W tej strefie zapraszamy czytelników tak zwane artystyczne dusze po książki z kategorii Sztuka. Polecamy szereg publikacji o sztuce i jej historii,ciekawostki i portfolia artystów, eseje, albumy, książki o malarstwie, rzeźbiarstwie, architekturze oraz histoii fotografii. Biografie ciekawych artystów, książki i powieści przedstawiające fascynujące losy malarzy i osób uwiecznianych na obrazach. W tym dziale tylko ksiązki ze sztuka w tle.
Often imitated but never equaled, Jan van Eyck (c. 1390-1441) left an indelible impression on Renaissance art and paved the way for future realist painters. With its unprecedented precision and masterful use of color, Arnolfini Double Portrait, depicting the wedding of a young couple, is testament to the mastery of the Flemish painter and leader of the Early Netherlandish school. Van Eyck painted both secular and religious subject matter, emphasizing a naturalism and realism that moved seamlessly between 15th-century everyday life and poetic, heavenly settings. Working with oil paint, he innovated the medium, allowing for great intensity and depth of color.
Trace the artist’s impressive oeuvre in this hardcover survey of his work, including altarpieces, religious figures, and commissioned portraits. Featuring enlarged details and close analyses of masterpieces like the Ghent Altarpiece, this publication also offers a chronology of van Eyck’s production, including the output of his workshop which continued even after his death.
Star Wars exploded onto our cinema screens in 1977, and the world has not been the same since. After watching depressing and cynical movies throughout the early 1970s, audiences enthusiastically embraced the positive energy of the Star Wars galaxy as they followed moisture farmer Luke Skywalker on his journey through a galaxy far, far away, meeting extraordinary characters like mysterious hermit Obi-Wan Kenobi, space pirates Han Solo and Chewbacca, loyal droids C-3PO and R2-D2, bold Princess Leia Organa and the horrific Darth Vader, servant of the dark, malevolent Emperor.
Writer, director, and producer George Lucas created the modern monomyth of our time, one that resonates with the child in us all. He formed Industrial Light & Magic to develop cutting-edge special effects technology, which he combined with innovative editing techniques and a heightened sense of sound to give audiences a unique sensory cinematic experience.
In this first volume, made with the full cooperation of Lucasfilm, Lucas narrates his own story, taking us through the making of the original trilogy—Episode IV A New Hope, Episode V The Empire Strikes Back, and Episode VI Return of the Jedi—and bringing fresh insights into the creation of a unique universe. Complete with script pages, production documents, concept art, storyboards, on-set photography, stills, and posters, this is the authoritative exploration of the original saga as told by its creator.
There is a star to tytuł trzeciej płyty Natalii Moskal. Album zawiera czternaście piosenek znanych m.in. z włoskich powojennych filmów – w nowych aranżacjach Jana Stokłosy. Całość wydano w formie książki, w której można przeczytać o procesie powstawania płyty i poznać genezę jej tajemniczego tytułu. Utwory zostały zaaranżowane na orkiestrę z wykorzystaniem m.in. akordeonu, wibrafonu i saksofonu. Album, który ukazał się 13 listopada, promowany jest przez słynny utwór Mambo Italiano, który śpiewali Betty Midler, Dean Martin i wielu innych artystów.
Badania nad prasą oficjalną wydawaną w PRL w ostatnich latach zamarły. Na rynku wydawniczym pojawiały się ledwie jeden-dwa tytuły na ten temat, raz na jakiś czas, a gazety czy tygodniki publikowane w tamtym okresie były zazwyczaj wdzięcznym tematem do obśmiewania lub ilustrowania innych książek. Nadszedł czas, aby to zmienić i przywrócić właściwe proporcje, gdyż w dobie radia i raczkującej telewizji to prasa stanowiła główne źródło kształtowania świadomości społeczeństwa PRL. Stanowiła również ogromny oręż władz w walce o rząd dusz Polaków, a skutki tamtego okresu odczuwamy do dziś.Prezentowany tom w tylko niewielkim stopniu wypełnił rozległa tematykę działalności prasy oficjalnej w PRL. Zdajemy sobie z tego sprawę, lecz uznajemy to za początek, nowe otwarcie w badaniach nad tą problematyką.
