W tej strefie zapraszamy czytelników tak zwane artystyczne dusze po książki z kategorii Sztuka. Polecamy szereg publikacji o sztuce i jej historii,ciekawostki i portfolia artystów, eseje, albumy, książki o malarstwie, rzeźbiarstwie, architekturze oraz histoii fotografii. Biografie ciekawych artystów, książki i powieści przedstawiające fascynujące losy malarzy i osób uwiecznianych na obrazach. W tym dziale tylko ksiązki ze sztuka w tle.
Winslow Homer, amerykański malarz, grafik i rysownik, znany jest głównie ze swoich realistycznych dzieł, które często przedstawiają sceny z życia na wsi, morskie pejzaże oraz ludzi w ich codziennych sytuacjach. Jego prace, wyjątkowe ze względu na mistrzostwo w oddawaniu światła, kolorów i atmosfery, są niezwykle prawdziwe i emocjonalnie bogate.W twórczości Winslowa Homera można dostrzec wpływy romantyzmu i realizmu - to właśnie realistyczne podejście do tematów oraz umiejętność przedstawiania wrażeń sprawiają, że jego dzieła wciąż pozostają inspiracją dla wielu artystów i miłośników sztuki na całym świecie. W albumie przedstawione są najważniejsze dzieła takie jak Breezing Up, The Fog Warning, czy Home, Sweet Home.
Henri Rousseau (1844-1910) to francuski malarz, który zdobył uznanie jako przedstawiciel sztuki naif lub prymitywistycznej. Jego dzieła charakteryzują się naiwną stylizacją, płaskimi formami i jaskrawymi kolorami. Rousseau często malował pejzaże i sceny z dżungli, chociaż sam nigdy nie podróżował do takich miejsc. Pomimo braku formalnego szkolenia artystycznego, jego prace zdobyły uznanie w środowisku artystycznym, a dzisiaj są uważane za ważny element historii sztuki modernistycznej.
W czasach masowej fotografii i internetu sens rysowania architektury, krajobrazu czy wnętrz nie jest oczywisty. Bronię rysunku, bronię szkicowania, choć przyznaję, że korzyści odnosi przede wszystkim sam rysujący. (…) To, co wydawało się znane, widziane wielokrotnie, rozpoznawalne lub nawet banalne, w procesie rysowania przekształca się, można rzec – odsłania się, czy raczej jest odsłaniane. To tak, jak z myśleniem: gdy chcemy sprecyzować i wypowiedzieć myśl, to już nie jest to ta sama myśl. Rysuje się, aby zobaczyć, celem i środkiem rysunku jest widzenie…
Fragment Wstępu
Książka Janusza Sepioła należy do bardzo rzadkich wydawnictw, w których autor posługuje się jednocześnie tekstem i własnym rysunkiem. Użyte w tytule określenie „szkice architektoniczne” nie jest w tym wypadku metaforą. Praca stanowi swoiste itinerarium – zapis wrażeń i refleksji z miejsc rozsianych pomiędzy dwiema artystycznymi metropoliami: Lwowem i Krakowem. Tytuły poszczególnych rozdziałów to w ogromnej większości nazwy miejscowości, ale równie dobrze mogłyby to być nazwiska postaci, których te teksty dotyczą. Niemal za każdym razem pojawia się jakaś biografia: projektanta, mecenasa, badacza. To opowieści o budowlach, miejscach i ludziach. Ich wybór nie podlega jakimś sztywnym kryteriom; motywem scalającym jest narracja o artystycznym oddziaływaniu środowiska lwowskiego (Wydziału Architektury Politechniki Lwowskiej) na obszar zachodniej Galicji w II połowie XIX i I połowie XX wieku. Książka jest galerią obiektów