W tej strefie zapraszamy czytelników tak zwane artystyczne dusze po książki z kategorii Sztuka. Polecamy szereg publikacji o sztuce i jej historii,ciekawostki i portfolia artystów, eseje, albumy, książki o malarstwie, rzeźbiarstwie, architekturze oraz histoii fotografii. Biografie ciekawych artystów, książki i powieści przedstawiające fascynujące losy malarzy i osób uwiecznianych na obrazach. W tym dziale tylko ksiązki ze sztuka w tle.
Po raz pierwszy prezentujemy na polskim rynku wydawniczym wybór ilustracji z oryginalnych dzieł autorstwa Katsushiki Hokusaia (17601849), które w czasach mistrza i późniejszych służyły jako wzorniki do nauki rysunku. Selekcja zawiera także przykłady deseni proponowanych jako motywy zdobnicze dla japońskich rzemieślników.Do dziś zachwyca pomysłowość, zmysł dekoracyjny, a także swoista ponadczasowość motywów, które walorami estetycznymi poruszają współczesnego odbiorcę.
Nieba, piekła i zaświaty - przewodnik odkrywcy.Trzynaście rajów z mitologii azteckiej, Piekło Ognistego Kura japońskich buddystów, taoistyczny podziemny świat głodnych duchów to tylko parę przystanków w podróży po bajecznie rozmaitych mitach, wierzeniach i fantazjach związanych z życiem pozagrobowym, w jaką zabiera czytelnika niezawodny cicerone Edward Brooke-Hitching.Atlas tamtych światów, bedeker po zaświatach, to skarbnica zaskakujących faktów i legend na temat rajskich rozkoszy i piekielnych mąk, wzbogacona o wspaniały zbiór ilustracji od przykładów renesansowej piekielnej kartografii i niezwykle ozdobnych islamskich wyobrażeń raju po spirytystyczne wizje XIX-wiecznych mediów. Wszystko to układa się w fascynujące studium nieznającej granic ludzkiej wyobraźni, graficzną kronikę naszych nadziei i obaw związanych z tym, co po tamtej stronie życia.
Fascynująca wyprawa w tajemniczy i mroczny świat bizantyjskich ikon: tam, gdzie sztuka spotyka się z teologią, a religia z polityką. Album przedstawia mistyczny świat malarstwa ikonowego okiem wybitnego bizantologa Nikodima P. Kondakowa. W swoim bogatym wywodzie autor szczegółowo opisuje technikę pisania ikon, genezę stylu bizantyjskiego malarstwa, jego uwarunkowania historyczne i polityczne. Z perspektywy czasu można ponadto zauważyć, jak pisane w pierwszych dekadach XX wieku opus magnum Kondakowa ujmuje ikony z punktu widzenia chylącego się ku upadkowi, choć wciąż marzącego o potędze Imperium Rosyjskiego.Bogato ilustrowana publikacja wprowadza w tajemnice bizantyjskiej sztuki pisania ikon. Kondakow przekrojowo i z wielkim znawstwem rekonstruuje, skąd wzięło się malarstwo ikonowe, jak związane zostało ze złożoną teologią ortodoksji oraz jaką funkcję pełniło w polityce Imperium Rosyjskiego. Przyglądając się dziedzinie artystycznej, odkrywa nie tylko ważne epizody historii sztuki, ale także historii religii i geopolityki.
The Year That Changed Our World is a definitive, visual history of the Covid-19 Pandemic. With more than 450 photographs, this ambitious publication traces the arc of the Pandemic from early 2020 through to the vaccine breakthroughs of Spring 2021.
Here, the talented photographers of Agence France Presse document the deep, human stories of the Pandemic. Active in more than 150 countries, these capture all sides of the Covid-19 story as experienced by people throughout the globe. Organized into six chronological parts, and braided together with thematic breakout sections, including topics such as protests, sports, and politics, The Year That Changed Our World is a comprehensive time capsule. These images show the extraordinary efforts to understand, control, and cope with a previously unknown virus alongside the human stories of our lives at home: playing, caring, watching, and sharing, both together and at a distance.