As special photographer on the sets and locations of Francis Ford Coppola’s The Godfather trilogy, Steve Schapiro had the remarkable experience of witnessing legendary actors giving some of their most memorable performances. Schapiro immortalized Marlon Brando, Al Pacino, Robert De Niro, James Caan, Robert Duvall, and Diane Keaton in photos that have since become iconic images, instantly recognizable and endlessly imitated.
Gathered together in this book are Schapiro’s finest photographs from all three Godfather films, lovingly reproduced from the original negatives. With contextual essays and interviews covering the trilogy in its entirety, this book contains over 300 color and black-and-white images. Schapiro’s images take us behind the scenes of this epic and inimitable cinematic saga, revealing the director’s working process, capturing the moods and personalities involved, and providing insight into the making of movie history.
Ernst Haeckel (1834–1919) was a German-born biologist, naturalist, evolutionist, artist, philosopher, and doctor who spent his life researching flora and fauna from the highest mountaintops to the deepest ocean. A vociferous supporter and developer of Darwin’s theories of evolution, he denounced religious dogma, authored philosophical treatises, gained a doctorate in zoology, and coined scientific terms which have passed into common usage, including ecology, phylum, and stem cell.
At the heart of Haeckel’s colossal legacy was the motivation not only to discover but also to explain. To do this, he created hundreds of detailed drawings, watercolors, and sketches of his findings which he published in successive volumes, including several marine organism collections and the majestic Kunstformen der Natur (Art Forms in Nature), which could serve as the cornerstone of Haeckel’s entire life project. Like a meticulous visual encyclopedia of living things, Haeckel’s work was as remarkable for its graphic precision and meticulous shading as for its understanding of organic evolution. From bats to the box jellyfish, lizards to lichen, and spider legs to sea anemones, Haeckel emphasized the essential symmetries and order of nature, and found biological beauty in even the most unlikely of creatures.
In this book, we celebrate the scientific, artistic, and environmental importance of Haeckel’s work, with a collection of 300 of his finest prints from several of his most important tomes, including Die Radiolarien, Monographie der Medusen, Die Kalkschwämme, and Kunstformen der Natur. At a time when biodiversity is increasingly threatened by human activities, the book is at once a visual masterwork, an underwater exploration, and a vivid reminder of the precious variety of life.
Decades’ worth of images have been distilled down to 512 pages of photographs in this ultimate retrospective collection of Nobuyoshi Araki's work, selected by the artist himself.
First published as a Limited Edition and now back in a new format to celebrate TASCHEN’s 40th anniversary, the curation delves deep into Araki’s best-known imagery: Tokyo street scenes; faces and foods; colorful, sensual flowers; female genitalia; and the Japanese art of kinbaku, or bondage. As girls lay bound but defiant and glistening petals assume suggestive shapes, Araki plays constantly with patterns of subjugation and emancipation, death and desire and with the slippage between serene image and shock.
Describing his bondage photographs as “a collaboration between the subject and the photographer”, Araki seeks to come closer to his female subjects through photography, emphasizing the role of spoken conversation between himself and the model. In his native Japan, he has attained cult status for many women who feel liberated by his readiness to photograph the expression of their desire.
Album art is indelibly linked to our collective musical memories; when you think of your favorite albums, you picture the covers. Many photographers, illustrators, and art directors have become celebrities from their album artworks—the best examples of which will go down in history as permanent fixtures in popular culture.
