegać ukryte znaczenia w modernistycznych osiedlach mieszkaniowych, kameralnych ośrodkach wypoczynkowych i sanatoriach czy niepozornych domach handlowych – wszystkich budynkach, które wydają się jedynie tłem naszego codziennego życia.
Prawie 300 klimatycznych fotografii
Ponad 200 miejsc wartych odwiedzenia
Jedyny przewodnik, którego potrzebujesz
Jak dawni mistrzowie przedstawiali świat. Fascynująca opowieść o gatunkach, motywach i tematach malarskich
Który rodzaj malarstwa był uznawany za nośnik wielkich idei i wartości moralnych?
Co przedstawiały obrazy określane mianem vanitas?
I czym charakteryzował się bodegón – gatunek malarski, który upodobał sobie Diego Velázquez na początku swej wielkiej kariery?
W drugim tomie bestsellerowego Ilustrownika Grażyna Bastek i Marcin Bogusz przybliżają czytelnikom wiedzę na temat tego, w jaki sposób za pośrednictwem sztuki artyści przedstawiali świat, przekazywali idee i opowiadali historie. Autorzy omawiają podejmowane przez dawnych mistrzów tematy, kategorie estetyczne i typy przedstawień oraz pokazują, jak ówczesne dzieła oddziaływały na odbiorców, do których były kierowane.
The Marilyn Monroe Century is a lavishly produced tribute to Marilyn Monroe on her 100th birthday, documenting her transformation from Norma Jeane to Marilyn Monroe through never-before-seen photographs and diary entries by Bruno Bernard—and a lenticular cover that brings an iconic moment to life, showing Monroe in motion. Published to commemorate Marilyn Monroe’s 100th birthday on June 1, 2026, The Marilyn Monroe Century is a visual biography unlike any other—a deeply personal journey through the life of the world’s most enduring icon. Featuring rare photographs by Bruno Bernard (Bernard of Hollywood) that have never before been publicly released, the book traces the emotional and artistic evolution of Norma Jeane Mortenson into Marilyn Monroe. More than a collection of photographs, The Marilyn Monroe Century unfolds as a cinematic narrative. Bernard was the only photographer who witnessed and helped shape the full arc of Norma Jeane’s metamorphosis into Marilyn Monroe. Authors Joshua John Miller, Bernard’s grandson, and Mark A. Fortin open Bernard’s archive for the first time to reveal a history that challenges familiar myths and reframes one of the most documented figures in modern culture. In 1999, the Museum of Modern Art declared Bernard's legendary photograph Marilyn in White—capturing Monroe on the Twentieth Century Fox backlot as her white dress billowed above a subway grate—the symbol of the century. This single image defined 1950s Hollywood glamour and continues to echo across pop culture in songs, films, artworks, and more today. Appearing inset on this book's beautiful clothbound cover, a lenticular print recreates this famous moment—the sudden lift of Monroe's skirt, shifting as the book is tilted up and down. Bernard was not simply the creator of this iconic image; his role in Marilyn’s life was far more profound. A bond forged early in her career sparked an intimate dialogue between a young woman discovering herself and the photographer who recognized her potential long before the world did. Their connection, preserved in Bernard’s personal diaries and previously unpublished correspondence, chronicles a complex friendship between two outsiders who found solace in one another. Personal writings from Bernard, commentary from contemporary Hollywood voices, including Academy Award–winning director Sean Baker, and a foreword by actress, activist, and filmmaker Rose McGowan bring new emotional context to Marilyn’s journey, presenting the woman behind the icon in an unprecedented way.
Czas rozstrojony. Muzyka i nadejście ery nowoczesnej Juliana Johnsona to przełomowa publikacja naukowa obejmująca swoim zakresem dzieje muzyki od renesansu do nowoczesności. Autor z niebywałą erudycją porusza się między różnymi obszarami humanistyki, zarówno w jej wymiarze naukowym, jak i tym łączącym się z uprawianiem sztuki, błyskotliwie ukazując powiązania między rozmaitymi dziedzinami. Z perspektywy zarówno teoretyka muzyki, jak i kompozytora oświetla związki muzyki z historią sztuki, filozofią idei, estetyką, a także z rozwojem technologii i nauki, pokazując, że nie są to zjawiska oderwane od siebie, ale wręcz ściśle powiązane, z którymi człowiek w swej podmiotowości styka się także na co dzień. Johnson przywołuje kanoniczne już dzieła muzyczne i na ich przykładzie udowadnia, jak wskazuje tłumaczka niniejszej książki, że muzyka zwiastuje "zmiany, które podmiot, uwikłany w czas historyczny, odbiera zazwyczaj jako przedwczesne lub spóźnione, niemal zawsze przychodzące nie w porę", zaś "liczne pęknięcia, opóźnienia, przyspieszenia i dysonanse" powstające w procesie krystalizowania się czasów nowożytnych są przejawami "czasu rozstrojonego".