Edited by Marielle Eudes, Director of Photography at Agence France Presse, and featuring, texts, quotes and insights from a range of contributors and public figures, The Year That Changed Our World is a photographic testament to humankind’s resilience in the face of the pandemic. The book’s arresting imagery provides a visual record for us and for future generations to better understand the world during the time of Covid-19.
The best of Japanese graphic poster design, from the 1964 Tokyo Olympics to the Issey Miyake logo
This book brings together the best of Japanese graphic poster design--from the 1964 Tokyo Olympics to the creation of the Issey Miyake logo, and from the Osaka Expo to the official poster for the Pan-Pacific Design Congress. Japanese contemporary posters are considered to have started in the mid-'50s, after World War II and following a period of depression, post-militarism and post-autarchy. This new expressive mode was fueled by stimuli from abroad, but it was also a chance to reinterpret traditional themes and colors, bringing them into modernity in refreshing and fruitful ways. In the maze of expressive forms that flourished in Japan during the postwar period, graphic design stands out as a precious tool for following the thread of national creativity and the intense permanence of traditional aesthetic sensibility through these new forms.
Over half a century after the inception of graphics and with the coming Olympic Games taking place in 2021, this volume takes a wide view of the trends and aesthetic shifts that can be traced in the development of graphic design in Japan. Contemporary Japanese Posters includes 85 graphic designers and 756 posters. It is the most complete volume on the subject in any language.
Tematem książki Kształt zieleni. O estetyce, ekologii i projektowaniu jest zrównoważona architektura i design w kontekście estetyki. Autor, amerykański architekt Lance Hosey (1964-2021), stawia czytelnikowi trudne pytania: czy wszechobecnie panująca brzydota jest nieunikniona, czy „zielone” projektowanie musi być nieatrakcyjne i czy piękno może uratować planetę. Autor argumentuje, że ludzka natura kieruje nasze zmysły i uwagę na kształt rzeczy. Piękno nas intryguje, zatrzymuje, działa na emocje. Dlatego ludzie przekonają się do ekologicznych produktów, budowli i rozwiązań tylko wtedy, jeśli będą miały atrakcyjną formę. Hosey, opierając się na badaniach i przytaczając własne obserwacje, udowadnia, że projektowanie można nazwać zrównoważonym dopiero wtedy, gdy uwzględnia ono piękno. Książka przedstawia jasny zestaw zasad, które mają wypełnić lukę między standardami „dobrego projektu” i „zielonego projektu”. Czy miasto może zmienić kształt świata? Czy samochód, krzesło, filiżanka albo łyżka może powołać do istnienia nowe nawyki? Czy budynki mogą nas zachęcić do utożsamienia się z miejscem wokół nas? Autor argumentuje, że nie tylko mogą, ale i powinny. Dlatego oszczędny energetycznie budynek musi być także przyjemny dla oka, a ekologiczny samochód - uwodzić kształtem. Ta książka otworzy oczy wszystkim tym, którzy rozczarowani są brzydotą farm fotowoltaicznych czy ekologicznych biurowców, pojazdów, ubrań czy urządzeń. Tematyka książki wpisuje się, w mocno obecne w debacie publicznej, rozważania dotyczące ekologii, zrównoważonego rozwoju i świadomego używania zasobów naturalnych. Pozwala z większą świadomością przyglądać się otaczającemu nas światu i zmusza do refleksji na temat projektowania, zarówno pod względem treści, jak i stylu. We wstępie do książki Dominika Janicka pisze o odnowionej, białej elewacji w geometryczne wzory na wieżowcu przy ul. Lelewela 7-9 w Gdyni. Książka Hoseya pozwala nam zrozumieć, dlaczego podoba nam się akurat ten budynek, a na inne bloki, położone dwie ulice dalej, nikt z nas nie zwróci już uwagi. Kształt zieleni. O estetyce, ekologii i projektowaniu jest dziesiątym tytułem w serii MIASTO SZCZĘŚLIWE.