Paying tribute to this art form, Rock Covers brings you a compilation of more than 750 remarkable album covers, from legendary to rare record releases. Artists as varied as Elvis Presley, The Beatles, The Sex Pistols, Pink Floyd, The Cure, Iron Maiden, and Sonic Youth are gathered together in celebration of the cover art that defined their albums and their cult status. Each cover is accompanied by a fact sheet listing the art director, photographer or illustrator, year, label, and more, while nearly 250 records that marked particular turning points for a band, an artist, or the music genre, are highlighted with short descriptions.
This far-reaching catalog of visualized rock is contextualized with insider interviews with professionals who shaped the history of rock, and by top-10 record lists from ten leading rock collectors.
Flower painter Pierre-Joseph Redouté (1759–1840) devoted himself exclusively to capturing the diversity of flowering plants in watercolor paintings which were then published as copper engravings, with careful botanical descriptions. The darling of wealthy Parisian patrons including Napoleon’s wife Josephine, he was dubbed “the Raphael of flowers,” and is regarded to this day as a master of botanical illustration.
This collection brings our best-selling XL-sized edition to a smaller, more convenient format, still gathering some of the finest color engravings from Redouté’s illustrations of Roses, Lilies, and Choix des plus belles fleurs et quelques branches des plus beaux fruits (Selection of the Most Beautiful Blooms and Branches with the Finest Fruits). Offering a vibrant overview of Redouté’s admixture of accuracy and beauty, it is also a privileged glimpse into the magnificent gardens and greenhouses of a bygone Paris.
One of the most creative minds of the 20th century, Walt Disney created a unique and unrivaled imaginative universe. Like scarcely any other classics of cinema, his astonishing collection of animated cartoons revolutionized storytelling on screen and enchant to this day across geographies and generations.
This expansively illustrated publication on Disney animation gathers hundreds of images as well as essays by Disney experts, taking us to the beating heart of the studio’s “Golden Age of Animation.” We trace Disney’s complete animation journey from the silent film era, through his first full-length feature Snow White and the Seven Dwarfs (1937) and Fantasia (1940), right up to his last masterpieces Winnie the Pooh and the Honey Tree (1966) and The Jungle Book (1967).
With extensive research conducted through the historical collections of the Walt Disney Company, as well as private collections, editor Daniel Kothenschulte curates some of the most precious concept paintings and storyboards to reveal just how these animation triumphs came to life. Masterful cel setups provide highly detailed illustrations of famous film scenes while rare pictures taken by Disney photographers bring a privileged insider’s view to the studio’s creative process.
Each of the major animated features that were made during Walt’s lifetime—including Pinocchio, Fantasia, Dumbo, Bambi, Cinderella, Peter Pan, and One Hundred and One Dalmatians—is given its own focus chapter, without forgetting less-familiar gems such as the experimental short films of the Silly Symphonies series and under-appreciated episodic musical films such as Make Mine Music and Melody Time.
Realizing the Disney style was a collective project and, as much as the master himself, The Walt Disney Film Archives acknowledges the outstanding animators and designers who influenced the style of the studio, among them Albert Hurter, Gustaf Tenggren, Kay Nielsen, Mary Blair, Sylvia Holland, Tyrus Wong, Ken Anderson, Eyvind Earle, and Walt Peregoy.
The life and times of Pieter Bruegel the Elder (c. 1526/30–1569) were marked by stark cultural conflict. He witnessed religious wars, the Duke of Alba’s brutal rule as governor of the Netherlands, and the palpable effects of the Inquisition. To this day, the Flemish artist remains shrouded in mystery. We know neither where nor exactly when he was born. But while early scholarship emphasized the vernacular character of his painting and graphic work, modern research has attached greater importance to its humanistic content.
Starting out as a print designer for publisher Hieronymus Cock, Bruegel produced numerous print series that were distributed throughout Europe. These depicted vices and virtues alongside jolly peasant festivals and sweeping landscape panoramas. He then increasingly turned to painting, working for the cultural elite of Antwerp and Brussels. Rather than idealizing reality, he bravely confronted the issues of his day, addressing the horrors of religious warfare and taking a critical stand against the institution of the Church. To this end, Bruegel developed his own pictorial language of dissidence, lacing innocuous everyday scenes with subliminal statements in order to escape repercussions.
