Publikacja skupia się na historii instytucji, dla której osią pozostaje Międzynarodowa Kolekcja Sztuki Nowoczesnej grupy a.r.Publikacja Muzeum Sztuki w Łodzi. Monografia. Tom 1 skupia się na historii instytucji, dla której osią pozostaje Międzynarodowa Kolekcja Sztuki Nowoczesnej grupy a.r., pokazana po raz pierwszy publiczności w Miejskim Muzeum Historii i Sztuki im. J. i K. Bartoszewiczów 15 lutego 1931 roku. Książka pokazuje kolejne węzłowe punkty w historii instytucji, pozwala przyjrzeć się zarówno jej przedwojennemu (rozdział 1), jak i powojennemu (rozdział 2 i 3) rozwojowi.Składają się na nią eseje badawcze ukazujące historię muzeum w szerszym, historycznym, politycznym i społecznym kontekście, napisane przez wybitnych specjalistów z dziedziny historii sztuki i teorii kultury, takich jak: Nawojka Cieślińska-Lobkowicz, Paulina Kurc-Maj, prof. Marta Leśniakowska, dr hab. Iwona Luba, Marta Madejska, dr Magdalena Moskalewicz, dr Adam Mazur, Daniel Muzyczuk, Paweł Polit, Konrad Schiller, dr hab. Andrzej Szczerski, dr Marcin Szeląg, Agnieszka Szewczyk, Agnieszka Taborska, dr Magdalena Ziółkowska.Książka zawiera również niejednokrotnie publikowane po raz pierwszy - teksty źródłowe, oddające głos protagonistom historii muzeum, takim jak: Marian Minich (dyrektor w latach 19351965), Jan Brzękowski (członek grupy a.r., współtwórca Międzynarodowej Kolekcji Sztuki Nowoczesnej) czy Ryszard Stanisławski (dyrektor w latach 19661990). Kolejni dyrektorzy: Jaromir Jedliński (dyrektor w latach 19911996), Nawojka Cieślińska-Lobkowicz (dyrektor w 1996 roku) i Mirosław Borusiewicz (dyrektor w latach 19972006) w 2013 roku odpowiedzieli na pytania redaktorek publikacji o realizowane przez nich wizje rozwoju placówki, sposoby pracy z kolekcją i problemy muzealnej praktyki.W publikacji znajdują się także projekty artystyczne Jadwigi Sawickiej i Agnieszki Piksy, rozwijające ich prace przygotowane na wystawę Oczy szukają głowy do zamieszkania, dla których punktem wyjścia były teksty Katarzyny Kobro i Władysława Strzemińskiego, a także projekt Marysi Lewandowskiej, która kontynuuje pracę rozpoczętą w 2009 roku w ramach projektu Czułe Muzeum (będącego częścią projektu Tytuł roboczy: archiwum), tym razem dialogując z Ryszardem Stanisławskim. Narrację proponowaną w książce uzupełniają materiały archiwalne, takie jak nigdy nie publikowane dokumenty, listy, wycinki prasowe, plakaty, okładki katalogów oraz obszerny wybór fotografii, które ilustrują poszczególne artykuły.Książka jest próbą uzupełnienia stanu badań na temat punktów węzłowych w historii muzeum w oparciu o często nieznane wcześniej materiały, a także aktualne narzędzia.