Album poświęcony historii polskiego designu zaprezentuje i opowie historię wzornictwa polskiego, poczynając od Wystawy Paryskiej w 1925 roku po czasy współczesne. Prezentować będzie najlepsze projekty mebli, ceramiki użytkowej, elementów wnętrz mieszkalnych, samochodów i motocykli, pociągów i tramwajów, urządzeń gospodarstwa domowego i elektroniki, które powstały w pracowniach naszych artystów-projektantów – przedstawimy także sylwetki tych najważniejszych. Całość wzbogaci ok. 250 czarno-białych i kolorowych ilustracji.
Janek Simon jest artystą, ale także anarchistą, programistą, rzemieślnikiem, intelektualistą, społecznikiem, podróżnikiem, byłym mistrzem juniorów w brydżu i w dwudziestu procentach kuratorem. Mawia, że interesuje go zbyt wiele rzeczy: od globalizacji przez geografię polityczną, sztuczną inteligencję, cyfrowy materializm, ład algorytmiczny, spekulacje finansowe i strategie zrób-to-sam po teorie postkolonialne w Europie Wschodniej i ciągłe, nieomal Gombrowiczowskie dylematy dotyczące tego, co to znaczy być Polakiem. Niniejsza monografia prezentuje jego fascynującą zarówno wizualnie, jak i intelektualnie twórczość, napędzaną przez nieposkromioną ciekawość, erudycję oraz poszukiwanie tego, co on sam nazywa syntetycznym folklorem równowagi między językiem partykularnym i planetarnym, której osiągnięcie umożliwić mogą nowe technologie. Publikacja jest pokłosiem wystawy retrospektywnej artysty prezentowanej zimą 2019 roku w Centrum Sztuki Współczesnej Zamek Ujazdowski w Warszawie, której kuratorką była Joanna Warsza.
Ten tom wspomnień Wojciecha Solarza jest zajmujący po trzykroć. Po pierwsze, dlatego, że spisał go zajmujący człowiek, którego wyjątkowość ma swój początek w wyjątkowości jego rodziców. Po drugie, z tego powodu, że Solarz obracał się w najlepszym polskim towarzystwie artystyczno-intelektualnym. Nazwiska jego przyjaciół i znajomych, niestety, dziś już przeważnie nieżyjących, znajdziemy we wszelkich możliwych encyklopediach i księgach zasłużonych. Po trzecie, wreszcie, Solarz o spotkaniach z nimi potrafi opowiadać barwnie i zajmująco, posługując się własnym, wyrazistym stylem. Daję osobistą gwarancję, że gdy ktoś przeczyta tę książkę, pożałuje, że się skończyła, zapragnie dalszego ciągu. Powtórzy się sytuacja z przedwojennej żydowskiej reklamy: Jeśli wymoczysz nogi w płynie leczniczym firmy Tintelbaum i syn, będziesz żałował, że masz tylko dwie nogi.Jacek Szczerba (Gazeta Wyborcza)
Nieznane fakty, sekrety i rekordowe wygrane! Poznaj kulisy najpopularniejszych teleturniejów i przekonaj się, jak zmieniły oblicze polskiej telewizji. Kilkadziesiąt lat historii, tysiące odcinków, legendarni prowadzący! Od „Wielkiej gry” przez „Koło Fortuny”, „Familiadę” i „Idź na całość” po „Jednego z dziesięciu”, „Jaka to melodia?”, „Gilotynę”, „Milionerów”... i Krzysztofa Ibisza! Wielkie emocje, łut szczęścia, podchwytliwe pytania, jednoznaczne odpowiedzi i szansa na wielkie pieniądze. Prowadzący: Proszę podać wzór na pole prostokąta. Zawodniczka: A kwadrat plus b kwadrat… O Boże! Powiedziałam wzór na obwód! Prowadzący: Niestety pani wzór na obwód również jest nieprawidłowy… Dowiedz się, jak Wojciech Pijanowski poleciał do Stanów Zjednoczonych i zawalczył o prawa do jednego z najwspanialszych teleturniejów w historii Ameryki. Jak wyglądało wprowadzenie zachodnich teleturniejów na polskie ekrany? Co Polacy poprawiali w amerykańskich programach? Czy „Wielka gra” była polskim teleturniejem? Dlaczego kawały Karola Strasburgera zadecydowały o sukcesie „Familiady”, a w „Kole Fortuny” ważniejsze od prowadzącego były asystentki? Czy Krzysztof Ibisz to człowiek instytucja? Dlaczego fragment odcinka „Gilotyny” stał się przebojem internetu i czy to prawda, że „Milionerzy” to najdroższy polski teleturniej? To wszystko i jeszcze więcej w jedynej takiej książce na rynku. Grasz dalej?