This book is derived from our XXL monograph, which saw TASCHEN undertake a comprehensive photographic survey of the artist’s oeuvre. The result boasts exceptional details and reproductions, unveiling Bruegel’s larger-than-life universe with unprecedented clarity. This volume, in celebration of our 40th anniversary, presents all 40 paintings, accompanied by enlarged details and accessible, immersive texts.
W społeczeństwach nowoczesnych sztuka zajmuje miejsce osobliwe. Z jednej strony wydaje się czymś marginalnym. Miłym dodatkiem do życia. Rodzajem zabawy albo rozrywki, której formy układają się w porządek hierarchiczny, zarysowując kształt wertykalny (mówi się o sztuce wysokiej, przeznaczonej dla elit, i sztuce popularnej, skierowanej do szerokiej publiczności), lecz jeśli przyjrzeć się bliżej, przyjmują postać horyzontalną umieszczając twórców i odbiorców sztuki na obrzeżach ludzkiej wspólnoty. Współcześni malarze i kompozytorzy tworzą dla nielicznych i przez nielicznych tylko mogą być zrozumiani. Są ezoteryczni. Jest to oczywistość, ale z gatunku tych zagadkowych, których sens jest niejasny, a źródła ciemne.
Across small cottages and lavish villas, beach houses and forest refuges, discover the world’s finest crop of new homes. This cutting-edge global digest features such talents as Shigeru Ban, MVRDV, and Marcio Kogan alongside up-and-coming names like Aires Mateus, Xu Fu-Min, Vo Trong Nghia, Desai Chia, and Shunri Nishizawa.
Here, there are homes in Australia and New Zealand, from China and Vietnam, in the United States and Mexico, and on to less expected places like Ecuador and Costa Rica. The result is a sweeping survey of the contemporary house and a revelation that homes across the globe may have more in common than expected.
Among guava trees and abandoned forts in Western India is a sanctuary designed for and by Kamal Malik of Malik Architecture. The House of Three Streams is a sprawling spectacle with high ceilings, verandas, and pavilions, perched atop a ridge overlooking two ravines. A medley of steel, glass, wood, and stone, the house weaves along the contour of the landscape, almost as an extension of the forest.
Encina House by Aranguren & Gallegos, an elegant, sloping structure reminiscent of a gazebo, similarly inhabits its surrounding vista. Ensconced in a pine forest north of Madrid, the lower level is embedded in rock and connected to the upper by a natural stone wall.
Shinichi Ogawa’s Seaside House is an immaculate two-story minimalist marvel in Kanagawa that overlooks the Pacific. Its living area spills onto a cantilevered terrace and infinity pool, almost dissolving into the ocean as one seamless entity.
In Vietnam, Shunri Nishizawa’s House in Chau Doc exudes tropical sophistication with exposed timber beams, woven bamboo, plants, concrete panels, and inner balconies and terraces. Its corrugated iron panels act as moveable walls and shutters, ushering in views of surrounding rice fields.
These homes—along with more than 50 others—are each remarkably distinct in design. They all, however, toe the line between inside and outside, each one symbiotic with its surroundings.
Album prezentuje wybrane arcydzieła malarskie ze skarbów zgromadzonych w Muzeach Watykańskich. Jego autor, wybitny historyk sztuki i wieloletni dyrektor Muzeów, jak nikt potrafił dokonać atrakcyjnego wyboru dzieł do prezentacji i zadbać o bogaty komentarz rzeczowy. Proponuje spojrzenie na włoską sztukę przez pryzmat wielkich malarzy, którzy tworzyli jej historię – od Giotta po Francesca Podestiego. Zapoznaje nas z malowidłami na desce i płótnie oraz freskami z Muzeów Watykańskich, dziełami o różnym pochodzeniu i zamówionymi przez różnych zleceniodawców, ale połączonymi kolekcjonerską pasją kolejnych papieży.
