W tej strefie zapraszamy czytelników tak zwane artystyczne dusze po książki z kategorii Sztuka. Polecamy szereg publikacji o sztuce i jej historii,ciekawostki i portfolia artystów, eseje, albumy, książki o malarstwie, rzeźbiarstwie, architekturze oraz histoii fotografii. Biografie ciekawych artystów, książki i powieści przedstawiające fascynujące losy malarzy i osób uwiecznianych na obrazach. W tym dziale tylko ksiązki ze sztuka w tle.
Unique and user-friendly techniques for figure drawing and understanding human anatomy
The third title from bestselling author Robert Osti, Drawing the Body is a highly accessible book that presents an engaging, systematized way to draw the human figure – from static, structural, and anatomical depictions to realistic and expressive forms.
With minimal, essential text, the book is organized as a sketchbook with abundant images and practical exercises throughout. Included are step-by-step demonstrations that feature original illustrations from the author, photography of human figures, as well as art historical references from Old Masters.
This beautiful and utilitarian guide is indispensable and will appeal to artists, art students, and anyone interested in the artistic and scientific depiction of the human figure and human anatomy.
Czym jest 15-minutowe miasto wyjaśnia w swojej książce prof. Carlos Moreno. Streszczając jego koncepcję, można stwierdzić, że jej sednem jest podstawowa dla ludzkości potrzeba życia we wspólnocie. Chodzi o to, abyśmy mogli spotykać się z innymi ludźmi oraz korzystać z ich usług w naszej bezpośredniej okolicy - to tu powinniśmy robić zakupy, dokonywać rozmaitych napraw, spędzać czas w lokalnych restauracjach, klubach, siłowniach, parkach, bibliotekach itp. Chodzi też o to, aby nasze dzieci mogły bezpiecznie, pieszo lub rowerem, w krótkim czasie dotrzeć co rano do swoich szkół. Ważne jest również ograniczenie w miastach ruchu samochodowego. Okazuje się bowiem, że jeśli większość potrzeb będziemy mogli zrealizować w najbliższym sąsiedztwie, to nie będziemy musieli w takim stopniu jak dotąd korzystać z samochodów. Brzmi jak utopia? Niekoniecznie. I tak wielu z nas pracuje już w dużej mierze zdalnie i nie wszyscy muszą codziennie dojeżdżać do swoich miejsc pracy. Potrzebujemy więc w naszych miastach dzielnic, w których będzie nam się wygodnie i atrakcyjnie żyło. Potrzebujemy ich nie po to, aby się w nich zamykać, ale po to, aby zaoszczędzić najcenniejszy z zasobów, jaki posiadamy - własny czas. Carlos Moreno prowadzi nas przez kolejne miasta, aby uświadomić nam, jak ogromne zmiany zaszły w ich topografii i funkcjonowaniu na przestrzeni wieków. Rozwijające się technologie, industrializacja, modernizm ze swoją obsesją na punkcie samochodów (a w środkowoeuropejskim kontekście również lata komunizmu) przeobraziły je w organizmy chore, dysfunkcyjne, rozczłonkowane przez kolejne, nowo powstające arterie. Nie cofniemy tych zmian, ale możemy sprawić, że miasta będą dla nas bardziej przyjazne za sprawą dużej liczby ścieżek rowerowych, stref pozbawionych ruchu kołowego, parków i skwerów dających nam cień w czasie coraz częstszych fal letnich upałów, a także sprawnego i ekologicznego transportu miejskiego. Takie przeobrażenie miast jest konieczne ze względu na nadchodzące zmiany klimatyczne i związane z nimi