Książka Jeana Claira reprezentuje specyficzny, niestandardowy typ refleksji humanistycznej, łączącej narrację eseju, akademickie j rozprawy i polemiki artystycznej o zabarwieniu politycznym. Tekst wręcz tętni erudycją, odwołaniami do poglądów historyków sztuki, filozofów, językoznawców i antropologów od XIX w. do współczesności. Literacki temperament Autora sprawia, że myśli prezentowane są dynamicznie i intrygująco, różnorodne wątki splatają się, dopełniają, czasem konkurują, pozostawiając czytelnikowi pole do refleksji. Książka zawiera specyficzną konstrukcję literacko-intelektualną. Pierwsza lektura ujawnia nam segmenty różnych zagadnień, które mimo pozornej diachronii tworzą zespoły problemowych „jednostek”. Dopiero rozdział czwarty Twarz i morda doprowadza nas do teorii artystyczno-antropologicznej Claira, co z kolei zmusza nas do powtórnego, pogłębionego czytania początkowych rozdziałów, by móc ponownie przemyśleć zarysowane idee.
(Z Posłowia)
Seria HORYZONTY NOWOCZESNOŚCI, tom 130
Gdy Tadeusz Kantor udawał się z początkiem 1947 roku w swoją pierwszą w życiu podróż do Paryża, nie przypuszczał zapewne, że przyjdzie mu się tam zetknąć nie tylko ze sztuką klasycznej awangardy i twórczością aktualną artystów z Europy i obu Ameryk. Wizyty w Palais de la découverte otwarły przed nim świat nowoczesnej nauki i spowodowały głęboki światopoglądowy wstrząs. Książka po raz pierwszy tak dogłębnie – i na podstawie nieznanych wcześniej materiałów źródłowych – analizuje różne aspekty doświadczenia nowoczesnego, jakie stało się udziałem krakowskiego artysty, pokazuje, na czym polegało dotknięcie przez niego „Inferna”, jaką rolę w tych przeżyciach odegrał surrealizm oraz jak to wszystko wpłynęło na własną twórczość i poglądy na świat przyszłego autora Umarłej klasy.
Świetna książka, znacząco uzupełnia naszą wiedzę, proponuje ciekawe strategie interpretacyjne, krytycznie podchodzi do źródeł, wsparta na imponujących lekturach, zmienia obraz sztuki Kantora lat 40-tych ale także późniejszej twórczości. Napisana wartko.
z recenzji prof. Wojciecha Włodarczyka
Wojciech Bałus – ur. 1961, historyk sztuki; studiował też filozofię. Profesor w Instytucie Historii Sztuki Uniwersytetu Jagiellońskiego. Zajmuje się teorią i historią sztuki XIX–XXI wieku, związkami sztuki z filozofią, antropologią kulturową i literaturoznawstwem. Przewodniczący Polskiego Komitetu Narodowego Corpus Vitrearum, członek Polskiej Akademii Umiejętności i członek AICA. Autor książek: Mundus melancholicus. Melancholiczny świat w zwierciadle sztuki (1996), Figury losu (2002), Krakau zwischen Traditionen und Wegen in die Moderne. Zur Geschichte der Architektur und der öffentlichen Grünanlagen im 19. Jahrhundert (2003), Sztuka sakralna Krakowa w wieku XIX: część druga. Matejko i Wyspiański (2007) i Gotyk bez Boga? W kręgu znaczeń symbolicznych architektury sakralnej XIX wieku (Monografie FNP, 2011 – wersja niemiecka: 2016), Efekt widzialności. O swoistości widzenia obrazów, granicach ich odczytywania i antropologicznych aspektach sztuki (2013).
