W tej strefie zapraszamy czytelników tak zwane artystyczne dusze po książki z kategorii Sztuka. Polecamy szereg publikacji o sztuce i jej historii,ciekawostki i portfolia artystów, eseje, albumy, książki o malarstwie, rzeźbiarstwie, architekturze oraz histoii fotografii. Biografie ciekawych artystów, książki i powieści przedstawiające fascynujące losy malarzy i osób uwiecznianych na obrazach. W tym dziale tylko ksiązki ze sztuka w tle.
Czy opanowanie trudnej sztuki rysowania było od dawna twoim skrytym marzeniem? Oto książka, dzięki której w zaledwie kilka dni znacząco rozwiniesz swoje umiejętności. Autorka bestsellerowego poradnika Rysunek. Odkryj talent dzięki prawej półkuli mózgu powraca z kolejnym przewodnikiem po sztuce rysowania w formie praktycznych ćwiczeń. Niezależnie od tego, czy dopiero zaczynasz swoją artystyczną przygodę, czy jesteś już wprawionym rysownikiem, dzięki tej kompaktowej książce szybko nabierzesz konkretnych umiejętności i uwierzysz w swój talent. Zapoznasz się z zagadnieniami z dziedziny rysunku i praktycznymi wskazówkami, a następnie, przy uwzględnieniu czasu pracy i poziomu trudności poszczególnych zadań, będziesz mógł wykonać swoje prace w specjalnie do tego wyznaczonych ramkach. Nauczysz się także radzić sobie z problemem wielu artystów – niekończeniem pracy lub jej opóźnianiem, i pogłębisz korzyści płynące z zaangażowania prawej półkuli mózgu w swoją pracę. Potrzebujesz jedynie przyborów plastycznych, chęci i odrobiny wolnego czasu. Korzystając z niezwykle pomocnych wskazówek i uwag autorki, spełnisz swoje marzenia i staniesz się prawdziwym artystą!
W TEJ KSIĄŻCE WSZYSTKO KRĘCI SIĘ WOKÓŁ SEKSU
Robert Ziębiński nie ma oporów, by pytać.
Rozmówcy nie mają oporów, by odpowiadać.
„Porno” odsłania ukryte pod płaszczykiem wstydu kulisy branży rozkoszy.
Filmowe porno istnieje od ponad stu lat. Od około siedemdziesięciu w takiej formie, jaką znamy dziś. Mamy więc co najmniej cztery pokolenia ludzi, którzy wciąż wierzą w to, że porno to prawda.
W Hollywood rocznie powstaje ponad trzynaście tysięcy filmów porno, z których dochód to około piętnastu miliardów dolarów. Pornografia przynosi więcej pieniędzy niż NBA, Liga Bejsbolowa i NHL razem wzięte.
Mimo to wiedza na jej temat zatrzymała na poziomie domniemywań, przekłamań i konfabulacji. W mediach głównego nurtu nie ma wywiadów z gwiazdami czy aktorkami porno, mało kto dopuszcza je do głosu. Tym razem jest inaczej. Na rozmowę na temat swojej pracy dali się namówić Robertowi Ziębińskiemu m.in.: Holly Randall, najbardziej wpływowa reżyserka i producentka porno według magazynu „Adult Video News”, Buck Angel, człowiek legenda i pierwszy transseksualny mężczyzna z waginą, który występował w filmach porno, czy aktorka Anna Kinski, Polka, która wyjechała do Francji szukać miłości, a przy okazji rozkochała się też w porno.
W tych i kilkunastu innych rozmowach z gwiazdami i reżyserami, a także seksuologami, Andrzejem Gryżewskim i Justinem Lehmillerem, autor szuka odpowiedzi na pytanie: „Czym jest porno?”. Czy na pewno tym, za co się je uważa, czyli współczesnym boogeymanem, który jest odpowiedzialny za całe zło tego świata?