zagrożenia. Jakie miasta warto odwiedzić, aby przekonać się, że wdrożenie idei 15-minutowego miasta jest możliwe? Carlos Moreno zaprasza nas przede wszystkim do Paryża, który jako pierwsze miasto na świecie zaczął realizować wizję 15-minutowości. Następnie prowadzi nas przez kilka kontynentów: do Mediolanu, Portland, Cleveland, Buenos Aires, Susy, Melbourne i Pusan, aby na koniec zaprezentować nam małe miejscowości, które stają się liderami 15-minutowości. Oprócz szkockich i francuskich miasteczek wymienia też polski Pleszew, którego władze realizują strategię dostępności, zazielenienia, uspokojenia ruchu samochodowego, innowacyjnego budownictwa oraz zrównoważenia miejskich funkcji. To, jakie będą nasze miasta w przyszłości, w dużej mierze zależy to od nas samych, od tego, czy zgodzimy się zmienić nasz sposób życia i codzienne nawyki. Patroni medialni: Architektura Murator, Smak książki, Urbacast
Miasto dla dzieci Tima Gilla to jedna z najważniejszych książek w naszej serii miejskiej. Autor stawia bardzo mocną tezę i z powodzeniem ją broni - miasto przyjazne dla dzieci jest miastem szczęśliwym dla wszystkich mieszkańców. Pisze we wstępie Guillemin (Gil) Pealosa - Analizy i spostrzeżenia Tima na temat rozwiązań z całego świata pokazują, jak wspaniałym miejscem dla dzieci mogą być miasta. Jego wyjątkowa i rozległa wiedza, obejmująca politykę publiczną, edukację, opiekę nad dziećmi, urbanistykę, transport, projektowanie miejskie i playwork, pozwala mu zaoferować holistyczne spojrzenie na to zagadnienie. Jak mówi Tim, "musimy poszerzyć horyzonty dzieciństwa". Ta książka jest znakomitym źródłem, które może nam w tym pomoc. Wtóruje mu Monika Pastuszko, redaktorka książki i antropolożka miejska - Książka Tima Gilla zawiera liczne wskazówki, jak wprowadzić kompleksową zmianę zarówno na poziomie abstrakcyjnych zasad i celów, jak i konkretnych narzędzi pracy z dziećmi i przebudów. Niech więc stanie się inspiracją dla polityków i polityczek, urzędników, rodziców i aktywistek miejskich! Czytajcie tę książkę jako przesłanie. Urzędnicy i urzędniczki - niech pozwoli Wam ona zobaczyć jako całość działania, które realizują Wasze miasta: strefy piesze i stawianie ławek, sadzenie drzew i wymiana kopciuchów. Rodzice - niech pozwoli Wam pomyśleć o miesicie jako o przestrzeni, która nie jest dana raz na zawsze, a decyzje i przekonania, które stoją za jej ukształtowaniem, można zmieniać. Weźcie ją na transparenty! Decydenci - niech pozwoli Wam podejmować odważniejsze decyzje. Tim Gill wspomina, że UNICEF realizuje na całym świecie program Miasta Przyjazne Dzieciom. Uczestniczy w nim już ponad trzy tysiące ośrodków. W Polsce jeden: Gdynia. Sześć kolejnych aplikuje: Sopot, Toruń, Poznań, Konin, Kraków i Grodzisk Mazowiecki. Miasta,
Zeszyt do kolorowania z dziełami Olgi Boznańskiej. To propozycja skierowana do wszystkich miłośników kolorowanek oraz sztuki polskiej, którzy nie tylko podziwiają dzieła największych malarskich mistrzów, ale także sami chętnie sięgają po plastyczne przybory. Zeszyt zawiera ilustracje 14 reprodukcji obrazów malarki. Obok zdjęcia danego dzieła umieszczono szablon do samodzielnego pokolorowania. Dzięki temu każdy kolorujący będzie mógł w swojej wersji zbliżyć się do oryginału lub przeciwnie - nadać obrazkowi własne barwy, zmieniając jego dotychczasowy charakter.
