W tej strefie zapraszamy czytelników tak zwane artystyczne dusze po książki z kategorii Sztuka. Polecamy szereg publikacji o sztuce i jej historii,ciekawostki i portfolia artystów, eseje, albumy, książki o malarstwie, rzeźbiarstwie, architekturze oraz histoii fotografii. Biografie ciekawych artystów, książki i powieści przedstawiające fascynujące losy malarzy i osób uwiecznianych na obrazach. W tym dziale tylko ksiązki ze sztuka w tle.
Examining the body language displayed in works of art is a whole new way of looking at art. The gestures portrayed can reflect the mores of a particular period in history, the customs of a certain culture or a fashion in artistic styles. Exploring these with masterful subtlety, celebrated artist and anthropologist Desmond Morris uncovers fascinating insights about changing social attitudes and conventions through history and around the world, finding surprising similarities as well as now rarely used gestures.
Morris selects a number of key gestures, such as the handshake, the pointed foot, or the glove-slap, and groups them by the message they are intended to convey, such as Greetings, Status and Threats. He discusses the previously unconsidered symbolism behind these. What is understood as a gang sign today may have borne a more enigmatic meaning for Botticelli. And what did Napoleon’s hidden hand really mean? Postures: Body Language in Art uniquely combines the author’s expertise in both art and social science, so that even the most familiar paintings are suddenly seen in a new light.
Street Art is a phenomenon and subcultural movement that reaches from the darkest urban backstreets to the most glamorous international art fairs. Simon Armstrong examines how it evolved from its origins in the 1970s New York graffiti scene to embrace many new materials, styles and techniques along the way, tracing how this marginal art form graduated into art galleries and the art market, while also heavily influencing design, fashion, advertising and visual culture.
Despite having earned a place in the canon of 20th-century art history, Street Art’s qualifications are often disputed both by the art establishment and practitioners themselves, all concerned with notions of authenticity. Examining Street Art’s controversial history in detail, this book provides a full-colour worldwide journey, taking in all of the movement’s significant artists and artworks, styles, materials and methods, and showcasing the works that have come to define it more than any other. It also examines its close relationship to Pop Art and Digital Art, and explores possible futures for Street Art.
It is often forgotten just how provocative Impressionist canvases seemed when they were first exhibited in 1874. The advocates of the new style rejected the established principles of art prevalent at that time in France.
This book traces Impressionism’s origins to its spread to America and Australia. Ralph Skea shows how Impressionist artists transformed everyday subject matter. Daringly using colour and rapid brushstrokes, the Impressionists worked out of doors, creating paintings that captured the transient effects of light and feeling. Impressionism’s initial shock factor gradually gave way to widespread acceptance, but only now can we appreciate how profound its influence has been on modern art.
Showcasing over 80 international artists who incorporate embroidery into their practice, this book provides a survey of embroidery in contemporary art, illustrating the huge range of ways in which the craft has been embraced as a form of creative expression. Some artists evoke a kind of nostalgia, rediscovering skills that have fallen from fashion or promoting the value of ancient handicrafts in an industrialized world of mass-production. Others push boundaries by using embroidery on photographs, poetic installations, embroidered reproductions of everyday objects, or by using it to tackle political, personal or transgressive themes. Threads is a captivating exploration of their creative journeys, their influences, the technical challenges they face and the message they wish to convey
‘Mr. Karpeles, a California-based painter and art critic, has ignited international interest in Czapski’s artwork’ Wall Street Journal
This stunning monograph, a long-overdue critical appraisal of Polish artist Józef Czapski (1896–1993), arrives at a moment when the artist’s legacy is gaining new recognition. Within these pages, author Eric Karpeles conveys how making art was so enmeshed with Czapski’s way of seeing and being in the world that it was second nature. Given that he lived into his 97th year, it’s no surprise that the artist has works dating from every decade of the 20th century but the first. As witness to the tumultuous events of that century, he found in painting ‘a refuge and a salvation’.