Zbiór najbardziej znanych utworów fortepianowych Ignacego Jana Paderewskiego - cenionego na całym świecie wirtuoza fortepianu. który pozostawił po sobie bogaty dorobek obejmujący dzieła sceniczne, orkiestrowe, kameralne i solowe. Ta publikacja skupia się na jego najbardziej znanych utworach fortepianowych, oferując pianistom możliwość obcowania z muzyką pełną pasji i wyrafinowanego stylu.
Jeden z najbardziej znanych polskich malarzy drugiej połowy XIX i początku XX wieku. Artysta, który odnosił ogromne sukcesy nie tylko w Polsce, ale także za granicą. Malował to, co chciał i jak chciał, a przy tym bez problemu znajdował kupców na swoje obrazy, zręcznie manewrując między zamówieniami od rosyjskich arystokratów, oczekiwaniami polskich patriotów i rzymskim środowiskiem artystycznym. Henryk Siemiradzki jest autorem, którego twórczość ciągle cieszy się nieustającym zainteresowaniem, urzekając połączeniem pasji do realistycznego odtwarzania świata z chęcią pokazania idealnego piękna.Książka Jakuba Zarzyckiego pozwala zrozumieć fenomen, rangę i znaczenie obrazów Siemiradzkiego oraz siłę ich oddziaływanie ponad sto lat od śmierci malarza. Autor zaprasza na wspólną wyprawę do świata wybitnego przedstawiciela malarstwa akademickiego. Prowadzi przez tajniki warsztatu i inspiracje Siemiradzkiego, przybliża stworzoną przez malarza wizję antyku i koncepcję dzieła malarskiego jako swoistego spektaklu.
Przenieś się w czasie do francuskich miast z najwybitniejszymi artystami jako przewodnikami.Wyobraź sobie, że spieszysz korytarzami przedrewolucyjnego Wersalu w towarzystwie najbardziej rozchwytywanej portrecistki swoich czasów, gdy zmierza na umówione spotkanie z nieszczęsną królową, Marią Antoniną. A potem przenieś się do XIX wieku, do Prowansji Czanne'a i van Gogha, by następnie ruszyć ku francuskiej Riwierze, która przez sześć miesięcy była domem Picassa.Ta pięknie i niezwykle starannie wydana książka składa się z 12 rozdziałów i prezentuje 22 artystów. Stanowi również przewodnik, dzięki któremu odwiedzisz najważniejsze miejsca, kamienie milowe kultury francuskiej, i będziesz obcować z największymi dziełami artystów - z bliska lub siedząc wygodnie w fotelu.Napisana przez historyka sztuki, podróżnika i reportera jednej z czołowych brytyjskich gazet, książka zawiera też ilustrowaną mapę z odręcznymi rysunkami scen, które przypominają epizody z niejednokrotnie burzliwego życia artystów, a także kultowe miejsca i lokalny koloryt.Seria Sztuka Podróżowania opisuje historie największych artystów świata oraz miast, w których żyli i pracowali.Chłoń piękne widoki ich oczami. Przyglądaj się, jak icharcydzieła ożywają.
Najnowsza monografia Radosława Domkego to pierwsze tak obszerne historyczne studium ekranowego wizerunku społeczeństwa Polski Ludowej. Analizie zostało poddanych blisko 350 polskich filmów i seriali. Na ich bazie zrekonstruowano m.in. obraz inteligenta, robotnika, chłopa oraz duchowieństwa. To panoramiczna opowieść o tym, jak przez ponad dwie dekady kształtował się audiowizualny portret Polaków. Autor nie stosuje metodologii filmoznawczej. Film fabularny i serial są traktowane jako pełnoprawne źródła historyczne, świadectwa mentalności, napięć społecznych, strategii przystosowania i pęknięć systemu widocznych od kryzysu 1968 roku po przełom 1989 roku włącznie. W centrum uwagi nie znajdują się wartości artystyczne ani estetyka dzieł, lecz ich znaczenie dla rekonstrukcji doświadczenia epoki. Książka ta nie jest historią społeczną Polski. Jest bardziej próbą odpowiedzi na pytanie, w jaki sposób społeczeństwo polskie było ukazywane w wybranych obrazach filmowych. Nie mówi nam o tym, jakie były poszczególne grupy społeczne, tylko jak były przedstawiane. Przez to badania wpisują się w nurt historii wizualnej, zajmujący się m.in. analizą i interpretacją obrazów filmowych, umiejscawiając je w określonym kontekście historycznym.