Diego Vel,zquez, jeden z najwybitniejszych mistrzów baroku, na zawsze zmienił oblicze europejskiego malarstwa. Jego twórczość wyróżnia się niezwykłą subtelnością w oddawaniu światła, mistrzowskim operowaniem kolorem oraz wnikliwością psychologiczną, która sprawiała, że portretowani ludzie zdawali się niemal ożywać na płótnie.Był nadwornym malarzem króla Filipa IV i autorem niezrównanych portretów rodziny królewskiej, arystokracji, ale także błaznów, karłów czy zwykłych chłopów. Jego obrazy, takie jak monumentalne Las Meninas czy melancholijny Portret papieża Innocentego X, wykraczają poza klasyczne portrety, przekształcając się we wręcz filozoficzne medytacje. Jego dzieła zachwycają połączeniem precyzji z pewną swobodą, co zainspirowało pokolenia artystów - od impresjonistów po twórców współczesnych. Vel,zquez pozostał niedoścignionym mistrzem w uchwyceniu ulotności chwili i głębi ludzkiej duszy.Sławomir Cendrowski jest doktorem nauk humanistycznych, specjalistą w zakresie historii sztuki i kultury, wykładowcą uniwersyteckim, redaktorem monografii i katalogów wystaw muzealnych. Zajmuje się także sztuką regionalną. Autor opublikował wiele artykułów z malarstwa nowożytnego oraz mecenatu artystycznego. Jest też autorem albumów popularnonaukowych z dziedziny malarstwa.
Życie i twórczość Gustava Klimta to fascynująca opowieść o artyście, który wyłamał się z konwencjonalnych ram wiedeńskiej sztuki przełomu wieków. Pochodzący z ubogiej rodziny, początkowo zmagający się z trudami finansowymi, stworzył własny, niepowtarzalny świat wizualny, który na zawsze zmienił oblicze europejskiej sztuki.
Klimt to mistrz złotej secesji, artysta, który potrafił przekształcić malarstwo w magiczny spektakl zmysłowości i symbolizmu. W jego dziełach realizm splata się z marzeniem, a ogniste kolory i geometryczne ornamenty tworzą hipnotyzujący krajobraz ludzkiej wyobraźni. Choć początkowo był odrzucany przez konserwatywnych krytyków, szybko stał się ikoną artystycznej rewolty, twórcą, który nie prosił o uznanie, lecz je po prostu zdobywał.
Album to wielowarstwowa podróż przez życie i dzieło tego niezwykłego artysty. Autorka, historyczka sztuki Luba Ristujczina, prowadzi czytelnika przez zawiłe ścieżki twórczości Klimta, odsłaniając przed nim zarówno znane, jak i zupełnie zapomniane oblicza artysty. Książka dokumentuje spuściznę twórcy, który odważył się zburzyć dotychczasowe kanony piękna i stworzyć własną, elektryzującą wizję sztuki.
Alfons Mucha (1860–1939) to ikona europejskiej sztuki przełomu wieków, artysta, który ukształtował wizualny język secesji. Jego twórczość to niezwykła podróż przez świat wyobraźni, gdzie realizm miesza się z marzeniem, a każda linia opowiada fascynującą historię. Prace tego wybitnego czeskiego twórcy charakteryzuje hipnotyczny kunszt – zmysłowe, falujące kontury, ornamentalne wzory oraz niezwykle subtelna, nieomal muzyczna kolorystyka.
Bohaterki płócien Muchy to więcej niż tylko kobiece sylwetki – to wręcz mityczne istoty: pół boginie, pół senne duchy, które zdają się być wyrwane z najpiękniejszych symbolistycznych legend. Artysta zrewolucjonizował świat reklamy, tworząc plakaty, które nie tylko promowały produkty, ale same stawały się dziełami sztuki, wprowadzając zupełnie nową estetykę do komunikacji wizualnej.