Prolific as a painter, he was equally disciplined in recording the events of his life in pencil, ink, and watercolour in his journals. At a time when abstract art tended to dominate aesthetic discourse, he preferred to observe the world around him, to portray people going about their daily business. Some of his most compelling works depict theatre-goers and art lovers doing what they do best – looking.
Artyści to zbiór obszernych wywiadów z artystami różnych dziedzin sztuki i pokoleń. O swym życiu i twórczości opowiadają: aktorka teatralna i filmowa Ewa Krasnodębska, światowej sławy śpiewak operowy Wiesław Ochman, poetka i dziennikarka Barbara Gruszka-Zych, znany z seriali telewizyjnych aktor Tomasz Ciachorowski, kompozytor i piosenkarz, zwycięzca konkursu Eurowizji Aleksander Rybak oraz aktor teatralny Adam Serowaniec.
Paweł Bieliński (1968) - dziennikarz działu zagranicznego Katolickiej Agencji Informacyjnej. Autor książek, m.in." Bóg zawsze przychodzi" (2004), "święci uśmiechnięci"(2011) i "Rozmowy o Janie Pawle II"(2014).
Zeszyt nie jest typowym kursem rysowania, gdzie krok po kroku przedstawiony został proces powstawania rysunku. Na podstawie przygotowanych rysunków, tzw. wzorów, postaraj się dokończyć ilustracje na wybranych polach. Głównym obiektem zainteresowania w tej rysunkowej przygodzie są dzikie zwierzęta. Podczas pracy możesz opierać się na zaproponowanym wzorze bądź też, jeśli czujesz się na siłach, możesz spróbować zakończyć rysunek w inny sposób niż ten przedstawiony jako wzór (np. lis może mieć znacznie większe czy też zmrużone oczy, lew ugiętą i podniesioną nogę, a słoń znacznie dłuższą trąbę).
Można przyjąć, że w niniejszej książce stawiam sobie za cel opisanie działalności artystycznej Marcina Świetlickiego. Byłoby to jednak zamierzenie nazbyt rozległe, dlatego doprecyzujmy, że staram się uchwycić naczelną zasadę organizującą jego uniwersum artystyczne. Podstawową kategorią interpretacyjną jest dla mnie figura określona jako „osobowość artystyczna Marcina Świetlickiego” – tożsamość spajająca poszczególne działania artysty oraz figurę tekstową i rzeczywistą osobę. Oznacza to, że w obrębie moich zainteresowań znajdują się nie tylko wiersze i powieści autora Zimnych krajów, nie tylko jego piosenki i cały kontekst aktywności na muzycznej scenie niezależnej, ale również role filmowe, wypowiedzi medialne, sposób prezentowania się wobec publiczności (kreacja), całkiem zewnętrzny wizerunek (image), rysunki, teatralne adaptacje jego utworów itd. Punktem dojścia moich odczytań zawsze pozostaje jednak literatura. Podjęte badania szeroko wykraczające poza jej obszar są reakcją na zaobserwowane niezrozumienie lub negatywną ocenę niektórych wątków praktyki poetyckiej i powieściowej Świetlickiego, wynikające właśnie z ograniczenia się badaczy i krytyków do zakresu ściśle literackiego czy nawet – tekstowego. W tym kontekście moje stanowisko rysuje się następująco: można czytać pewne wiersze Świetlickiego autonomicznie, można skutecznie badać konkretne aspekty jego twórczości, ale nie sposób zrozumieć istoty jego propozycji artystycznej bez wychylenia się w stronę bogatej działalności pozaliterackiej.
Malwina Mus – literaturoznawczyni, zajmuje się krytyką literacką oraz badaniem związków między literaturą a innymi dziedzinami sztuki. Przez lata współpracowała z portalem Popmoderna, członkini redakcji „Nowej Dekady Krakowskiej”. Współredaktorka serii wydawniczej Ścieżkami Pisarzy w Księgarni Akademickiej.