Czy forma wyrazu artystycznego może mieć narzucony odgórnie schemat? Czy da się zamknąć indywidualną wizję rzeczywistości w jednej określonej formie? Czy jest tylko jeden właściwy sposób wypowiedzi artystycznej? Jeden sposób uzewnętrznienia emocji? A gdyby tak - nawiązując do ruchów awangardowych w początków ubiegłego stulecia - połączyć formę i treść w jedną spójną całość? Stworzyć unikatowe dzieło oddziałujące nie tylko na intelekt i wyobraźnię, ale również na inne zmysły, pobudzając doznania estetyczne i prowokując intensywne przeżycia artystyczne? Dzieło kompletne?"Mundibanks" jest właśnie tego rodzaju eksperymentem, próbą sprostania temu wyzwaniu. To zbiór wyjątkowych historii zamkniętych w formie bajek choć nie tylko, ze znakomitymi ilustracjami wykraczającymi poza utarte schematy i potęgującymi przekaz artystyczny. Poruszającymi i oddziałującymi niezwykle mocno na wyobraźnię. Pobudzającymi fantazję i stanowiącymi integralne dopełnienie treści, niekiedy nawet bardziej wymowne niż słowa Zbiór niekonwencjonalny, bo mimo że poszczególne części tomu nawiązują do gatunku przeznaczonego stricte dla dzieci, kryją dość mroczną wizję świata i rzeczywistości pełną egzystencjalnych lęków oraz wątpliwości, a także kontrastów i sprzeczności, które stają się wyzwaniami codzienności. I choć najważniejszym tematem nie jest tu - jak mogłoby się wydawać poprzez wybraną formę literacką - walka między dobrem i złem, to poszczególne teksty rzucają na dylematy z tym związane nieco światła, łącząc poszczególne wątki intertekstualną nicią pełną alegorii i licznych odniesień do innych kultowych dzieł sztuki Choć czy na pewno? Może jednak wciąż więcej jest niewiadomych? Może więcej w dalszym ciągu skrywa mrok? Może.
Publikacja „Kobieta, afekt i pragnienie we współczesnym malarstwie” towarzyszyła wystawie „Farba znaczy krew. Kobieta, afekt i pragnienie we współczesnym malarstwie” w Muzeum Sztuki Nowoczesnej w Warszawie w dniach 7.06–11.08.2019.
Katalog jest zarówno uzupełnieniem koncepcji kuratorskiej, jak również rodzajem albumu i przewodnika po współczesnym malarstwie kobiet. Teksty literackie w niej zawarte otwierają nowe pola interpretacji prac prezentowanych na wystawie i stanowią punkt wyjścia do refleksji nad tytułowymi: kobietą, afektem i pragnieniem w malarstwie. Bogactwo reprodukcji i towarzyszące im biogramy, w których autorki zawarły zwięzłe wprowadzenia do twórczości artystek, są natomiast merytorycznym dopełnieniem wystawy „Farba znaczy krew. Kobieta, afekt i pragnienie we współczesnym malarstwie”.
„Wszyscy wiedzą, jak brzmi skarga kobiet: «kobiety żyją dla miłości i z powodu tej miłości muszą dawać z siebie wszystko»”. Od tych, dość pesymistycznych, słów badaczka i teoretyczka afektu Lauren Berlant rozpoczyna swoją książkę „The Female Complaint: The Unfinished Business of Sentimentality in American Culture” (Kobieca skarga. Niedokończona sprawa sentymentalności w kulturze amerykańskiej). Autorka zwraca w niej uwagę na przestrzeń, jaką we współczesnej popkulturze i życiu społecznym wypełniają gorycz i cichy odwet kobiet, które przeżyły zawód miłosny. Berlant analizuje m.in. programy telewizyjne i popularne poradniki, takie jak „The Bitch in the House” (Suka w domu), „The Bride Stripped Bare” (Panna młoda rozebrana), „Are Men Necessary?” (Czy mężczyźni są potrzebni?). W odpowiedzi na lęki i zranione serca kobiet, kapitalizm zagospodarował rynek, proponując wspólne zarządzanie rozczarowaniem i uczestnictwo w masowej „publicznej intymności”. Autorka rozumie w ten sposób poczucie przynależności oparte na wspólnej walce o przetrwanie i ciągłym doskonaleniu życia uczuciowego, za którym stoi terror romantycznej miłości (koniecznie odwzajemnionej!) jako jedynej drogi do szczęścia. Badaczka dowodzi jednak, że podszyte sentymentalnością i kobiecą vendettą tytuły nie tylko powstrzymują alternatywne scenariusze lepszego życia, a przede wszystkim produkują normy kobiet snujących owe marzenia, tj. w znacznej mierze uprzywilejowanych, białych i heteroseksualnych podmiotek. Jeśli faktycznie wszyscy i wszystkie, „żyjemy dla miłości”, to czy ta w rezultacie nie ogranicza naszej politycznej wyobraźni i nieuchronnie nie prowadzi do doświadczania dominacji: nie tylko w planie osobistym, ale też w kontekście rasy, płci, religii czy przynależności do grup zmarginalizowanych?”