Tematem książki jest relacja film filozofia paradygmat polskiego romantyzmu. Autor uwzględnia uwarunkowania historyczne, a także współzależność filozofii i filmu oraz myśli i filmu. Konfrontuje triadę romantycznego myślenia o egzystencji: melancholia tragizm ironia romantyczna z rozwiązaniami wykorzystanymi przez polskich filmowców. W książce znajdują się interpretacje scen i sekwencji z filmów Kuby Czekaja, Macieja Drygasa, Andrzeja Jakimowskiego, Jana Komasy, Marka Koterskiego, Pawła Pawlikowskiego, Wojciecha Smarzowskiego, Andrzeja Wajdy, Krzysztofa Zanussiego, Edwarda Żebrowskiego i Andrzeja Żuławskiego. Dominującym przedmiotem tych interpretacji jest śmierć, zwłaszcza samobójcza, traktowana jako skrajny przykład zastosowania paradygmatu romantycznego.Książka wykorzystuje prace Marii Janion i polskich filmoznawców: Alicji Helman, Marcina Marona, Andrzeja Zalewskiego. Ważne są w niej odwołania do prac filozofów i filmoznawców aktywnych w obszarze międzynarodowym: Roberta Sinnerbrinka z jego romantyczną film-filozofią, Richarda Allena, Stanleya Cavella, Paula Coatesa, Gillesa Deleuze'a, Daniela Framptona, Bernda Herzogenratha, Johna Mullarkeya, Davida N. Rodowicka, Richarda Rorty'ego.Autor spogląda na paradygmat romantyczny także jako na zjawisko z dziedziny epistemologii. Ważne są dla niego praca wyobraźni, subiektywizm będący kontynuacją romantycznego indywidualizmu i osiągany dzięki ironii romantycznej dystans, który może służyć poznaniu, ale także zakwestionowaniu jego sensu. Daje nową odpowiedź na pytanie, czy paradygmat polskiego romantyzmu może ożywić film polski i wspomóc badania nad nim. A także jak film może zmienić rozumienie paradygmatu i jego roli w kulturze.Krzysztof Kopczyński profesor uczelni w Instytucie Polonistyki Stosowanej Uniwersytetu Warszawskiego, doktor habilitowany sztuk filmowych, doktor nauk humanistycznych (promotorka rozprawy Recepcja Mickiewicza w zaborze rosyjskim w latach 1831-1855 prof. Maria Janion), dokumentalista. Główne zainteresowania naukowe: film polski, film dokumentalny, romantyzm, filozofia filmu, edukacja filmowa i medialna. Reżyser dokumentów Kamienna cisza (2007) i Dybuk. Rzecz o wędrówce dusz (2015) pokazywanych i nagradzanych w kilkudziesięciu krajach. Członek Europejskiej Akademii Filmowej, Polskiej Akademii Filmowej, Stowarzyszenia Filmowców Polskich i Polskiego Towarzystwa Badań nad Filmem i Mediami. ORCID 0000-0002-6702-6374 www.eurekamedia.info
Książka Polaków dzieje malowane to efektowne połączenie albumu z malarstwem i popularnej książki historycznej. Ułożony chronologicznie zgodnie z sekwencją wydarzeń album, jest po prostu ciekawą książką pomagającą każdemu w poznaniu i zrozumieniu historii.48 obrazów historycznych z wielu epok przedstawione zostało na kolorowych ilustracjach w dużym formacie, pozwalającym na dostrzeżenie najdrobniejszych szczegółów namalowanych postaci. Każdy z nich zostało szczegółowo opisany, przy czym niektóre bardzo istotne fragmenty obrazów wykadrowano, powiększono i dodatkowo skomentowano. Specjaliści w dziedzinie historii i historii sztuki szczegółowo omawiają detale stanowiące najciekawsze elementy poszczególnych obrazów.Napisane w ciekawy sposób i uzupełnione 655 ilustracjami i 65 mapami komentarze historyczne uznanych autorytetów w tej dziedzinie przenoszą czytelnika w atmosferę minionych epok, uwypuklają najważniejsze związane z nimi wydarzenia historyczne i ich znaczenie dla polskiej historii. Ilustracje do komentarza historycznego pochodzą z okresu jak najbliższego opisywanemu wydarzeniu, aby czytelnik miał okazję porównać, na ile wiernie malarz odtworzył stroje, uzbrojenie, czy choćby rysy twarzy namalowanych postaci. W ten sposób prezentacja cennych dzieł sztuki polskiej staje się okazją do głębszego wejrzenia w historię naszego kraju.