Niniejszy tom powstał z potrzeby przemyślenia i poddania refleksji aktualnej działalności Muzeum Sztuki w Łodzi.Niniejszy tom powstał z potrzeby przemyślenia i poddania krytycznej refleksji aktualnej działalności Muzeum Sztuki w Łodzi. O jej skomentowanie w pierwszej kolejności zostało poproszonych sześciu artystów oraz jeden filozof.Ich wypowiedzi stały się następnie punktem wyjścia do rozważania nad misją i praktyką łódzkiej instytucji prowadzonych przez kuratorów muzeum oraz zaproszonych badaczy. W efekcie powstała publikacja gromadząca wypowiedzi o zróżnicowanym charakterze, spajane jednak jednym wspólnym pytaniem: jak za pomocą współczesnych praktyk artystycznych i instytucjonalnych przepracowywać i skutecznie rozwijać wiodące idee nowoczesności.Redaktorzy tomu postawili w tym samym stopniu na intuicję i wyobraźnię, co na czysto intelektualny namysł - i to właśnie czyni z niniejszej książki wydarzenie. Jeśli tom ten będzie wyznaczał standardy kompleksowego podejścia do przeszłości, to nasze instytucje kulturalne faktycznie będą miejscami proponującymi widzom poszerzanie perspektyw i osobisty rozwój.dr hab. Anna Markowska
W książce tej autorzy koncentrują się na związkach pomiędzy twórczością artystów wizualnych i twórców muzyki alternatywnej w Europie Wschodniej w latach 1968-1994Projekt Notatki z podziemia śledzi bliskie i często dynamiczne związki pomiędzy artystami wizualnymi i muzykami w Europie Wschodniej w okresie rządów komunistycznych. Przedstawiciele pełnych wigoru kultur, jakie rodziły się na styku sztuki i muzyki, wierzyli często naiwnie - że stanowią alternatywę dla popularnych gustów i społecznych konwencji. Czasami musieli zmagać się z cenzurą i zakazami, gdyż władze z podejrzliwością traktowały wszelką odmienność. Rock w latach 70 a później punk i nowa fala były tyleż stylami muzycznymi, co formami estetycznej wrażliwości i jako takie inspirowały nowatorskie rozwiązania w dziedzinie plastyki, filmu i literatury a także charakterystyczne style życia.
Album wydany w związku z wystawą Cezary Bodzianowski - To miejsce nazywa się Jama. Pierwsza tak obszerna publikacja prezentująca twórczość artysty.Teatr, bez afiszy. Jednoosobowy. Traktujący miasto jak wielką scenografię, w której publiczność staje się nie odbiorcą, lecz elementem spektaklu. Twórczość Cezarego Bodzianowskiego to oryginalna artystyczna kreacja, realizowana konsekwentnie przez lata a publikacja Cezary Bodzianowski - To miejsce nazywa się jama to pierwszy tak obszerny katalog prezentujący twórczość artysty.Publikacja jest albumem fotograficznej dokumentacji efemerycznych zdarzeń, delikatnie ingerujących w bieg codziennego życia. Katalog uzupełnia cześć teoretyczna. Znalazł się w niej tekst Catherine Wood, analizującej, jak Bodzianowski przekształca prozaiczne sytuacje w momenty nierzeczywiste. Jarosław Suchan zauważa w jego twórczości kontynuację awangardowej myśli, która artystycznym priorytetem uczyniła nie tworzenie obrazu, lecz udział w kreowaniu rzeczywistości. Natomiast Suzan Titz opisuje, jak na sztukę polskiego artysty wpłynęły inspiracje wyniesione z wielu lat spędzonych w Antwerpii i ze spotkań z twórczością Magritte'a, Broodthaersa, surrealistów i konceptualistów.
Publikacja w retrospektywnym ujęciu przybliża artystyczną aktywność Krzysztofa Wodiczki, przede wszystkim wszelkie jego działania na rzecz marginalizowanych grup i demokracji a także projekty sprzeciwiające się wojnie.Publikacja Krzysztof Wodiczko. Na rzecz domeny publicznej w retrospektywnym ujęciu przybliża artystyczną aktywność Krzysztofa Wodiczki oraz inne jego działania na rzecz marginalizowanych grup i demokracji w tym projekty sprzeciwiające się wojnie.Krytyczny i utopijny wymiar jego sztuki jest tematem otwierającego katalog, obszernego wywiadu z artystą, przeprowadzonego przez Bożenę Czubak. Szerszy kontekst jego działań znajduje omówienie w tekstach wybitnych badaczy kultury wizualnej: Toma Ecclesa, Piotra Piotrowskiego i Rosalyn Deutsche.Na drugą część katalogu składa się rozbudowana dokumentacja, prezentująca działania artysty od 1968 do 2014 roku. W części tej opisane i zilustrowane zostały najważniejsze akcje w przestrzeni miejskiej, projekty i realizacje Pojazdów oraz Instrumentów począwszy od wczesnych prac z radykalną analizą języka artystycznego i roli artysty, poprzez pionierskie działania w zakresie sztuki publicznej, aż po antywojenne projekty z ostatnich lat, inicjujące dyskusje na temat potrzeby zanegowania tego sposobu rozwiązywania konfliktów.