nieco mniej znanych, mniej spopularyzowanych, skupia się na architekturze „drugiego rzutu” bądź też architekturze mniejszych ośrodków, ukazując je na tle budownictwa w swej większości anonimowego: drewnianych kościołów, cerkwi, synagog, tworzących unikalny krajobraz kulturowy tej części Europy. Wydawnictwo w znacznej części dotyczy bezpośrednio kultury Krakowa. Na jego stronach pojawiają się działający tu, a potem migrujący do Lwowa architekci tacy jak Teodor Talowski, Jan Sas-Zubrzycki, Adolf Szyszko-Bohusz czy pochodzący z Lwowa, a działający w Krakowie i na Podhalu Zbigniew Kupiec, bądź też pochodzący z Krakowa a działający w Rzeszowie Mateusz Tekielski. Są także znani krakowscy historycy sztuki, jak profesorowie Edward Dutkiewicz czy Józef T. Frazik. W tym sensie można ją zaliczyć do cracovianów. Książka nie jest w żadnej mierze krajoznawczym przewodnikiem ani akademickim skryptem czy podręcznikiem. Zachowuje wartość niespiesznej, nieco erudycyjnej gawędy i stanowi zapis fascynacji różnorodnością architektonicznych form, szkół, nurtów i mód. W jakimś sensie uczy, jak patrzeć na architekturę, a z pewnością jest przykładem gasnącej tradycji odręcznego, „wrażeniowego” rysowania architektury i to w przeróżnych technikach: od akwareli po węgiel. Tworzy bardzo osobisty i zaskakująco nowatorski obraz architektonicznego dziedzictwa tej części Europy Środkowej.
Janusz Sepioł, ur. 1955 w Gorlicach. Absolwent Politechniki Krakowskiej i Uniwersytetu Jagiellońskiego, architekt, historyk sztuki, urbanista. Architekt Województwa Krakowskiego, w latach 2002–2004 Marszałek Małopolski, senator VII i VIII kadencji, obecnie Główny Architekt Rzeszowa. Wyróżniony Medalem Honorowym SARP, Złotą Odznaką Izby Architektów RP oraz samorządową Nagrodą im. J. Regulskiego. Autor kilku książek eseistycznych (m.in. Architekci i historia, Dyptyk włoski, Praca nad krajobrazem, Historia jednego domu), współautor i redaktor wielu wydawnictw fachowych (m.in. „Przestrzeń życia Polaków” [raport], Form Follows Freedom, „Puls Polskiej Architektury”, „Architektura Rzeszowa”) oraz jednej ilustrowanej książki dla dzieci (Sierściaki i inne).
Już od czasu pierwszego wydania w 1998 roku podręcznik ten, przetłumaczony na wiele języków, kreśli kontury estetyki fotografii i pozwala na rozważania na temat jej statusu jako sztuki, rozpatrując nasuwające się pytania teoretyczne. Refleksja ta opiera się na analizie licznych dzieł fotograficznych oraz na definicji nowych pojęć opracowanych w świetle estetyki, filozofii i psychoanalizy. Dzieło omawia trzy ważne zagadnienia: Jakie związki z rzeczywistością utrzymuje fotografia? Na czym polega specyfika dzieła fotograficznego? Co sprawia, że fotografia znajduje się w sercu sztuki współczesnej lub też wręcz jest jej sercem?
François Soulages jest profesorem uniwersyteckim (Université Paris 8, Institut National d’Histoire de l’Art), prezesem oraz założycielem RETINA.International (Recherches Esthétiques & Théorétiques sur les Images Nouvelles & Anciennes), organizacji zajmującej się badaniami estetycznymi i teoretycznymi nad obrazem, a także autorem licznych publikacji oraz współautorem prac zbiorowych.