Album prezentuje całe spektrum artystycznych dokonań – od elektryzujących plakatów i delikatnych ilustracji po monumentalne malowidła i projekty dekoracyjne. Autorka, historyczka sztuki Luba Ristujczina, prowadzi czytelnika przez zawiłe ścieżki życia i twórczości Muchy, odkrywając nieznane dotąd konteksty jego dzieł, ujawniając artystyczne inspiracje, osobiste obsesje i sekrety warsztatu twórczego. Książka nie tylko dokumentuje, ale wręcz ożywia spuściznę artysty, który na zawsze zmienił oblicze europejskiej sztuki.
Jan Matejko, jeden z najwybitniejszych polskich malarzy, wciąż jest niezapomniany w zbiorowej świadomości. Jego monumentalne dzieła, pełne symboliki i dramatyzmu, na trwałe wpisały się w polską historię sztuki, a ich siła oddziaływania nie osłabła mimo upływu lat. Zarówno za życia, jak i dziś Matejko wzbudzał emocje – od podziwu po krytykę. Jego twórczość, łącząca artystyczną wizję z patriotycznym przesłaniem, nadal prowokuje do dyskusji i nowych interpretacji.
Matejko odnosił liczne sukcesy, zdobywając międzynarodowe uznanie i prestiżowe nagrody, jednak jego droga nie była pozbawiona wyzwań. Był artystą wybitnym, ale także człowiekiem zmagającym się z własnymi emocjami, oczekiwaniami społecznymi i presją otoczenia. Jego barwna i sugestywna wizja polskich dziejów nie tylko ukształtowała sposób postrzegania historii w sztuce, ale stała się również częścią narodowego imaginarium, które do dziś pozostaje aktualne.
W albumie historyczka sztuki Luba Ristujczina przedstawia niezwykle bogaty i złożony obraz malarza. Oprócz analizy najbardziej znanych dzieł, zwraca uwagę na mniej znane aspekty jego twórczości, a także na życie prywatne – Matejkę jako męża, ojca i człowieka zaangażowanego społecznie. Album, wzbogacony licznymi reprodukcjami, odkrywa przed czytelnikami nową perspektywę na dorobek i osobowość jednego z najważniejszych polskich artystów.
Stanisław Wyspiański, nazywany czwartym wieszczem, to postać, która niezmiennie fascynuje kolejne pokolenia. Choć jego życie było krótkie – zmarł w wieku 38 lat – pozostawił po sobie niezwykle bogaty dorobek artystyczny. Jego prace, pełne oryginalnych pomysłów i nowatorskich rozwiązań, do dziś inspirują, zaskakują i zmuszają do refleksji nad ich przesłaniem. Był twórcą wszechstronnym, łączącym różne dziedziny sztuki: malarstwo, rysunek, projektowanie witraży i wnętrz, architekturę, a także grafikę użytkową, jak typografia czy plakaty. Nie ograniczał się jednak do sztuk plastycznych – równie istotne miejsce w jego twórczości zajmowały dramaty, poezja oraz przekłady literackie.
Wyspiański wyprzedzał swoją epokę zarówno w treści, jak i formie. Jego wizjonerskie podejście do sztuki uwidaczniało się w dążeniu do jej integracji – idei szczególnie propagowanej przez twórców czasów secesji. Łączył w swoich dziełach różnorodne środki wyrazu, tworząc artystyczne wizje, które można określić mianem całościowych i wielowymiarowych. Jego twórczość, pełna innowacji, symboliki i subtelnych odniesień, stała się nie tylko świadectwem epoki Młodej Polski, ale i inspiracją dla przyszłych pokoleń.
Album, napisany i opracowany graficznie przez historyczkę sztuki Lubę Ristujczinę, to wciągająca opowieść o życiu i pracy jednego z najwybitniejszych artystów polskiego modernizmu. Publikacja odkrywa tajemnice jego twórczości, przybliża źródła inspiracji i detale warsztatu, a liczne reprodukcje, w tym także mniej znane dzieła, pozwalają spojrzeć na jego twórczość z nowej perspektywy.