Publikacja jest próbą znalezienia odpowiedzi na pytanie - jak technologia wpływa na sztukę performans oraz jak i w jakim celu wykorzystywana jest w działaniach performatywnych. Zagadnieniem wyjściowym i jednocześnie podstawowym materiałem do badań jest tu dokumentacja performansu. Przeanalizowane zostały zapisy audio i wideo, zdjęcia oraz odautorskie i kuratorskie dokumenty tekstowe dotyczące poszczególnych praktyk performatywnych, realizowanych przy użyciu najnowszych technologii. Cyfrowe metody wytwarzania i przetwarzania obrazu i dźwięku, technologie informacyjno-komunikacyjne (ICT) i mokre media, użyte w kontekście performatywnym tworzą nową kategorię - performans postmedialny. Czy może on być skutecznym narzędziem oporu względem korporacyjnej inwigilacji, biowładzy czy społecznej alienacji, wyrazem aktu odpowiedzialności artystów za skutki technologicznego rozwoju?
Autorki prowadzą czytelnika przez archiwum polskiego teatru XIX stulecia, rozumiane na różne sposoby: bo do artefaktów, których - starannie wybrane, a i tak bardzo liczne - przykłady udostępniają w reprodukcjach, naturalnym sposobem "przyklejają" komentarze, objaśnienia, omówienia i kontekstowe otocza: anegdoty, fragmenty wspomnień, recenzji, opracowań naukowych. W tym przebogatym materiale Autorki poruszają się ze swobodą prawdziwych znawczyń, ale także miłośniczek smaków, barw i zapachów przeszłości, w rezultacie więc tytułowe archiwum zamienia się w niezwykle żywą ekspozycję-instalację, w której każdy przedmiot i pojęcie zostają przywrócone świadomej, pogłębionej pamięci. Gdyby potraktować ten tom jako gotowy scenariusz wystawy, można by przy jego pomocy zaaranżować niezwykła przygodę w przestrzeni kilku sporych sal ekspozycyjnych; do jej przyżycia warto by zaprosić wszystkich, dla których obcowanie ze źródłem jest doświadczeniem nieznanym albo nie dość znanym.
(z recenzji dr hab. Agnieszki Marszałek)
Książka Katarzyny Fazan to ważne osiągnięcie w dziedzinie badań nad twórczością Tadeusza Kantora. Publikacja tomu wydaje się niezwykle aktualna, zważywszy na zbliżającą się w grudniu 2020 roku 30. rocznicę śmierci artysty. Praca ta nie tylko stanowi podsumowanie dorobku autorki, która od wielu lat zajmuje się dziełem Kantora, ale także otwiera pole nowych odczytań jego sztuki, próbuje pokazać odmienne sposoby jej recepcji i zwrócić uwagę na jej radykalne znaczenia. Proponowany sposób interpretowania dzieł artysty, a także zasugerowany performatywny wymiar jego praktyk wskazuje na inne przestrzenie obecności teatralnego i plastycznego dorobku Kantora. Trzy części pracy – „Manifestacje”, „Konfrontacje”, „Ślady” – wyznaczają zarys nowej topografii możliwego ulokowania jego twórczości. […] To projekt o niezrównanej skali, imponujący zarówno pod względem wartości historiograficznej, jak i krytycznej przenikliwości, precyzji myślenia i twórczego podejścia do przedmiotu badań.
Z recenzji prof. Michała Kobiałki, University of Minnesota
Tom Kantor. Nie/Obecność zogniskowany jest wokół osobowości artystycznej Tadeusza Kantora, jego twórczości, obecnych w niej przekształceń i nawrotów, zmieniających się technik plastycznych i projektów teatralnych; jest to studium miejsc ważnych dla biografii artysty i archiwów jego pamięci, analiza pozostawionych, albo śladowych, albo restytuowanych, albo wreszcie konstruowanych przez nieobecność, znaków jego obecności i dynamicznego dzieła. […] Autorka przeprowadza czytelnika przez kolejne „stacje” artystycznej, intelektualnej i emocjonalnej podróży Kantora – artysty obecnego i nieobecnego, tworzącego, a zarazem będącego obiektem przetwarzania w sztuce. Z tego właśnie powodu książka niniejsza jest także wspaniałą podróżą – peregrynacją przez sztukę współczesną: malarstwo i instalacje, performans i przedstawienia teatralne, zwłaszcza przez scenografię i obiekty eksponowane jako osobne dzieła sztuki. Jest to książka nie tylko o Kantorze, ale i o sztuce współczesnej, także o sztuce czasów, w których żyjemy.