Crumbling ruins, undead fiends, dark alleys and forests teeming with horrors seen and unseen: the tendrils of the Gothic have crept out of the architecture of churches, mosques and grand houses and into suburban malls, overcrowded cities, the deserted corners of the world and beyond, taking the shape of monsters from Beowulf to Gojira, Cthulhu or the wendigo to our own terrifying, warped reflections. Across time, form and media, this book traces the weaving path of the Gothic from the shadows of history to the very heart of popular culture today.
Punktem wyjścia koncepcji książki Teatr brzydkich uczuć była teoria Sianne Ngai inspirująca do nowych sposobów myślenia o teatrze, przedstawieniach kulturowych i rzeczywistości społecznej. Tom rozpoczyna więc tłumaczenie wstępu do monografii Ngai, w którym autorka przedstawia założenia metodologiczne i charakterystykę brzydkich uczuć negatywnych emocji i afektów.W kolejnych rozdziałach autorki i autorzy analizują różne zjawiska teatralne, performatywne i społeczne, odnosząc się do koncepcji Ngai i do innych teorii afektywnych.Publikację zamyka tłumaczenie wprowadzenia do książki The Promise of Happiness Sary Ahmed. Autorka udowadnia, że szczęście jest znormatywizowanym projektem życiowym, dostępnym tylko niektórym podmiotom. Zgodnie z tą diagnozą brzydkie uczucia mogą być postrzegane jako produkt uboczny zderzenia podmiotów nienormatywnych z rzeczywistością projektowaną przez ideę szczęścia oraz przeszkodą do jego osiągnięcia. Artykuły zamieszczone w Teatrze brzydkich uczuć tworzą zaś nieszczęśliwe archiwum, a ujawnione w nim wstydliwe afekty rozbijają systemy społeczne ufundowane na normatywnej wizji szczęścia i odsłaniają ich przemocowy charakter.Teatr brzydkich uczuć to publikacja świetnie obmyślona, uzupełniająca istotną lukę w rodzimej humanistyce, otwierająca dyskusję, która nakazuje przeprogramować myślenie o związkach łączących emocje, teatr, procesy performatywne i sferę publiczną. Jest rzeczowa i zaangażowana zarazem. Pokazuje, że rozmowa o sztuce nie może obejść się bez analizy afektywnych ram jej powstawania i recepcji.Z recenzji dr Weroniki SzczawińskiejWidzę w Teatrze brzydkich uczuć próbę rekonfiguracji teatralnych hierarchii i wzmocnienie głosów dotąd uciszanych. Nadanie wagi brzydkim uczuciom odbieram jako gest polityczny i emancypujący, dający narzędzia i siłę, by mówić o tym, o czym wcześniej mówić nie wypadało.Z recenzji dra hab. Piotra Morawskiego
The definitive collection of the Joy Division photographs of Kevin Cummins, including interviews with Bernard Sumner, Peter Hook and Stephen Morris.
The iconic images captured by Cummins - from snowy bridges and dark rehearsal rooms to electrifying live performances - helped to define Joy Division and cement their place in music history.
Originally published in an ultra-limited run of just 226 copies, Juvenes is a book with legendary status. Now comprehensively updated with new material and images that have never been published in a book before, this new edition will allow fans to own it for the first time.
Also containing insightful and moving essays from the band's family, contemporaries and fans including David Peace and Pat Nevin, Juvenes is a striking, poignant celebration of a truly special band.
With a foreword by Ian Rankin.
