W tej strefie zapraszamy czytelników tak zwane artystyczne dusze po książki z kategorii Sztuka. Polecamy szereg publikacji o sztuce i jej historii,ciekawostki i portfolia artystów, eseje, albumy, książki o malarstwie, rzeźbiarstwie, architekturze oraz histoii fotografii. Biografie ciekawych artystów, książki i powieści przedstawiające fascynujące losy malarzy i osób uwiecznianych na obrazach. W tym dziale tylko ksiązki ze sztuka w tle.
Polaroids occupy a special place in photography, all the more so since the development of digital techniques. The instant print and absence of editing tools allows these one-of-a kind images a beguiling realness: In no other photographic medium does the moment find its material form with such sincerity and such speed.
Throughout his career, Helmut Newton used polaroids not just for their poetics but as a crucial tool for testing lighting and composition before a shoot began. Many photographers threw these tests away. Luckily for us, Newton kept his, allowing his widow June Newton to assemble this fascinating behind-the-scenes look at some of his greatest shoots, from the classic nudes in Milan to latex-clad shots in St. Tropez.
With images visible folds or handwriting, these snaps from the seventies, eighties, and nineties are akin to the preparatory sketches to masterpiece paintings. Offering fascinating insight into Newton’s creative direction and process, they stand as works of art in their own right, and as a historical testament to a bygone age of fashion photography.
Helmut Newton, master of late 20th-century fashion photography, always considered the printed page the most important factor in his work. It was, he explained, in the framework of an editorial or advertising commission, that he found his inspiration and produced his best shots.
Joining the prestigious roster of TASCHEN’s Helmut Newton titles, including Sex & Landscapes, World without Men, and the much coveted Helmut Newton SUMO, this fresh edition of Pages from the Glossies gathers the most eminent and interesting examples of Helmut Newton’s work for magazines across Europe and the United States. Facsimiles of more than 500 original spreads from the likes of Elle, Amica, and, above all, Vogue follow Newton’s ongoing ability to break the boundaries of his genre and explore the interaction of his unique, daring, pictures with typography and layout.
In lively personal anecdotes alongside the spreads, Newton talks through the inspirations and informal moments behind some of his most memorable images. We follow him scouting models, setting up a shot with the captain of a nuclear submarine, collaborating with Anna Wintour, and negotiating between different cultural attitudes towards the nude.
For more than half a century, Annie Leibovitz has been taking culture-defining photographs. Her portraits of politicians, performers, athletes, businesspeople, and royalty make up a gallery of our time, imprinted on our collective consciousness by both the singularity of their subjects and Leibovitz’s inimitable style.
The catalogue to an installation at the LUMA Foundation in Arles, France, Annie Leibovitz: The Early Years, 1970–1983 returns to Leibovitz’s origins. It begins with a moment of artistic revelation: the spontaneous shot that made Leibovitz think she could transition from painting to photography as her area of study at the San Francisco Art Institute. The meticulously and personally curated collection, including contact sheets and Polaroids, provides a vivid document both of Leibovitz’s development as a young artist and of a pivotal era.
Leibovitz’s reportage-like photo stories for Rolling Stone, which she began working for when she was still a student, record such heady political, cultural, and counter-cultural developments as the Vietnam War protests, the launch of Apollo 17, the presidential campaign of 1972, Richard Nixon’s resignation in 1974, and the Rolling Stones on tour in 1975. Then, as now, Leibovitz won the trust of the prominent and famous, and the book’s pages are animated by many familiar faces, among them Muhammad Ali, Mick Jagger, Keith Richards, Ken Kesey, Patti Smith, Bruce Springsteen, Joan Didion, and Debbie Harry, as well as John Lennon and Yoko Ono, captured in their now iconic embrace just hours before Lennon was assassinated.
Throughout the book, the portraits and reportage are linked to images of cars, driving, and even a series on California highway patrolmen. In many ways, it’s a celebration of life on the road—the frenetic rhythms, the chance encounters, the meditative opportunities. And with its rich archival aspects, it is also a tribute to an earlier time and a young photographer enmeshed in a culture that was itself in transition.
Elected the architectural book of the year by the International Artbook and Film Festival in Perpignan, France, Frédéric Chaubin’s Cosmic Communist Constructions Photographed explores 90 buildings in 14 former Soviet Republics. Each of these structures expresses what Chaubin considers the fourth age of Soviet architecture, an unknown burgeoning that took place from 1970 until 1990.