Z recenzji prof. Włodzimierza Szturca, Uniwersytet Jagielloński
Katarzyna Fazan – wykłada w Katedrze Teatru i Dramatu Wydziału Polonistyki Uniwersytetu Jagiellońskiego oraz na Wydziale Reżyserii Dramatu w Akademii Sztuk Teatralnych im. Stanisława Wyspiańskiego. Autorka prac poświęconych literaturze modernizmu, estetyce teatru i związkom scenografii z plastyką. Wydała monografię Szczera poza dekadenta. Kazimierz Tetmajer między epistolografią a sztuką (2001), Projekty intymnego teatru śmierci. Wyspiański – Leśmian – Kantor (2009), była współredaktorką dwutomowego wydania pism teatralnych i filmowych Tadeusza Peipera Wśród ludzi na scenach i na ekranie (2000), opracowania edytorskiego i naukowego Utworów wybranych Ludwika Marii Staffa (2004), książki zbiorowej Dziś Tadeusz Kantor! Metamorfozy
śmierci, pamięci i obecności (2014), także jej wersji angielskiej Tadeusz Kantor Today: Metamorphoses of Death, Memory and Presence. Współredagowała tom Odsłony współczesnej scenografii. Problemy – sylwetki – rozmowy (2016). Przewodniczy komitetowi redakcyjnemu serii Wydawnictwa Uniwersytetu Jagiellońskiego Teatr/Konstelacje, jest stałym współpracownikiem „Didaskaliów”, należy do Rady Programowej Cricoteki.
When Olivia Laing moved to New York City in her mid-thortoes, she found herself inhabiting loneliness on a daily basos. Increasingly fascinated by this most shameful of experiences, she began to explore the lonely city by way of art.
Moving fluidly between the works and lives of some of the city's most compelling artists, Laing conducts an electric, dazzling investigation into what it means to be alone, illuminating not only the causes of loneliness but also how it might be redeemed and embraced.
In November 1838 Frédéric Chopin, George Sand and her two children sailed to Majorca to escape the Parisian winter. They settled in an abandoned monastery at Valldemossa in the mountains above Palma, where Chopin finished what would eventually be recognised as one of the great and revolutionary works of musical Romanticism - his 24 Preludes. There was scarcely a decent piano on the island (these were still early days in the evolution of the modern instrument), so Chopin worked on a small pianino made by a local craftsman, which remained in their monastic cell for seventy years after he and Sand had left.
This brilliant and unclassifiable book traces the history of Chopin's 24 Preludes through the instruments on which they were played, the pianists who interpreted them and the traditions they came to represent. Yet it begins and ends with the Majorcan pianino, which during the Second World War assumed an astonishing cultural potency as it became, for the Nazis, a symbol of the man and music they were determined to appropriate as their own.
The unexpected hero of the second part of the book is the great keyboard player and musical thinker Wanda Landowska, who rescued the pianino from Valldemossa in 1913, and who would later become one of the most influential musical figures of the twentieth century. Kildea shows how her story - a compelling account based for the first time on her private papers - resonates with Chopin's, while simultaneously distilling part of the cultural and political history of Europe and the United States in the central decades of the century. Kildea's beautifully interwoven narratives, part cultural history and part detective story, take us on an unexpected journey through musical Romanticism and allow us to reflect freshly on the changing meaning of music over time.
The New York Times bestselling book which examines how humans experience music and unravels the mystery of our perennial love affair with it
Using musical examples from Bach to the Beatles, Levitin reveals the role of music in human evolution, shows how our musical preferences begin to form even before we are born and explains why music can offer such an emotional experience.
Music is an obsession at the heart of human nature, even more fundamental to our species than language. In This Is Your Brain On Music Levitin offers nothing less than a new way to understand it, and its role in human life.