Fascynująca opowieść o sztuce dawnych mistrzówCo wspólnego z malarstwem ma włoskie słowo pentimento, oznaczające skruchę, żal i pokutę?Dlaczego drzewa i dachy w Widoku Delft Johannesa Vermeera są niebieskie?I co niegdyś nazywano majstersztykiem?Grażyna Bastek, historyczka sztuki od lat związana z Muzeum Narodowym w Warszawie, zabiera czytelników do średniowiecznych i nowożytnych pracowni malarskich. Tłumaczy zasady funkcjonowania dawnych warsztatów, opisuje, z jakich materiałów powstawały obrazy oraz procedury ich wytwarzania, a także opowiada o tym, jak dzieła dawnych mistrzów zmieniały się pod wpływem czasu i różnorodnych interwencji kolekcjonerów, muzealników oraz konserwatorów.Ilustrownik. Przewodnik po sztuce malarskiej to wyjątkowa, bogato ilustrowana pozycja przeznaczona zarówno dla tych, którzy dopiero rozpoczynają swoją przygodę z malarstwem dawnym i chcielibyzrozumieć jego aspekty technologiczne oraz artystyczną gramatykę, jak i dla zaawansowanych miłośników sztuki pragnących poszerzyć swoją wiedzę."Mówić o sztuce to sztuka sama w sobie - i Grażyna Bastek jest w niej znakomita. Jej "Ilustrownik" wbrew pozorom nie jest kolejnym słownikiem terminologicznym sztuk pięknych, tylko błyskotliwą, wielowątkową przechadzką po języku, którym przez stulecia obrosła zarówno sama technika tworzenia dzieł, jak i krytyka artystyczna. Przyda się w dyskusjach, przyda się we flircie i przy rozwiązywaniu krzyżówek. Przede wszystkim jednak "Ilustrownik" to znakomita lektura dla przyjemności poznawczej."Jacek Dehnel
Written by Director of Tate Maria Balshaw, this book is a powerful, timely and thought-provoking exploration of the transformative role of the museum – and of art – in society today.
As the world adapts to the consequences of a global pandemic, museums continue to experience unprecedented disruption and change. At the same time, there is a growing debate and dissent over what museums are for, who they speak to and what the histories, objects and ideas they are tasked with holding reflect – all taking place within a public sphere that feels increasingly dynamic and volatile.
’Public institutions do not sit “outside” society, they are the barometer of time and place. How museums and galleries open themselves up to change and engage dissenting voices is not obvious or easy, but as a recent visitor said, “Art is an invitation to a conversation” – so perhaps our role might be to unlock that conversation.’ – Maria Balshaw Taking a wide-ranging and thought-provoking look at the roles and responsibilities of some of our most well-known and best-loved public institutions, Gathering of Strangers: Why Museums Matter explores the critical challenges and opportunities for the museum at this point in the twenty-first century. Moving from the historical origins of the gallery to important current debates taking place around art and public engagement, the climate emergency, race equality and decolonisation, and the value of the arts in education, this book sets out the role of art and artists in imagining and shaping our collective future.
It is also a love letter to museums, from a sector leader who is at the forefront of the cultural conversation today.
‘Ambitious, generous and packed with ideas, this is a thrilling, thought-provoking invitation into the museum of the future, where both art and people are made welcome.’ – Olivia Laing Maria Balshaw is Director of Tate. Previously, she was Director of the Whitworth, University of Manchester; Director of Manchester City Galleries; and Director of Culture for Manchester City Council. She is also a member of the Women Leaders in Museums Network and a member of the Bizot group of leading global museums.
Created to accompany one of the most exciting exhibitions of 2020, this stunning paperback catalogue presents the full breadth of Muholi’s photographic and activist practice.
Richly illustrated, it includes images from the key series Muholi has produced over the past twenty years, as well as never-before-published and recent works. The exhibition book also features six newly commissioned essays exploring their work, as well as a full glossary and chronology.
Born in South Africa, Zanele Muholi came to prominence in the early 2000s with photographs that sought to envision black lesbian, gay, bisexual, trans, queer and intersex lives beyond deviance or victimhood. Muholi’s work challenges hetero-patriarchal ideologies and representations, presenting the participants in their photographs as confident and beautiful individuals bravely existing in the face of prejudice, intolerance and, frequently, violence. While Muholi’s intimate photographs of others launched their international career, their intense self-portraits solidified it.
