Książka jest dokumentacją, analizą projektu stworzonego przez Zorkę Wollny, spektaklu w którym zaprezentowanych zostało kilkanaście aktorskich interpretacji finałowej sceny szaleństwa Ofelii z Szekspirowskiego HamletaOfelie. Ikonografie szaleństwa to godzinny spektakl Zorki Wollny w przestrzeniach muzealnych. W jednym miejscu i czasie spotkało się kilkanaście Ofelii, kilkanaście aktorskich kreacji. W pustych przestrzeniach Muzeum Sztuki wybrane aktorki, które grały rolę Ofelii w teatralnych inscenizacjach Szekspirowskiego Hamleta, odtwarzały finałową scenę szaleństwa. Powstał teatralny found footage. Dzieło sztuki, którego materiałem jest teatr i sztuka aktorska.Książka odsyła do performensu, jego kolejnych odsłon, lecz także do zrealizowanego przez Małgorzatę Mazur w ms2 filmowego zapisu Ofelii. Otwierają ją rozmowy Zorki Wollny z aktorkami, kolejne częśi stanowią wybór zdjęć Adama T. Burtona i eseje krytyczne.Zorka Wollny tworzy kompozycje dźwiękowe realizowane w instytucjach, fabrykach i opustoszałych budynkach. Jej projekty sytuują się na pograniczu sztuki, teatru i muzyki współczesnej. Zawsze wiążą się ściśle z historycznym i funkcjonalnym kontekstem konkretnej przestrzeni architektonicznej. Strategie twórcze Wollny opierają się na współdziałaniu i często obejmują próby oraz warsztaty publiczne, w trakcie których artystka współpracuje z poszczególnymi uczestnikami, grupami (muzyków, aktorów lub aktywistów) lub lokalnymi społecznościami.
Zbiór esejów, bogato ilustrowany reprodukcjami prac i zdjęciami dokumentującymi działania artysty oraz fotografiami wykonanymi przez niego w trakcie podróży.Hseyin Bahri Alptekin (ur. w 1957 roku w Ankarze - zm. w 2007 roku w Stambule) podejmował w swoich pracach kwestie globalizacji, którą postrzegał przez pryzmat wyobrażeń o peryferiach, podrzędności i marginalności. Jego artystyczna praktyka polegała na rejestracji, gromadzeniu i przetwarzaniu krążących po świecie popularnych i kolektywnie wytwarzanych obrazów, dialektów, znaków oraz towarów. Tanie przedmioty masowego użytku, amatorska fotografia, reklamy, przydrożna architektura czy podrzędny dizajn interesowały go jako przejawy hybrydalnej, anonimowej produkcji kultury. Alptekin dokumentował także niepozorne, rozgrywające się na obrzeżach uwagi wydarzenia codziennego życia.Publikacja to zbiór esejów, bogato ilustrowany reprodukcjami prac i zdjęciami dokumentującymi działania artysty oraz fotografiami wykonanymi przez niego w trakcie podróży.
Publikacja pozwala zgłębić twórczą osobowość wybitnej pisarki, filozofa, krytyka literackiego, poetki. Zawartą tu treść naukową dopełniają teksty literackie i krytyczne autorki, liczne reprodukcje inspirujących ją awangardowych obrazów i archiwalne fotografie istotnych dla Debory Vogel miejsc.Tom Montaże. Debora Vogel i nowa legenda miasta sam w sobie stanowi znakomity, przemyślany, dopracowany montaż werbowizualny. Książka składa się z różnorako profilowanych szkiców naukowych, reprodukcji awangardowych obrazów [], zdjęć miejsc (przede wszystkim: miast) grających w życiu lwowskiej autorki ważną rolę i wreszcie samych metaartystycznych i krytycznych tekstów Debory Vogel, większości których nie wznawiano od co najmniej ośmiu dekad (!). Aż dziw, że ta książka i wystawa, której tom towarzyszy nie powstały znacznie wcześniej. Montaże pozwalają zobaczyć osobowość twórczą Vogel w wielu nieoczywistych logowizualnych kadrach. Oto erudytka, wielojęzyczna autorka o śmiałych, celnych, oryginalnych poglądach, flanerka sztuki, filozofii, literatury i, naturalnie, samych miejskich przestrzeni. Przenikliwa krytyczka, zdolna poetka, bystra analityczka polimorficznej i polifonicznej współczesności. Pisarka niesłusznie błąkająca się dotąd po awangardowych marginesach refleksji badawczej, wymieniana niem wyłącznie w kontekście życia i twórczości (częściej: życia) swych sławniejszych przyjaciół, znajomych, nauczycieli: Brunona Schulza, Witkacego, Kazimierza Twardowskiego. [] Wielojęzyczność Vogel (pisała w jidysz, po polsku i po hebrajsku) wcale nie ułatwia zadania, jest jednak znaczącym świadectwem swoiście kosmopolitycznej atmosferyśrodowiska polsko-żydowskich artystów międzywojennego Lwowa i dowodem tożsamościowych wyborów samej pisarki. [] Nie wyobrażam sobie, by jakikolwiek znawca awangardy nie był zainteresowany tym świetnie zmontowanym, wszechstronnym problemowo, bogatym werbowizualnie tomem. Książka może być także bardzo cenną publikacją dla ciekawych nowoczesnej literatury i sztuki niespecjalistów. prof. dr hab. Beata Śniecikowska