(Fragment eseju Natalii Sielewicz „Rozpruwaczki. Kobieta, afekt i pragnienie, mie?dzy figuracja? a abstrakcja?”)
Publikacja towarzyszy wystawie „Niepodległe. Kobiety a dyskurs narodowy” 26 października 2018 - 3 lutego 2019 w Muzeum Sztuki Nowoczesnej w Warszawie.
Teksty zamieszczone w tomie „Niepodległe. Kobiety a dyskurs narodowy” naświetlają patriarchalne struktury zachodniej kultury, które dla wielu, również wielu kobiet, wydają się naturalne i przezroczyste.
Autorki i autorzy tekstów pokazują jednak, że patriarchalny system daleki jest naturalności, a jego celem jest podtrzymanie bardzo konkretnej wizji świata – świata, którego jedynymi beneficjentami są mężczyźni. W swoim eseju „Feministyczne archiwum – słaby opór, deheroizacja i codzienność w działaniu” Ewa Majewska skupia się na kwestii queerowych i feministycznych archiwów jako repozytorium wywrotowej wiedzy i zmiany, którego największą wartością jest nieustanne kwestionowanie samego siebie. Claudia Snochowska-Gonzalez, przyglądając się metaforyce prawicowych myślicieli niepodległości, zwraca uwagę na inherentny biologizm zawarty w myśli twórców Narodowej Demokracji. Weronika Grzebalska w swoim przełamującym stereotypy tekście przygląda się współczesnemu militaryzmowi i miejscu, jakie kobiety zajmują w prawicowych ruchach militarnych przechwytujących ideę lewicowej emancypacji. Cały problem ze współczesnym militaryzmem dziś, twierdzi badaczka, polega na zrównaniu go z projektem tożsamościowym, a nie obywatelskim, jakim był u swoich początków pod koniec XIX wieku. Dorota Sajewska przygląda się funkcjonowaniu pojęcia Czarności, dowodząc, że ta pomijana dotąd kategoria może okazać się bardzo twórczym aspektem badania także powojennej historii Polski, szczególne ze współczesnej perspektywy konfliktu migracyjnego i masowej ucieczki ludzi z Bliskiego Wschodu i Afryki. Lena Magnone w brawurowy sposób naświetla psychoanalityczną myśl Zygmunta Freuda, jako jeszcze jeden z obszarów, który wymaga postkolonialnej refleksji. Badaczka pokazuje, jak kobiety i „dzicy” w spójny sposób łączyli się w głowie genialnego psychoanalityka, wskazując, że był on nieodrodnym dzieckiem epoki kolonialnej, a system przez niego tworzony pomijał doświadczenie kobiet i osób z innych niż europejska etniczności. Moses Serubiri i Maryam Kazeem przywołują pamięć nagich protestów – jedynej publicznej i ekskluzywnie kobiecej formy protestu w wielu krajach Afryki, wskazując na kolonialne odczytania tej formy oporu. „Aborcyjny ruch oporu” Agaty Araszkiewicz to przypomnienie opublikowanego na początku lat 2000 tekstu dotyczącego związków pomiędzy ciągle obecnym w Polsce narodowym mitem romantycznym a kwestiami biopolityki i reprodukcyjnych praw kobiet. Teksty te zostały pomyślane nie tyle jako tezy ilustrujące wystawę, co raczej uzupełnienie, poszerzające kontekst pokazywanych prac artystów o kwestie, które mogą okazać się inspirujące do dalszych własnych poszukiwań i dyskusji.
(fragment tekstu Magdy Lipskiej „Niepodległe, czyli o archeologii nierówności”)
Magdalena Abakanowicz (1930) today is revered for her uncompromising, individualistic vision developed in her native Poland under the hostile eyes of the repressive Communist regime that was in power for most of her adult life. She has personally witnessed the worst of humanity’s instinct for destructive behavior and has made art that unflinchingly presents the human condition. She had, by the 1960s, gained the beginning of an international reputation as a sculptor in soft materials with the creation of monumental environments called Abakans. Always alert to build on her personal independent vision, she has created large groups of human figures out of old burlap sacks and resin. Her 80 backward-seated figures and 50 standing figures have attracted widespread attention and evoked provocative cultural and political associations wherever they have been shown. At the Venice Biennial of 1980, her ambitious exhibition in the Polish Pavilion caused a sensation among critics and the general public. Her retrospective moved to America from the Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris to be shown in seven important museums. Since then the level and variety of her work has been nothing short of astonishing.