Sarah Allen is Assistant Curator at Tate Modern.
Yasufumi Nakamori is Senior Curator, International Art at Tate Modern.
An essential introduction to the life and work of JMW Turner, this book examines his pioneering explorations into oil and watercolours transformed landscape painting.
JMW Turner (1775–1851) is arguably Britain’s greatest painter. An extraordinary and prolific artist of incredible range, his pioneering explorations in oils and watercolours, his innovative use of colour and the proliferation of his work through print media enabled him to forge a stellar reputation in his own time. Yet, his dramatic landscapes, marine paintings and revelatory scenes of industry, war and contemporary life are as captivating to audiences today as they were then.
This book is an essential introduction to the life and work of this influential artist. Tracing Turner’s journey from his modest beginnings and formative years, through to his tours and engagement with the British and Continental landscape, alongside pioneering historical, biblical and classical narrative paintings, it highlights his breathtaking technical skill and deep engagement with his own times. Showcasing an impressive selection of iconic and significant works from across his career, it reveals the enduring power of Turner’s work and the true extent of his artistic genius.
Andrew Loukes is Curator of the Egremont Collection at Petworth House, having previously worked at Tate Britain and Manchester Art Gallery. He is a specialist in British art of the Romantic period and has curated several exhibitions on J.M.W. Turner, along with others on John Constable and William Blake. Andrew is also a former Trustee of Turner’s House.
The first properly posthumous retrospective on the artist, this paperback exhibition book highlights the significance of Mike Kelley’s influential four-decade career on the development of art since the 1970s.
Mike Kelley (1954–2012) is widely considered one of the most influential artists of our time, with an irreverent and visionary practice that spanned and mixed performance, installation, drawing, painting, video, photography, sound, text and sculpture. Ghost and Spirit looks at his dense and colourful body of work, from early performances, to his iconic stuffed toy works, and on to his explorations of history, memory and trauma as they haunt our experiences of school or family.
Asking prescient questions about how to exist among a world of media images, about the role of art and the artist, and about embodiment, Kelley adopted different personas and mediums, deliberately deflating his own status. From his own position as a white, heterosexual man in postmodern, capitalist America, he challenged assumptions about identity, class and institutional authority. Bringing together a range of diverse perspectives which summon his ‘lingering influence’ (to paraphrase the artist), this exhibition catalogue captures the complexity and persistent relevance of Kelley’s extraordinary practice.
Edited by Catherine Wood and Fiontan Moran, the book includes contributions from Mark Beasley, Marie de Brugerolle, Robert Cozzolino, Hendrik Folkerts, Jean-Marie Gallais, Jack Halberstam, Suzanne Lacy, Mark Leckey, Laura López Panigua, Fiontan Moran, Grace Ndiritu, Glenn Phillips, Cauleen Smith and John Welchman.
Catherine Wood is Director of Programme at Tate Modern, and curator of contemporary art and performance.
Fiontan Moran is Curator of International Art at Tate Modern.
Behind the Red Moon explores elemental forces interwoven with human histories of power, oppression, dispersion and survival. In this book contributions by art historians, artists and writers illuminate these themes, and a conversation between the artist and Tate curator Osei Bonsu casts light on the full range of Anatsui’s extraordinary work.
El Anatsui’s Behind the Red Moon is a monumental sculptural installation made of thousands of metal liquor bottle tops and fragments. Crumpling, crushing, and stitching them into different compositions, large panels are pieced together to form massive abstract fields of colour, shape and line. The work builds on Anatsui’s interest in histories of encounter and the migration of goods and people during the transatlantic slave trade.
In these astonishing hangings the past and present of Africa and Europe merge into sculptural forms that embody Anatsui’s idea of the ‘non-fixed form’ and are part of his highly experimental approach to sculpture. ‘Each material has its properties, physical and even spiritual,’ he explains.