Rozbudowana i uaktualniona monografia kolekcji, która dała impuls do rozwoju Muzeum Sztuki w Łodzi w jedną z najważniejszych w Europie placówek wystawienniczych i naukowo-badawczych poświęconych badaniom nad różnymi aspektami sztuki nowoczesnej i współczesnej.Międzynarodowa Kolekcja Sztuki Nowoczesnej grupy a.r. to pierwszy zbiór radykalnej sztuki awangardowej w Polsce, a także jeden z pierwszych na świecie stworzonych z myślą o publicznej prezentacji. Jest wyjątkowa także dlatego, że powstała z darów artystów i z inicjatywy środowiska artystycznego. Wreszcie jest to kolekcja, która została zdeponowana, a następnie podarowana ówczesnemu muzeum miejskiemu, miała więc od początku charakter zbiorów publicznych. Ten fakt oznaczał usankcjonowanie dziedzictwa awangardy poprzez włączenie go do oficjalnego obiegu kultury. Publikacja prezentuje zaktualizowaną, choć wymagającą wciąż dalszych badań, wiedzę dotyczącą historii kolekcji.Wydawnictwo otwierają dwa eseje: pierwszy, autorstwa Pauliny Kurc-Maj i Anny Saciuk-Gąsowskiej, przedstawia etapy budowania Kolekcji, w oparciu o aktualny stan badań, drugi, autorstwa Mashy Chlenovej, poświęcony jest umiejscowieniu jej wśród powstających w zbliżonym czasie innych zbiorów sztuki awangardowej.Zasadnicza część książki to prezentacja wszystkich dzieł Kolekcji, zawierająca reprodukcje opatrzone notami interpretującymi. Również te dzieła, które zaginęły w czasie II wojny światowej, są opisane bądź opracowane zgodnie z najbardziej aktualnym stanem wiedzy. W zamykającej publikację części katalogowej znajduje się też krótka historia każdego z dzieł wraz z opisem konserwatorskim.
Publikacja podejmuje problem dziedzictwa modernizmu i jego utopijnych prób zaprowadzenia porządkuPublikacja towarzyszyła wystawie Porządki urojone podejmującej problem dziedzictwa modernizmu i jego utopijnych prób zaprowadzenia porządku - jeden z najciekawszych, z którymi mierzy się współczesna sztuka. Do udziału w wystawie zostali zaproszeni najciekawsi współcześni artyści, którzy inspiracje porządkiem potrafili przekształcić w przygodę, jaką sam geometryczny porządek już od dawna nie jest. Wystawa została osadzona w kontekście łódzkim, bo z czasu, kiedy nią jeszcze był, wywodzi się tradycja łódzkiego muzeum. Jego założyciele zgromadzeni wokół Katarzyny Kobro i Władysława Strzemińskiego byli związani ze sztuką awangardy racjonalistycznej i konstruktywizmem - nie ograniczającym się do formy, ale przechodzącym w chęć skonstruowania nowego, lepszego świata. Marzono o porządku i próbowano go zaprowadzić także w społeczeństwie. Jednym z jego przejawów były utopie społeczne. Ikonami tego unifikującego sposobu myślenia stały się także wielopiętrowe budynki mieszkalne projektowane przez Le Corbusiera, którego architektonicznym poszukiwaniom zawdzięczamy bloki.Czas pokazał, że utopia nie ma szans z rzeczywistością. Porządki, o których mówiła awangarda, okazały się ""urojone"". Wciąż są jednak punktem odniesienia dla sztuki. - To projekt o tym, w jaki sposób pewne utopie awangardowe dotyczące próby porządkowania rzeczywistości bądź też odkrywania w niej preegzystującego porządku odnajdują się w sztuce współczesnej.Próba refleksji nad tym została przeprowadzona wspólnie z Abteiberg Museum w Mnchengladbach - dysponującym sztuką konceptualną i minimalistyczną, a w latach 60. i 70. zaangażowanym w jej wspieranie.
