Heavily illustrated, this catalogue explores the role of the automobile as both object and subject in interwar France, a period of exceptional creativity, innovation, and turbulence. Expansive and interdisciplinary, Roaring illuminates the rich creative ecosystems that nourished this golden age oft French automotive design.
Die Freundschaft zwischen Jean Cocteau und Pablo Picasso gehört zu den Gründungsmythen der Kunst des 20. Jahrhunderts. 100 Jahre nach ihren Anfängen widmet sich das Picasso Museum in Münster dieser kaum einen Bereich der Kunst unberührt lassenden Welt des kreativen Miteinanders in den Ateliers, Cafés und auf den Bühnen des Montparnasse.
Vielbegabt und einander herausfordernd: Mit Picasso und Cocteau trafen sich zwei durch und durch komplementäre Künstlernaturen, der eine von unbändiger bildnerischer Energie, poetisch reflektierend der andere. Es sind diese beiden Künstler, die mit ihrem Sinn für das Magische im Realen den Gegenpol zu den Surrealisten bildeten. In Dichtung, Tanz, Bühne, Bild, Zeichnung, Grafik, Keramik, Plastik, Film, Buchgestaltung und oft in gemeinsamen Projekten lebten sie ihr gestaltendes Weltverständnis aus.
Der Katalog nimmt anschaulich und repräsentativ diese Themenvielfalt auf und öffnet dafür die Schätze einer exquisiten Privatsammlung.
Picasso befasste sich ab den 50er Jahren intensiv mit dem Linolschnitt und verhalf ihm damit zu einer Renaissance, nachdem er lange Jahre als vernachlässigte künstlerische Technik galt.
Der vorliegende Katalogband zu der vom Kunstmuseum Pablo Picasso Münster konzipierten Ausstellung beschreibt Picassos unkonventionellen Umgang mit dem Druckverfahren und erzählt die Geschichte des Linolschnitts ebenso wie die biografischen Rahmenbedingungen, unter denen der Künstler die Werke schuf.
Mit rund 100 Abbildungen führt der Band durch einen Bildkosmos aus Stierkampfszenen, mythologischen Darstellungen und Porträts. Zahlreiche Probe- und Zustandsdrucke belegen den experimentellen Umgang Picassos mit dem Medium des Linolschnitts. Die zwischen 1954 und 1968 entstandenen Werke dokumentieren vor allem das reife Schaffen des Spaniers und gleichzeitig atmen die Bilder die fast jugendliche Beschwingtheit eines Künstlers, der mit über 70 Jahren noch einmal „Lehrling“ in einer von ihm unerprobten Technik wurde.
Peter Paul Rubens is not only one of the most important painters of the Baroque; he is also a virtuoso of the art of transformation. More than virtually any other artist he sought inspiration in the works of other artists and was thus constantly reinventing his art in a highly radical manner. Here you can look over Rubens’s shoulder and immerse yourself in the creative process through which his masterpieces took shape.
Picasso’s work appears never to have ceased to haunt the imagination of his peers. The great stylistic periods and certain emblematic works by Picasso like "Les Demoiselles d’Avignon" or "Guernica" will be answered by contemporary artworks. The publication will showcase the rich confrontation with Picasso’s work undertaken by contemporary artists since the 1960s.
Pablo Picasso’s vibrant presence struck a chord in the 1960s with the return to Picassien archetypal figures by Pop Art and Narrative Figuration by Warhol, Lichtenstein, Equipo Cronica, Erró. Martin Kippenberger’s self-portraits reveal the impact of Picasso’s public image on the imagination of 20th century artists. David Hockney’s Polaroid composites and multi-screen videos echo Picasso’s Cubism and his exploration of a polyfocal space. Picasso’s stylistic eclecticism, his “cannibalism” of the old masters, the free craftsmanship of the later paintings inspired a new generation of artists like Georg Baselitz, Jean-Michel Basquiat, or Julian Schnabel. Rineke Dijkstra’s video installation "I See a Woman Crying (Weeping Woman)", (2009-2010) will demonstrate the presence of Picasso’s work in contemporary imagination, in its most diverse means of expression (cinema, digital images, from videos to comic strips).