Edited by Osei Bonsu, and with contributions by Bronwyn Katz, Julian Lucas, Kobena Mercer, Kwame Mintah, and Olu Oguibe.
Osei Bonsu is Curator, International Art, Tate Modern.
Bronwyn Katz is an artist, and a protégée of El Anatsui during 2023–4 through the Rolex Mentor and Protégé Arts Initiative.
Julian Lucas is Staff writer at The New Yorker; National of United States
Kobena Mercer is a British art historian and writer on contemporary art and visual culture, and Charles P. Stevenson Chair in Art History and the Humanities, Bard University.
Kwame Mintah is co-founder of Efie Gallery.
Olu Oguibe is an artist.
Pierwsza polska książka o najpopularniejszej współczesnej gwieździe pop na świecie.Taylor Swift to fascynujące zjawisko, a nawet uniwersum popkultury. Czterokrotna zdobywczyni Grammy za album roku, rekordzistka list przebojów, człowiek roku magazynu "Time", bilionerka i jedna z najbardziej rozpoznawalnych osób na świecie.Jej historia nie jest prosta. Biografia Taylor Swift to opowieść o emancypacji, coming of age story, podróż bohaterki w czasach późnego kapitalizmu, kryzysów społecznych i poszukiwania autentyczności. Czy jest ich dzielną protagonistką czy może czarnym charakterem? Czy można "nosić róż i mieć opinie?" Czy można być wrażliwą piosenkarką i zarazem kierować multimedialnym, bilionowym imperium?"Era Taylor Swift" to pasjonująca biografia i reportaż o jednej z ikon naszych czasów, a także książka o zmieniającym się rynku muzycznym, o bebechach showbiznesu, o fanach i hejterach. Lektura obowiązkowa zarówno dla swifties, jak i dla wszystkich pasjonatów świata muzyki i popkultury, którzy chcą zrozumieć fenomen tej unikatowej postaci.Uznana pisarka i reporterka Karolina Sulej, kulturoznawczyni i zadeklarowana wielbicielka Taylor Swift, kreuje wielowymiarowy portret wokalistki i kompozytorki. O jej fenomenie rozmawia zarówno z fandomem, jak i z osobami ze świata muzyki, mediów i psychologii. Takiego portretu Taylor Swift jeszcze nie było.
Geniusz z Barcelony.Zaskakująco różny w kolejnych etapach swego życia – elegancki młody bourgeois; wyniszczony dietą i chorobami zapracowany mężczyzna; przypominający żebraka, wychudzony, zdziwaczały staruszek – zawsze żył architekturą i dla architektury.
Nie był dobrym uczniem ani studentem. Jednak zwracał uwagę otwartością umysłu i zaskakującymi pomysłami. Podczas egzaminu końcowego (na którym przyznano mu tytuł architekta głosami większości, a nie jednomyślnie) jego nauczyciel oświadczył: „Panowie, stoimy tutaj dzisiaj przed obliczem geniusza lub szaleńca!”.
Syn rzemieślnika – zawsze najwyżej cenił rzemiosło. „Dwoma linami i sznurem tworzy się architekturę”, mawiał. I nigdy nie porzucił swych korzeni, z każdym rokiem mocniej podkreślając, że jest Katalończykiem. Już jako młody chłopak z równie romantycznymi jak on przyjaciółmi poznawał najważniejsze zabytki Katalonii, snując marzenia, z których zaskakująco wiele udało im się zrealizować. W każdym kolejnym projekcie coraz głębiej sięgał do tradycji i historii swojej ziemi. Znając dobrze kilka języków, z czasem zgadzał się rozmawiać już tylko po katalońsku.
Coraz częściej – za swą wielką miłość do Ojczyzny – bywa porównywany do wielkiego Katalończyka Ramóna Llulla. Ma zostać błogosławionym – patronem architektów.