She changed sculpture from “object to look at” into “space to experience”. Monumental, powerful compositions in bronze or stone, iron or concrete have been created for specific locations—the Gori Collection in Italy, the Olympic Park in Seoul (Korea), the Israel Museum in Jerusalem, Vilnius (Lithuania), and Chicago’s Grant Park—and are permanently installed as environments accessible to people.She has transformed the casting process into a way of building individual bodies with personal expression. Her largest group of figures (the environment in Chicago) consists of 106 headless shells in walking movement, made of material that resembles tree bark or rags from a mummy. She has also worked with tree trunks that she has armed with metal (War Games) and built multi-figurative compositions out of welded stainless steel (King Artur’s Court).
At more than 120 bpm, electronic music sets the tempo on dancefloors around the globe. Accompanying the exhibition Electronic: From Kraftwerk to The Chemical Brothers, this book offers an insight into the visual culture of electronic music, and how technology, design, art and fashion have contributed to its power. With its roots in Detroit and Chicago in the early 1980s, electronic dance music was popularised across Europe through underground rave parties. Its impact on contemporary culture is still unfolding today. Containing interviews with early pioneers such as techno legend Jeff Mills, The Designers Republic’s Ian Anderson, and those pushing the political dimension of electronic music, such as ballroom dancer and DJ Kiddy Smile, Electronic bears witness to the shifting nature of the genre.
Illustrated with over 300 images, some published here for the first time, Electronic features Jean-Michel Jarre’s virtual studio; work by pioneer Daphne Oram of the BBC Radiophonic Workshop; audiovisual performances by musicians like Bicep and the Chemical Brothers; fashion collections by Raf Simons and Charles Jeffrey of Loverboy; iconic photography by Jacob Khrist and Tina Paul; artwork by Christian Marclay; club graphics from Peter Saville and Mark Farrow; and iconic venues such as the Hacienda, Gatecrasher, Fabric, Berghain and the Warehouse Project. Reflecting the shifts in society over the past thirty years, electronic music has generated distinct visual languages as well as its own political and cultural ideals.
The photographer and visual artist Erik Johansson creates surreal worlds through his own unique method. It often takes him months just to make one image, in a process where his photographs are combined so that an original place emerges. The result is often humorous, sometimes even scary, but always mind-blowing. Erik Johansson has become world-famous through his captivating and detailed images. Places Beyond is his second and biggest book so far, presenting his best images in large format. He also reveals the secrets of his method in an inspirational 'Behind the Scenes' chapter where he explains the creative process from nine of his photographs. Places Beyond contains more than a hundred stunning pictures.
For me, creating an image is like creating a place. A place that feels familiar, but with a twist that causes the viewer to stop short. - Erik Johansson
This photography-led book reveals the story of Chernobyl today, with unprecedented access to the Zone, it takes the reader into previously undocumented areas.
Since the first atomic bomb was dropped, humankind has been haunted by the idea of nuclear apocalypse. That nightmare almost became reality in 1986, when an accident at the USSR’s Chernobyl Nuclear Power Plant triggered the world’s worst radiological crisis. The events of that night are well documented – but history didn’t stop there. Chernobyl, as a place, remains very much alive today.
In Chernobyl: A Stalkers’ Guide, researcher Darmon Richter journeys into the contemporary Exclusion Zone, venturing deeper than any previously published account. While thousands of foreign visitors congregate around a handful of curated sites, beyond the tourist hotspots lies a wild and mysterious land the size of a small country. In the forests of Chernobyl, historic village settlements and Soviet-era utopianism have lain abandoned since the time of the disaster – overshadowed by vast, unearthly mega-structures designed to win the Cold War.
Richter combines photographs of discoveries made during his numerous visits to the Zone with the voices of those who witnessed history – engineers, scientists, police and evacuees. He explores evacuated regions in both Ukraine and Belarus, finding forgotten ghost towns and Soviet monuments lost deep in irradiated forests. He gains exclusive access inside the most secure areas of the power plant itself, and joins the ‘stalkers’ of Chernobyl as he sets out on a high-stakes illegal hike to the heart of the Exclusion Zone.
In recent years Russian cities have visibly changed. The architectural heritage of the Soviet period has not been fully acknowledged. As a result many unique modernist buildings have been destroyed or changed beyond recognition.