Publikacja zgłębiająca twórczość Ewy Partum - prekursorki sztuki konceptualnej, feministycznej i krytycznej w Polsce. Znajdziemy tu artykuły próbujące uchwycić fenomen jej sztuki a także dokumentację prac artystki.Ewa Partum jest prekursorką sztuki konceptualnej, feministycznej i krytycznej w Polsce, autorką akcji i instalacji w przestrzeni publicznej, performansów, filmów, fotografii oraz poezji wizualnej.W dwujęzycznej publikacji Nic nie zatrzyma idei sztuki twórczość Partum została przedstawiona w problemowym ujęciu w tekstach: Jean-Franois Chevriera, Karoliny Majewskiej, Doroty Monkiewicz i Ewy Majewskiej oraz w wywiadzie z artystką przeprowadzonym przez kuratorkę wystawy Nic nie zatrzyma idei sztuki, Marię Morzuch. Obok artykułów próbujących uchwycić fenomen sztuki Ewy Partum, w publikacji znalazła się także obszerna dokumentacja prac artystki oraz jej indywidualnej wystawy, która miała miejsce w Muzeum Sztuki w Łodzi na przełomie 2014 i 2015 roku.
Publikacja zawiera eseje artysty dotyczące jego własnej twórczości oraz komentarze do założeń twórców z lat 70-ych i 80-tych, tworzących w duchu minimalizmu i konceptualizmu.Pierwszy tom publikacji towarzyszącej wystawie Robert Morris Uwagi o rzeźbie zawiera eseje autorstwa samego artysty, dotyczące jego własnej twórczości oraz komentarze do założeń artystów z lat 70-tych i 80-tych, tworzących w duchu minimalizmu i konceptualizmu. Nieznane dotąd w Polsce teksty przedstawiają Morrisa nie tylko jako wpływowego artystę, ale i myśliciela. W książce znalazły się również niepublikowane wcześniej teksty krytyczne z lat 90-tych.
Publikacja zawiera materiały z konferencji poświęconej życiu i twórczości Władysława Strzemińskiego
Publikacja zawiera materiały z konferencji poświęconej życiu i twórczości Władysława Strzemińskiego, zorganizowanej przez Muzeum Sztuki w Łodzi z okazji setnej rocznicy urodzin artysty, która odbyła się w dniach 26 - 27 listopada 1993 roku w Państwowej Wyższej Szkole Sztuk Plastycznych w Łodzi.
Książka zawiera między innymi teksty: Fizjologia oka A. Turowskiego, Czas i przestrzeń w malarstwie unizmu i współczesnych mu kierunków W. Kemp-Welcha, Jeszcze o danych przyrodzonych i nadprzyrodzonych malarstwa, czyli rzecz o ciele artysty M. Tchorka
Publikacja jest pokłosiem wystawy pod tym samym tytułem, oraz konferencji pod tytułem Jak myśli ciało? Cielesno-ruchowe praktyki doby modenizmu"". Autorzy tekstów zawartych w tomie stawiają pytania o cielesne i ruchowe doświadczenie nowoczesności w kontekście praktyk artystycznych i społecznych.Publikacja jest pokłosiem wystawy pod tym samym tytułem, która odbyła się w Muzeum Sztuki w Łodzi na przełomie 2016 i 2017 roku oraz konferencji pod tytułem Jak myśli ciało? Cielesno-ruchowe praktyki doby modernizmu (3-4 grudnia 2016), współorganizowanej przez prof. Małgorzatę Leyko z Instytutu Kultury Współczesnej Uniwersytetu Łódzkiego.Publikację otwiera esej wizualny dokumentujący wystawę (której scenografię opracowała Karolina Fandrejewska) i performanse, które odbyły się w jej ramach, a także przewodnik opisujący artystyczne (czy szerzej: kulturowe), społeczne i polityczne wątki, których dotykała wystawa. Kolejne teksty tomu ukazują globalną (prof. Susan Manning) i lokalną (Hanna Raszewska) trajektorię rozwoju tańca modern, zagadnienia percepcji i recepcji tańca w kontekście praktyk scenicznych Republiki Weimarskiej (dr Kate Elswit), kinestetyczny wymiar relacji nauk przyrodniczych i technologii w początkach XX wieku (prof. Inge Baxmann), cielesne aspekty myślenia, wyznaczające nowe ścieżki rozważań o historii kobiet (prof. Felicia McCarren), społeczne funkcje rytmu w tanecznych praktykach i teoriach modernizmu (dr hab. Wojciech Klimczyk), taniec jako pracę w kontekście politycznym i filozoficznym (prof. Mark Franko), relacje praktyk tańca modern i wczesnych faz ruchów feministycznych (Julia Hoczyk). Tom zamykają teksty dopełniające kluczowe wątki wystawy: tłumaczenie artykułu prof. Nell Andrew, która na przykładzie twórczości Akarovej (belgijskiej tancerki i choreografki) opisuje relacje sztuk wizualnych, tańca, teatru, architektury i muzyki, a także tekst Małgorzaty Jędrzejczyk o relacjach przestrzeni i ruchu ciała w twórczości rzeźbiarskiej i teoretycznej Katarzyny Kobro.Wystawa, konferencja, a także niniejsza książka stawiają pytania o cielesne i ruchowe doświadczenie nowoczesności w kontekście praktyk artystycznych i społecznych. Oddając książkę w Państwa ręce, mam nadzieję na ożywienie dyskusji na temat kinestetycznych uwarunkowań modernistycznego projektu, a także wpisanie praktyk tanecznych i choreograficznych w szerszy horyzont rozważań na temat sztuki nowoczesnej.
Książka ukazuje najróżniejsze sfery działań włoskiego futurysty, jednego z najważniejszych artystów międzynarodowej awangardy, malarza, rzeźbiarza, scenotechnika, architekta, grafika.Katalog prezentuje Prampoliniego jako prawdziwie wszechstronnego artystę, człowieka teatru, w którego świadomości i działalności w jakiejkolwiek ze sztuk pojawia się w tle cała sztuka.Poszczególne teksty przygotowane do ogłoszenia wyszły spod pióra wytrawnych autorów, poruszających się swobodnie w zakresie wybranej problematyki, niekiedy są to autorzy szeroko znani w świecie, by wymienić tylko bodaj najsławniejszych, jak Gnter Berghaus, Maria Elena Versari, Giovanni Lista czy David Rifkind, który pisze o Prampolinim jako architekcie. [] Wedle mojego zdania nie zabrakło ani jednego naprawdę ważnego problemu wyznaczonego przez tytuł wystawy i katalogu.Z recenzji prof. dr. hab. Lecha SokołaChoć książka ukazuje różne sfery działań artystyczno-architektonicznych Prampoliniego, to autorzy koncentrują się przede wszystkim na zagadnieniach związanych z oddziaływaniem futuryzmu na teatr jego estetykę, (sceno)technikę i kształtowanie przestrzeni. Drugim istotnym znaczeniem recenzowanej książki jest szerokie ukazanie wpływu, jaki na polski teatr wywarł za sprawą Prampoliniego włoski futuryzm. To, co dotychczas wydawało się w naszym teatrze międzywojnia zjawiskiem marginalnym i incydentalnym, zostało ukazane jako silna formacja awangardowa, w zdecydowany sposób kształtująca awangardowe myślenie o technice i przestrzeni scenicznej. Dopełnieniem tomu są dwa publikowane po raz pierwszy w języku polskim teksty Enrico Prampoliniego oraz wspomnienia Jalu Kurka i Jana Brzękowskiego ze spotkań z artystą. Nieocenionym uzupełnieniem książki są bogate materiały ikonograficzne, z których zdecydowana większość jest publikowana [w Polsce] po raz pierwszy.Z recenzji prof. dr hab. Małgorzaty Leyko
Angielskojęzyczna wersja przewodnika po stałej ekspozycji muzealnej.Publikacja będąca swego rodzaju elementarzem przewodnikiem po stałej ekspozycji muzealnej. Hasła przedmiotowe, uporządkowane alfabetycznie, opisują zarówno prace znajdujące się w kolekcji Muzeum, jak i pozwalają czytelnikowi osadzić je w kontekście sztuki współczesnej oraz historii samego Muzeum. Ograniczone do minimum informacji biogramy artystów kierują uwagę odbiorcy ku dziełu i jego interpretacji. Ilustrowany zdjęciami tekst, przejrzysta struktura oraz poręczny format publikacji sprawiają, że może ona służyć także jako przewodnik po kolekcji.