Uwielbiany i czczony przez jednych, znienawidzony przez innych – już w dniu swojej śmierci okrzyknięty został geniuszem przez te same barcelońskie gazety, które jeszcze niedawno zamieszczały jego karykatury: niezrozumianego, trochę szalonego, ekscentrycznego.
„Autobiografia Gaudiego została zapisana w kamieniu; w popękanych kaflach, szylkrecie, powykręcanym metalu, witrażach i wypolerowanym złocie; w cemencie i zaprawie murarskiej. Aby stworzyć obraz człowieka, musimy bliżej przyjrzeć się budynkom, które zbudował, w których mieszkał, przedmiotom, które czcił, i źródłom jego wyobraźni: temu, co sam nazwał Wielką Księgą Natury” – napisał Autor książki we wstępie do tej jedynej w swoim rodzaju „biografii architektonicznej”.
Gaudi. Geniusz z Barcelony to barwna i dowcipna ilustrowana biografia artysty (1852–1926), a zarazem portret Katalonii, jej życia kulturalnego i politycznego, napisana wartko, wnikliwie i ze zrozumieniem.
„Rzadko się zdarza, aby biografia architekta była tak ludzka i pełna humoru. Udało się odtworzyć połączenie żartobliwości i powagi, jakie charakteryzowało Gaudiego”, napisał Paul Preston.
Autorka Mahatmy Witkaca dotarła do ostatnich świadków pamiętających jeszcze Witkacego: Oli Watowej, Ireny Krzywickiej, Anny Linke, Wally Pawlikowskiej. Pokazała też tragikomiczne, dopełniające katastroficzne wizje Witkacego, peerelowskie losy jego najbliższych, żyjących w zbydlęconym świecie, w którym on sam odmówił udziału, np. jego żony, Jadwigi Witkiewiczowej, chromej i starej, przepędzonej przez komunistę Polewkę z literackiego kołchozu na Krupniczej w Krakowie. Samotność i nędza ,,demonicznych"" niegdyś modelek, wyprzedających jego obrazy w zamian za miejsca w domu starców. Przypomniała tragigroteskę ,,grzebalnej awantury"", gdy na zakopiańskim cmentarzyku, wśród przemówień o polsko-radzieckiej przyjaźni, pochowano zmarłą w czasie porodu Bogu ducha winną młodą Ukrainkę.Nowe wydanie Mahatmy poszerzone zostało o unikatowe i niepublikowane wcześniej zdjęcia Witkacego na ,,wyrypach"" w ukochanych Tatrach oraz jako męża i nie-męża z żoną i najważniejszymi kobietami jego metafizycznego haremu, a także o trzy nowe rozdziały: * ,,Ciućka jego tango tańcowała"" - o Witkacym jako wirtuozie słowa, niepodrabialnego języka pełnego komizmu, twórcy neologizmów, które weszły do polszczyzny, np. pyfko, papojka, kobietony, bebechy, szpryngle, oraz przekleństw podniesionych do rangi sztuki, np. sturba jego suka, ścierwa ich pyzdry, ty skierdaszony wądrołaju! * ,,Kronika intymna"" - o szczerych, wręcz ekshibicjonistycznych listach Witkacego do żony i przyjaciół, swoistym intymnym dzienniku artysty i człowieka z krwi i kości, ze swadą i humorem relacjonującego swoje twórcze niemoce, jak też kłopoty z zębami i hemoroidami. * ,,Śpiewki poranne"" - o tworzonych zwykle podczas kąpieli żartobliwych wierszykach o tematyce erotycznej, peyotlowej, klozetowej, pisanych dla rozrywki i ucieczki od prześladujących go glątw. Często niecenzuralnych, dosadnych, nigdy jednak wulgarnych, jak chociażby ten: Wlazła na piedestał/i prosiła, żeby przestał,/ale on nie słuchał wcale/ i dalejże ją na tym piedestale