Contrary to the 1920s and 1950s, no “school” or main trend emerges here. These buildings represent a chaotic impulse brought about by a decaying system. Taking advantage of the collapsing monolithic structure, architects went far beyond modernism, going back to the roots or freely innovating. Some of the daring ones completed projects that the Constructivists would have dreamt of (Druzhba Sanatorium, Yalta), others expressed their imagination in an expressionist way (Palace of Weddings, Tbilisi). A summer camp, inspired by sketches of a prototype lunar base, lays claim to Suprematist influence (Prometheus youth camp, Bogatyr). Then comes the “speaking architecture” widespread in the last years of the USSR: a crematorium adorned with concrete flames (Crematorium, Kiev), a technological institute with a flying saucer crashed on the roof (Institute of Scientific Research, Kiev), a political center watching you like Big Brother (House of Soviets, Kaliningrad).
In their puzzle of styles, their outlandish strategies, these buildings are extraordinary remnants of a collapsing system.In their diversity and local exoticism, they testify both to the vast geography of the USSR and its encroaching end of the Soviet Union, the holes in a widening net. At the same time, they immortalize many of the ideological dreams of the country and its time, from an obsession with the cosmos to the rebirth of identity.
In 2007 TASCHEN released The New Erotic Photography, followed in 2012 by The New Erotic Photography 2. Each book featured hundreds of fresh and provocative images from the world's most intriguing erotic talents. Now the best of both books is available in The New Erotic Photography, featuring 62 photographers from 10 countries, exploring the global variations of erotic photography, as well as the evolution of photographic media over the last decade. We see film give way to digital, while those who persist with film are as likely to use Polaroids and primitive cameras like the Lomo and Holga as traditional SLRs.
Elected the architectural book of the year by the International Artbook and Film Festival in Perpignan, France, Frédéric Chaubin’s Cosmic Communist Constructions Photographed explores 90 buildings in 14 former Soviet Republics. Each of these structures expresses what Chaubin considers the fourth age of Soviet architecture, an unknown burgeoning that took place from 1970 until 1990.
Contrary to the 1920s and 1950s, no “school” or main trend emerges here. These buildings represent a chaotic impulse brought about by a decaying system. Taking advantage of the collapsing monolithic structure, architects went far beyond modernism, going back to the roots or freely innovating. Some of the daring ones completed projects that the Constructivists would have dreamt of (Druzhba Sanatorium, Yalta), others expressed their imagination in an expressionist way (Palace of Weddings, Tbilisi). A summer camp, inspired by sketches of a prototype lunar base, lays claim to Suprematist influence (Prometheus youth camp, Bogatyr). Then comes the “speaking architecture” widespread in the last years of the USSR: a crematorium adorned with concrete flames (Crematorium, Kiev), a technological institute with a flying saucer crashed on the roof (Institute of Scientific Research, Kiev), a political center watching you like Big Brother (House of Soviets, Kaliningrad).
In their puzzle of styles, their outlandish strategies, these buildings are extraordinary remnants of a collapsing system.In their diversity and local exoticism, they testify both to the vast geography of the USSR and its encroaching end of the Soviet Union, the holes in a widening net. At the same time, they immortalize many of the ideological dreams of the country and its time, from an obsession with the cosmos to the rebirth of identity.
First advertised as a “mind-stretching experience,” Nicolas Roeg’s 1976 The Man Who Fell to Earth stunned the cinema world. A tour-de-force of science fiction as art form, the movie brought not only hallucinatory visuals and a haunting exploration of contemporary alienation, but also glam-rock legend David Bowie in his lead role debut as paranoid alien Newton.
Based on Walter Tevis’s 1963 sci-fi fable of the same title, The Man Who Fell to Earth follows alien Newton from his arrival on earth in search of water; his transition to wealthy entrepreneur, leveraging the advanced technologies of his native planet; his sexual awakening with the young Mary-Lou; and then the discovery of his alien identity, his imprisonment, abandonment, and descent into alcoholism. Throughout, Roeg coaxed a beguiling performance from his cast, presenting not only Bowie in ethereal space-traveler glory, but also pitch-perfect supporting performances from Candy Clark, Rip Torn, and Buck Henry.
TASCHEN’s The Man Who Fell to Earth presents a plenitude of stills and behind-the-scenes images by unit photographer David James, including numerous shots of Bowie at his playful and ambiguous best. A fresh introductory essay explores the shooting of the film and its lasting impact, drawing upon an exclusive interview with David James, who brings first-hand insights into the making of this sci-fi masterwork.
The fantastical vision of Hieronymus Bosch's twenty paintings and eight drawings have secured him a place as one of the most cult artists in history.