Tom Między Śląskiem a Italią zawiera studia z historii sztuki nowożytnej polskich i włoskich autorów dedykowane Arkadiuszowi Wojtyle (1978?2021), wrocławskiemu historykowi sztuki i badaczowi, który swoje naukowe zainteresowania poświęcił barokowi, a szczególnie sztuce sakralnej tej epoki. Zakochał się od pierwszego wejrzenia w sztuce włoskiej, tropiąc jej ślady i związki między Śląskiem a Italią.
Zamek w Malborku jest miejscem, które od wieków przykuwa uwagę Europy. Niegdyś z racji swego militarnego, gospodarczego i politycznego znaczenia, zaś od niespełna dwóch wieków przede wszystkim jako wyjątkowej klasy zabytek. Wszyscy, którzy przemierzali i przemierzają zamkowe komnaty i brukowane dziedzińce, wpisują się w jego dzieje. Zdecydowana większość pozostaje anonimowa. Imiona niektórych znamy – przekazali je potomności kronikarze lub oni sami zapisali je w istniejących do dziś księgach gości. Najczęściej przyjeżdżano tu oficjalnie, na zaproszenie aktualnych gospodarzy obiektu. Były też wizyty wymuszane wynikające z prowadzonych wojen. Na przestrzeni przeszło siedmiu wieków z zamkiem zapoznało się kilku cesarzy i prezydentów, kilkunastu królów, książąt i premierów, dziesiątki marszałków, generałów i ministrów. Niektórzy bywali tu kilkukrotnie, a nawet regularnie przez wiele lat. Artyści podziwiali go i uwieczniali na obrazach, rysunkach i fotografiach, a poeci i pisarze na kartach swoich utworów. Reżyserzy umieszczali tu akcje swoich filmów. Wojskowi oceniali pod kątem potrzeb militarnych. Wielokrotnie był oblegany, lecz tylko raz wzięto go szturmem. Zawierano w nim związki małżeńskie, urządzano uczty, bale, koncerty i spektakle, ale także umierano w jego lochach. Szukano skarbów, modlono się, knuto spiski, wszczynano wojny. Publikacja niniejsza jest pierwszą próbą otwarcia Wielkiej Księgi Gości zamku malborskiego – księgi, którą tworzymy wspólnie, zwiedzając jeden z największych zamków na świecie.
Kino i teatr pod okupacją. Wojenne losy polskich artystów filmowych i scenicznych (1939-1945), Bartosz JanuszewskiNiniejsza publikacja stanowi znacznie rozszerzoną wersję książki, która ukazała się w roku 2021 i cieszyła się dużym powodzeniem. Przedstawia ona sytuację, w jakiej znalazły się polska kinematografia i scena teatralna w okresie II wojny światowej, zarówno na ziemiach okupowanych, jak i na uchodźstwie. Ukazuje strategie polityki okupacyjnej Rzeszy Niemieckiej i Związku Sowieckiego wobec polskich artystów filmowych i scenicznych. Wskutek terroru, będącego immanentnym składnikiem obu systemów totalitarnych, zostało zamordowanych, zaginęło lub zmarło w niewyjaśnionych okolicznościach co najmniej siedmiuset przedstawicieli tego środowiska zawodowego. Autor charakteryzuje niejednoznaczne postawy i skomplikowane wybory, przed którymi stanęli artyści filmowi i sceniczni, oraz kreśli tragiczne losy, jakie stały się udziałem znacznej części z nich. Na podstawie gruntownych badań wylicza zniszczenia infrastruktury kinematograficznej i teatralnej. Cenny dodatek stanowi imienna lista ofiar. To pierwszy tak dokładny w naszej historiografii wykaz strat osobowych i materialnych, jakie poniósł świat kina i teatru w latach 1939-1945. W 85. rocznicę wybuchu II wojny światowej skłania nas to do ponownej refleksji nad uszczerbkiem, jakiego doznała w czasie II wojny światowej cała polska kultura.