Pierwsza wydana w Polsce tego typu publikacja całkowicie poświęcona improwizacji. Jedna z nielicznych skoncentrowanych na zagadnieniach tańca współczesnego.Przyjdźcie, pokażemy Wam, co robimy. O improwizacji tańca to pierwsza wydana w Polsce publikacja całkowicie poświęcona improwizacji i jedna z nielicznych koncentrujących się na zagadnieniach tańca współczesnego. Antologia dwudziestu pięciu tekstów (po raz pierwszy tłumaczonych na język polski lub opracowanych na potrzeby publikacji) jest próbą ukazania tematu w sposób wielowymiarowy, poprzez uwzględnienie kontekstu filozoficznego, kulturowego i społecznego.W książce znajdują się teksty Simone Forti, Nancy Stark Smith, wykorzystane w solowej improwizacji teksty Yvonne Rainer. Steve Paxton i Sally Banes opisują działania Grand Union, którą traktują jako studium przypadku do zbadania zjawiska improwizacji grupowej. Susan Leigh Foster omawia zagadnienie społecznego-kulturowego kontekstu improwizacji tanecznej w Stanach Zjednoczonych. W książce uwzględnione zostały także teksty filozoficzne, które naświetlają fundamentalne aspekty improwizacji, takie jak uprzestrzennienie ciała, rozumianego nie jako narzędzie umysłu, ale jako ciało myślące (Jean-Luc Nancy) czy niepewność wpisaną w etyczną przestrzeń otwartości, w której decyzja pojawia się jako proces, a nie jako zgodność i stałość (Michael Anker). Uznanie intymnego charakteru za jedną z najważniejszych wartość sztuki XXI wieku postuluje Brian Holmes w Manifeście afektywistycznym. Alain Badiou traktuje Taniec jako metaforę myślenia, podkreślając tym samym uwalniający wymiar tego ostatniego. Gilles Deleuze w tekście Co to jest akt twórczy? omawia istotę tworzenia jako zdolności do uosabiania, performowania i transponowania aktów oporu wobec zastanej rzeczywistości. Peggy Phelan w Ontologii performansu odkrywa w ulotności tej sztuki jej zdolność do sprzeciwiania się reprodukcji reprezentacji. Powyższe rozważania uzupełniają teksty polskich autorów, omawiając takie problemy jak: percepcja i odczuwanie improwizacji (Gabriela Karolczak), trud próby i wypróbowywania (Juliusz Grzybowski), fenomenologiczny podmiot (Zofia Maria Cielątkowska).
Teksty badaczy sztuki zawarte w publikacji sytuują doświadczenie nowoczesności w perspektywie filozofii Waltera Benjamina.Teksty teoretyków i badaczy sztuki zawarte w publikacji sytuują doświadczenie nowoczesności w perspektywie filozofii historii Waltera Benjamina. Jak zaznacza recenzent publikacji profesor Andrzej Szczerski, książka znakomicie pokazuje, w jakim stopniu propozycje Benjamina kontestujące kult postępu i racjonalizacji, a szukające związków między teraźniejszością i historią, pozwalają z dzisiejszej perspektywy docenić projekt `nowoczesności`.Wszystkie teksty zamieszczone w tomie wykorzystują wieloznaczną figurę konstelacji, między innymi w celu rekonfiguracji historycznych źródłowych materiałów, tak aby lepiej zrozumieć przeszłość. Dziś, kiedy jesteśmy świadomi rozpadu modernistycznych idei, stawką staje się ich ocalenie pomimo rozczarowań, katastrof i utopijnego charakteru, jaki posiadają.