Przez wiele lat, spacerując ulicami Lublina nie dostrzegałam, że z fasad kamienic patrzą na mnie kudłate maszkarony, rubaszne fauny, długowłose dziewczyny i zadumani starcy. Codziennie mijałam elewacje i balkony oplecione omdlewającymi słonecznikami, winoroślą i wstęgami oraz witraże mieniące się kolorami słońca. Jednak z czasem, te delikatne, pełne elegancji motywy powstałe w duchu modnej na początku XX wieku Art Nouveau zafascynowały mnie do tego stopnia, że stały się tematem mojej rozprawy doktorskiej. W książce, powstałej na bazie pracy naukowej, postanowiłam opisać historię stylu secesyjnego w Lublinie, jego twórców, lokalizacje najciekawszych prac i źródła, z których czerpano wzory elementów dekoracyjnych Art Nouveau. Jestem przekonana, że ten fragment historii miasta zasługuje na uwiecznienie i bliższe poznanie, a miłośników stylu, mam nadzieję, zachęcę do spaceru w czasie, śladami secesji.
Hanna Bieniaszkiewicz
Przewodnik dokumentalisty skierowany jest przede wszystkim do studentów, ale również do osób zainteresowanych dydaktyką. Prezentowane, tym razem, na stronie internetowej filmy są odniesieniem do wszystkich wskazówek zawartych w skrypcie. Można je również potraktować jako sprawdzone sposoby realizacji oraz inspirację do tworzenia własnych ćwiczeń-filmów.
Omawiany w skrypcie materiał filmowy dostępny jest na stronie internetowej: wersja w języku polskim i angielskim.
"Książka Grażyny Kędzielawskiej o filmie dokumentalnym jest wyjątkowa – to podręcznik, można tak powiedzieć, napisany latami doświadczenia dydaktycznego w łódzkiej szkole filmowej. Doświadczenia, które zaowocowało kilkudziesięcioma, nagradzanymi na całym świecie, etiudami dokumentalnymi studentów zrobionymi pod jej opieką artystyczną. Grażyna Kędzielawska, jak nikt inny potrafi uczyć dokumentu. Jej unikalny program, zapisany w książce i poparty przykładami etiud, zadań, ćwiczeń, prowadzi krok po kroku przez wszystkie podstawowe zagadnienia przed którymi staje początkujący filmowiec. Nazywa je, opisuje, systematyzuje, odnosi do tego co już w filmie dokumentalnym powstało. To pierwsza tego typu książka w Polsce, niezwykle ważna w czasach niesłychanej popularności tego gatunku filmowego". Maria Zmarz-Koczanowicz
With more than 500 photographs, this is the ultimate portrait of an inspiring, challenging and ever-changing artist.
This book is the breathtaking result of iconic photographer Terry O'Neill's creative partnership with David Bowie that spanned over a number of years, including images published here for the first time.
Containing rare and never-before-seen photographs, their work together includes images from the last Ziggy Stardust performance, recording sessions for Young Americans and the renowned studio portraits for Diamond Dogs - plus live shows, film shoots, backstage moments and more.
26 lipca 1963 roku stolica Macedonii znalazła się w epicentrum największego i najbardziej tragicznego w skutkach trzęsienia ziemi w nowożytnej historii tego państwa, po którym zniszczone w prawie osiemdziesięciu procentach miasto musiało wymyślić się na nowo. Jego odbudowa stanowiła zapomniany przykład wielkiej międzynarodowej solidarności – polityków, architektów, urbanistów, artystów i ludzi dobrej woli.
Album przybliża historię odbudowy miasta. Plan urbanistyczny ścisłego centrum przygotowała słynna pracownia Kenzô Tangego – japońskiego architekta znanego z takich realizacji, jak projekt Centrum Pokoju w Hiroszimie. Nieoceniony wkład mieli również polscy architekci i urbaniści m.in. Adolf Ciborowski, który z ramienia ONZ nadzorował proces odbudowy, a także Stanisław Jankowski, kierownik polskiego zespołu opracowującego plan ogólny nowej macedońskiej stolicy.