Anglojęzyczna wersja książki. Publikacja stanowi dokumentację z międzynarodowej konferencji poświęconej zagadnieniom teorii widzenia.Anglojęzyczna wersja książki Władysław Strzemiński. Czytelność Obrazów, która stanowi próbę reinterpretacji bogatej myśli teoretycznej Władysława Strzemińskiego. Zebrane w publikacji eseje dotykają problemów teorii widzenia opisanej przez awangardowego artystę oraz ewolucji jego sztuki, na którą wpływ miały zarówno artystyczne doktryny, jak i osobista wrażliwość na los drugiego człowieka. Zebrane w publikacji artykuły stanowią dokumentację z międzynarodowej konferencji poświęconej twórczości Władysława Strzemińskiego, która miała miejsce 13-14 października 2011 roku. Korzystając i odnosząc się z szacunkiem do już sformułowanych wniosków, Muzeum Sztuki kontynuuje badania nad tą wyjątkową postacią, widząc potencjał jego artystycznych teorii, poglądów na życie, sztukę i społeczeństwo oraz jego roli w fenomenie powstania łódzkiej kolekcji prac awangardowych twórców
Książka jest zbiorem artykułów powstałych w związku z konferencją Impuls dadaistyczny w polskiej sztuce i literaturze dwudziestowiecznej, zainspirowanej wystawą Dada Impuls. Kolekcja Egidio MarzonyKsiążka jest zbiorem artykułów powstałych w związku z konferencją Impuls dadaistyczny w polskiej sztuce i literaturze dwudziestowiecznej, zainspirowanej wystawą Dada Impuls. Kolekcja Egidio MarzonyImpuls dadaistyczny w polskiej literaturze i sztuce dwudziestowiecznej prezentuje obszerny wybór zagadnień historycznych, teoretycznych i metodologicznych związanych z obecnością inspiracji dadaistycznych i neodadaistycznych w kulturze polskiej XX wieku od przełomu drugiej i trzeciej dekady XX wieku, tj. okresu historycznej awangardy, po lata 80. To nowoczesne syntetyczne opracowanie, przygotowane w okresie istotnych przewartościowań antytradycjonalizmu, rewolucyjności, oryginalności awangardy i innych modernistycznych mitów [...], a także intensywnego rozwoju studiów porównawczych nad europejskimi geomodernizmami literackimi i artystycznymi w humanistyce światowej, wprowadza czytelników w zasadnicze i intrygujące poznawczo spory wokół antynomii modernizmu [...]. Na opiniowany tom składa się dwadzieścia pięć rozpraw autorów różnych generacji, reprezentujących najważniejsze ośrodki badawcze i akademickie oraz instytucje kultury w Polsce. [...] Lektura wieloautorskiej monografii o dadaizmie w kulturze polskiej skłania do rewizji modernistycznej historiografii literackiej i utrwalonego kanonu dwudziestowiecznej literatury i sztuki, prowokuje do nowego odczytania historii awangardy nie tylko w Polsce, ale także w skali europejskiej. dr hab. Tamara Brzostowska-Tereszkiewicz, prof. IBL PAN
Publikacja stanowi próbę przeniesienia konstrukcji stałej ekspozycji muzealnej w przestrzeń książki. Znajdziemy tu teksty na temat sztuki nowoczesnej oraz materiał ilustracyjnyzłożony z reprodukcji prac eksponowanych w ramach wystawy.Atlas nowoczesności to osnuta wokół dzieł pochodzących z kolekcji Muzeum Sztuki w Łodzi opowieść o nowoczesności rozumianej jako zestaw idei, napięć i energii, do dzisiaj pośrednio lub bezpośrednio kształtujących rzeczywistość społeczną. W niniejszym wydawnictwie opowieść ta przyjmuje formę wizualno-tekstowego kolażu, dla którego punktem wyjścia jest otwarta na początku 2014 roku w jednej z siedzib łódzkiego muzeum wystawa przygotowana pod kierownictwem Jarosława Suchana przez zespół kuratorski w składzie: Aleksandra Jach, Paulina Kurc-Maj, Maria Morzuch, Anna Saciuk-Gąsowska, Katarzyna Słoboda, Joanna Sokołowska, Magdalena Ziółowska.Zarówno wystawa, jak i odwołujące się do niej wydawnictwo nie opowiadają o dziejach modernizmu ani tym bardziej o historii modernistycznej sztuki. Miast chronologicznie uporządkowanej narracji oferują montaż wyobrażeń nowoczesności oraz jej śladów utrwalonych w sztuce XX i XXI wieku. Pojawiający się w tytule atlas określa zasadę przyjętej konstrukcji: jest ona swoistym zbiorem map, z których każda opisuje topografię innego terytorium nowoczesności. Nie wszystkie terytoria zostały w nim opisane, ale też niekompletność tego zbioru, a także kolażowy sposób jego organizacji zdają się najlepiej oddawać nowoczesne doświadczenie rzeczywistości jego nieuchronną fragmentaryczność i nieciągłość.Publikacja stanowi próbę przeniesienia przyjętej dla wystawy konstrukcji w przestrzeń książki co, oczywiście, nie odbywa się bez strat. Książka nie oddaje wszystkich jej wymiarów, równocześnie jednak rozbudowuje ją o nowe treści. Otwierający esej przedstawia metodologiczne konteksty, w jakich ujmowana jest nowoczesność za pomocą atlasu. Przyjęta w nim perspektywa zostaje rozwinięta w kolejnych czternastu rozdziałach. Składają się na nie krótkie opracowania na temat poszczególnych fenomenów nowoczesności, przygotowane przez badaczy i badaczki specjalizujące się w danej dziedzinie, oraz materiał ilustracyjny złożony z reprodukcji prac eksponowanych w ramach łódzkiej wystawy. Dopełnienie stanowią przygotowane na potrzeby niniejszego wydawnictwa kolaże Witka Orskiego, umieszczone na początku rozdziałów. Zestawiają one, mieszają i przemieszczają elementy prac pochodzących z różnych części oryginalnego atlasu, otwierając tym samym wyobrażenia nowoczesności na kolejne przekształcenia i interpretacje. Nowoczesność nieprzypadkowo staje się przedmiotem refleksji w łódzkim Muzeum Sztuki. To w nim została stworzona jedna z pierwszych w świecie muzealnych kolekcji sztuki modernistycznej. To tutaj przez dziesięciolecia kształtowano obraz artystycznego modernizmu, ustanawiając hierarchie obowiązujące w sztuce polskiej do dzisiaj. Co jednak najważniejsze, to tutaj właśnie ideę muzeum powiązano z nowoczesną ideą krytyczności, uznając, że misją Muzeum Sztuki winno być wyzwalanie zdolności do krytycznego widzenia rzeczywistości zarówno tej artystycznej, jak i pozaartystycznej.
Na niemal 800-stronicowy tom składają się teksty kuratorów: Jarosława Lubiaka i Pauliny Kurc-Maj oraz Christiny Lodder, Andrzeja Szczerskiego, Agnieszki Rejniak-Majewskiej i Pawła Mościckiego. Wydawnictwo uzupełniają reprodukcje prac artysty oraz fragmenty jego powieści.Publikacja Powidoki życia. Władysław Strzemiński i prawa dla sztuki powstała w związku z wystawą prezentowaną w sezonie 2010/2011 w ms. Na niemal 800-stronicowy tom składają się teksty kuratorów: Jarosława Lubiaka i Pauliny Kurc-Maj oraz Christiny Lodder, Andrzeja Szczerskiego, Agnieszki Rejniak-Majewskiej i Pawła Mościckiego. Wydawnictwo uzupełniają reprodukcje prac artysty oraz fragmenty jego powieści.Ideową ramę wystawy wyznaczyły trzy pojęcia zaczerpnięte z pism teoretycznych Strzemińskiego: powidok, architektonizacja i prawo. Odczytane na nowo przez kuratorów, zostały rozpisane na cztery części dzielące wystawę. Podobny podział zastosowano w publikacji, tworząc cztery rozdziały - Prawa sztuki, Architektonizacja życia, Powidoki śmierci i Prawa dla sztuki.