Porywającą wizualna narracja budowy Muzeum SztukiNowoczesnej w Warszawie, budynku zaprojektowanego przezThomasa Phifera. Autorka towarzyszyła procesowi budowyprzez cały okres jego trwania. Album wypełniony jejartystycznymi fotografiami jest kontemplacją nad formą istrukturą rodzącej się architektury. Ukazuje istotę procesutwórczego i wspólną nadzieję na powstanie długooczekiwanego budynku.Pozycja obowiązkowa dla każdego, kto pasjonuje sięarchitekturą i historią. Zdjęciom towarzyszy krótka, osobistawypowiedź autorki i esej o miastotwórczej roli nowegogmachu Muzeum autorstwa Tomasza Fudali.
Był rok 1978, a ja znalazłem się na życiowym zakręcie.Wszystkie moje życiowe zakręty zwykle powodował "ktoś". Tym razem tym "kimś" był Jan Byrczek. To dzięki niemu wsiadłem wtedy w samolot do Nowego Jorku, ściskając w ręku paszport i półroczną wizę. Facet zmienił mi życie i dlatego ta moja nowojorska opowieść musi zacząć się chwilę wcześniej, w Warszawie w połowie lat 70.Kiedy się wówczas poznaliśmy, Byrczek był redaktorem naczelnym pisma "Jazz Forum".O swoich trudnych początkach w Nowym Jorku i o rozwijaniu skrzydeł, o ludziach, których tam spotykał, i o obrazach, które tam tworzył - pisze Rafał Olbiński dowcipnie, z rozbrajającym humorem, z dystansem do siebie. Jest jazz, jest polska szkoła plakatu, jest Kosiński, Głowacki i cała tratwa artystów, polonijnych rozbitków czasów stanu wojennego, są wreszcie zaskakujące zbiegi okoliczności.
Plakat studencki w PRL to radość, świeżość i bunt.W tamtych czasach był on przede wszystkim narzędziem promocji wydarzeń organizowanych przez studentów dla studentów. Dzisiaj jest dokumentacją estetyki kreowanej przez ówczesnych artystów i odważnie wyrażanego głosu młodego pokolenia. Album zawiera plakaty z lat 60., 70. i 80. XX wieku zaprojektowane w większości przez twórców związanych z Państwową Wyższą Szkołą Sztuk Plastycznych w Poznaniu, Waldemara Marszałka, Wojciecha Wołyńskiego, Andrzeja Pągowskiego, Eugeniusza Skorwidera, przedstawia ich sylwetki i opisuje kulturę studencką PRL.
Wyjątkowa odsłona najlepszych filmów komediowych w historii kina
Śmiech w ciemności. Złota lata komedii filmowych to najciekawsze zjawiska, postaci i twórcy, którzy wpłynęli na losy gatunku – od Charlie Chaplina, przez Music hall, w którym Keaton, niczym iluzjonista, sam wykonuje wszystkie role, aż po polską odsłonę kina. W prezentowanej tu galerii ludzi śmiechu jest miejsce zarówno dla wielkich artystów, osób zasłużonych i tych najpopularniejszych. To samo dotyczy filmów. Autor nie teoretyzuje, nie powtarza tego, co już oczywiste i znane, nie powtarza utartych opinii. W wyjątkowy sposób przypomina tych, którzy najbardziej przyczynili się do rozwoju gatunku.
Tym, co czyni książkę dr Ireneusza Siwińskiego szczególnie atrakcyjną, jest inwencja językowa. Autor zawsze znajduje jakiś nowy punkt widzenia, odmienne ujęcie, coś odkrywa, czymś zaskakuje. Mimo że dla mnie, historyka filmu, są to sprawy znane, czytając książkę dr Siwińskiego cały czas odnosiłam wrażenie kontaktu z czymś nowym.