With full spreads and carefully curated details, this book offers the complete, haunting Bosch world, exploring the full reach and compelling inventions of his genius as well as his disturbing imagination.
Alongside Bosch's hybrid creatures, nightmarish scenarios and his religious and moral framework, art historian and Bosch expert Stefan Fischer reveals the most important themes and influences in these cryptic, mesmerizing masterpieces.
Part design history, part trip down musical memory lane, this anthology of Jazz album artwork is above all a treasure trove of creative and cultural inspiration. Spanning half a century, it assembles the most daring and dynamic Jazz cover designs that helped make and shape not only a musical genre but also a particular way of experiencing life.
From the 1940s through to the decline of LP production in the early 1990s, each chosen cover design is distinct in the way it compliments the energy of the album's music with its own visual rhythms of frame, line, text, and form. To satisfy even the most demanding of music geeks, each record is accompanied by a fact sheet listing performer and album name, art director, photographer, illustrator, year, label, and more.
The autor
Joaquim Paulo is a consultant for major labels and directs a number of radio stations in Portugal. He started collecting vinyl at 15, and flies to London, Paris, New York and São Paulo to enrich his collection of over 25,000 LPs. He lives and works in Lisbon and dedicates his free time to recovering old and rare recordings.
Rembrandt Harmensz. van Rijn (1606-1669) stands as one of the most important painters in Western art, but nowhere else do we encounter his inimitable talent more so than in his drawings and etchings. Hinged upon experimentation and expressive line work, they garnered him unparalleled recognition from his contemporaries.
Each portrait or quotidian scene is elevated by his masterful treatment of light, shadow, and hatching. There is another world to be accessed within Rembrandt’s etchings—one that dwells within the intangibilities of moody midnight contemplation and the twilit countryside, these elusive moments fixed to the page with every stroke. Meanwhile, Rembrandt’s drawings display his emotional state with a candor unseen in other works. Using pen and brush, silverpoint and charcoal as well as colored chalks and ink, he drew on various types of paper which he also sometimes dyed beforehand.
Commemorating the 350th anniversary of the artist’s death, this stunning XXL monograph is the first-ever collection gathering Rembrandt’s complete works on paper. Through the 708 drawings, brilliantly printed in color for the first time, and 314 etchings in pristine reproductions, we discover Rembrandt’s keen eye, deft hand, and boundless depth of feeling like never before; and above all, we witness that he was far more than just a painter.
Andy Warhol and Jean-Michel Basquiat’s complex relationship captivated the art world then and now. At a time when Warhol was already world famous and the elder statesman of New York cool, Basquiat was a downtown talent rising rapidly from the graffiti scene. Together, they forged an electrifying personal and professional partnership.
As a prolific documentarian of his own world, Warhol extensively photographed and wrote of his friendship with Basquiat, all played against the backdrop of 1980s downtown New York City. It reveals not only the emotional depth of their relationship but also its ambiguities, extremities, and complexities.
Produced in collaboration with The Andy Warhol Foundation and Jean-Michel Basquiat’s estate, this book chronicles the duo’s relationship in hundreds of previously unpublished photographs of Basquiat along with a dynamic cast of characters from Madonna to Grace Jones, Keith Haring to Fela Kuti. The shots are accompanied by entries from the legendary Andy Warhol Diaries, selected collaborative artworks, and extensive ephemera. Touching, intimate, and occasionally sardonic, Warhol on Basquiat is a voyeuristic glimpse into the lives of two of modern art’s brightest stars.
Książka Józefa Poklewskiego bez wątpienia spełnia wszelkie kryteria pracy naukowej. Jej wysokie walory merytoryczne wynikają z dogłębnej znajomości omawianych zagadnień, bogatego naukowego doświadczenia Autora – profesora historii sztuki. Dzieło przemawia erudycją i znakomitym warsztatem. Ugruntowane źródłową wiedzą fakty, skrupulatnie przedstawiane w toku pełnej polotu narracji, jak też obszerna, rzeczowa charakterystyka i wnikliwa analiza zjawisk czynią z książki Józefa Poklewskiego kompendium wiedzy znacząco wzbogacające stan badań nad życiem artystycznym i kulturalnym Wilna – ważnego komponentu polskiej kultury i sztuki II Rzeczypospolitej.