Publikacja skupia się na historii instytucji, dla której osią pozostaje Międzynarodowa Kolekcja Sztuki Nowoczesnej grupy a.r.Publikacja Muzeum Sztuki w Łodzi. Monografia. Tom 1 skupia się na historii instytucji, dla której osią pozostaje Międzynarodowa Kolekcja Sztuki Nowoczesnej grupy a.r., pokazana po raz pierwszy publiczności w Miejskim Muzeum Historii i Sztuki im. J. i K. Bartoszewiczów 15 lutego 1931 roku. Książka pokazuje kolejne węzłowe punkty w historii instytucji, pozwala przyjrzeć się zarówno jej przedwojennemu (rozdział 1), jak i powojennemu (rozdział 2 i 3) rozwojowi.Składają się na nią eseje badawcze ukazujące historię muzeum w szerszym, historycznym, politycznym i społecznym kontekście, napisane przez wybitnych specjalistów z dziedziny historii sztuki i teorii kultury, takich jak: Nawojka Cieślińska-Lobkowicz, Paulina Kurc-Maj, prof. Marta Leśniakowska, dr hab. Iwona Luba, Marta Madejska, dr Magdalena Moskalewicz, dr Adam Mazur, Daniel Muzyczuk, Paweł Polit, Konrad Schiller, dr hab. Andrzej Szczerski, dr Marcin Szeląg, Agnieszka Szewczyk, Agnieszka Taborska, dr Magdalena Ziółkowska.Książka zawiera również niejednokrotnie publikowane po raz pierwszy - teksty źródłowe, oddające głos protagonistom historii muzeum, takim jak: Marian Minich (dyrektor w latach 19351965), Jan Brzękowski (członek grupy a.r., współtwórca Międzynarodowej Kolekcji Sztuki Nowoczesnej) czy Ryszard Stanisławski (dyrektor w latach 19661990). Kolejni dyrektorzy: Jaromir Jedliński (dyrektor w latach 19911996), Nawojka Cieślińska-Lobkowicz (dyrektor w 1996 roku) i Mirosław Borusiewicz (dyrektor w latach 19972006) w 2013 roku odpowiedzieli na pytania redaktorek publikacji o realizowane przez nich wizje rozwoju placówki, sposoby pracy z kolekcją i problemy muzealnej praktyki.W publikacji znajdują się także projekty artystyczne Jadwigi Sawickiej i Agnieszki Piksy, rozwijające ich prace przygotowane na wystawę Oczy szukają głowy do zamieszkania, dla których punktem wyjścia były teksty Katarzyny Kobro i Władysława Strzemińskiego, a także projekt Marysi Lewandowskiej, która kontynuuje pracę rozpoczętą w 2009 roku w ramach projektu Czułe Muzeum (będącego częścią projektu Tytuł roboczy: archiwum), tym razem dialogując z Ryszardem Stanisławskim. Narrację proponowaną w książce uzupełniają materiały archiwalne, takie jak nigdy nie publikowane dokumenty, listy, wycinki prasowe, plakaty, okładki katalogów oraz obszerny wybór fotografii, które ilustrują poszczególne artykuły.Książka jest próbą uzupełnienia stanu badań na temat punktów węzłowych w historii muzeum w oparciu o często nieznane wcześniej materiały, a także aktualne narzędzia.
Publikacja zgłębiająca twórczość Ewy Partum - prekursorki sztuki konceptualnej, feministycznej i krytycznej w Polsce. Znajdziemy tu artykuły próbujące uchwycić fenomen jej sztuki a także dokumentację prac artystki.Ewa Partum jest prekursorką sztuki konceptualnej, feministycznej i krytycznej w Polsce, autorką akcji i instalacji w przestrzeni publicznej, performansów, filmów, fotografii oraz poezji wizualnej.W dwujęzycznej publikacji Nic nie zatrzyma idei sztuki twórczość Partum została przedstawiona w problemowym ujęciu w tekstach: Jean-Franois Chevriera, Karoliny Majewskiej, Doroty Monkiewicz i Ewy Majewskiej oraz w wywiadzie z artystką przeprowadzonym przez kuratorkę wystawy Nic nie zatrzyma idei sztuki, Marię Morzuch. Obok artykułów próbujących uchwycić fenomen sztuki Ewy Partum, w publikacji znalazła się także obszerna dokumentacja prac artystki oraz jej indywidualnej wystawy, która miała miejsce w Muzeum Sztuki w Łodzi na przełomie 2014 i 2015 roku.
Publikacja zawiera materiały z konferencji poświęconej życiu i twórczości Władysława Strzemińskiego
Publikacja zawiera materiały z konferencji poświęconej życiu i twórczości Władysława Strzemińskiego, zorganizowanej przez Muzeum Sztuki w Łodzi z okazji setnej rocznicy urodzin artysty, która odbyła się w dniach 26 - 27 listopada 1993 roku w Państwowej Wyższej Szkole Sztuk Plastycznych w Łodzi.