Russian photographer Arseniy Kotov intends to document these buildings and their surroundings before they are lost forever. He likes to take pictures in winter, during the ‘blue hour’, which occurs immediately after sunset or just before sunrise. At this time, the warm yellow colours inside apartment block windows contrast with the twilight gloom outside. To Kotov, this atmosphere reflects the Soviet period of his imagination. His impression of this time is unashamedly idealistic: he envisages a great civilization, built on a fair society, which hopes to explore nature and conquer space.
From the Baikonur Cosmodrome in the desert steppes of Kazakhstan to the grim monolithic high-rise dormitory blocks of inner city Volgograd, Kotov captures the essence of the post-Soviet world. ‘The USSR no longer exists and in these photographs we can see what remains – the most outstanding buildings and constructions, where Soviet people lived and how Soviet cities once looked: no decoration, no bright colours and no luxury, only bare concrete and powerful forms.’
In September 1939, thousands of German soldiers were turned loose on Poland. In 1940, they descended on Holland, Belgium and France. In 1941 they went to the Balkans, and then to the USSR. Armed with Leica and Rolleiflex cameras, some of these soldiers were officially commissioned as photographers, while others were asked by their commanders to snap records of events. Among them were trainees who knew about the Bauhaus, and other, older, men who could remember Weimar. Some excelled at formal portraiture, others were storytellers, stylists or humanists who wept at what they saw. The style and content of their work changed along with the collective mood after 1942, a change that is discernible in the photographs themselves.
Celebrated author and art historian Ian Jeffrey – author of How to Read a Photograph and The Photography Book – has trawled through these albums, picking out the most compelling of these works to create an intimate record of anonymous lives experiencing the unprecedented.
Ambitious and wide-ranging, this is the first single volume to tell the story of the library as a distinct building type, all around the world and from the beginnings of writing to the present day. In its highest form the library is a total work of art, combining painting, sculpture, furniture and architecture. From their designs for the libraries of ancient Rome to those of the Bibliotheque Nationale in Paris, architects have sought to outdo each other by producing ever more spectacular settings.
The author and photographer have travelled the globe, documenting some eighty libraries. Architectural historian James Campbell contributes an authoritative and highly readable account. Will Pryce is one of the world’s leading photographers of interiors and architecture. Arresting and technically flawless, his photographs are both lucid and deeply atmospheric.
This visually rich survey – the first of its kind – showcases the work of over 200 artists and celebrates the explosion of street art in Africa over the last decade. Including eleven in-depth interviews with street artists active in Africa today as well as coverage of the continent’s major street art projects, collectives and festivals, it takes the reader on an introductory tour of the many African street art scenes, with a deeper focus on the most prominent players in Kenya, Morocco, Senegal, South Africa and Tunisia.
Topics and projects covered include the monumental project Murais da Leba in Angola, which saw a huge wall covered by local graffiti and visual artists in the Serra da Leba mountain range; the cultural influences and idiosyncrasies of individual street art scenes, and how they mesh with local communities; and eL Seed’s project ‘Perception’, a huge multi-part mural stretching across more than fifty buildings in Cairo’s Zaraeeb neighbourhood, revealing a message of hope to its marginalized community in the artist’s distinctive ‘calligraffiti’ style.
Text commentaries elaborating on styles and processes, and social and cultural context, are peppered throughout the book, giving the reader further insight into a wealth of striking contemporary visual cultures – and helping make this a must-have for street art fans and practitioners.
Anime Architecture presents the most breathtaking environments created by the most important and revered directors and illustrators of Japanese animated films. From futuristic cities of steel to romantic rural locales, the creators of anime have conjured memorable and painstakingly detailed worlds, the influences of which have been felt across cinema, literature, comic books and videogames for decades.
This volume offers a peerless survey of these cinematic arenas – including materials from Akira, Ghost in the Shell, Patlabor, Neon Genesis Evangelion and Tekkonkinkreet – through original background paintings, storyboards, drafts, sources of inspiration and film excerpts.
A celebration and resource produced in direct collaboration with the original Japanese production studios, Anime Architecture offers privileged views into the earliest conception stages of iconic scenes, through to their development into finished films. Anyone who has been touched by the beauty and imagination of classic anime will find page after page of revelation and inspiration. Containing the often secretive creative processes of the major anime studios, this enthusiast’s treasure trove will have its significance for future generations of artists, illustrators, architects, designers, videogame makers and dreamers.
Illustrated with images as iconic as they are stunning and including the author’s first-hand experiences on set and interviews with the great director, this magnificent book charts the extraordinary journey of Britain’s greatest living director.