Camille Pissarro (1830–1903) galt unter seinen Künstlerfreunden als der erste Impressionist. Seine Graphik setzt die Ideen dieser Maler an der Schwelle zur Moderne in sensible und variationsreich ausgeführte Bilderfindungen um.
Der Katalog des Picasso-Museums in Münster erschließt damit einen vergessenen Aspekt auf die Innovationen des Impressionismus. Zwar war Pissarro der Älteste unter den Pariser Impressionisten, doch liefen bei ihm die Impulse ihrer künstlerischen Neuausrichtung zusammen.
Auf der Suche nach einer malerisch befreiten Bildform stieß er gemeinsam mit Cézanne, Guillaumin und Gachet auf die Möglichkeiten der Graphik. Das skizzenhafte Arbeiten mit Radierung und Lithographie erlaubte ihnen die Fixierung des Moments. Der Zustand der Druckplatten war nie definitiv, sondern ließ prozessual Motivveränderungen zu. Der einzelne Abzug wurde so zum kostbaren Dokument des Unwiederbringlichen.
Das mit vielen illustrativen Details ausgestattete Katalogbuch zeigt die Bandbreite des graphischen Schaffens von Pissarro und öffnet den Blick für eine ganz besondere Variante des Impressionismus.
In around 1600, Rome was the center of the art world. Attracted by Caravaggio’s spectacular success, young artists from all over Europe converged on the bustling metropolis to study and discuss his breathtaking and unconventional works, each using his style to develop their own individual pictorial language. Artists from the Dutch tradition were particularly influenced by the Italian master’s dramatic use of lighting and perspective, and carried Caravaggio’s merciless realism to extremes.
Featuring more than seventy paintings, this stunning volume traces the careers of the most important Utrecht Caravaggists—from Hendrick ter Brugghen to Gerard van Honthorst and Dirck van Baburen—and illuminates the wider atmosphere of rebellion and renewal in the art world during this time.
Making van Gogh focuses on the œuvre of Vincent van Gogh in the context of its reception. The publication examines the particular role which German gallerists, collectors, critics and museums played in the story of his success. At the same time it sheds light on the importance of van Gogh as a role model for the avant-garde generation of artists.
Marc Chagall (1887–1985) is regarded as the poet amongst modernist artists. His works from the 1930s and 1940s are less well known. In them, his bright colour palette became darker. Even in the early 1930s, Chagall addressed the increasingly aggressive anti-Semitism and touched in his artistic works on central themes such as identity, homeland and exile. In over 100 haunting paintings, works on paper and costumes, the volume traces the artist’s search for a pictorial language in the face of displacement and persecution. It presents important works in which Chagall increasingly focuses on his Jewish environment: numerous self-portraits, his devotion to allegorical and Biblical subjects, important designs from his time in exile in the United States and main works like The Falling Angel. The book offers a highly topical perspective on the oeuvre of one of the most important artists of the 20th century.
Egon Schieles Tod jährt sich 2018 zum 100. Mal. Aus diesem Anlass zeigt das Belvedere seine Schiele-Gemäldesammlung mit Highlights wie Eduard Kosmack, Hauswand, Tod und Mädchen, Die Umarmung und Vier Bäume. Das Buch lädt ein, die Arbeitsweise des Künstlers näher kennenzulernen und die spannenden Wege seiner Werke ins Museum nachzuverfolgen. Die Österreichische Galerie erwirbt 1918 als erstes österreichisches Museum zu Lebzeiten des Künstlers ein Ölbild von ihm, heute Teil einer der qualitativ besten Sammlungen von Gemälden Schieles aus den Jahren 1907 bis 1918. Der Katalog setzt sich mit jedem einzelnen Werk auseinander und beantwortet Fragen nach dem Erwerb, den Motiven sowie verwandten Arbeiten. Gleichzeitig präsentiert der Band erstmalig die Ergebnisse der seit 2016 laufenden maltechnischen Untersuchungen. Zudem wird die Sammlungsgeschichte des Schiele-Bestandes beleuchtet, der sich durch Museumsreformen, Bildertauschaktionen und die Restitution einzelner Werke gewandelt hat.
"Dürer’s Praying Hands" is one of the world’s most popular artworks. Few artists have changed the art world more profoundly than Leonardo and Dürer. Both bring their subjects to life with breathtaking virtuosity, creating masterpieces of incredible intimacy.
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