Męskie Granie - Historia muzycznego fenomenu ostatnich latW 2010 roku nikomu nie mieściło się w głowie, że polski artysta może zgromadzić publiczność, która wypełni Stadion Narodowy. Nikt nie spodziewał się, że kultura słuchania muzyki w Polsce przejdzie taką rewolucję! Nikt wcześniej nie zaryzykował też zorganizowania rozbudowanej trasy festiwalowej.Męskie Granie szybko stało się najważniejszym wydarzeniem lata - jedynym festiwalem, który ma własną Orkiestrę i własny hymn, a jego gwiazdami są wyłącznie polscy artyści.Piotr Stelmach zabiera nas w podróż przez 15-letnią historię Męskiego Grania. Rozmawia z twórcami i organizatorami imprezy z Grupy Żywiec i agencji Live - wywrotowcami i prekursorami, którzy postawili na jakość, muzyczne eksperymenty, fuzje gatunków i wymianę międzypokoleniową. Artyści - Wojciech Waglewski, Katarzyna Nosowska, Dawid Podsiadło, Brodka, Krzysztof Zalewski, Daria Zawiałow, Igo i wielu innych - zapraszają nas na próby i do studiów nagraniowych, gdzie powstają hymny Męskiego Grania. A sekrety rock'n'rollowej kuchni zdradzają fachowcy od sceny, nagłośnienia czy multimediów. Poznajemy niezwykłe historie artystycznych spotkań i kulisy pracy setek osób, które tworzą tę kultową imprezę.Bo Męskie Granie to nie tylko muzyka - to niedając9788383600918y się kontrolować żywioł.Wydawca: Wielka Litera i KayaxPiotr Stelmach - dziennikarz muzyczny, współzałożyciel i szef muzyczny Radia 357. W latach 1997-2020 związany z Programem Trzecim Polskiego Radia, w którym prowadził m. in. autorskie audycje: "Offensywa", "Myśliwiecka 3/5/7" oraz "W tonacji Trójki". Autor książki Lżejszy od fotografii. O Grzegorzu Ciechowskim. Koncerty Męskiego Grania prowadzi od pierwszej edycji trasy w 2010 roku.
Frapujące studium zwrotu obywatelskiego, który dokonał się w Ukrainie na początku XXI wieku. W centrum swojej analizy autorka stawia działalność ruchów kobiecych i kolektywów artystycznych, które nie tylko współtworzyły kolejne zrywy – pomarańczową rewolucję i rewolucję godności – ale także przyczyniły się do wypracowania nowego języka feministycznej emancypacji. Szczególną uwagę poświęca kulturowym napięciom dotyczącym symboliki religijnej i narodowej, stosunku do postradzieckiego dziedzictwa oraz kwestii wolności seksualnej.
Dzięki zastosowaniu metodologii badań postkolonialnych i wpisaniu omawianych zjawisk w szeroki kontekst historyczny Jessice Zychowicz udaje się wydobyć to, co najbardziej oryginalne w sztuce ukraińskich artystek i kolektywów, bez nakładania na ich pracę zachodnich klisz. Autorka przez kilka lat mieszkała w Ukrainie – także podczas rewolucji godności – co znalazło wyraz nie tylko w jej wnikliwej analizie performansów i dzieł (przede wszystkim takich grup, jak Femen, Feministyczna Ofensywa, VCRC, ChudRada i REP, oraz artystek, jak Jewhenija Bielorusiec, Alewtyna Kachidze i Włada Rałko), ale także nadało tej książce specjalny, osobisty ton.
Bettina Is Back
35 years of daring, defiant photography
Since her first photographs in the late ’70s, Bettina Rheims has defied the predictable. From her series on Pigalle strippers (1980) to her cycle on the life of Jesus in I.N.R.I. (1998), from Chanel commercials to Gender Studies (2011), her work has shaken up traditional codes of representation and pushed restlessly at the breaking point between two great human preoccupations: beauty and imperfection.