Prezentacja zaczyna się od Pinakoteki i przechowywanych w niej skarbów, czyli dzieł Giotta, Fra Angelica, Benozza Gozzolego, Melozza da Forli, Carla Crivellego, Pietra Pierugina, Rafaela, Leonarda, Tycjana, Belliniego, Veronese, Barocciego, Guercina, Reniego, Domenichina i Caravaggia. Następnie odwiedzamy kaplicę Mikołaja V z arcydziełem Fra Angelico, w Apartamencie Borgia oglądamy efekt pracy Pinturicchia, zatrzymujemy się w słynnych Stanzach Rafaela. Na kolejnych stronach trafiamy do Galerii Map Geograficznych, przechodzimy przez Salę Sobieskiego, w której możemy podziwiać ofiarowane przez papieżowi przez Polaków w 1883 roku dzieło Jana Matejki, by skończyć zwiedzanie w Sali Niepokalanego Poczęcia przed dziełem wielkiego portrecisty Francesca Podestiego.
Oprócz ogromnego waloru estetycznego i edukacyjnego album ma także wartość praktyczną i może służyć jako fachowy przewodnik po malarstwie zebranym w Muzeach Watykańskich. Po jego lekturze czytelnik będzie wiedział, przed którymi dziełami warto się na dłużej zatrzymać w czasie zwiedzania, pozna historię powstania poszczególnych malowideł i powody, dla których kolejni papieże chcieli je posiadać w zbiorach.
AUTOR:
Anatonio Paolucci (ur. w 1939 r. w Rimini) to włoski historyk sztuki, specjalista w zakresie historii renesansu, minister kultury w latach 1995–1996, dyrektor Muzeów Watykańskich w latach 2007–2017, autor kilkuset artykułów naukowych, a także monografii poświęconych takim twórcom, jak Luca Signorelli czy Marco Palmezzano.
Grę a vista można, a nawet należy ćwiczyć regularnie. To jeden z kluczowych elementów edukacji pianistycznej. Pomoże w tym niniejsza publikacja: zawiera zbiór ćwiczeń opatrzonych komentarzami autorów.Podręcznik przeznaczony jest dla uczniów szkół muzycznych II stopnia.
Maria Anna Potocka – filozof sztuki, dyrektor Muzeum Sztuki Współczesnej w Krakowie MOCAK, była założycielką czterech galerii autorskich (1972–2010). Ponadto jako kurator wielu wystaw dysponuje w tej dziedzinie ogromnym doświadczeniem, które zaowocowało książkami: Malarstwo (1995), Rzeźba (2002), Estetyka kontra sztuka (2007), To tylko sztuka (2008), Fotografia (2010), Nowa estetyka (2016), Zofia Posmysz. Szrajberka 7566 (2018), 150 lat malarstwa polskiego (2019). Jest też prozatorką i eseistką: Wypadek polityczny (2010), Skuteczność prawicy (2020).
Niniejszy tom obejmuje poddane znacznym rewizjom i modyfikacjom teksty Malarstwo i Rzeźba. Doświadczenia artystyczne autorki mają źródło w konceptualizmie, analizie mediów i postmodernizmie. Dzieło oglądane z tych perspektyw jest „mądrzejsze” niż dzieło interpretowane według tradycyjnych zasad historii sztuki. Nowe spojrzenie nie rozkoszuje się pięknem kształtu czy smakiem gier kolorystycznych. Podejście postkonceptualne traktuje dzieło jako trop poznawczy. Szuka w nim sensu tamtego czasu i obrazu człowieka, który je stworzył. Ten model interpretacyjny pozwala zrozumieć, jak ważnym narzędziem cywilizacyjnym jest sztuka. Obie książki do pewnego stopnia kierują się chronologią, Malarstwo ma jednak narrację absolutnie swobodną, Rzeźba bardziej ulegle podąża za faktami. Bohaterami są przebieg zdarzeń i narastanie refleksji, nie indywidualni artyści. W obu książkach głównemu tekstowi towarzyszy równoległy wątek komentarzy o charakterze filozoficznym, psychologicznym i kulturoznawczym.