Książka zawiera między innymi teksty: Fizjologia oka A. Turowskiego, Czas i przestrzeń w malarstwie unizmu i współczesnych mu kierunków W. Kemp-Welcha, Jeszcze o danych przyrodzonych i nadprzyrodzonych malarstwa, czyli rzecz o ciele artysty M. Tchorka
Publikacja jest pokłosiem wystawy pod tym samym tytułem, oraz konferencji pod tytułem Jak myśli ciało? Cielesno-ruchowe praktyki doby modenizmu"". Autorzy tekstów zawartych w tomie stawiają pytania o cielesne i ruchowe doświadczenie nowoczesności w kontekście praktyk artystycznych i społecznych.Publikacja jest pokłosiem wystawy pod tym samym tytułem, która odbyła się w Muzeum Sztuki w Łodzi na przełomie 2016 i 2017 roku oraz konferencji pod tytułem Jak myśli ciało? Cielesno-ruchowe praktyki doby modernizmu (3-4 grudnia 2016), współorganizowanej przez prof. Małgorzatę Leyko z Instytutu Kultury Współczesnej Uniwersytetu Łódzkiego.Publikację otwiera esej wizualny dokumentujący wystawę (której scenografię opracowała Karolina Fandrejewska) i performanse, które odbyły się w jej ramach, a także przewodnik opisujący artystyczne (czy szerzej: kulturowe), społeczne i polityczne wątki, których dotykała wystawa. Kolejne teksty tomu ukazują globalną (prof. Susan Manning) i lokalną (Hanna Raszewska) trajektorię rozwoju tańca modern, zagadnienia percepcji i recepcji tańca w kontekście praktyk scenicznych Republiki Weimarskiej (dr Kate Elswit), kinestetyczny wymiar relacji nauk przyrodniczych i technologii w początkach XX wieku (prof. Inge Baxmann), cielesne aspekty myślenia, wyznaczające nowe ścieżki rozważań o historii kobiet (prof. Felicia McCarren), społeczne funkcje rytmu w tanecznych praktykach i teoriach modernizmu (dr hab. Wojciech Klimczyk), taniec jako pracę w kontekście politycznym i filozoficznym (prof. Mark Franko), relacje praktyk tańca modern i wczesnych faz ruchów feministycznych (Julia Hoczyk). Tom zamykają teksty dopełniające kluczowe wątki wystawy: tłumaczenie artykułu prof. Nell Andrew, która na przykładzie twórczości Akarovej (belgijskiej tancerki i choreografki) opisuje relacje sztuk wizualnych, tańca, teatru, architektury i muzyki, a także tekst Małgorzaty Jędrzejczyk o relacjach przestrzeni i ruchu ciała w twórczości rzeźbiarskiej i teoretycznej Katarzyny Kobro.Wystawa, konferencja, a także niniejsza książka stawiają pytania o cielesne i ruchowe doświadczenie nowoczesności w kontekście praktyk artystycznych i społecznych. Oddając książkę w Państwa ręce, mam nadzieję na ożywienie dyskusji na temat kinestetycznych uwarunkowań modernistycznego projektu, a także wpisanie praktyk tanecznych i choreograficznych w szerszy horyzont rozważań na temat sztuki nowoczesnej.
Książka ukazuje najróżniejsze sfery działań włoskiego futurysty, jednego z najważniejszych artystów międzynarodowej awangardy, malarza, rzeźbiarza, scenotechnika, architekta, grafika.Katalog prezentuje Prampoliniego jako prawdziwie wszechstronnego artystę, człowieka teatru, w którego świadomości i działalności w jakiejkolwiek ze sztuk pojawia się w tle cała sztuka.Poszczególne teksty przygotowane do ogłoszenia wyszły spod pióra wytrawnych autorów, poruszających się swobodnie w zakresie wybranej problematyki, niekiedy są to autorzy szeroko znani w świecie, by wymienić tylko bodaj najsławniejszych, jak Gnter Berghaus, Maria Elena Versari, Giovanni Lista czy David Rifkind, który pisze o Prampolinim jako architekcie. [] Wedle mojego zdania nie zabrakło ani jednego naprawdę ważnego problemu wyznaczonego przez tytuł wystawy i katalogu.Z recenzji prof. dr. hab. Lecha SokołaChoć książka ukazuje różne sfery działań artystyczno-architektonicznych Prampoliniego, to autorzy koncentrują się przede wszystkim na zagadnieniach związanych z oddziaływaniem futuryzmu na teatr jego estetykę, (sceno)technikę i kształtowanie przestrzeni. Drugim istotnym znaczeniem recenzowanej książki jest szerokie ukazanie wpływu, jaki na polski teatr wywarł za sprawą Prampoliniego włoski futuryzm. To, co dotychczas wydawało się w naszym teatrze międzywojnia zjawiskiem marginalnym i incydentalnym, zostało ukazane jako silna formacja awangardowa, w zdecydowany sposób kształtująca awangardowe myślenie o technice i przestrzeni scenicznej. Dopełnieniem tomu są dwa publikowane po raz pierwszy w języku polskim teksty Enrico Prampoliniego oraz wspomnienia Jalu Kurka i Jana Brzękowskiego ze spotkań z artystą. Nieocenionym uzupełnieniem książki są bogate materiały ikonograficzne, z których zdecydowana większość jest publikowana [w Polsce] po raz pierwszy.Z recenzji prof. dr hab. Małgorzaty Leyko
Dokładnie przed wiekiem, jesienią 1917 roku, miały miejsce dwa wydarzenia o ogromnym znaczeniu dla rozwoju awangardowej myśli w Polsce i w Holandii. W październiku tego roku w holenderskiej Lejdzie światło dziennie ujrzał pierwszy numer pisma De Stijl, swoistej platformy, która w rozwoju tzw. Nowej Sztuki odegrała rolę niebywale ważną. Ledwie miesiąc później, w oddalonym o ponad tysiąc kilometrów Krakowie otwarto I Wystawę Ekspresjonistów Polskich, dziś uznawaną za symboliczny zaczątek awangardy polskiej. Wówczas wydarzenia te nie miały ze sobą zbyt wiele wspólnego, niemniej ów zbieg okoliczności nabiera wyjątkowego znaczenia w obliczu wzajemnych kontaktów oraz wpływów, jakie z czasem narodziły się pomiędzy polskimi i holenderskimi awangardowymi ugrupowaniami i ich przedstawicielami. (Fragment tekstu dr. Michała Wenderskiego)Niniejsza książka jest pierwszą tak szeroko analizującą związki polskiego designu awangardowego i twórczości De Stijl. Znajdują się w niej obszerne eseje prof. Marka Wieczorka, dr. Michała Wenderskiego i dr. Szymona Piotra Kubiaka, dotyczące wpływu grupy De Stijl na design europejski, a zwłaszcza na awangardę i projektowanie w Polsce. Eseje uzupełnione są przedrukami wybranych tekstów źródłowych. Część katalogowa zawiera materiał archiwalny, odzwierciedla kształt wystawy o tym samym tytule, a zarazem jest przeglądem najbardziej istotnych przykładów twórczości holenderskiego i polskiego środowiska.