Wystawa Gotyk w Karpatach jest pierwszą próbą łącznego przedstawienia sztuki schyłku średniowiecza we wszystkich krajach regionu. Poprzez zestawienie około stu obrazów i rzeźb, przewiezionych z dziewięciu krajów, które uzupełnia wykonana specjalnie na potrzeby wystawy dokumentacja fotograficzna tego, co nieprzenośne (malowidła ścienne, rzeźba architektoniczna), pokazujemy Karpaty jako obszar artystyczny o utrzymanej ciągłości rozwoju, gdzie jedne dzieła sztuki dawały początek kolejnym. Po obu stronach gór działały bowiem te same warsztaty, obrazy i rzeźby przesyłane były w obu kierunkach, podobnie jak przenikały się tu tendencje w sztuce. Wystawa zarówno prezentuje nowe odkrycia, będące rezultatem bieżących prac konserwatorskich bądź badań terenowych, jak i stanowi okazję dla naocznego zweryfikowania atrybucji postawionych dawno temu. Wykorzystujemy też możliwość scalenia choćby chwilowego dzieł sztuki, których elementy zostały niegdyś rozproszone. Wystawie towarzyszy katalog, który przedstawia historyczny i geograficzny kontekst sztuki gotyckiejna terenie Karpat, omawia charakterystyczne dla niej motywy ikonograficzne, definiuje jej zadania,a także nakreśla kierunki wzajemnego przepływu artystycznych inspiracji między Zachodem Europya Karpatami oraz między północną a południową stroną gór. Każdemu dziełu prezentowanemu na wystawie towarzyszy ilustracja oraz zwięzły opis. Uzupełnieniem są indeks topograficzny, zestawienie nazw miejscowości w siedmiu językach oraz mapy.
Paweł Koñjo Konnak - extatyczny fan wielości bytów. Od 1982 r. aktywista ruchu punk. Od 1986 r. akcjonista Tranzytoryjnej Formacji Totart i jej licznych satelitów. Do dnia dzisiejszego Koñjo zrealizował z Totartem kilkaset ujawnień o charakterze metafizyczno-społecznym. Artysta wszechstronnie rozrywkowy - postać medialna, poeta, prozaik, konferansjer, grafik, muzyk, kurator, aktor, reżyser, wydawca, animator zdarzeń dziwnych. Uważa, że wszystko jest warte, wszystko jest piękne, wszyscy jesteśmy doskonali.
Projektowały plakaty, okładki książek i płyt winylowych, znaki graficzne, opakowania oraz materiały reklamowe. Okres ich najintensywniejszej aktywności zawodowej przypadł na czasy PRL-u. Dobrze wykształcone, utalentowane, pracowite. Dlaczego ich nazwiska nie zapisały się w historii polskiej grafiki użytkowej?Alicja Kobza przez wiele lat gromadziła materiały archiwalne i rekonstruowała losy projektantek. Rozmawiała z bohaterkami książki, ich współpracownikami i rodzinami. Przyglądała się dorobkowi, próbując zrozumieć powody, dla których ich twórczość była dotąd pomijana lub lekceważona, i dlaczego mówiąc o historii polskiej grafiki, umiemy wymienić wyłącznie nazwiska ich kolegów po fachu, partnerów i mężów. W książce opowiada o dwudziestu siedmiu twórczyniach i przedstawia autorski wybór ich projektów. Przybliża realia ich pracy, dylematy, przed którymi stawały, trudności, z którymi musiały się mierzyć. Pokazuje, jak kształtował się ich styl i co wniosły do świata grafiki.Ta smakowita wizualnie, a zarazem pionierska merytorycznie praca przywraca nam wymazaną część naszej historii – historii PRL-u, historii grafiki użytkowej, herstorii.