Krakowski Rynek jest… morzem, czyli przestrzenią. Kiedy w połowie lat sześćdziesiątych, pod opieką naszej pani, wyruszyłem z małego miasteczka w Małopolsce na pierwszą klasową wycieczkę nad Bałtyk, zobaczyłem z perspektywy wydmy w Łebie ów bezmiar i – oniemiałem! Nigdy wcześniej nie doświadczyłem czegoś tak dużego, rozległego, bezkresnego i tajemniczego. To, co ujrzałem, przerosło dziecięcy horyzont mojego świata, a małe miasteczko, w którym mieszkałem, stało się od tej pory jeszcze mniejsze. Poczułem, że to, co „bezbrzeżne” i „nieogarnione” – już na zawsze zawładnie moją wyobraźnią. Rzecz bowiem w tym, że na horyzoncie Bałtyku nie było nic! Żadnego śladu człowieka, żadnej ulicy czy kamienicy, no nic i nic! Nawet Szwecji nie było widać. Jedynie linia, która oddzielała jeden błękit od drugiego, nieco jaśniejszego. Prawdę mówiąc, oniemieliśmy wszyscy, nawet mój wiecznie rozgadany kumpel Józek Babula. Dopiero potem zrozumiałem, że zobaczyliśmy coś, co dla wielu z nas okazało się doświadczeniem przełomowym. Dotknęliśmy przestrzeni: oddechu wolności, czystości, tęsknoty, zachwytu nad pięknem i radością życia, ale i warunku bycia dobrym dla ludzi. Nikt z nas nie zdawał sobie wówczas sprawy, że nasze pierwsze spojrzenie na Bałtyk oznaczało zew wolności i piękna.
Dwa lata później ta sama klasa czterdziestu dwóch uczniów szkoły podstawowej zatrzymała się u wylotu ulicy Szewskiej. Ujrzeliśmy Sukiennice, Bazylikę Mariacką, a nieco bliżej, po prawej stronie, Wieżę Ratuszową. Tak, już kiedyś to przeżyłem… poczułem się jak nad Bałtykiem! Niby wszystko inne: tam Natura i brak detali, a tu Architektura (wówczas nie znałem jeszcze tego pojęcia, wszak mieszkałem w prostym bloku przy ulicy Marii Konopnickiej). Ale – zachwyt ten sam, to samo poczucie onieśmielenia, ten sam niepokój i niepewność wobec czegoś, co widzę po raz pierwszy w życiu. Ten sam chwilowy brak tchu, to samo onieśmielenie i to samo poczucie, że… TO jest takie piękne! Od tamtego czasu niewiele się zmieniło. Upłynęło kilkadziesiąt lat, dobry Pan Bóg obdarował mnie przywilejem codziennego bywania na krakowskim Rynku – a ja ciągle uczę się go od nowa i od nowa.