Prezentowana publikacja to zbiór studiów i szkiców o Cyprianie Norwidzie i jego twórczości, zogniskowanych na wybranych aspektach stylu artystycznego oraz systemu wartości poety. Jest to dialogowanie z artystą o wymagającej postawie egzystencjalnej i ideowej, z twórcą, który w sposób „całkowity" poświęcił się sztuce. Twórczość Norwida zarówno w przestrzeni słowa, jak też plastyki stanowi interesujący sposób połączenia literatury i rysunku w dziele jednego artysty, który scala panoramę i detal, konkret i parabolę, doczesność i jej transcendentalizm. Są to ważne elementy światopoglądu poety. Zasadnicze pytanie „Jaki Norwid?" pojawiające się w tej książce, a często stawiane we współczesnych badaniach norwidystów, obrazuje zmienność modelu odbioru i sposobu odczytywania twórczości autora Vade-mecum wraz z jej historyczno-kulturową złożonością. To wręcz nieuniknione dla poety, który świadomie wybiegał ku horyzontom myśli i estetyki przyszłych sobie lat. Dla współczesności „artysta-sztukmistrz" był kimś, kto ją wyznaczył i określił „przed jej czasem".
W książce „Katedry świata” opisanych zostało 90 katedr katolickich (wyłącznie obrządku łacińskiego) ze wszystkich zamieszkanych kontynentów z wyjątkiem Europy – świątynie biskupie z tego regionu Czytelnik odnajdzie w dwóch wcześniej wydanych tomach: „Dziedzictwo wiary. Katedry w Polsce” (Dragon, 2016) i „Katedry Europy” (Dragon, 2017). W wyborze uwzględniono kościoły znajdujące się w 55 państwach niepodległych i czterech terytoriach zależnych. Blisko dwie trzecie z nich stanowią obiekty z Nowego Świata, czyli obu Ameryk oraz Australii i Oceanii, gdzie katolicyzm wyznaje często ogromna większość mieszkańców. Pozostałe stanowią świadectwo wiary katolików z Azji i Afryki, stanowiących niekiedy bardzo małą część ludności.
W książce o gdańskiej przestrzeni artystów znajdują się artykuły będące pokłosiem badań przeprowadzonych przez studentów kierunku Kulturoznawstwo na Uniwersytecie Gdańskim. W kręgu zainteresowań młodych badaczy znalazły się wydarzenia i zjawiska artystyczne obecne w gdańskiej przestrzeni miejskiej: teatry uliczne i Międzynarodowy Festiwal FETA, Teatr w Oknie, fireshow, realizacje artystyczne i animacyjne na terenach postoczniowych oraz murale. Studenci, dziś już absolwenci Kulturoznawstwa, skupili swoją uwagę na przedstawieniu istoty omawianego zjawiska. Ukazali historię i sposób funkcjonowania w przestrzeni miejskiej wybranych form artystycznych i animacyjnych przy jednoczesnym uwzględnieniu ich mocy przekształcania i poszerzania znaczenia samej przestrzeni, w której zaistniały. Niniejsza publikacja może stanowić interesującą lekturę nie tylko dla studentów i absolwentów studiów o profilu artystycznym, ale dla każdego gdańszczanina i turysty, który pragnie odkrywać i poznawać estetyczną stronę miasta.
Błażej Król to wokalista i kompozytor. Związany przeszłością z wieloma zespołami, między innymi współtworzył eteryczny duet UL/KR. Komponuje i wykonuje swoje utwory, śpiewając napisane przez siebie teksty. Teksty, które są elementem łączącym wszystkie jego dotychczasowe projekty: nieco abstrakcyjne, ale mające ukryty wartościowy sens, dające wiele do zrozumienia, choć w sposób nieoczywisty. Muzycznie to charakterystyczna przestrzenna produkcja, która łączy w sobie nowoczesne, alternatywne aranżacje, połączone z brzmieniem starych kaset. Coraz ważniejszą rolę w muzycznej przygodzie Błażeja odgrywa jego żona – Iwona. Początkowo doradzała, komentowała, zajmowała się kwestiami artystycznymi od strony około producenckiej. Od paru lat jest pełnoprawnym członkiem zespołu, tworzą i występują razem na scenie. Gdyby zliczyć wszystkie albumy, które tworzył lub współtworzył Błażej Król, jesienią doczekamy się 12 albumu artysty pt. „Nieumiarkowania”.