Wydawnictwo zawiera niezwykle ciekawy tekst Bogdana Konopki o jego czterech wizytach na budowie nowoczesnej opery w Pekinie (Pekiński Teatr Narodowy) i fotografowaniu postępów prac przy budowie tego chińskiego giganta oraz tekst napisany specjalnie do katalogu przez architekta Paula Andreu - twórcę projektu gmachu opery w Pekinie.Swoją refleksję o sztuce fotograficznej Konopki Paul Andreu tak konkluduje: "Bogdan Konopka nie fotografuje architektury, lecz przestrzeń, która w jego spojrzeniu staje się równie tajemnicza, jak ciało. On nie fotografuje architektury, on wyzwala z niej życie i doniosłość".Dopiero podczas czwartej wizyty w budowanym gmachu Bogdan Konopka uzmysłowił sobie, że to co fotografował zniknie bezpowrotnie dla ludzkiego wzroku - kolejny etap budowy przewidywał wyłożenie kopuły od wewnątrz drewniana mozaiką: - "I to jest chyba to, co w fotografii stanowi wartość samą w sobie - zdolność rejestrowania unikalnych stanów materii. Trudno powiedzieć nawet, na czym to polega, bo jest w tym coś z intuicji, profetyzmu, siódmego zmysłu, czy w końcu przypadku. Wszakże kiedy zaczynałem fotografować Operę, nie miałem pojęcia po co to robię, ani co z tego wyniknie" - przyznał Konopka.Album posiada trzy wersje językowe (polską, angielską, francuską). Zawiera pełną informację o drodze artystycznej Bogdana Konopki: spis wystaw, prace w kolekcjach, prace zrealizowane (miasta, miejsca i pomniki, reportaże), zrealizowane przez artystę warsztaty (także z uczniami); a także bogatą bibliografię: katalogi wystaw, monografie o artyście, prace zbiorowe, filmografię.Zamieszczono w nim 47 zdjęć Bogdana Konopki z pekińskiej opery - te same zdjęcia, wykonane kamerą wielkoformatową z odbitkami w technice stykowej, prezentowane są na wystawie w Galerii Bielskiej BWA.
Znana i lubiana przewodniczka po Warszawie od siedmiu lat proponuje czytelnikom spragnionym książek o historii i tradycji naszego miasta swoje nietuzinkowe historie. Kolejny ich zbiór jest poświęcony pałacom, reprezentacyjnym rezydencjom licznych rodów królewskich, magnackich, a z czasem – w wyniku XIX-wiecznej rewolucji przemysłowej – także kupców i przemysłowców. Niewątpliwą zaletą opowieści pióra Ewy Sztompke jest ich styl gawędy, gdzie fakty przeplatają się z anegdotami, historie samych pałaców z barwnymi, a wręcz awanturniczymi losami ich właścicieli, mieszkańców i licznych gości odwiedzających je głównie z okazji… tak, balów i wystawnych fet mających wzbudzić podziw i zazdrość. Wielki świat naszych przodków w opowiadaniu i anegdocie.
Wystawa Grupy Pięciu to pierwsza w historii muzealnictwa ekspozycja poświęcona działalności istniejącego od sierpnia 1905 roku do lutego 1908 roku młodopolskiego ugrupowania, a zarazem pierwsza wspólna prezentacja prac jego członków od czasu ich inicjatyw na początku XX stulecia. Tę niemal całkowicie zapomnianą dzisiaj formację, nazywaną także Grupą Norwid, tworzyli: Leopold Gottlieb, Witold Wojtkiewicz, Wlastimil Hofman, Mieczysław Jakimowicz i Jan Rembowski. Byli to studenci i absolwenci krakowskiej Akademii Sztuk Pięknych, których młodzieńcza twórczość była odpowiedzią na pojawiające się w sztuce europejskiej tendencje awangardowe. Zakres chronologiczny pokazywanych w dużej części po raz pierwszy dzieł obejmuje okres od około 1900 roku aż po lata pierwszej wojny światowej. Rozszerzenie ram czasowych służy pełniejszej prezentacji dokonań młodych adeptów sztuki i uchwyceniu procesów kształtujących ich postawy twórcze. Integralną część wystawy stanowią prace artystów, którzy czasowo związani byli z Grupą Pięciu, poprzez udział we wspólnie przygotowanych pokazach, a należeli do nich: Tymon Niesiołowski, Henryk Hochman i Bronisława Rychter-Janowska. Ekspozycję wzbogaciły ponadto dzieła Odilona Redona, Xawerego Dunikowskiego i Olgi Boznańskiej. Towarzyszący wystawie bogato ilustrowany katalog składa się z pięciu części. Na początku szeroko omówiono zagadnienia związane z artystyczną i wystawienniczą działalnością Grupy. Następną część stanowi esej rozwijający wątek drugiej nazwy ugrupowania (Grupa Norwid) i nakreślający przyczyny odwoływania się młodych artystów do Cypriana Kamila Norwida. Kolejny fragment zapoznaje nas z koncepcją wystawy i omawia poszczególne jej części i sekcje tematyczne. Po nim znajduje się katalog przedstawiający dwieście dzieł prezentowanych na wystawie. Ostatnią część publikacji stanowią zwięzłe biogramy artystów
Historia teatru i dramatu włoskiego jest pierwszą tego typu polską publikacją, skierowaną nie tylko do miłośników włoskiego teatru czy studentów italianistyki, ale także do szerokiego grona odbiorców. Zamiarem Autorów było określenie głównych linii rozwoju teatru włoskiego, na tle szerszego kontekstu społeczno-politycznego i kulturowego w powiązaniu z teatrem europejskim oraz omówienie twórczości najważniejszych artystów i ich dzieł, choć z oczywistych względów nie znalazły się w tym opracowaniu wszystkie nazwiska ludzi teatru, którzy zasłużyli się dla włoskiej sceny.