Publikacja jest zbiorem esejów o kolekcjach i ich twórcach a także tekstów relacjonujących historię dzieł zgromadzonych w Muzeum Pałacu Herbsta.Symbol statusu, inwestycja, pasja czy nałóg czym dla kolekcjonera są jego zbiory? Według Waltera Benjamina kolekcjonowanie jest szczególnym rodzajem doświadczenia - utopijnym, sentymentalnym i bardzo intymnym. Czy w takim razie kolekcjoner może być typem bohatera romantycznego?Sztuka Nie-dawna to zbiór różnorodnych esejów o kolekcjach, ich twórcach i roli w społeczeństwie. Znajdziemy w nim między innymi opowieść o tym, jak zbiory krakowskiego rodu Bartoszewiczów pozostały w Łodzi i refleksję o kolekcjonerskich pasjach łódzkiej burżuazji czy sztukę traktowano jak narzędzie szybkiej nobilitacji, czy jednak inwestowano w nią z bardziej intrygujących powodów? Jest też analiza procesu przekształcania się kolekcji prywatnych w dobro narodowe. Wreszcie teksty relacjonujące zawiłe losy obrazów z łódzkich zbiorów Muzeum Pałacu Herbsta.
Obszerne opracowanie historii Galerii Wschodniej, jednej z najdłużej działających w Polsce niezależnych autorskich przestrzeni sztuki.Książka ""Galeria Wschodnia. Dokumenty 1984-2017 / Documents 1984-2017"" stanowi monumentalne opracowanie historii jednej z najdłużej działających w Polsce autorskich przestrzeni sztuki. Galeria Wschodnia to ważny przykład samoorganizacji artystów oraz ośrodek, którego historia jest symptomatyczna dla przemian w ruchu galerii niezależnych. To węzłowe miejsce na mapie polskiej sztuki ujawnia również jak wiele odcieni może mieć pojęcie niezależności.Galeria Wschodnia powstała w 1984 roku z inicjatywy miedzy innymi Jerzego Grzegorskiego i Adama Klimczaka, którzy przejęli mieszkanie przy ulicy Wschodniej 29 od Trupy Arlekina i Pantalona, prowadzonej przez Jarosława Orłowskiego, Piotra Bikonta i Wojciecha Czajkowskiego. Miejsce, gdzie pierwotnie przecinały się różne formy twórczości, a na porządku dziennym były próby teatralne, sesje free jazzowe i działalność polityczna, stało się od połowy lat osiemdziesiątych ważnym punktem dla sztuki niezależnej. Galeria i jej twórcy byli również zaangażowani w ważne inicjatywy artystyczne odbywające się w Łodzi, takie jak kolejne Konstrukcje w Procesie czy Muzeum Artystów. Wiodącymi w ramach jej programu formami artystycznymi były instalacje i performanse, co wyraźnie wskazuje na strategię poszerzenia autonomii artysty. Galerie autorskie w końcu zakładano właśnie po to, aby całą władzę nad warunkami prezentacji sztuki oddać jej twórcom.Główną cześć książki stanowi detaliczne studium autorstwa Tomasza Załuskiego skupione na działalności galerii na szerokim planie sytuacji innych, pokrewnych ośrodków i organizacji. Można w niej również znaleźć zestaw archiwalnych tekstów związanych ze Wschodnią, które napisali: Jerzy Busza, Jolanta Ciesielska, Maciej Cholewiński, Adam Klimczak, Maria Morzuch i Józef Robakowski. Treść uzupełniają materiały związane z jubileuszową wystawą galerii, która odbyła się w Muzeum Sztuki w 2014 roku oraz kalendarium i obszerne archiwum fotograficzne, które daje wyobrażenie o różnorodności form artystycznych, które gościły na Wschodniej.Wydawcą książki jest Galeria Wschodnia / Fundacja In Search Of..., a współwydawcą Muzeum Sztuki w Łodzi. Publikacja została dofinansowana przez Urząd Miasta Łodzi w ramach Programu Wydawniczego.