This Rheims retrospective showcases more than 300 photographs from 35 years of daring, often defiant photography. Personally selected and assembled by Rheims, the collection brings together renowned series such as Chambre close, Héroïnes, and Rose, c’est Paris. Spanning commercial work and artistic series, the retrospective impresses with each turn of the page, as much for the strength of each image as for the thrilling variety of Rheims’s subjects and aesthetics. With equal attention to anonymous subjects cast in the street as to global celebrities including Kate Moss, Madonna, Monica Bellucci, Claudia Schiffer, and Naomi Campbell, the book showcases Rheims’s particular interest in female fragility and strength, and of the magic encounter between model and artist which disrupts codes of so-called eroticism to build up a new image system for womanhood.
Leon Wyczółkowski - wybitny malarz, grafik i rysownik okresu Młodej Polski. Reprezentant nurtu realistycznego w polskiej sztuce. Prace artysty cechowała wszechstronność; eksperymentował w zakresie stosowanych technik: oleju, akwareli, tuszu, temperze, pastelu, ołówku i w grafice. Znane są zarówno jego pejzaże, jak i portrety miast. Mistrzostwo osiągnął Wyczółkowski także w dziedzinie sztuki portretowej. Uprawiał grafikę oryginalną, stając się jednym z pionierów tej dyscypliny w Polsce.Dzieła pokazane w albumie pozwalają prześledzić etapy rozwoju twórczości malarza. Album stanowi wybór najlepszych prac Wyczółkowskiego z całego okresu twórczości. Czytelnik znajdzie w nim ponad 50 znanych i mniej znanych reprodukcji, uzupełnionych wstępem poświęconym twórczości artysty.
Nie byłeś jeszcze w filharmonii? Rzadko słuchasz muzyki klasycznej? Uważasz, że jest ona "zbyt poważna"? Przeczytaj tę książkę! Po świecie muzyki oprowadzi Cię David W. Barber - znakomity przewodnik, który z humorem, sowicie okraszając ważne treści anegdotą, zapozna Cię z faktami z historii muzyki, które znać trzeba, wiadomościami z życia kompozytorów, które znać warto i ciekawostkami, których znajomość może uczynić z Ciebie niemal wytrawnego konesera. Autor potrafi rozbawić także tych, którzy o muzyce wiedzą więcej, a nawet całkiem dużo, przedstawiając znane z podręczników fakty w krzywym zwierciadle swego absurdalnego humoru.
Fascynująca podróż w czasie, podczas której razem z Piotrem Wierzbickim czytelnik zatrzymuje się w niemal każdym zajeździe lub hotelu, który kiedykolwiek pojawił się na planie Warszawy czy w przewodnikach dla podróżnych.Autor - varsavianista od lat publikujący w ""Skarpie Warszawskiej"" i oprowadzający wycieczki po stolicy - drobiazgowo analizuje każdą wzmiankę o obiektach bazy noclegowej, a przy tym barwnie opowiada o atmosferze dawnych czasów. Część II to solidne kompendium na temat warszawskiego hotelarstwa.
"“I’m pursuing the impossible . . . I want to paint the air in which the bridge, the house, and boat are to be found—the beauty of the air around them . . .”
Claude Monet wanted to capture more than just air and light in impasto paint on canvas, as he explained in a conversation with the Danish author Herman Bang in 1895. The master of light was also a master of shadows and reflections. This is evident in his most famous paintings, such as that of the façade of the Rouen cathedral, or the haystacks painted against light, or in the reflections of the water lilies in the pond at Giverny. In particular, his sun-drenched groves, coastlines, and depictions of the Seine in both summer and winter, demonstrate how Monet revolutionized painting by questioning the conventional notions of what a painting could be.
This exquisite volume is devoted to the works from the period between 1880 and 1905 and truly paints Monet in a new light."
Ten produkt jest zapowiedzią. Realizacja Twojego zamówienia ulegnie przez to wydłużeniu do czasu premiery tej pozycji. Czy chcesz dodać ten produkt do koszyka?