Osobny wątek książki stanowi opowieść o skopijskim Muzeum Sztuki Współczesnej – darze ówczesnego polskiego rządu, którego siedzibę na wzgórzu nad Wardarem zaprojektowali polscy architekci z zespołu projektowego „Tygrysy”: Wacław Kłyszewski, Jerzy Mokrzyński i Eugeniusz Wierzbicki.
Trzecią częścią publikacji jest katalog niemal nieznanych w Polsce prac, które polscy artyści przekazali nowemu muzeum. Znajdują się tu dzieła Tadeusza Brzozowskiego, Jerzego Krawczyka, Alfreda Lenicy, Benona Liberskiego, Ewy Marii Łunkiewicz-Rogoyskiej, Jerzego Nowosielskiego, Teresy Pągowskiej, Henryka Stażewskiego, Andrzeja Strumiłły czy Rajmunda Ziemskiego
Publikacja prezentuje trzysta okładek wydawniczych książek ze zbiorów Biblioteki Uniwersyteckiej w Toruniu, wydanych w latach Młodej Polski oraz epoce międzywojennej. Z tego stosunkowo bogatego wydawniczo okresu zostały wybrane okładki zawierające kompozycje i części barwne , oprawy odznaczające się walorami estetycznymi. Zadbali o nie projektanci, którymi byli artyści tej klasy, co Stanisław Wyspiański, Józef Mehoffer, Tadeusz Gronowski, Stefan Norblin, Edward Okuń, Ferdynand Ruszczyc, Tymon Niesiołowski, Władysław Strzemiński. Znaczące miejsce w kolekcji zajmują okładki graficzne, głównie drzeworytowe. Znajdują się w niej także okładki litograficzne oraz odbite z klocka linorytowego. Dominują okładki miękkie, wykonane z kartonu, tektury, pergaminu. Kilkanaście z nich pokrytych jest płótnem. Zaprezentowane w niniejszym tomie oprawy dokumentują osiągnięcia polskiej kultury w zakresie sztuki wizualnej Młodej Polski, jednej z najciekawszych epok w dziejach polskiej kultury, oraz z lat międzywojnia mającego duże znaczenie dla rozwijającego się designu i projektowania graficznego. Te trzy setki okładek – osłaniających przede wszystkim tomiki poetyckie, znacznie rzadziej utwory prozatorskie oraz publikacje z innych dziedzin piśmiennictwa, takich jak: historia, filozofia, sztuka, publicystyka – stanowią jeden z najciekawszych zespołów zabytkowej książki w księgozbiorze Biblioteki Uniwersyteckiej w Toruniu.
Publikacja porusza temat oceny skutków prowadzonych współcześnie polityk miejskich, szczególnie w odniesieniu do tzw. koszmaru partycypacji. Wpisuje się w debatę dotyczącą zjawisk takich jak miejskie konflikty społeczne, rewitalizacja przestrzeni zurbanizowanej, problematyka planowania przestrzennego i polityki mieszkaniowej. Autor analizuje problem gentryfikacji w Polsce i jej związków z programami rewitalizacji.
Książka poszukuje odpowiedzi na pytania stojące przed wszystkimi aktorami organizującymi procesy polityki miejskiej i rewitalizacji w Polsce: czy partycypacyjne wytwarzanie przestrzeni sprawdza się w praktyce? Czy rezultatem urbanistyki oddolnej, czyli angażowania aktorów takich jak artyści, ruchy miejskie i mieszkańcy osiedli nieformalnych, jest zawsze poprawa jakości życia i wzmacnianie społeczności lokalnych? Czy może niekiedy zamienia się w „koszmar partycypacji” oraz podporządkowuje przestrzeń miejską najbardziej uprzywilejowanym aktorom operującym w miastach?
Autorskie badania wykorzystane w książce przeprowadzono na przykładach oddolnego wytwarzania przestrzeni w Warszawie, Nowym Jorku i Stambule.
Ten produkt jest zapowiedzią. Realizacja Twojego zamówienia ulegnie przez to wydłużeniu do czasu premiery tej pozycji. Czy chcesz dodać ten produkt do koszyka?