Mirosław Bałka (ur. 1958 w Warszawie) jest jednym z najważniejszych artystów swojego pokolenia. Katalog Mirosław Bałka: Nerw. Konstrukcja dokumentuje wystawę pod tym samym tytułem - pierwszy tak obszerny, przekrojowy pokaz jego dzieł. Pokazano na niej prace powstałe na przestrzeni ponad trzech dekad, od szkolnych rysunków, poprzez rzeźby z różnych okresów twórczości, po współczesne realizacje stworzone specjalnie do historycznych wnętrz Muzeum Sztuki w Łodzi. Wiele z nich prezentowanych było publiczności po raz pierwszy. Publikacja zawiera teksty Marty Dziewańskiej, Zbigniewa Mikołejki, Allegry Pesenti i Kasi Redzisz. Autorzy analizują prace zebrane na wystawie, wyznaczając dla twórczości Bałki nowe konteksty interpretacyjne. Ich esejom towarzyszy fotograficzna dokumentacja wystawy.
Dokładnie przed wiekiem, jesienią 1917 roku, miały miejsce dwa wydarzenia o ogromnym znaczeniu dla rozwoju awangardowej myśli w Polsce i w Holandii. W październiku tego roku w holenderskiej Lejdzie światło dziennie ujrzał pierwszy numer pisma De Stijl, swoistej platformy, która w rozwoju tzw. Nowej Sztuki odegrała rolę niebywale ważną. Ledwie miesiąc później, w oddalonym o ponad tysiąc kilometrów Krakowie otwarto I Wystawę Ekspresjonistów Polskich, dziś uznawaną za symboliczny zaczątek awangardy polskiej. Wówczas wydarzenia te nie miały ze sobą zbyt wiele wspólnego, niemniej ów zbieg okoliczności nabiera wyjątkowego znaczenia w obliczu wzajemnych kontaktów oraz wpływów, jakie z czasem narodziły się pomiędzy polskimi i holenderskimi awangardowymi ugrupowaniami i ich przedstawicielami. (Fragment tekstu dr. Michała Wenderskiego)Niniejsza książka jest pierwszą tak szeroko analizującą związki polskiego designu awangardowego i twórczości De Stijl. Znajdują się w niej obszerne eseje prof. Marka Wieczorka, dr. Michała Wenderskiego i dr. Szymona Piotra Kubiaka, dotyczące wpływu grupy De Stijl na design europejski, a zwłaszcza na awangardę i projektowanie w Polsce. Eseje uzupełnione są przedrukami wybranych tekstów źródłowych. Część katalogowa zawiera materiał archiwalny, odzwierciedla kształt wystawy o tym samym tytule, a zarazem jest przeglądem najbardziej istotnych przykładów twórczości holenderskiego i polskiego środowiska.
Książka będąca również dokumentacją wystawy jest efektem długotrwałych badań postrzegających sztukę jako jeden ze środków wyrażania rytmu.Muzeum Rytmu to projekt, w wyniku którego powstała wyjątkowa teoretyczno-abstrakcyjna instytucja. Rytm stał się w niej narzędziem badania fundamentów nowoczesności oraz zmysłowej struktury czasu w doświadczaniu codzienności. Wykraczając poza progi muzeum sztuki, projekt zestawiał sztukę współczesną i nowoczesną z badaniami etnograficznymi, kinem, muzyką i instrumentarium naukowym, aby wprawić w rezonans aparat krytyczny i umożliwić przeprowadzenie ćwiczeń z analizy rytmu.Niniejsza książka oraz dokumentowana przez nią wystawa są efektem długotrwałych badań, które postrzegają sztukę jako jeden ze środków realizowania ideologii rytmu. Na ekspozycji pokazane były przedmioty, filmy i dokumenty związane z historią rozwoju sposobów mierzenia czasu, narzędziami do monitorowania pracy, choreografią i muzyką, które od wieków pozwalają człowiekowi doświadczać coraz bardziej złożonych rytmów.Książka zawiera dokumentację wystawy oraz eseje i teksty, których autorami są: Lawrence Abu Hamdan, Erick Beltrn, Robert Brain, Francisco Camacho Herrera, Natasha Ginwala, Robert Horvitz, Ken Jacobs, Elisabeth Lebovici, Ernst Mach, Angela Melitopoulos, Daniel Muzyczuk, Nana Oforiatta-Ayim, Jean Painlev, Forrestine Paulay, Kathleen Rivera, Simon Schaffer, Georg Simmel, Wadada Leo Smith, Stephen Willats i Jason Young.