Książka będąca również dokumentacją wystawy jest efektem długotrwałych badań postrzegających sztukę jako jeden ze środków wyrażania rytmu.Muzeum Rytmu to projekt, w wyniku którego powstała wyjątkowa teoretyczno-abstrakcyjna instytucja. Rytm stał się w niej narzędziem badania fundamentów nowoczesności oraz zmysłowej struktury czasu w doświadczaniu codzienności. Wykraczając poza progi muzeum sztuki, projekt zestawiał sztukę współczesną i nowoczesną z badaniami etnograficznymi, kinem, muzyką i instrumentarium naukowym, aby wprawić w rezonans aparat krytyczny i umożliwić przeprowadzenie ćwiczeń z analizy rytmu.Niniejsza książka oraz dokumentowana przez nią wystawa są efektem długotrwałych badań, które postrzegają sztukę jako jeden ze środków realizowania ideologii rytmu. Na ekspozycji pokazane były przedmioty, filmy i dokumenty związane z historią rozwoju sposobów mierzenia czasu, narzędziami do monitorowania pracy, choreografią i muzyką, które od wieków pozwalają człowiekowi doświadczać coraz bardziej złożonych rytmów.Książka zawiera dokumentację wystawy oraz eseje i teksty, których autorami są: Lawrence Abu Hamdan, Erick Beltrn, Robert Brain, Francisco Camacho Herrera, Natasha Ginwala, Robert Horvitz, Ken Jacobs, Elisabeth Lebovici, Ernst Mach, Angela Melitopoulos, Daniel Muzyczuk, Nana Oforiatta-Ayim, Jean Painlev, Forrestine Paulay, Kathleen Rivera, Simon Schaffer, Georg Simmel, Wadada Leo Smith, Stephen Willats i Jason Young.
Publikacja porusza problematykę relacji sztuki awangardowej i instytucji państwa ukazując ją w szerokiej perspektywie czasowej od lat międzywojennych po czas transformacji ustrojowej w 1989 roku i szerokiej perspektywie geograficznej - Polska i kontekst krajów sąsiednich: Niemiec, Litwy, Czechosłowacji i Węgier.Zaletą wystawy i publikacji jest samo podniesienie problematyki relacji awangardy i instytucji państwa, ukazanych w szerokiej perspektywie czasowej (od lat międzywojennych po czas transformacji ustrojowej 1989) oraz geograficznej (Polska i kontekst krajów sąsiednich Niemiec, Litwy, Czechosłowacji, Węgier), dla przedstawienia którego pozyskano pochodzących z tamtych krajów autorów (Wiktor Liutkus, Pavlna Morganov, Viktoria Popovics). Jest to problem nadal bardzo słabo zbadany, podlegający wielu stereotypowym sądom, podległy wobec politycznych poglądów i emocji. [] [Publikacja] wnosi wiele nowych ustaleń, punktów widzenia i interpretacji do obrazu relacji sztuki awangardowej i instytucji państwa. Bardzo ważną zaletą jest przełamanie badawczego polonocentryzmu, a także wejście na pola leżące poza zainteresowaniem historii sztuki (np. artyści ludowi, zarobki artystów).Fragment recenzji prof. dr hab. Marii Poprzęckiej
Dogłębne opracowanie tematu zależności między doświadczeniem I wojny światowej a sztuką nowoczesną. Zebrane tu eseje podejmują zagadnienie odniesień do wojny w sztuce i stosunku artystów do wojny w szerszej perspektywie.I wojna światowa, określana już w okresie międzywojennym mianem Wielkiej Wojny to pierwszy konflikt zbrojny, który ogarnął większość terytorium Europy, a jego skutki odczuwalne były daleko poza tym kontynentem. Stała się wydarzeniem przełomowym w historii świata: wyznaczyła koniec belle poque, a jej długofalowym rezultatem były trwałe do dziś widoczne globalne zmiany polityczne, społeczne i kulturowe. Miała ona, jak uważano, stanowić granicę pomiędzy XIX-wiecznym romantyzmem i epoką swoistej niewinności a pozbawionym iluzji i wyalienowanym światem wieku