Sztuka współczesna w poszukiwaniu duchowości W zbiorze esejów Cisza i zgiełk obrazów Krystyna Czerni z pasją i erudycją prowadzi czytelnika przez świat sztuki XX i XXI wieku, kierując uwagę ku twórczości, w której różnorodny wyraz znajduje rzeczywistość duchowa. Ten wymiar wydobywa w subtelny sposób daleki od konfesyjnych uproszczeń i jednoznacznych etykiet w pracach artystów reprezentujących odmienne postawy i języki wizualne, jak Alina Szapocznikow, Leon Tarasewicz, Jarosław Modzelewski, Bettina Bereś, Jan Pamuła, Aldona Mickiewicz czy Krzysztof Sokolovski. Szeroką wiedzę i ugruntowane kompetencje badawcze autorka łączy z osobistym tonem, wynikającym z wieloletnich przyjaźni z artystami, rozmów w pracowniach i uważnego, pogłębionego kontemplowania ich dzieł. Wzbogacona o kolorowe reprodukcje, wolna od hermetycznego języka książka stanowi zaproszenie do namysłu nad metafizycznym wymiarem sztuki współczesnej, odsłaniającym się czasami nieoczekiwanie w tym, co z pozoru zupełnie przyziemne. Odznaczające się dużą komunikatywnością i profesjonalizmem teksty zebrane w tomie Cisza i zgiełk obrazów absorbują uwagę czytelnika, dając mu możliwość zaznajomienia się z rozmaitymi strategiami artystycznymi. Zaprzyjaźniona z wieloma twórcami, Krystyna Czerni odkrywa przed czytelnikami szczegóły z tak zwanej kuchni artystycznej i sekrety środowiska, co czyni książkę bardzo atrakcyjną.prof. dr hab. Joanna M. Sosnowska Imponujące zaplecze merytoryczne, osobiste relacje z twórcami oraz emocje towarzyszące kontemplowaniu i przeżywaniu doświadczanych w pracowniach dzieł pozwoliły Krystynie Czerni osiągnąć wysoki stopień przyległości, swego rodzaju zespolenia się z nimi, co nie pozostaje bez znaczenia dla podjętej refleksji krytycznej. Dzięki owej zażyłości w miejsce świadomości eksploatującej pojawić się mogła świadomość współodczuwająca, tak znamienna dla pisarstwa Czerni.dr hab. Renata Rogozińska, prof. UAP
Tom, będący efektem kilkuletniej kwerendy archiwalnej, zawiera dwieście uszeregowanych chronologicznie dokumentów z komentarzem naukowym. Wśród poruszanych tematów są: instytucjonalne ramy systemu rozpowszechniania filmów, import i opracowanie językowe produkcji zagranicznych, sieć kin i organizacja seansów, reklama i klasyfikacja wiekowa filmów, cenzura i badania widowni oraz nadzór nad kulturą wideo w schyłkowym okresie PRL. Książkę dopełniają materiały ikonograficzne, a także starannie sporządzone zestawienia statystyczne.*Z uznaniem należy przyjąć podejście autorów, którzy postrzegają sektor rozpowszechniania filmów jako złożony system pozostający pod wpływem wielu zewnętrznych uwarunkowań, w tym czynników politycznych. Publikacja jest przedsięwzięciem nowatorskim, gdyż wcześniej nie mieliśmy do czynienia z równie kompleksową analizą systemu rozpowszechniania, bazującą na tak bogatym materiale źródłowym.Z recenzji dr hab. Ewy Gębickiejprof. Uniwersytetu Śląskiego
Ten produkt jest zapowiedzią. Realizacja Twojego zamówienia ulegnie przez to wydłużeniu do czasu premiery tej pozycji. Czy chcesz dodać ten produkt do koszyka?