Publikacja porusza problematykę relacji sztuki awangardowej i instytucji państwa ukazując ją w szerokiej perspektywie czasowej od lat międzywojennych po czas transformacji ustrojowej w 1989 roku i szerokiej perspektywie geograficznej - Polska i kontekst krajów sąsiednich: Niemiec, Litwy, Czechosłowacji i Węgier.Zaletą wystawy i publikacji jest samo podniesienie problematyki relacji awangardy i instytucji państwa, ukazanych w szerokiej perspektywie czasowej (od lat międzywojennych po czas transformacji ustrojowej 1989) oraz geograficznej (Polska i kontekst krajów sąsiednich Niemiec, Litwy, Czechosłowacji, Węgier), dla przedstawienia którego pozyskano pochodzących z tamtych krajów autorów (Wiktor Liutkus, Pavlna Morganov, Viktoria Popovics). Jest to problem nadal bardzo słabo zbadany, podlegający wielu stereotypowym sądom, podległy wobec politycznych poglądów i emocji. [] [Publikacja] wnosi wiele nowych ustaleń, punktów widzenia i interpretacji do obrazu relacji sztuki awangardowej i instytucji państwa. Bardzo ważną zaletą jest przełamanie badawczego polonocentryzmu, a także wejście na pola leżące poza zainteresowaniem historii sztuki (np. artyści ludowi, zarobki artystów).Fragment recenzji prof. dr hab. Marii Poprzęckiej
Dogłębne opracowanie tematu zależności między doświadczeniem I wojny światowej a sztuką nowoczesną. Zebrane tu eseje podejmują zagadnienie odniesień do wojny w sztuce i stosunku artystów do wojny w szerszej perspektywie.I wojna światowa, określana już w okresie międzywojennym mianem Wielkiej Wojny to pierwszy konflikt zbrojny, który ogarnął większość terytorium Europy, a jego skutki odczuwalne były daleko poza tym kontynentem. Stała się wydarzeniem przełomowym w historii świata: wyznaczyła koniec belle poque, a jej długofalowym rezultatem były trwałe do dziś widoczne globalne zmiany polityczne, społeczne i kulturowe. Miała ona, jak uważano, stanowić granicę pomiędzy XIX-wiecznym romantyzmem i epoką swoistej niewinności a pozbawionym iluzji i wyalienowanym światem wieku XX. Wielka Wojna ujawniła, jakie mogą być konsekwencje nowoczesności i potwierdziła charakter zachodzących wówczas zmian kulturowych oraz kierunek poszukiwań przedwojennej awangardy.Wystawa prezentowana w Muzeum Sztuki i książka, którą oddajemy w ręce czytelników, pokazują obecną w sztuce nowoczesnej pamięć I wojny światowej. Pamięć, która nie wszędzie miała ten sam charakter. W twórczości wielu artystów wojna odegrała kluczową rolę, zarówno poprzez swą totalność, jak i rozpędzenie machiny nowoczesnościb nie tylko w jej aspektach politycznych, ale i technologicznych, kulturowych oraz społecznych. I wojna światowa zmieniła bowiem wszystko i w sposób najradykalniejszy z możliwych zrywała z dotychczasową historią.Niniejsza publikacja jest pierwszym w Polsce szerokim opracowaniem tematu zależności między doświadczeniem Wielkiej Wojny a sztuką nowoczesną. Zebrane w niej eseje podejmują zagadnienie odniesień do wojny w sztuce i stosunku artystów do wojny w szerszej perspektywie.
Ten produkt jest zapowiedzią. Realizacja Twojego zamówienia ulegnie przez to wydłużeniu do czasu premiery tej pozycji. Czy chcesz dodać ten produkt do koszyka?