Tracklista:
01 Godzina piętnasta i ciemno
02 Głodne dusze
03 Pierwszy i ostatni
04 Okazało się
05 Te smaki i zapachy
06 Czas siedmiu prób
07 Druga pomoc
08 W dole miasta
09 Gula
Spis treści
Słowo redaktorów
Ks. Janusz Gręźlikowski Główne regulacje prawne Soboru Trydenckiego
Ks. Wacław Siwak Implikacje mariologiczne uchwał Soboru Trydenckiego
Ks. Tadeusz Bratkowski „Cantus ecclesiasticus” jako śpiew Kościoła rzymskiego na Soborze Trydenckim (1545–1563)
Ks. Sławomir Zabraniak Potrydencki „model” duchownego, wiernego i duszpasterstwa na ziemiach polskich
Kazimierz Maliszewski Katolicyzm potrydencki a kultura polska doby Baroku. U źródeł fenomenu polskiej religijności
Adam Kucharski Wizja katolicyzmu potrydenckiego w dziennikach podróży Polaków z XVII i XVIII wieku
Ks. Stanisław Nabywaniec Synodus Zamosciana – „Tridentinum Ruthenorum unitorum”. Latynizacja – okcydentalizacja – polonizacja
O Autorach
Termin kultura studencka odnosi się do całego szeregu formalnych i nieformalnych praktyk, wartości oraz postaw, które określa się jako charakterystyczne dla życia w trakcie studiów uniwersyteckich. Choć definicyjnie możemy się spierać nad różnymi wyznacznikami tej charakterystyki, to kluczowe jest tutaj coś innego. W zasadzie różne formy kultury studenckiej wykształciły się nieomalże jednocześnie wraz z pierwszymi uniwersytetami i ukształtowaniem się szkolnictwa wyższego. Zasadniczo jednak okres jej właściwego tworzenia się możemy lokować w momencie, kiedy szkolnictwo wyższe staje się szkolnictwem masowym, dostępnym każdemu. Zniesienie ograniczeń w tym względzie powoduje, że kultura ta dotyczy na tyle dużej liczby osób, że zaczynamy postrzegać ją właśnie jako swoistą kulturę czy wręcz subkulturę […].
W sensie ogólnym rozumiemy kulturę studencką jako rozciągniętą pomiędzy dwoma punktami. W zależności od tego, do którego punktu w danym momencie ciągnie, charakteryzuje się naciskiem na inne swoje środki wyrazu. Z jednej strony takiej osi mielibyśmy instytucjonalną kulturę studencką, a z drugiej – spontaniczną kulturę studencką. Ta pierwsza charakteryzowałaby się albo wysokim stopniem związków z władzą, jak miało to miejsce w PRL, albo związkiem z instytucjami życia pozastudenckiego, gdzie kulturę studencką rozumielibyśmy jako przygotowanie do tego życia. Spontaniczna kultura studencka, jak można by to określić, wskazywałaby raczej na te obszary studenckiej kultury, które wymykają się instytucjonalnym ramom. Do takich praktyk należałoby np. uczestnictwo w działaniach politycznych wykraczających poza instytucjonalne formy lub przeniesienie wzorców kontrkulturowych do kultury studenckiej […].
Założeniem naszej publikacji było pokazanie wzajemnych relacji, związków i napięć między tymi dwoma porządkami. Studencka kultura instytucjonalna w PRL z jednej strony pozostawała bardzo często w opozycji do kultury spontanicznej. Z drugiej strony jednak często studenckie instytucje pełniły funkcję parasola ochronnego wobec różnorakiej działalności, która mogła być uznana za związaną z kulturą spontaniczną. O ile nie wręcz z opozycją wobec władzy. W książce nie tylko chcieliśmy ukazać te wspomniane napięcia, ale także próbować scharakteryzować główne obszary studenckiej aktywności.
Ze Wstępu
A selection from McCurry's finest photographs, featuring vivid scenes of everyday life around the world
The Unguarded Moment showcases 75 large-format and evocative photographs that define the work of renowned documentary photographer Steve McCurry. Each image collected here bears witness to a unique encounter, an 'unguarded moment', in which McCurry captures his subjects at their most unselfconscious.
Depicting the everyday lives of people from myriad countries and cultures, these stunning reproductions pay tribute to McCurry's enduring fascination with the individual.
An accessible, comprehensive, freshly-updated celebration of the vast range of human artistry from 28,000 BC to today
Brought completely up to date for this revised edition and now available in a compact new format, this new edition of Phaidon's groundbreaking book presents art differently from all other compendia by revealing the huge diversity – or in many cases, the similarity – of artistic achievements around the globe. Images of more than 600 works from all periods and regions are arranged in chronological order, each with a short text that puts the work in critical context and explains its contribution to the development of art history.
Ten produkt jest zapowiedzią. Realizacja Twojego zamówienia ulegnie przez to wydłużeniu do czasu premiery tej pozycji. Czy chcesz dodać ten produkt do koszyka?