Andrzej Nowakowski
Pierwsza po wielu latach biografia Gustawa Holoubka. Dlaczego teraz? Bo ciągle żyje w naszej pamięci. Bo był i nadal jest kimś więcej niż wspaniałym aktorem. Bo teraz – bardziej niż kiedykolwiek – ważna jest jego niezłomna postawa etyczna. Zofia Turowska, biografka m.in. Agnieszki Osieckiej, Janusza Majewskiego i Zofii Nasierowskiej, odkrywa nieznane fakty z życia Gustawa Holoubka, analizuje postawy i losy środowiska, a także określone działania Holoubka w kontekście osobistym i politycznym. Zyskała dostęp do rodzinnych dokumentów i archiwum, które nie są dla nikogo dostępne. Porusza wiele ważnych i nieznanych historii i faktów – dotychczas nieomawianych. Gustaw. Opowieść o Holoubku to znaczące sceny z jego życia, to Gustaw na tle historii, we wspomnieniach rodziny, przyjaciół i kolegów, bardziej codzienny niż pomnikowy: mąż, ojciec, dziadek, mądry, uroczy człowiek, zwyczajnie nadzwyczajny przyjaciel, niezwyczajny kibic, kompan do brydża, pokera, niezwykły opowiadacz dykteryjek. Dżentelmen o magnetycznym głosie i uwodzicielskim spojrzeniu. Człowiek mądrego słowa, riposty, dowcipu. Inteligent. Kreował życie, jakiego pragnie. Patrzył do przodu, nie za siebie. To, o czym myślał, pisał, mówił, jest w tej książce najważniejsze i ciągle aktualne. Ma się wrażenie, że Holoubek wcale nie odszedł... Zofia Turowska – absolwentka wydziału dziennikarstwa Uniwersytetu Warszawskiego. Autorka sagi rodziny Onyszkiewiczów „Gniazdo”; współautorka kultowego reportażu – dokumentu o wydarzeniach w Stoczni Gdańskiej w 1980 roku, o łódzkiej Szkole Filmowej Filmówka oraz o Zespole Filmowym TOR, biograficznej opowieści Beaty Tyszkiewicz Nie wszystko na sprzedaż, a także biografii Osiecka. Nikomu nie żal pięknych kobiet. Dla Marginesów napisała opowieść o Zofii Nasierowskiej Fotobiografia, biografię Janusza Majewskiego Film – kobieta jego życia, a także otoczyła literacką opieką książkę Magdaleny Zawadzkiej Gustaw i ja.
W 2020 roku przypada 120. rocznica urodzin i 45. rocznica śmierci polskiego Chaplina, jak nazywano Adolfa Bagińskiego (pseudonim Dymsza). Należał on do grona najbardziej popularnych artystów okresu międzywojennego. Na jego temat powstało wiele artykułów i dwie biografie, jednak ta publikacja jest całkiem inna. Została napisana przez osoby spokrewnione z artystą, nie związane ze światem artystycznym, ani kręgiem krytyków teatralnych czy filmowych. Książka przedstawia Dymszę z innej strony jako człowieka, kolegę, męża, ojca i dziadka. Wykorzystano w niej wiele niepublikowanych dotąd wspomnień, faktów, dokumentów oraz zdjęć. Ukazuje zainteresowania i wszechstronne uzdolnienia aktora, jego rodzinę, przyjaciół oraz przybliża trudny okres okupacji, związany z koniecznością dokonywania wyborówAdolf Dymsza rozstał się ze swoim rodowym nazwiskiem Bagiński i stał się Dodkiem. Obdarzony wszechstronnym talentem aktorskiem (ale nie tylko) zaczął swoją karierę w teatrzyku Qui Pro Quo. Porywał widzów w kabarecie, teatrze i filmie. Ogromnie popularny był jednocześnie niezwykle życzliwy i skromny.Okupacja ciężko Go doświadczyła, co znalazło odbicie w pomówieniach i niesprawiedliwych osądach.W tej książce Szanowni Czytelnicy odnajdą także historię rodzinnych, dotąd nieznanych korzeni Adolfa Dodka Dymszy.Roman Dziewoński
Książka Piotra Wierzbickiego, wielbiciela i wytrawnego znawcy muzyki, wprowadza w świat sztuki dźwięków zachodniej cywilizacji na przykładzie najsłynniejszych utworów. Ta przystępna, a jednocześnie wnikliwa opowieść o muzycznych przeżyciach przemówi do wrażliwości i wyobraźni zarówno najmniej wtajemniczonych, jak i koneserów.
Dofinansowano ze środków Ministra Kultury i Dziedzictwa Narodowego.
Ten produkt jest zapowiedzią. Realizacja Twojego zamówienia ulegnie przez to wydłużeniu do czasu premiery tej pozycji. Czy chcesz dodać ten produkt do koszyka?