XX. Wielka Wojna ujawniła, jakie mogą być konsekwencje nowoczesności i potwierdziła charakter zachodzących wówczas zmian kulturowych oraz kierunek poszukiwań przedwojennej awangardy.Wystawa prezentowana w Muzeum Sztuki i książka, którą oddajemy w ręce czytelników, pokazują obecną w sztuce nowoczesnej pamięć I wojny światowej. Pamięć, która nie wszędzie miała ten sam charakter. W twórczości wielu artystów wojna odegrała kluczową rolę, zarówno poprzez swą totalność, jak i rozpędzenie machiny nowoczesnościb nie tylko w jej aspektach politycznych, ale i technologicznych, kulturowych oraz społecznych. I wojna światowa zmieniła bowiem wszystko i w sposób najradykalniejszy z możliwych zrywała z dotychczasową historią.Niniejsza publikacja jest pierwszym w Polsce szerokim opracowaniem tematu zależności między doświadczeniem Wielkiej Wojny a sztuką nowoczesną. Zebrane w niej eseje podejmują zagadnienie odniesień do wojny w sztuce i stosunku artystów do wojny w szerszej perspektywie.
W poszukiwaniu wolności. Podręcznik dla I klasy szkoły ponadpodstawowej jest przeznaczony dla uczniów kształcących się w liceach i technikach. Stanowi część serii podręczników pt. Z Bogiem przez życie przygotowanych przez grono specjalistów w zakresie katechetyki, związanych ze środowiskiem akademickim Katolickiego Uniwersytetu Lubelskiego Jana Pawła II. W jednostkach lekcyjnych wykorzystano wiele metod i materiałów, które dynamizują przebieg katechezy i angażują uczniów. Logiczna i przejrzysta struktura lekcji sprawia, że treści w nich prezentowane będą szybko i skutecznie przyswajane przez młodzież
Bohaterami naszych wywiadów są główni kreatorzy rodzimego rynku wydawniczego ? przedstawiciele wydawnictw, firm dystrybucyjnych i oferujących dostęp do cyfrowych treści, a także reprezentanci sektora poligraficznego oraz organizatorzy targów. Wśród naszych interlokutorów nie zabrakło osób związanych z instytucjami kultury, administracją państwową, promotorów literatury i kameralnych księgarń.Nie ingerowaliśmy w teksty autoryzowanych rozmów, nie ma tu żadnych skrótów ani zmian, choć czas zweryfikował część zapowiedzi i prognoz. Wywiady, które otwierają niemal każdy numer „Biblioteki Analiz”, z jednej strony zawsze poruszają tematy „gorące”, a więc aktualne wydarzenia na rynku, z drugiej ? dotyczą problemów uniwersalnych.Tematy poruszane w rozmowach wyrażają niepokój o przyszłość dystrybucji książki i jej miejsce w cyfrowym świecie, mowa o kondycji czytelnictwa, przyszłości targów i festiwali, zmieniających się preferencjach i nawykach czytelniczych, self-publishingu, wreszcie promocji literatury.Nawet po wielu miesiącach warto wrócić do ocen rynku stawianych przez fachowców. Lektura głosów z poprzednich lat i przyjrzenie się dominującym tematom dają dobry obraz przekształceń w naszej branży wydawniczo-księgarskiej. Staje się ona coraz bardziej nowoczesna, coraz bardziej cyfrowa, coraz bardziej skoncentrowana wokół ochrony praw autorskich.W sprzedaży cały czas dostępne są poprzednie edycje ? całość to już ponad 400 wywiadów, ponad 4000 stron tekstu. Lektura głosów z poprzednich lat, przyjrzenie się dominującym tematom ? daje dobry obraz przekształceń w branży wydawniczo-księgarskiej.Rozmowy przeprowadzili: Piotr Dobrołęcki, Tomasz Gardziński, Tadeusz Lewandowski i Ewa Tenerenda-Ożóg
Ten produkt jest zapowiedzią. Realizacja Twojego zamówienia ulegnie przez to wydłużeniu do czasu premiery tej pozycji. Czy chcesz dodać ten produkt do koszyka?