Alicja Helman
Sztuka barwy to najważniejszy podręcznik na temat teorii barwy XX wieku. Johannes Itten to legendarny mistrz szkoły Bauhausu, wielki indywidualista, artysta, mistyk barwy, nauczyciel i teoretyk sztuki. Fascynował się kultem ognia, praktykował medytację i był wegetarianinem. Światową sławę przyniósł mu autorski program nauczania (tzw. kurs wprowadzający) opracowany i wdrożony w Bauhasie w latach 1919-1923, który stał się podstawą wielu nowoczesnych metod nauczania w szkołach artystycznych. Celem jego programu był rozwój osobowości twórcy. Itten zachęcał studentów, by nie kopiowali dzieł sztuki, jak to było w zwyczaju tradycyjnych uczelni artystycznych, lecz kierowali się subiektywnymi odczuciami i kreatywnością. Jego kurs składał się z trzech części: studia natury i materiałów wraz z teorią formy i barwy, analiza dawnych mistrzów i rysunek z natury.
The first book to chart a visual history of women’s sportswear, and the key role that Nike has played in it over the last 50 years
This is a book about Nike sportswear and what it means to women. The garments women wear, and why they wear them. It’s about athletes, from the elite to the aspiring amateur, running marathons or running errands. It’s about the spaces we perform in, and the way we use clothing to do it: from the track and the fitness studio, to an online world and the street outside.
Look Good, Feel Good, Play Good visualizes the relationship between women and the garments they wear through five design archetypes from sporting history: warm-ups, jerseys, leggings, sport bras, and shorts. Steeped in narrative, history, and Nike’s abundant archive, the book’s rich imagery spans reproductions of Nike’s trade catalogues that date back to the early 1980s, period and contemporary photography, sketches, advertisements, fabric swatches, seasonal color palettes, original design proposals and patents, logos, product and campaign shots, and everything in between.
Each chapter features interviews with Nike athletes, trainers, and other collaborators, along with insightful texts from cultural commentators. Across more than 350 pages and 575 images, this unprecedented volume not only maps the development of women’s sports apparel but proves its potential, in whatever context, to make athletes who identify as women feel at their most powerful.
Featuring contributions from: Dina Asher-Smith, Scout Bassett, Joan Benoit Samuelson, Sue Bird, Deyna Castellanos, Chandra Cheeseborough, Anna Cockrell, Shelly-Ann Fraser-Pryce, Kirsty Godso, Xochilt Hoover, Rayssa Leal, Tatyana Mcfadden, Naomi Osaka, Megan Rapinoe, Sha’Carri Richardson, Caster Semenya, and Dawn Staley.
Featuring essays by: Dal Chodha, the Editor-in-Chief of Archivist Addendum; Michelle Millar Fisher, the Wornick Curator of Contemporary Decorative Arts at the Museum of Fine Arts, Boston; Heather Radke, an essayist, journalist, and contributing editor, and reporter at Radiolab; Samantha N. Sheppard, an Associate Professor of Cinema and Media Studies at Cornell University; and Natalie E. Wright, a historian of design and disability.
A never-before-seen look at the striking thematic parallels between KAWS and Andy Warhol, two of the most iconic artists of our time
As celebrated artists that draw from popular culture, KAWS and Andy Warhol are known for creating art that is approachable beyond the confines of the traditional art world. While at first glance, both artists’ works often appear celebratory and joyful, they share a number of dark common threads beneath the surface: tragedy as spectacle and meditations on death and dying. When these two bold bodies of work are juxtaposed, that connection is made explicit and powerful.
This book highlights the artistic intersection of KAWS and Warhol, featuring their takes on death and disaster, advertising, nostalgia, abstraction, skulls, and self-portraiture. Accompanying a major exhibition at The Andy Warhol Museum that will travel internationally, it presents some of the most standout and analogous works from two of the most popular artists of all time.
Ten produkt jest zapowiedzią. Realizacja Twojego zamówienia ulegnie przez to wydłużeniu do czasu premiery tej pozycji. Czy chcesz dodać ten produkt do koszyka?