"Whenever I picture Joy Division, it's through Kevin Cummins' camera lens. Never before or since has one photographer captured a band's story so well." - TIM BURGESS
"I first saw Kevin Cummins' photographs of Joy Division when I was a music-obsessed teenager. The stark black and white shots captured perfectly the austere and serious nature of the music. Look at this book and dream a new future into being. God knows we need one." - BOBBY GILLESPIE
Poznali, co to jest radość, ból, dobrobyt, nędza, szacunek i poniżenie, fałsz i anielskie tony… To oni, trzej wielcy kompozytorzy: J. Haydn, W.A. Mozart i L. van Beethoven. Nazywamy ich klasykami wiedeńskimi, mimo że żaden z nich nie urodził się w Wiedniu. Wiedzieli, że tworzą ponadczasowe dzieła, ale nie marzyli o wykonywaniu ich w odległych dla nich przyszłych czasach telewizji, dronów, komputerów, lotów w kosmos i elektrycznych samochodów. Muzycy, malarze, rzeźbiarze, pisarze i poeci będą z nami zawsze, bo ich życie, tak jak i nasze, składa się z ciemnych i jasnych barw, z pięknych i fałszywych dźwięków. Artyści w swoich pracach potrafią przekazać problemy epoki, w której żyją. Drodzy Czytelnicy, czytajcie wiersze, zastanawiajcie się nad wizjonerskimi pracami Leonarda da Vinci, słuchajcie i grajcie utwory klasyków wiedeńskich.
Maria Strzykowska
pedagog, muzyk, wychowawca młodzieży, kompozytorka i autorka książek: „Nutaczek w Krainie Melodii”, „Cybernuty wylądowały”, „Muzyczne portrety imion”, podręczniki do nauki gry na fortepianie – „Jak Zosia została pianistką” cz. I i II, „Muzyczne opowieści o zawodach”, „Fryderyk Chopin genialny pianista i kompozytor”, „Jan Sebastian Bach i jego synowie”. Powstały też dwie książki o moim hobby – „Serwety na drutach” i „Oczka i druty bez tajemnic”. Naukę gry na skrzypcach i fortepianie rozpoczęłam, mając 6 lat. Całe moje życie związane jest z muzyką, młodzieżą i pisaniem książek, które powstają dla wspaniałych, uzdolnionych muzycznie osób. Co lubię? Kwiaty, podróże, spotkania z ciekawymi ludźmi, muzykę Chopina, Mozarta, Beethovena, Joplina, ciepło, błękitne niebo, palmy. Podziwiam Leonarda da Vinci i ludzi oddanych muzyce i sztuce.
Praca koncentruje się na popularyzacji wiedzy oraz promocji badań własnych poprzez edukacyjno-artystyczną konceptualizację (od inspiracji do kreacji) odnoszoną do osobistych doświadczeń dydaktycznych, naukowych i warsztatowo-artystycznych w kontekście zmieniających się wyzwań edukacyjnych i estetycznych. Rozważania autorów dotyczą konceptualizacyjnego postępowania w takich obszarach integracji pedagogiki i sztuki (estetyki), jak: (1) opisanie własnych działań pedagogicznych, artystycznych lub pedagogiczno-artystycznych, (2) rozpoznanie metodologiczne opracowanych płaszczyzn poznawczo-badawczych, różnicujących i integrujących konceptualizację w pracy artystów i pedagogów, (3) opisanie procesu twórczego w kontekście wyzwań edukacyjnych i artystycznych.
Zrozumienie twórczych procesów własnych działań poznawczych i badawczych, uwspólnianych praktyką pedagogiczną i artystyczną, prowadzi do społecznej i kulturowej refleksji nad sobą, którą wzbogaca się w pracy naukowej poprzez kontakt z „materiałem” badań własnych. W książce znajdziemy przemyślenia odnoszące się do teorii konferencji, myślenia algorytmicznego i receptywnego, fenomenu marzeń po skupieniu, kreacji, mody i edukacji, edukacyjnej funkcji architektury, stylu, awangardowych form relacji wirtualnych, transformacji systemowej, pragmatycznej organizacji sztuki (w) edukacji, kształcenia językowego, kreatywności języka, heurystyki w nauczaniu literatury obcej, kształcenia muzyczno-matematycznego oraz tożsamości wychowania i malowania.
Ten produkt jest zapowiedzią. Realizacja Twojego zamówienia ulegnie przez to wydłużeniu do czasu premiery tej pozycji. Czy chcesz dodać ten produkt do koszyka?