Telling the stories behind Alien, Blade Runner, Gladiator, Black Hawk Down, his new HBO drama Raised by Wolves and many more, it also goes in search of the themes and motifs that unite such different films, and the methods and madness of Scott’s approach to his medium. This is the story of a director who has never been less than stubbornly, brilliantly, unforgettably his own man.
Described by Lennon as ‘the best thing I’ve ever done’, and widely regarded by critics as his best solo album, John Lennon/Plastic Ono Band was released alongside the remarkable Yoko Ono/Plastic Ono Band on 11 December 1970. With first-hand commentary by John & Yoko, members of the Plastic Ono Band and other key figures in their lives, and packed with evocative and revealing letters, artworks and photographs, this incisive volume offers new insights into the raw emotions and open mindset of Lennon after marriage to Ono and the break-up of the Beatles.
Following their wedding in March 1969, Lennon and Ono decided that their future musical endeavours should be credited to a conceptual vehicle, the Plastic Ono Band. The band featured an ever-changing line-up of musicians, including Eric Clapton, Klaus Voormann, Ringo Starr, Alan White, George Harrison, Billy Preston and Jim Keltner, all of whom played live with Lennon and Ono, and contributed to their recordings. The fearless honesty that John & Yoko inspired in one another in their search for truth, meaning and peace had a huge impact on Lennon’s song writing, resulting in the creation of tracks that are intensely personal and unlike anything previously heard in popular music, including ‘Mother’, ‘Working Class Hero’ and ‘God’. This book takes those lyrics as a starting point and explores Lennon’s life, relationships and world view during this transformative period.
Women have been pioneering photographers since the earliest days of the art form. This expertly curated set of three volumes in the renowned Photofile series brings together 190 women photographers from all over the world, working in all styles and genres. From the imaginative experiments of the 19th century to the thriving art movements of the 20th century and on to the digital world of the 21st century, this rich and diverse overview will inspire readers to explore the work of some of the greatest photographers of all time.
A testament to the art of colour composition, this book – art directed by Wong himself and produced to the highest printing standard – brings together a complete and refined body of images that are evocative, timeless and completely transporting. Rounding out the volume's special treatment is the first publication use of the 45/90 font, designed by Henrik Kubel, of London-based A2-TYPE.
The book also features a section that reveals the creative and technical process of Wong’s method, from identifying the right scene to making a good composition, from capturing the essence of a moment to enhancing colour values and deepening an image’s impact – insights that will be invaluable to admirers and photography enthusiasts alike.
Created in collaboration with Dronestegram, the world-leading drone photography website, and Ayperi Karabuda Ecer, a highly renowned photography editor, Dronescapes is the first book to bring together the very best photographs taken by quadcopters around the globe. It grants us the thrilling opportunity to see our planet from entirely new vantage points, whether this is a bird’s-eye view of Christ the Redeemer in Rio de Janeiro, a photograph taken inches away from an eagle in mid-flight, or a vertiginous shot taken above Mexico’s Tamul Waterfalls. There are extended commentaries on how individual images were created, profiles on notable photographers and a separate user guide containing key advice on how to use your drone. An introduction also discusses how the arrival of drone photography signals a major shift in the history of aerial photography.
Dronescapes is a landmark publication at the cutting edge of contemporary photography, taking the medium – for once, literally – to newfound, dizzying heights.
Gain a new perspective on photography in this personally guided introduction to photographic images and what they mean by one of the leading writers and curators of our time
On Photographs is destined to become an instant classic of photography writing. Rejecting the conventions of chronology and the heightened status afforded to ‘classics’ in traditional accounts of the history of the medium, Campany’s selection of photographs is an expertly curated and personal one – mixing fine art prints, film stills, documentary photographs, fashion editorials and advertisements. In this playful new take on the history of photography, anonymous photographers stand alongside photography pioneers, 20th-century talents and contemporary practitioners. Each photograph is accompanied by Campany’s highly readable commentary. Putting the sacred status of authorship to one side, he strives to guide the reader in their own interpretation and understanding of the image itself. In a visual culture in which we have become accustomed to not looking, Campany helps us see, in what is both an accessible introduction for newcomers and a must-have for photography aficionados.
Ten produkt jest zapowiedzią. Realizacja Twojego zamówienia ulegnie przez to wydłużeniu do czasu premiery tej pozycji. Czy chcesz dodać ten produkt do koszyka?
